Neil Young / Uncle Neil's Music & The Man Behind The Fog On His Journey To The Top

Ser rock antes que parecerlo


El canadiense Neil Young, a los 67 años y con medio siglo de carrera, publicó sus memorias y grabó dos discos junto a los Crazy Horse.


Escenarios Música 29/01/13
Por Guillermo E. Pintos

Neil Young integra el nutrido pelotón de los veteranos que lucen en digno estado de plenitud y alimentan su leyenda en un momento de alta cotización vintage en el gastado rock del siglo XXI. Con Bob Dylan y los Rolling Stones a la cabeza y una hipotética lista que además integran Van Morrison, Scott Walker, Leonard Cohen, Lou Reed, Dr. John y Mark Knopfler entre otros, se trata de una aristocracia que sobrevivió a sus excesos en la vida loca de juventud, remontó la curva descendente creativa y, lo más importante, eluden la decadente compulsión –que alguna vez los invadió a varios de ellos– por subirse a cada nueva ola que llegue a la costa. Ser antes que parecer es la cuestión. En cada caso, las particularidades propias de personalidades con musculosos Super yo hacen la diferencia. Young tiene 67 años y una historia familiar difícil, surcada por varias íntimas tragedias, que inevitablemente marcaron una extraordinaria carrera musical de cinco décadas. Sin embargo, luce activo y vital, atizando el fuego de su propio mito con leña recién cortada. En 2012 editó dos discos en apenas cuatro meses y medio, y también sus memorias, un largo relato de 497 páginas sin una secuencia temática lineal (al estilo Chronicles, de Bob Dylan), titulado Wagin heavy peace que todavía no tiene fecha de publicación en la Argentina. El libro, escrito según su autor apenas por haberse accidentado en la pileta y tener tiempo libre, sigue en la estela de recientes éxitos editoriales en dónde el tótem rockero cuenta su versión de la historia, tal como sucedió con el citado Dylan, Keith Richards (Life) y ahora más recientemente Pete Townshend (Who I am).

 La ráfagra creativa del músico canadiense, al que buena parte del mundo considera estadounidense, comenzó con la edición de Americana, un disco de versiones garaje de clásicos del folclore de los Estados Unidos (“Oh Susana”, “This land is your land”, entre ellas) que grabó de una con su mítica banda Crazy Horse. “Quería juntarme con ellos a rockear”, simplificó cuando le preguntaron la razón de ser de este disco. A la vista de los resultados, Americana resultó el calentamiento precompetitivo de una formación que él mismo definió como “una ventana al cosmos”, previa al verdadero compromiso que vino en envase doble. Psychedelic Pill es el primer disco de canciones nuevas de Neil Young que grabó con ellos desde 1996. Y el estilo es el mismo porque suena como puede esperarse, sin intervención digital ni ambiciones de trascendencia melódica. Cuando la formación clásica de rock que componen Ralph Molina, Billy Talbot y Frank “Poncho” Sanpedro echa a andar, no se sabe muy bien dónde pueden terminar. Envuelven con el zumbido de sus guitarras eléctricas sobre una base monolítica de bajo y batería, y... Allí todo puede pasar: pasajes de calma se cruzan con arranques de furia, en una suerte de contrapunto emocional convertido en rock ardiente pero a la vez tierno. Todo coronado con el excepcional registro agudo de Young, su marca de fábrica. En vivo, se replica el modus operandi pero el impacto es aún mayor. El público porteño que aguantó una tormenta de verano en el verano de 2001 en el Campo de Polo y se quedó para verlos cerca de la medianoche, puede dar testimonio de ello. Fue la única vez que Young tocó en Buenos Aires, también una experiencia excepcional.

 Al respecto, bien vale la muestra inicial de Psychedelic Pill: el track 1 es una cabalgata eléctrica con claros y oscuros titulada “Drifting back” que dura 27 minutos y reclama el calificativo de jam rockera en estado puro, una clase de cómo tocar para derribar un muro. “I’m drifting back” (algo así como “vuelvo lentamente”) repite el nombre como un mantra y va subiendo la intensidad hasta estallar en un choque de guitarrazos que se extiende durante casi media hora. Nada menos. De ahí en más, otros 61 minutos de baladas y rocks que muestran a Crazy Horse en estado de gracia. Como una manada de caballos salvajes galopando a campo traviesa, estos cuatro señores mayores dan rienda suelta al volumen de sus instrumentos y entregan un fervoroso testimonio de su pasión por tocar juntos. Se los puede imaginar como se los ha visto en vivo: levemente encorvados y reunidos en el espacio de un pequeño círculo de forma más o menos irregular, sacudiendo sus cabezas llevados por el ritmo y con los ojos cerrados, inmersos en un viaje hacia ningún lugar. “Cualquier viaje con los Horse posiblemente no tenga destino cierto”, escribió en su libro a manera de certera definición sobre el estilo de su banda de toda la vida. Con las interrupciones de sus discos solistas, sus reuniones con David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash y sus inesperados encuentros con Devo y Pearl Jam por citar algunos, lleva 44 años tocando con esta banda y no habría por qué cambiar. “Es una proposición ‘Tómalo o déjalo’”, escribió el crítico Jon Pareles en The New York Times sobre el disco. También es una buena forma de resumir el estilo Neil Young de interpelación al oyente medio rockero. No se puede permanecer neutral.

http://www.revistaenie.clarin.com/escenarios/musica/Neil-Young-Americana-Psychedelic-Pill_0_854314600.html

Neil Young & Crazy Horse - "Psychedelic Pill"

"Psychedelic Pill" (Official Video) © 2012 WMG

The Rest is Noise / A Year Long Series Of Concerts, Performances & Films In London

Las teorías de Alex Ross se ‘convierten’ en un festival londinense

Cerca de 150 actos con cine, literatura y música repasan la historia del siglo XX. La celebración comienza con 'Salomé' de Strauss y cerrará con 'El Niño' de John Adams.

Londres 19 ENE 2013 - 01:47 CET

Por Barbara Celis

Suele ocurrir que un libro se transforme en película, en obra de teatro o incluso en musical. Pero es poco habitual que un ensayo, tras correr de mano en mano y convertirse en best-seller, se transforme en otra cosa. Y sin embargo, a eso aspira el centro cultural Southbank Centre de Londres, que desde hoy acoge un ambicioso festival de un año de duración que toma su nombre del libro en el que se ha inspirado: El ruido eterno. Escrito por el crítico musical de la revista The New Yorker, Alex Ross, este exhaustivo compendio sobre ese concepto a menudo confuso que es la llamada música clásica moderna, caló hondo entre los lectores españoles y estadounidenses.

