Fogwill / 'Nuestro Modo de Vida’

Recobrados los pasos iniciales del Fogwill novelista.

'Nuestro modo de vida’ es una obra inédita y perdida durante tres décadas.Fue la primera novela que escribió el autor argentino en 1980 y estuvo perdida 34 años.

Winston Manrique Sabogal -  Madrid 29 Oct 2014 - 00:09 CET

“La piel de Rita olía a jabón. Ella casi no se movió, simulando que hacía el amor dormida, o, quizá, semidormida. Después también Fernando se durmió”. Al día siguiente, todo sigue igual en la vida de esa pareja arquetipo donde se mezclan las apariencias y el egoísmo, mientras el amor ha quedado en el camino y sus vidas se dirigen hacia… No se revelará aquí, pero ese transitar lo que sí representa son los primeros pasos, hasta ahora desconocidos, de Fogwill, Rodolfo Enrique Fogwill (1941-2010), en la novela. Nuestro modo de vida (Alfaguara) le puso por título a esta obra inédita y perdida durante 33 años, y recuperada cuatro después de su muerte. La primera novela de uno de los escritores argentinos de referencia en las últimas décadas.

Son los intersticios de la intimidad de una pareja y de la gestación de un escritor en novelista antes de entrar en el catálogo de los provocadores y malditos. Las huellas del futuro.

No hacía mucho que Fogwill había salido de la cárcel, acusado de estafa por la dictadura militar de su país. Solo había publicado dos poemarios, El efecto de realidad (1979) y Las horas de citas (1980), y los cuentos Mis muertos punk (1980). Los años ochenta empezaban. Él cogió, en Buenos Aires, su máquina de escribir con la idea de plagiar La luz argentina, “bella novela del narrador argentino César Aira”, según reconocía en su prólogo resucitado. Pero Fogwill quería ir más allá de los temas abordados por Aira en lo referente a la división entre lo privado y público de una pareja. Pretendía explorar “el límite entre el adentro y el afuera de la obra como representación del límite entre el adentro y el afuera de la vida humana”.

Casi en un rapto de inspiración de pocos días, creó el rastro de su futuro, aunque luego ni él mismo se acordara de dónde andaba Nuestro modo de vida. A comienzos de 1981, Fogwill envió la novela a Mariana Domic Radtschenko, una chilena que había trabajado para él y que la conservó hasta 2011. Hoy está en las librerías españolas.

Sabor, Saber, Ver, Hacer, Querer y así hasta 32 palabras que definen la construcción y deconstrucción incesante de una relación. Cada una de esas palabras es un capítulo que da pistas sobre lo que acontecerá en sus páginas. Sea del adentro, sea del afuera.

Eso escenificado en la relación de Fernando y Rita, una pareja burguesa acomodada. Una historia creada antes de que su autor entrara en el canon latinoamericano por obras como Los pichiciegos (1983) y le endilgaran el sambenito de autor maldito. Antes, o mejor, durante, el periodo de búsqueda de innovación en las formas y arquitecturas literarias, de voces que llegaran al lector para inquietar o perturbar o provocar, a él y a todo el ecosistema del libro y la cultura; a la vez que busca ser aceptado por los lectores como su cómplice.

A diferencia del anterior libro inédito de Fogwill, La gran ventana de los sueños (2013), esta obra permite asomarse a la gestación de un novelista, de sus primeros pasos temáticos y estilísticos que permiten comprender mejor su creación.

Todo gran escritor habla siempre de lo mismo, recuerda Julia Saltzmann, la editora argentina encargada de la novela: “Cultiva sus temas y sus obsesiones y los trata siempre con la misma voz, que es la que aman sus lectores”. Las diferencias entre las obras, explica Saltzman, “son entonces una cuestión de modulación y de inflexiones, variaciones que enriquecen, que avanzan y retroceden en un mismo camino, que dan rodeos o van al punto, que se detienen a veces en un asunto más que en otro, pero siempre son el reflejo y la construcción, capa a capa, de una identidad”. Es una novela completamente fogwilliana, afirma Saltzman: “Novela de los objetos, de la pareja, de gente de una época y de un lugar y de un país, que los argentinos podemos reconocer y comprender. Tal vez menos rabiosa que otras, más tersa, pero igualmente lúcida y sensible”.