En él, Ross ofrecía no solo un minucioso recorrido musical a través de gran parte de la banda sonora del siglo XX, si no que contextualizaba política, económica y culturalmente la música contemporánea. Cuando Jude Kelly, directora artística del Southbank Centre, leyó esas audaces teorías inmediatamente telefoneó a Ross. “Déjame subirlo a un escenario”, le dijo.

De Strauss a Zappa

Seis años más tarde, Kelly se dispone a levantar el telón de un festival que ofrecerá 100 conciertos que recorren el siglo XX y que arrancan con la opera Salomé de Strauss y se clausurará en diciembre con el oratorio El Niño de John Adams, compuesto en 2000. Además de contar con la participación de algunas de las mejores orquestas del mundo, en el programa se incluyen joyas únicas como la que se anunciaba el jueves: 200 Motels, la banda sonora compuesta por Frank Zappa en los años setenta y que dio origen al documental homónimo. Zappa trabajó junto a Zubin Mehta y la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles en una composición de casi dos horas que nunca llegó a estrenarse en suelo británico puesto que las autoridades consideraron obscena la película y censuraron el concierto que Zappa tenía previsto ofrecer en Londres en 1971.

Además de música, el festival aspira a explicar a través de 150 actos —que incluyen cine, literatura, exposiciones y conferencias— todos los cambios y hechos relevantes del siglo XX que, como escribió Alex Ross, están inextricablemente unidos a los sonidos de un siglo que pocas veces se ha pretendido abarcar de forma tan ambiciosa por una institución cultural.

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/01/18/actualidad/1358537701_841167.html

The Rest is Noise - The Soundtrack to the 20th Century (Southbank Centre)

In 2007 Alex Ross wrote the seminal book The Rest Is Noise - listening to the Twentieth Century.Throughout 2013 we bring the book alive, with nearly 100 concerts, performances, films, talks and debates. We take you on a chronological journey through the most important music of the 20th century and dramatise the century's massive political and social upheavals. The London Philharmonic Orchestra, with over 30 concerts, is the backbone of this festival, which reveals the stories behind the rich, exhilarating and sometimes controversial compositions that have changed the way we listen forever.

Primavera Sound Barcelona 2013 / Nick Cave & The Bad Seeds, Daniel Johnston i molt més

Primavera Sound Barcelona 2013

2013-01-23

Primavera Sound devela los nombres de su decimotercera edición que tendrá lugar del 22 al 26 de mayo en Barcelona. A los británicos Blur, único nombre anunciado hasta ahora, se unen el dúo The Postal Service con su sorprendente retorno a los escenarios, los hermanos Reid al frente de The Jesus And Mary Chain, Nick Cave capitaneando una de la máquinas más engrasadas del rock de culto: The Bad Seeds, los franceses Phoenix, que presentarán su esperado nuevo disco, y la vuelta al festival de My Bloody Valentine, el grupo liderado por Kevin Shields que en esas fechas ya habrá editado la continuación del mítico "Loveless".

El desfile de nombres con enjundia no acaba aquí. Tame Impala, autores del disco más alabado del 2012, la crew neoyorquina Wu-Tang Clan celebrando veinte años de existencia con su formación original, los granadinos Los Planetas, quienes tocarán íntegramente su celebrado "Una semana en el motor de un autobús", Animal Collective y Grizzly Bear, dos grupos cuyas carreras tenían muchos puntos de unión pero que han acabado creando universos propios y diferenciados, los enigmáticos The Knife en uno de sus escasos conciertos, la cantautora Fiona Apple, los americanos Band Of Horses y el británico James Blake.

Por si esto fuera poco, el festival brindará la ocasión de ver por primera vez en nuestro país al renacido músico de los sesenta Rodriguez o a Dexys, formación liderada por Kevin Rowland (y antes conocida como Dexys Midnight Runners), comprobar el buen estado de forma de bandas americanos como Deerhunter, Dinosaur Jr., Local Natives o Crystal Castles, y disfrutar de la descarga de energía de dos grupos emparentados por sus brutales guitarras: Neurosis y Swans. La mirada a los 80 de Solange, la interpretación íntegra de "Last Splash" a cargo de The Breeders, la visita del genio de culto Daniel Johnston, el directo interactivo de Dan Deacon o los ya clásicos Shellac también formarán parte de un cartel de lujo.

Como siempre Primavera Sound está atento a la escena musical más cercana y, además de la presencia de Los Planetas en el Parc del Fòrum, contará con los barceloneses Manel presentando su tercer disco, el dj set de nuestro músico más conocido fuera de nuestras fronteras John Talabot, el pop de tintes surrealistas de los mallorquines Antònia Font, El Inquilino Comunista, históricos de los 90, la poderosa propuesta de los madrileños Toundra, los andaluces Pony Bravo y Guadalupe Plata, el pop elegante de Extraperlo, la presentación del segundo trabajo de The Suicide Of Western Culture, la experimentación de Betunizer y otros artistas de plena actualidad como La Bien Querida, Tarántula, Fred I Son, La Brigada, The Free Fall Band, Hidrogenesse o L’Hereu Escampa.

La música de baile y el pop electrónico también tienen su sitio reservado en el festival. Las aventuras sónicas de Kieran Hebden al frente de Four Tet, la nueva sensación del house británico Disclosure, el pop pluscuamperfecto de Hot Chip o el arrasador directo de Simian Mobile Disco son los principales alicientes en este terreno. Y además podremos presenciar un set especial de Jackmaster dedicado a los 80, y escuchar desde el italo disco revisitado de The Magician, hasta los reyes del daytime disco californiano Poolside pasando por Daphni, el nuevo proyecto de Dan Snaith (Caribou).

Pero si por algo se ha caracterizado Primavera Sound a lo largo de su andadura es por su amplitud de miras, algo que seguirá patente en la edición 2013. El festival posa su mirada en África y Oriente Próximo, lo que se traduce en las visitas del músico etíope Mulatu Astatke, la influyente banda de Mali Tinariwen, el afrobeat de la Orchestre Poly Rythmo De Cotonou y el sirio Omar Souleyman.

Además de la programación principal, que se repartirá entre ocho escenarios (incluyendo el Auditori), el Parc del Fòrum acogerá otras actividades como la feria discográfica, tradicional punto de encuentro de sellos independientes nacionales e internacionales, la feria de posters de conciertos Flatstock, que repite tras su exitoso debut el año pasado, y la actividad infantil minimúsica, que presentará un puñado de actuaciones musicales en las que grupos de música adaptarán su repertorio para los más pequeños.

Por su parte, Primavera a la Ciutat continúa con el reto de encontrar nuevas formas de acercar la música a todos los públicos. En esta ocasión su centro neurálgico estará localizado en el propio Parc del Fòrum, donde uno de sus escenarios acogerá el miércoles 22 de mayo, día de la jornada inaugural, los conciertos de The Vaccines, Delorean, Guard, The Bots y Aliment con entrada totalmente gratuita.

Primavera a la Ciutat contará también con otras actividades como Primavera al Parc, Primavera als Clubs o la proyección de documentales musicales de la mano de Beefater In-Edit.

Primavera Sound Barcelona 2013

Adam Green & Binki Shapiro, Aliment, Animal Collective, Antònia Font, Apparat plays Krieg und Frieden, The Babies, Band Of Horses, Barry Hogan Dj, Betunizer, Blue Willa, Blur, Bob Mould, Bored Spies, The Bots, The Breeders performing Last Splash, Camera Obscura, Cayucas, Chris Cohen, Christopher Owens, Dj Coco, Crime & The City Solution, Crystal Castles, Dan Deacon, Daniel Johnston, Daphni, Daughn Gibson, Daughter, Dead Can Dance, Dead Skeletons, Death Grips, Deerhunter, Degreaser, Delorean, Dexys, DIIV, Dinosaur Jr., Disclosure, Do Make Say Think, Dope Body, El Inquilino Comunista, Ethan Johns, Extraperlo, Fidlar, Fiona Apple, Four Tet, Foxygen, Fred I Son, The Free Fall Band, Fuck Buttons, Fucked Up, Ghostigital, Glass Candy, Goat, Grizzly Bear, Guadalupe Plata, Guardian Alien, Guards, Hal Flavin, Hidrogenesse, Honeybird & The Birdies, Hot Chip, Hot Snakes, How To Dress Well, Jackmaster presents Tweak-A-Holic, James Blake, Jessie Ware, The Jesus And Mary Chain, John Talabot, Jozev Van Wissem & Jim Jarmusch, Killer Mike, King Tuff, The Knife, Kurt Vile & The Violators, L'Hereu Escampa, La Bien Querida, La Brigada, Liars, Local Natives, Los Planetas tocan Una semana en el motor de un autobús, Mac DeMarco, The Magician, Manel, Matthew E. White, Meat Puppets, Melody’s Echo Chamber, Menomena, Merchandise, Metz, Mount Eerie, Mulatu Astatke, My Bloody Valentine, Neko Case, Neurosis, Nick Cave & The Bad Seeds, Nick Waterhouse, Nils Frahm, Nurse With Wound, Om, Omar Souleyman, Orchestre Poly Rythmo De Cotonou, Paus, Peace, Phoenix, Pony Bravo, Poolside, The Postal Service, Rodriguez, Roll The Dice, Savages, The Sea And Cake, Sean Nicholas Savage, Shellac, Simian Mobile Disco, Solange, The Suicide Of Western Culture, Swans, Tame Impala, Tarántula, Thee Oh Sees, Tinariwen, Titus Andronicus, Toundra, The Vaccines, White Fence, Wild Nothing, Woods, Wu-Tang Clan.

http://www.primaverasound.com/

Primavera Sound Barcelona 2013 - Line-Up

Owen Jones / Chavs: The Demonization Of The Working Class

Chavs: La demonización de la clase obrera por Owen Jones 

Traducción de Íñigo Jáuregui

En la Gran Bretaña actual, la clase trabajadora se ha convertido en objeto de miedo y escarnio. Desde la Vicky Pollard de Little Britain a la demonización de Jade Goody, los medios de comunicación y los políticos desechan por irresponsable, delincuente e ignorante a un vasto y desfavorecido sector de la sociedad cuyos miembros se han estereotipado en una sola palabra cargada de odio: Chavs.

En este aclamado estudio, Owen Jones analiza cómo la clase trabajadora ha pasado de ser «la sal de la tierra» a la «escoria de la tierra». Develando la ignorancia y el prejuicio que están en el centro de la caricatura chav, retrata una realidad mucho más compleja: el estereotipo Chav, dice, es utilizado por los gobiernos como pantalla para evitar comprometerse de verdad con los problemas sociales y económicos y justificar el aumento de la desigualdad. Basado en una investigación exhaustiva y original, este libro es una crítica irrefutable de los medios de comunicación y de la clase dirigente, y un retrato esclarecedor e inquietante de la desigualdad y el odio de clases en la Gran Bretaña actual. La edición incluye un nuevo capítulo que explora las causas y las consecuencias de los episodios de violencia que ocurrieron durante el verano de 2011 en Inglaterra.

http://www.capitanswinglibros.com/catalogo.php/chavs-la-demonizacion-de-la-clase-obrera




El pueblo contra el proletariado



Owen Jones denuncia en un exitoso ensayo la demonización interesada de la clase obrera. El autor es una de las promesas del pensamiento británico

Patricia Tubella Londres 16 ENE 2013 - 00:13 CET

Aunque la palabra chav resulta intraducible a otras lenguas, cualquier recién llegado a Reino Unido intuirá de inmediato que ese concepto tan recurrente en los medios de comunicación locales no significa nada bueno. El chav es una persona de clase baja y a menudo joven, adepta a la ropa deportiva de marca (real o de imitación). Un ser vulgar y rayano en el comportamiento antisocial, según los diccionarios ingleses que han incorporado el nuevo e informal vocablo. Los seguidores españoles de la serie humorística de la BBC Little Britain pueden identificarlo en el personaje de Vicky Pollard, madre soltera adolescente que viste un horrendo chándal rosa, roba chucherías en el supermercado y busca nuevos embarazos para seguir cobrando el cheque de ayuda social. El periodista y escritor Owen Jones (Sheffield, 1984) es probablemente uno de los pocos televidentes que no le ríen las gracias, porque ve en esa Vicky el estereotipo al que ha sido reducida la clase trabajadora por parte de una élite política y periodística: una especie irresponsable, indeseable y parásita en la que nadie se reconoce.