Sus primeros pasos novelísticos que termina bautizando, con la vida de esa pareja, Recomenzar, Intercambiar, Acceder, Dormir…

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/10/28/actualidad/1414526213_625801.html

Taxi Driver / You Talkin' To Me?

La Pesadilla Urbana

Se Reestrena en los cines Taxi Driver, la Obra Maestra de Martin Scorsese y Paul Schrader, que terminó de convertir a De Niro en una Superestrella.

Domingo, 26 de Octubre de 2014

Por Martin Scorsese

Escribo esto en el verano de 2010 y estoy en Londres rodando una película. Hace 35 años estaba en Nueva York rodando una película muy diferente en una época también muy diferente.

Y Nueva York también era muy diferente. La ciudad es limpia y calma ahora –un lugar lindo para visitar con los chicos, ir de compras, hacer turismo–. Hace 35 años no lo era. La ciudad estaba en las últimas, en bancarrota y se habían hecho cortes severos en limpieza, el servicio policial y los subterráneos –de hecho, el famoso número del Daily News con el título “Ford to City: Drop Dead” (“Ford le dice a la ciudad: morite”, frase con la que el presidente se refirió a que no iba a otorgar un salvataje federal a Nueva York) salió cuando estábamos editando la película. Para muchos de los que vivíamos ahí eran tiempos desesperados y eso podía sentirse en la calle, noche y día. Para nosotros, todo lo que pasaba en el brillante guión de Paul Schrader –la soledad, la paranoia, el sentimiento de vivir en esas calles desoladas y sucias llenas de gente enojada– estaba magnificado. Nueva York se había convertido en una versión de pesadilla de sí misma, y nosotros la vivíamos y la respirábamos, la caminábamos y la recorríamos en auto, dejando que nuestra historia se infectara y se desbordara de ella, justo como le pasaba a Travis Bickle.

Hice Taxi Driver con viejos amigos y colaboradores –Robert De Niro, Harvey Keitel, Jodie Foster– y nuevos como Schrader, Cybill Sheperd, Albert Brooks y David Chapman. Treinta y cinco años después Nueva York ha cambiado; todos hemos cambiado. Y alguna de la gente que hizo Taxi Driver posiblemente ya se haya ido. El gran Bernard Herrmann, que murió mientras dormía después de grabar las últimas notas de nuestra banda sonora... Peter Boyle, un actor notable... Julia Philips, una de las productoras... Joe Spinell, que recién empezaba a trabajar en películas... mi querido viejo amigo Vic Argo... y Gene Palma, el extraño percusionista callejero de pelo engominado. Todos fueron cruciales, de una manera u otra, para la textura de la película, una película que ningún estudio quiso tocar.

Puse todo de mí mismo en Taxi Driver. Muchos de nosotros lo hicimos. No la hubiésemos hecho de otra forma.

Martin Scorsese escribió este texto especialmente como prefacio del libro Taxi Driver, de Taschen.


http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/subnotas/10121-2251-2014-10-28.html

Taxi Driver - Official Trailer

Jack Bruce / "Silver Horses Ran Down Moonbeams In Your Dark Eyes" RIP, Jack.

Cream Vocalist and Bassist Jack Bruce Dies


London — Oct 25, 2014, 2:23 PM ET

By Sylvia Hui and Gregory Katz -  Associated Press.

British musician Jack Bruce, best known as the lead vocalist and bass player of the power blues trio Cream, died Saturday at his home, his family and publicist said. He was 71.

Bruce was one of the top musicians of the late 1960s, when Cream played its unique psychedelic blues tunes to packed houses in England and the United States. He was an important member of the British blues movement, which saw bands like the Animals and Rolling Stones first imitate and then expand on the American blues tradition as exemplified by Muddy Waters, John Lee Hooker and other stalwarts.

Cream — widely cited as the original supergroup — were known for hits such as "I Feel Free" and "Sunshine of Your Love," which featured Eric Clapton's innovative guitar riffs, and Bruce's vocals and roaring bass, backed by Ginger Baker's explosive drumming.

They played a mix of traditional blues songs, with long, often improvised instrumental breaks, and their own tunes.