“La pobreza y el paro ya no son percibidos como problemas sociales, sino en relación con los defectos individuales: si la gente es pobre, es porque es vaga. ¿Para qué tener entonces un Estado del Bienestar?”, plantea Jones en el libro Chavs: La Demonización de la Clase Obrera (Capitán Swing Libros) que ha provocado muchos oleajes en el Reino Unido y lo ha convertido en un referente de la nueva izquierda británica. El autor de ese diagnóstico no es ningún veterano nostálgico de otros y mejores tiempos, sino el portador de un rostro angelical y aniñado que no hace justicia a sus 28 años. Un joven que transita por Londres en bicicleta y que fácilmente podría confundirse entre el grupo de estudiantes que visita la British Library, lugar que ha propuesto para la cita. Y, sin embargo, una primera obra lo ha convertido en una estrella mediática, indispensable en los debates de calado, y ha traspasado los confines nacionales hasta merecer la atención de medios tan influyentes como The New York Times y su traducción a varias lenguas, entre ellas la española. En la versión que llega a las librerías se añade un epílogo con un brillante análisis de las razones de los disturbios que asolaron Gran Bretaña en verano de 2011 y sobre los que los medios informaron estableciendo vínculos entre la devastación callejera y los tópicos chav, como la capucha o la influencia de los videojuegos.

Él mismo reconoce que, “de haberse publicado tres o cuatro años antes, cuando los estragos de la crisis económica no eran tan palpables, el libro quizá no habría suscitado el mismo interés”. “Los chavs son un fenómeno muy británico, pero por ejemplo España también es un país de clases, una sociedad desigual donde los brutales programas de austeridad se están cebando en la gente corriente”.

Lejos de un farragoso tratado, el libro de Jones es fácil de leer e ilustra con ejemplos actuales y bien conocidos del público su tesis sobre la demonización de la clase obrera: “Pretendo desmontar los mitos (asentados en más de tres lustros de bonanza económica) de que ‘ahora todos somos de clase media’, que la división de clases es anticuada y que la creciente desigualdad es producto de los fallos del individuo”.

La obra da saltos en el tiempo para reflexionar sobre el antiguo concepto de una clase obrera respetada como uno de los puntales de la economía hasta su conversión en esa “escoria que pretende el establishment neoliberal”. También es una diatriba contra los medios, transformados “en una élite encerrada en una burbuja de privilegios y desconectada de los problemas de la gente corriente”. Ellos han contribuido a forjar en el imaginario colectivo la perniciosa noción del chav. Jones describe en el libro el tratamiento desigual y sesgado que tuvieron en la prensa sendos secuestros de dos niñas inglesas, Madeleine McCann y Shannon Matthews. De la primera, la hija de una pareja de médicos cuyo caso mereció enorme cobertura también en España, llegó a escribirse: “Esto no suele sucederle a gente como nosotros” (léase clase media).

La madre de la segunda, una mujer que vive de los beneficios sociales, fue desde el primer momento estigmatizada como una chav incapaz de cuidar de su prole. Y, por extensión, lo fue toda la clase que encarna, mientras se obviaba la movilización de su comunidad para localizar a Shannon.

“Vivimos en una era de reacción y derrota”, se lamenta este activista cuyo objetivo esencial es “recuperar una voz para la clase obrera, aquella que hace tres décadas trabajaba en la mina, las fábricas y los muelles y que hoy lo hace en supermercados, call centers o cafés” por sueldos de risa. La mayoría pertenecen a su generación y ya no son un colectivo organizado como antaño. Si bien el movimiento de los indignados que ocupó la City, Wall Street y las calles españolas “llenó un vacío y ayudó a expresar la ira de la gente”, Jones considera que “no es una alternativa”. Ahí se manifiesta el hijo de un matrimonio de sindicalistas, con carné del Labour desde los 15 años, a pesar de la “traición” que ha supuesto el viraje de este partido hacia la derecha. ¿No cree que muchos jóvenes consideran a los sindicatos una antigualla de la era pretecnológica? Responde con otra pregunta: “¿Por qué es anticuado querer que los trabajadores se unan y se apoyen?”

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/01/15/actualidad/1358278592_990645.html

Lumpen del siglo XXI

La obra de Owen Jones deconstruye con acierto los mitos de la revolución conservadora

Joaquín Estefanía 16 ENE 2013 - 00:29 CET

A mediados del siglo XIX, Marx definió la categoría de lumpemproletariado.Con la vibrante literatura que practica cuando ejerce de periodista, escribe en El 18 Brumario de Luis Bonaparte: “Se organizó el lumpemproletariado de París en secciones secretas (…) junto a roués arruinados con equívocos medios de vida y de equívoca procedencia, junto a vástagos degenerados y aventureros de la burguesía, vagabundos, licenciados de tropa, licenciados de presidio, huidos de galeras, timadores, saltimbanquis, lazzaroni, carteristas y rateros, alcahuetes, dueños de burdeles, mozos de cuerda, escritorzuelos, organilleros, traperos, afiladores, caldereros, mendigos, en una palabra toda la masa informe, difusa y errante que los franceses llaman la bohème”.

Desde aquí se acuñó el concepto de lumpen, que ha evolucionado con la sociedad de cada tiempo pero que ha aglutinado siempre, como elementos constantes de sus componentes, los de ser la clase social más baja, sin conciencia de clase (la clase en sí frente a la clase para sí) y sin organización política ni sindical. Así, la estratificación social estaba formada por los andrajosos, la clase obrera y la clase alta. Un siglo y pico después, cuando la revolución conservadora que inició Margaret Thatcher en Gran Bretaña y Ronald Reagan en EE UU se hizo hegemónica, irrumpieron con fuerza las hasta entonces incipientes clases medias, las sociedades de propietarios, a las que trataron de sumarse en el ejercicio del progreso social los proletarios y parte de los más abajo. El icono principal de esas clases medias era la vivienda en propiedad, para lo cual debían endeudarse para toda la vida y depender del crédito de los bancos.

Los efectos de la Gran Recesión inaugurada en el verano del año 2007, que se trata de la crisis más larga y profunda del capitalismo desde la Gran Depresión de los años treinta, suprimen la movilidad de las clases sociales y quiebran esa idea del progreso lineal. El empobrecimiento de las clases medias las está arrastrando, de nuevo, a la parte más baja de la escala social. Como el mito de Sísifo. Y ello en un contexto de desigualdad (de ingresos, de patrimonios, de oportunidades) brutal. Muchos analistas comienzan a hablar de una nueva estratificación social en esta segunda década del siglo XXI, cuyos extremos son los desafiliados (Robert Castel), aquellos que van quedándose al margen del progreso, y las elites que se rebelan (Christopher Lasch), abandonan al resto de las clases sociales a su albur y traicionan la idea de una democracia concebida por todos los ciudadanos. Estas élites, financieras, políticas o mediáticas, redistribuyen los estereotipos de la clase trabajadora a la que culpabilizan por haber vivido por encima de sus posibilidades, y los de las subespecies como la de los chavs de Owen Jones, parte del nuevo lumpemproletariado del siglo XXI: jóvenes que ni estudian ni trabajan, parados o con sueldos tan bajos que ser mileuristas es su utopía factible, poco reivindicativos pero con sensación de pertenencia a una tribu, y siempre con un teléfono móvil en su mano y ataviados con alguna prenda (original o copia) de marca. Con mucho acierto, Jones ha pretendido con su libro sobre la demonización de la clase obrera deconstruir los mitos de la revolución conservadora (todos somos clase media) y los efectos de la desigualdad extrema (como desigualdad natural) en la calidad de la democracia y en la cohesión social.

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/01/15/actualidad/1358280228_235500.html

V8 / 30 Años! "Luchando por el metal"

30 Años de V8: No detenga su motor

Reeditan Luchando por el metal en vinilo para España a tres décadas de su lanzamiento; historias y curiosidades de un disco fundamental para el heavy latinoamericano.

21.01.2013 | 13:38
Por Juan Ignacio Provéndola

Cuenta la historia que, para grabar el motor de trina en la intro de "Destrucción", el grupo tuvo que conformarse con un Torino que estaba cerca del estudio porque no había un motor V8 a mano y los tiempos de grabación apremiaban. ¿Habrá imaginado Ricardo Iorio, mientras estaba agachado en un estacionamiento con un grabador de cinta abierta, que ese futuro vinilo iba a rodar en tocadiscos de otros continentes? Él tal vez no, pero Carlos Rodríguez sí. Boom Boom Kid, claro. Aunque con unos años de diferencia. 30, precisamente, que son los que se cumplen en 2013 de la salida de Luchando por el metal, obra fundamental de nuestro jevi criollo, ahora editada en España por la incidencia del ex Fun People.

"Un día llega Carlos a mi oficina en Buenos Aires y me dice que unos españoles le habían preguntado por V8, Pappo, Riff y Los Violadores. Son unos freakys que se dedican a editar vinilos de artistas de culto", cuenta Mundy Epifanio, manager histórico del grupo y uno de los dueños de los derechos de edición de la breve pero intensa discografía de V8. Es un lanzamiento especial de 500 unidades que, aclara, "tiene gran valor emotivo, ya que en esas cantidades lógicamente no estamos hablando de un negocio para hacer dinero".

V8 comenzó a grabar este disco en abril de 1983, cuando le surgió una posibilidad en Audiomagnética. "Era un sello pequeño que editaba grupos de cuarteto, discursos de Evita y también a unos cordobeses que contaban chistes. Para nosotros significaba una buena oportunidad, porque el demo que teníamos era re limitado y sabíamos que iba a ser imposible grabar en las grandes compañías siendo heavies y cantando "basta de hippie, basta del morral", cuando el rock nacional eran Nito Mestre y el Dúo Fantasía", recordó el cantante Alberto Zamarbide.

Argentina atravesaba su inquietante transición entre las heridas de Malvinas, la profundización de la crisis económica, social y moral de la dictadura y la nueva esperanza democrática. Nueve canciones en 27 minutos condensaron la furia de un vendedor de verduras, un cuidador de una galería, un repartidor de mensajería y un tintorero. El odio, la bronca y el hastío de "Muy cansado estoy", la vida a cuatro mil revoluciones y la posibilidad de la muerte a la vuelta de la esquina de "Ángeles de las tinieblas", la crítica disimulada en la mala praxis de un dentista en "Torturador". Y verdaderos manifiestos genéticos que luego definieron al por entonces incipiente movimiento jevi como "Tiempos metálicos" y "Brigadas metálicas", el único en la historia de V8 que tuvo un video "oficial", producto de una compaginación que el por entonces manager Pedro Leontjew (también diestro editor de imagen y sonido) realizó con imágenes en vivo del grupo y escenas de la película La naranja mecánica. Iorio comenzaba a insinuarse como un escritor auténtico y notable, aunque fue del ingenio de Gustavo Rowek que salió el primer gran himno del metal criollo. "Destrucción", según el baterista, fue hecho "en una fábrica de coladas de plástico donde duré solo 21 días porque hice de todo para que me echaran". "Ya no creo en nada, ya no creo en tí", comienza cantando Zamarbide entre dientes, aunque la versión primigenia decía algo así como "ya no creo en nada, solo creo en el fusil".

El estreno discográfico de V8 salió a la calle en julio de 1983 con el título y de su autor sobre un sórdido fondo negro. Un arte austero que poco guardaba con la ambiciosa idea original de publicar una imagen con los fanáticos del grupo en Barrancas de Belgrano. Pero la foto nunca llegó a sacarse: el día de la producción, la policía irrumpió en el lugar y se llevó a todos detenidos a la Comisaría 33ª.

El disco no fue un gran suceso comercial para un grupo marginado de los grandes circuitos del rock argentino (recordar, sino, el entredicho de Iorio con el público del BA Rock 82). Su valor simbólico, como sucedió tantas otras veces, emergió recién con el paso de los años y la evolución de la leyenda, llegando a ser reconocido como influencia por bandas como Sepultura. Epifanio ya había utilizado los derechos para reeditar en 2001 los tres discos de estudio en una antología que también incluyó grabaciones en vivo, material inédito y una extensa biografía.

La memorabilia alentó ese año la aparición de dos tributos, uno editado por el sello Nems con varios artistas extranjeros (entre ellos los españoles Barón Rojo, alguna vez taloneados por V8 en Obras) y otro a cargo de Dejesú Records, el emprendimiento discográfico de Ricardo Iorio. A fines de ese año, Almafuerte había lanzado un disco en vivo que incluía un popurrí con cinco canciones de V8, grupo raramente refrendado por Iorio en los repertorios de su banda actual.

Una inédita coincidencia alentó rumores y expectativas. Fue en el Gesell Rock 2006, cuando Iorio, Rowek, Zamarbide y Miguel Roldán (el último guitarrista de V8) coincidieron con sus grupos el mismo día, aunque el reencuentro sobre el escenario jamás se produjo. "Si me vienen a ofrecer medio millón de pesos para armar V8 les digo que no, porque mi carrera nunca fue hecha por dinero, aunque no tenga ni para comprarme forros", sentenció Iorio, despejando la bruma de los rumores pero sin poder detener el rugido de un motor que, cada tanto, pega un arrancazo para alegría sus fanáticos.

http://www.rollingstone.com.ar/1547702-30-anos-de-v8-no-detenga-su-motor

V8 - Destrucción - Luchando por el metal (1983)

Ned Kelly / Australia's Best-known Colonial Figure and Folk Hero (Outlaw Legend)

Australia despide y entierra los restos del legendario bandolero Ned Kelly

Sídney (Australia), 18 ene (EFE).- Más de un siglo después de su muerte, el mítico bandolero Ned Kelly, el Robin Hood australiano ahorcado en 1880 por sus delitos, tendrá un funeral católico y será enterrado en un camposanto tal como pidió antes de su ejecución.