Bruce enjoyed a long solo career after Cream's acrimonious breakup, and in 2005 he reunited with former Cream bandmates for critically acclaimed concerts in London and New York City.

Publicists LD Communications said Saturday Bruce died of liver disease at his home in Suffolk, England. He had received a liver transplant some years ago and continued to suffer a variety of health problems.

A statement released by his family said "the world of music will be a poorer place without him but he lives on in his music and forever in our hearts."

"It is with great sadness that we, Jack's family, announce the passing of our beloved Jack: husband, father, granddad, and all round legend," the statement said.

In its heyday, Cream sold 35 million albums in just over two years and the band was awarded the world's first ever platinum disc for their double album "Wheels of Fire." Bruce wrote and sang most of the band's signature songs.

The band started out playing traditional blues tunes, but quickly added a psychedelic flavor that brought still more popularity at the height of the flower power era.

But they broke up with little warning, in the midst of their commercial success. Clapton wrote in his 2007 autobiography that the band lost its direction musically and that "any sense of unity" had disappeared.

"We were also suffering from an inability to get along," he said. "We would just run away from one another. We never socialized together and never really shared ideas anymore."

He also felt they were eclipsed by the arrival on the scene of guitarist Jimi Hendrix.

Bruce went on to record the first of his solo albums, "Songs For a Tailor." He also fronted many of his own bands.

He was known for mixing rock, jazz and classical formats, and his songs were covered by many artists including Hendrix, David Bowie and Ella Fitzgerald.

Bruce returned to the studio around 2000 to record his solo album "Shadows in the Air," which hit number five on the British jazz and blues chart.

Bruce was born to musical parents in Glasgow, Scotland on 14 May 1943. His parents travelled extensively in Canada and the U.S., and the young Bruce attended 14 different schools. He finished his formal education at Bellahouston Academy and the Royal Scottish Academy of Music, to which he won a scholarship for cello and composition.

He left Scotland at the age of 16 and in 1962 joined his first important band, the influential Alexis Korner's Blues Inc., in London. The band featured drummer Charlie Watts, who later joined the Rolling Stones.

Bruce was playing and touring with his Big Blues Band until recently. In 2012 he played in Cuba, and performed in London at the famed bar Ronnie Scott's. His 14th solo album, "Silver Rails," was released earlier this year.

He is survived by his wife, Margrit, four children and a granddaughter. Funeral arrangements weren't immediately announced.

http://abcnews.go.com/Entertainment/wireStory/jack-bruce-bassist-60s-band-cream-dies-71-26450511

Cream - White Room - Live at London Royal Albert Hall (2005)

"If you're talking electric bass, it's very, very simple: James Jamerson, Paul McCartney, Jaco Pastorius, me."

Jack Bruce

Vapors of Morphine / ND Teatro de Buenos Aires

Vapors of Morphine: Metamorfosis 

Vapors of Morphine regresó a Buenos Aires para presentarse a sala llena en el céntrico Teatro ND, el jueves por la noche.

Por Facundo Llano | 18 octubre, 2014

La historia nos dice que ninguna banda puede sobrevivir a la muerte de su cantante y líder; inmediatamente se piensa en casos como The Doors o Queen, quienes siguieron sus carreras no sin unas cuantas polémicas de por medio. Uno no asocia casos exitosos como AC/DC o Joy Division, no es lo normal. Pero Morphine fue de todo menos una banda normal: un trío de rock que sonaba muy jazzero para el fan del rock, y un trío de jazz que sonaba muy rockero para el oyente jazzero. Bichos raros que nunca encajaron en ninguna escena, pero que su singularidad les hizo formar un fuerte culto de seguidores alrededor del mundo que aún sigue hasta hoy, a pesar de la muerte de su líder, Mark Sandman.