AUSTRALIA PATRIMONIO | 04:18 | Viernes, 18 de Enero de 2013

Por Rocío Otoya

Las ceremonias fúnebres por el forajido convertido en leyenda arrancaron hoy en la localidad de Wangaratta, con un funeral en la iglesia católica St Patrick al que asistieron unas 300 personas, entre descendientes, simpatizantes y curiosos.

El oficiante de la misa, monseñor John White, dijo que se trataba "de un día muy importante para la historia de Australia", aunque resaltó que con la ceremonia religiosa no se persigue darle una imagen de "un santo o un pecador", sino solamente rezar por su alma.

Tras la ceremonia, los restos mortales de Kelly, salvo el cráneo que fue robado, recibirán sepultura en una fosa sin inscripción que se ha preparado en el pequeño cementerio en el que reposan los de su madre, en Greta, en una localidad de la zona del interior del estado sureño de Victoria.

Esta previsto que el entierro de los restos del bandolero, quien encarnó para un amplio sector social la lucha contra la opresión y la injusticia durante la colonización británica de Australia, tenga lugar este fin de semana.

Uno de los descendientes de Kelly, Brendan Cooke, dijo que se siente orgulloso de que finalmente se cumpla el último deseo del bandolero, ser despedido con un funeral católico y enterrado en un camposanto.

Para Cook y otros descendientes se trata de un tributo a Edward Kelly, quien murió con 25 años, y no al criminal que fue ahorcado tras los muros de la antigua prisión de la ciudad de Melbourne por matar a tres agentes de la Policía.

La leyenda de Kelly resurgió en septiembre de 2011, cuando los especialistas australianos del Instituto de Medicina Forense de Victoria y los forenses argentinos que colaboraron en los trabajos, confirmaron que los restos humanos que habían analizado por medio de pruebas de ADN eran las de aquel malhechor que fue una pesadilla para las autoridades de la época.

Casi la totalidad de los huesos de Kelly, a excepción de la calavera, estaban en un ataúd de madera en una de las fosas comunes localizadas en 2008 por un grupo de arqueólogos en la que otrora fue la penitenciaría de Pentridge y que fueron exhumados por primera vez en 1929.

Pero al parecer aquellas personas que participaron en el traslado guardaron para sí, de recuerdo, varios huesos del mítico bandolero cuyas andanzas han servido al mundo del cine para hacer películas sobre su vida y cautivaron al rockero Mick Jagger o al fallecido actor Heath Ledger, quienes interpretaron el papel de Kelly.

Las investigaciones para identificar a Kelly comenzaron en 2009, cuando el granjero Tom Baxter entregó a la institución médica una calavera que aseguraba era del bandolero, pero que los análisis y estudios posteriores demostraron que perteneció a otra persona.

El supuesto cráneo de Kelly fue robado en 1978 cuando era exhibido en una urna de cristal en Melbourne.

Para muchos, la leyenda de Kelly refleja el conflicto entre los descendientes de convictos, entre ellos muchos irlandeses, y la por entonces clase dominante formada mayoritariamente por ingleses, así como los valores típicamente australianos de la solidaridad entre compañeros.

Kelly tuvo que asumir a la edad de 12 años el papel de jefe de familia y evitar que se les despojara de las tierras familiares cuando su padre murió a manos de la Policía en circunstancias que nunca se han aclarado y dos años después fue detenido por compartir con sus vecinos un botín que le robó a una familia acomodada.

Su vida como prófugo comenzó en 1878, cuando fue acusado de disparar a un agente de la policía que entró en el hogar familiar para detener a uno de los hermanos menores, Dan.

En la clandestinidad, Dan y Ned se unieron a otros dos amigos y juntos robaron bancos y burlaron a la policía, acciones que fueron contadas por el escritor Peter Carey en su libro "La verdadera historia de la banda de los Kelly" (2000).

La fugaz vida criminal de Kelly terminó en 1880, cuando su banda llegó a la localidad de Glenrowan, cortó los cables del telégrafo y forzó a los trabajadores del ferrocarril a serrar los rieles.

Allí se libró un largo enfrentamiento a tiros con la Policía que acabó con la vida de tres bandoleros y dejó herido a Kelly, quien después de ser detenido, fue enjuiciado y condenado a morir en la horca.

http://www.ultimahora.com/notas/593455-Australia-despide-y-entierra-los-restos-del-legendario-bandolero-Ned-Kelly

 "Who'll Light A Candle In The Morning" - Johnny Ashcroft -
Album "They All Died Game" (1971)

Allen Ginsberg / 'First Blues'

Allen Ginsberg: 'First Blues'

Viernes, 15 de junio de 2007

Publicado en Moreno y El disco rayado

El poeta Allen Ginsberg es el referente indiscutido de rebeldes, hippies, negros y cuanto estudiante de literatura o amigos de la poesía comprometida con el límite del antisistema caminen por el mundo. He leído algunas biografías, pero no es interesante copiar un texto biográfico. Solo resumir que Allen Ginsberg fue un poeta Beat, de los mejores junto a Witman, Kerouac y otros, además de un destacado espécimen de la generación del acido, la experimentación y la revolución del hombre en toda su expresión. Por eso las luchas emprendidas por Gisnberg en contra del imperio, son de las más comprometidas probablemente (al menos mediaticas), en los ardorosos años ’60.

Para mi Allen Ginsberg es el Che Guevara Norteamericano anarkista, hippie, artista en su máxima expresión, por eso cuando encontré este disco en un escaparate "First Blues", no dude un segundo en pensar que estaba cogiendo un testigo directo de una de las épocas más deslumbrantes de la creatividad para la lucha de los derechos humanos, el derecho a la libertad, por sobre todas las cosas.

Allen es uno de los responsables diría yo de la imagen que tiene John Lennon en el mundo (amigo de los Beatles), incluido en una gira por su amigo Bob Dylan, es el justo reconocimiento a la composición y la captación del pulso musical, generado por las canciones de Ginsberg, el genio que en cualquier formato puede hacer aparecer una estrella de una cáscara de Nuez.

Disfruten de Allen Ginsberg y su genialidad, los que no sepan inglés traduzcan sus letras, van a encontrar la justa medida del como se debe componer, y cantar una buena canción, buscando la esencia de cada uno, como lo hizo Allen utilizando la música negra para incentivar al hombre a ser mejor en un mundo terrible.

http://eldiscorayado.blogspot.com.es/

Allen Ginsberg - Vomit Express - From Allen Ginsberg's album, First Blues (1971)

Reeditan First Blues el álbum de Allen Ginsberg

Se reedita el disco que Allen Ginsberg grabó con Bob Dylan

Texto de EFEEME publicado el 18 ene, 2013

Allen Ginsberg, el más mediático de los miembros de la Beat Generation, publicó a largo de los años discos en los que leía sus poemas acompañado de músicos como Philip Glass, Elliott Sharp, Lenny Kaye, Marc Ribot, Arto Lindsay o Hal Willner. Es bien conocida su amistad con Bob Dylan, que en 1971 lo animó a que hiciese su primera grabación musical. De la producción se encargó John Hammond (descubridor de Billie Holiday, Aretha Franklin y Bruce Springsteen, entre otros). Una segunda sesión tuvo lugar en 1976, con miembros de la banda de Bob Dylan Rolling Thunder Review. Finalmente, en 1981 se hicieron nuevas grabaciones y el disco, doble, “First Blues”, fue publicado en 1983. Luego, en 2006, llegó una reedición en CD. Y ahora Ginsberg Recordings anuncia una nueva edición en CD y vinilo. La presentación de esta nueva edición tuvo lugar el pasado miércoles en Nueva York, con la participación, entre otros, de Lou Reed, Anne Waldman, Ambrose Bye, CAConrad, Steven Taylor, Hettie Jones, Andy Clausen.

Además de Bob Dylan, (que puso voz, guitarra, piano y órgano en las canciones –grabadas el 17 de noviembre de 1971– ‘Going To San Diego’, ‘Jimmy Berman Rag’ y ‘Vomit Express’) en “First Blues” particparon, entre otros, Steven Taylor, Anne Waldman, David Amram, Happy Traum, Peter Orlovsky, Arthur Russell, David Mansfield y Jon Sholle.

http://www.efeeme.com/se-reedita-el-disco-que-allen-ginsberg-grabo-con-bob-dylan-escucha-algunos-temas/

Allen Ginsberg - Going to San Diego -
From Allen Ginsberg's album, First Blues (1971)

Eric Burdon / 'Til Your River Runs Dry

El legendario cantante inglés Eric Burdon tiene nuevo álbum 

Domingo 13 de enero de 2013

Uno de los grandes cantantes en la historia del rock inglés lleva el nombre de Eric Burdon y ha escrito algunas páginas memorables en la historia del género no sólo en su país sino en el mundo. Su estilo vocal, medio ronco, pedregoso y lleno de energía o sentimiento, según el requerimiento de la canción, lo mismo que su agresividad sobre el escenario, lo coloca entre uno de los vocalistas más significativos de su generación. La revista Rolling Stone lo colocó en el lugar 57 de su lista de “Los Cantantes Más Grandes de Todos los Tiempos”. Con todo merecimiento.

Este personaje de baja estatura pero de enorme importancia en el rock está de regreso después de siete años de ausencia en los estudios, con un nuevo álbum grabado para el sello ABKO bajo el título de ´Till Your River Runs Dry” o lo que es lo mismo, “Hasta que tu río se seque”.

El ex líder de The Animals ha dado a conocer el primer sencillo de esta producción, bajo el nombre de “Water”. La canción abre con un gran solo de guitarra que inmediatamente nos hace recordar alguno de sus trabajos del pasado. “Agua, agua, agua/ Para beber, para apagar el fuego/ Agua, Agua, Agua / La verdad, para avergonzar, al mentiroso”, dice Burdon en el coro e inicia con un mensaje personal respecto del mundo actual: “Este mundo no es para mi/ Haré uno nuevo/ Espera y ve/ La desesperanza ha aferrado a la tierra/ No suplicaré/ Exigiré/ No me rendiré y pronto, un día/ La verdad se derramará en tu sala”. La voz de Burdon no ha perdido potencia, autoridad, ni urgencia.

Este sencillo ha sido lanzado oficialmente mientras que “´Till Your River Runs Dry” llegará a las tiendas el 29 de enero próximo. El álbum promete 12 canciones en las que este notable artista expresa sus pensameintos sobre política, religión y medio ambiente pero sin caer en la prédica o el panfleto.

http://www.universalmusicmagazine.com/el-legendario-cantante-ingles-eric-burdon-tiene-nuevo-sencillo/

Water - 'Til Your River Runs Dry - ABKCO Records (2013)

Third Man Records / The Complete Recorded Works in Chronological Order Volume 1

Third Man Records publicarán las discografías de varias leyendas del blues

Por Bannedingu  15 - 01 - 2013

El sello propiedad de Jack White, Third Man Records va a seguir desempolvando los archivos de la historia del blues para lanzar tres nuevos discos a finales de este mes de enero. En concreto, van a lanzar todos los trabajos realizados por tres leyendas del blues: Charley Patton, Blind Willie McTell y The Mississippi Sheiks.

Como se puede leer en el anuncio de Third Man Records, “las grabaciones que vamos a presentar en estas reediciones han formado el ADN de la cultura estadounidense. Blues, R&B, Elvis, adolescencia, punk rock,… Todo se encuentra en estas grabaciones vitales y sorprendentes“.

Los primeros volúmenes de The Complete Recorded Works in Chronological Order se van a publicar el próximo 29 de enero y Third Man Records promete que seguirá editando material de artistas de Document Records a medida que se acabe la primera serie. Además, estos lanzamientos, que se podrán conseguir en vinilo por primera vez en décadas, van a estar acompañados de notas y un artwork realizado por Rob Jones.

http://www.musicopolis.es/third-man-records-publicaran-las-discografias-de-varias-leyendas-del-blues/687832013/

Third Man Records is reissuing and repressing a series of records from Document Records. Featuring material from Charley Patton, Blind Willie McTell, and The Mississippi Sheiks.

Thurston Moore / Chelsea Light Moving

Thurston Moore presenta su nuevo proyecto, Chelsea Light Moving

Martes 15 de Enero de 2013

Thurston Moore el reconocido miembro de Sonic Youth anuncia su regreso en este 2013 con una nueva banda llamada Chelsea Light Moving, secundado por Keith Wood (Guitarra), John Moloney (Bateria) y Samara Lubelski (Bajo).

Chelsea Light Moving es uno de los proyectos post Sonic Youth de Thurston Moore, que finalmente sale a la luz el próximo 5 de Marzo a través del sello discográfico  Matador Records, la nueva banda lanzará su disco debút, homónimamente titulado, y lo presentará con una extensa gira a través de los Estados Unidos con más de 20 fechas a lo largo y ancho del país de norte.