Algo bien debe haber hecho la banda para, tres años después de su última visita, agotar nuevamente el ND Teatro. Sin disco nuevo que presentar, la premisa es, simplemente, homenajear esa música tan especial que el grupo entregó durante los ’90. El show comienza tímidamente con “Like Swimming”, casi testeando el sonido y el calor de la audiencia. Pero temprano en la lista, para momentos como “Claire”, “Sheila” o “Candy” el sonido es perfecto y viene de parte de una banda que tuvo una identidad que nadie tuvo.  Jerome Dupree combina la fuerza del rock con la flexibilidad del jazz. Dana Colley, hoy actuando como líder de esta agrupación, tiene uno de los mejores sonidos de saxo del mundo; un audio eternamente nocturno y adormecido, como sugiere el nombre de la banda. Y Jeremy Lyons, ese oriundo de Nueva Orleans, es el encargado de reemplazar la voz profunda de barítono de Sandman y reproducir ese distinguido sonido del bajo de dos cuerdas. Afortunadamente Lyons no quiere reemplazar a nadie, impone su estilo y si algunas veces suena parecido al propio Mark es pura casualidad.

Será cuestión de gustos, pero la sensación es que la banda no queda bien parada al querer incorporar cosas nuevas al repertorio; mayormente piezas instrumentales deudoras de la música africana y el blues del delta del que Jeremy sabe bastante. No porque sean malas interpretaciones o ejecuciones, simplemente no coinciden con el sonido nocturno original de la banda. Por momentos pareciera que es otra la banda que está sobre el escenario: el hecho de que Lyons pase del bajo a la guitarra y Colley tenga un papel secundario lo confirman. Tal vez tomen estos shows como ensayos con público -como confesaría el mismo Colley luego- donde viejas canciones como “Yes”, “Honey White” o “Head with wings” salen magistralmente, a veces con menos fuerza que en sus versiones de estudios, pero enfocándose más en la musicalidad de la canción, dejando de lado la búsqueda para estas nuevas composiciones instrumentales.

Con Sergio Dawi de invitado (una verdadera sorpresa), la banda entrega excelentes versiones de “Cure for Pain”, “Buena” y “You Look Like Rain” con la ayuda de un invitado que entiende su instrumento y entiende a la banda que lo ha convocado. Después de dos horas, con toda la sala de pie, “French fries with pepper” cierra una velada con saldo positivo. El grupo no intenta reemplazar a nadie ni trata de sonar exactamente como solían hacerlo. Tienen una marca, dejaron su huella en el mundo y hoy recogen las mieles. Está en cada uno tomar su posición frente a este grupo. Pero puedo asegurar que ningún asistente se fue disconforme.

http://www.elacople.com/wp/index.php/2014/10/18/vapors-of-morphine-metamorfosis/

Vapors of Morphine con Sergio Dawi - Buena - 

16.10.2014 - ND Teatro - Buenos Aires - Argentina

Jack White / Live At Bonnaroo 2014

Jack White to release historic Bonnaroo performance on triple vinyl and DVD

BY ALEX YOUNG - ON OCTOBER 03, 2014, 11:58AM

Jack White’s 2014 headlining performance at Bonnaroo is widely considered one of the greatest sets in the festival’s 13-year history. Now, the gig will be forever immortalized in a new three LP vinyl package, which headlines the latest installment of Third Man Records’ subscription series The Vault.

The live album has been mixed by Third Man’s in-house engineer, Vance Powell, “and stands as a marked improvement over the on-the-fly board mix heard in webcasts, YouTube uploads and shady downloads,” according to a press release. The vinyl will come pressed on white, blue, and black, “housed in a soft-touch, telescoping box, topped off with a lenticular television on the cover.”

The package also includes a DVD of the full performance, re-edited from the original raw footage by Brad Holland, as well as 8×10 photographs from the concert, a customized Jack White patch, a backstage pass sticker, a poster., and a custom-designed USB drive with bonus material.

White’s Bonnaroo set spanned 26 songs at two-and-a-half hours (some 45 minutes longer than their originally scheduled set time). The setlist was comprised of material from White’s entire career, including songs by The White Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather, and his two solo albums. Among the highlights, “Icky Thump” serving as set opener; the first performance of “Astro” in over three years; a cover of Led Zeppelin’s “The Lemon Song”; and “Seven Nation Army”, during which the entire field of 70,000+ sang along. Below, watch video of the full performance as ripped from the webcast.

http://consequenceofsound.net/2014/10/jack-white-to-release-historic-bonnaroo-performance-on-triple-vinyl-and-dvd/

Jack White Live at Bonnaroo 2014