El álbum (del cual se publicaron tres singles durante los últimos meses) fue grabado en dos sesiones con el ingeniero Justin Pizzoferrato en los estudios Sone Lab, de Eashampton, Massachussets. Segun informa el sello discográfico Matador Records, a la hora de formar el grupo Moore tomó como principal fuente de inspiración al gran escritor estadounidense William Burroughs, luego de pasar un tiempo a solas en el jardín que el novelista tenía en el estado de Kansas.

Desde su separación y posterior puesta en stand-by de Sonic Youth, Thurston Moore ha estado en permanente movimiento, proyecto tras proyecto, ahora anuncia el debut discográfico de una de sus nuevas ideas, Chelsea Light Moving, y como cada una de las propuesta musicales de Moore, ésta tambien despierta una gran expectativa, de las que el músico de Coral Gables, Florida; tiene por costumbre salir airoso cumpliendo con ellas.

Chelsea Light Moving - Empires of Time - Chelsea Light Moving (2013)

Tom Waits & Keith Richards / 'Son Of Rogues Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs & Chanteys'

Keith Richards y Tom Waits recrean canciones de piratas

El guitarrista de los Stones y el legendario cantante se pusieron a disposición de Johnny Depp, quien dio forma al “Son of Rogue’s Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs and Chanteys”, disco que reúne a un puñado de artistas para recrear canciones inspiradas en las viejas historias de marineros de alta mar.

Miércoles, 09 de Enero de 2013

Por: INFOnews

Tom Waits estrenó hoy una canción en colaboración con Keith Richards, que será editado en el marco de un disco doble “Son of Rogue’s Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs and Chanteys”, planificado por el actor Johnny Depp.

"Shenandoah" es una típica canción de cantina de marineros y cantada con las gastadas voces de Waits y Richards, un arreglo de cuerdas, un piano desvenjecido y un par de electroacústicas a cargo de Marc Ribot y el propio Stone.

Johnny Depp, el director de la saga "Piratas del Caribe" Gore Verbinski, y el productor Hal Willner le pidieron a una serie de artistas entre los que se encontraban Waits, Michael Stipe, Patti Smith, Iggy Pop, Bryan Ferry, Lou Reed, Nick Cave, Bono y Van Dyke Parks que grabaran versiones de antiguas canciones de piratas y marineros.

El disco además incluye a Depp cantando en el tema "Leaving of Liverpool", junto con el ex vocalista del grupo de rock irlandés The Pogues, Shane MacGowan.

http://oirmortales.infonews.com/2013/01/09/musica-55961-keith-richards-y-tom-waits-recrean-canciones-de-piratas.php

Tom Waits & Keith Richards - "Shenandoah" -

'Son Of Rogues Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs & Chanteys' (2013)

Jimi Hendrix / "Somewhere" first single from the all-new album "People, Hell and Angels"

El álbum inédito de Jimi Hendrix estrenó su primer sencillo "Somewhere" 

LatAm: Reporte-Erc
Publicado: ene. 8, 2013 at 8:07 AM
London, England, Jan. 7 (UPI)

"People, Hell & Angels", el nuevo álbum inédito de Jimi Hendrix, estrenó su primer sencillo "Somewhere."

El tema debutó oficialmente en el programa del conocido DJ Shaun Keaveny en la radio BBC 6Music, y de inmediato recibió una avalancha de comentarios y reacciones positivas de parte de los fanáticos y seguidores del legendario guitarrista.

Al respecto, Keaveny destacó que "este sencillo, al igual que el resto de las canciones refleja los efectos de nuevos experimentos en sonido que realizó Hendrix, y que fueron grabadas en paralelo a su grupo The Jimi Hendrix Experience."

"People, Hell & Angels", que contiene 12 temas grabados entre 1968 y 1969, ya está disponible para su preventa en el sitio Web oficial www.jimihendrix.com Su lanzamiento oficial al mercado, fijado para el 5 de marzo, será meses después del estreno de su documental "Hendrix 70: Live at Woodstock."

http://espanol.upi.com/Entretenimiento/2013/01/08/%C3%81lbum-in%C3%A9dito-de-Jimi-Hendrix-estren%C3%B3-su-primer-sencillo/UPI-71711357643248/

Jimi Hendrix - Somewhere - People, Hell and Angels (2013)

David Bowie / Where Are We Now?

David Bowie regresa diez años después

Hoy es un día grande para el mundo de la música. El cantante británico ha resurgido cuando nadie lo esperaba.

Martes 8 de enero, 2013, 11:39
Por Alex Argelés (Licenciado en Periodismo y Comunicación Audiovisual)

Hoy es un día grande para el mundo de la música. David Bowie, uno de los artistas que revolucionó en rock en los años 70, ha resurgido cuando nadie lo esperaba. El cantante británico regresa a la música después de mantenerse en silencio durante cerca de diez años, y ha aprovechado el día de su 66 cumpleaños para publicar su nuevo sencillo "Where are we now" y para anunciar que tiene listo un nuevo disco.

The Next Day es el nombre del álbum que David Bowie publicará el próximo 11 de marzo. Reality fue su último trabajo de estudio y data de 2003. Desde entonces, el artista parecía haber puesto fin a su carrera musical, y muchos especulaban con una retirada definitiva después de que en 2004, durante la gira de presentación de su anterior trabajo, tuviera unos problemas cardíacos que le obligaron a pasar por un quirófano y a cancelar conciertos. Precisamente por esto, Bowie no se subía a un escenario desde 2006 y parecía totalmente retirado de la vida pública, incluso rechazó participar en la gala de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres, a pesar de la petición expresa del cineasta Danny Boyle.

Hoy, ya sabemos que David Bowie regresa tras publicar la noticia en su página web, acompañada del videoclip de "Where are we now", que ha sido dirigido por Tony Oursler, un artista neoyorquino pionero del videoarte. Una canción con la que el artista reflexiona sobre el tiempo que pasó en Berlín en la década de los 70.

En la propia web, se da una explicación del porqué de este regreso: "David es el tipo de artista que escribe e interpreta lo que quiere cuando quiere... cuando se tiene algo que decir en lugar de algo que vender. Hoy definitivamente tiene algo que decir".

The Next Day ha sido producido por Tony Visconti, con quien ya trabajó Bowie durante los mejores años de su carrera, y se ha grabado en la ciudad de Nueva York. Aunque según el diario inglés The Guardian, Bowie no tiene previsto dar entrevistas o anunciar ninguna fecha en vivo, con noticias como esta da gusto despertarse.

http://cucharasonica.com/2013/01/david-bowie-regresa-a-la-musica-diez-anos-despues

David Bowie - Where Are We Now? - The Next Day (2013)