jueves, 9 de febrero de 2012

Luis Alberto Spinetta / Relámpagos de Pensamiento


Ser Spinetta

Sábado 22 de noviembre de 2008

Por Rodolfo Braceli

Esta es una de las raras entrevistas concedidas por el músico argentino. Quizá por eso no omitió ningún tema. Habló de sus obras, la poesía y la preocupación por la muerte. Se refirió al misterio de Dios, criticó duramente las religiones y todo fanatismo. Evocó los miedos de la niñez y a sus padres. Renegó de las drogas e invitó a sus queridos fantasmas a un risotto.

Ésa es. Seguro que ésa es, pensé en voz alta. El miedo que trae la aventura de todo reportaje me había extraviado el papelito con la dirección exacta. Caminé entre el 4000 y el 5000 de Iberá deletreando el semblante de las sucesivas casas. Sentía que la que buscaba iba a rebelárseme. A los quince minutos me detuve: ésa es. Seguro que ésa es. La casa, de frente liso, hermética, latía un vehemente azul eléctrico que en lo subcutáneo parecía tener el pulso del verde y el rojo. Inquietante azul. Toqué el timbre sin dudar. Asomó Spinetta adentro de unas zapatillas de goma y de un pantalón rojo y de un entusiasmo absolutamente matinal aunque eran las seis de la tarde.

¿Así que vos sos el flaco Spinetta?, me salió cuando hablamos por primera vez por teléfono. Y me confirmó que él era él: "Luis Alberto o Flaco o Luigi". Sin vueltas aceptó la entrevista pero con una condición insólita, y más en la Argentina: "Que no sea nota de tapa. Una fotito mía adentro y ya está". Le dije que sí, pensando en una inaudita tapa blanca con un epígrafe explicando: "Aquí debía estar la foto de Spinetta".

Entro a su casa-estudio. Hacia la calle ninguna ventana. En el living una pila de cajas, "soy bastante cartonero, viste". Después el estudio, una inmensa consola. Más allá, una enorme cocina y paredes con cientos de cds. "¿Tomás un tecito?" Y ya corre a buscarlo. Y vuelve saltarín con la taza bailando. Advierto que Spinetta vive en estado de alegrísima paradoja, columpiándose.

Para que la conversación tenga un espinazo y no se nos invertebre llevo un machetito con los nombres de sus bandas en cuatro décadas: Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade. Además, la sucesiva discografía: Almendra , Desatormentándonos , Artaud , Madre en años luz , San Cristóforo , A 18 minutos del sol , Los ojos , Kamikaze ... Don Lucero , Fuego gris , Silver Sorgo , Para los árboles , Pan , Un mañana Spinetta intenta aquietarse, pero sale disparado a buscar fuego. Ahí yo rompo el machetito en ocho pedazos. Me quedo con un par de preguntas, escondidas. Veré si las pronuncio. Que venga lo que sea.

¿En qué consiste "ser Spinetta"? En alguien que vive anidado en su bunker. Su quietud es terriblemente inquieta. El suyo es un ombligo en ferviente erupción. Tiene hormigas en el cuerpo y en el alma de su cuerpo. Fuma como si fuera la primera vez, o la última. Está condenado, más que a parecer, a ser un incesante adolescente. Sin embargo este tipo, tan adolescente, es abuelo. Más: Spinetta anda por la vida con una tijera y tajea la red que debiera protegerlo cuando se arroja a las cosas más menudas como si fueran abismos. Ya veremos: es un ingeniero cirujano que trata de descifrar "las patrañas del aire". A todo esto, créanlo, "sus ojos permanecen ante cualquier colmo".

Inexplicable, le pregunto si duerme como diosmanda.

-Desde hace años hago cuatro horas de sueño por día. Y una vez que me despiertan los pajaritos o lo que sea... chau. Se prende todo, viste. Y ahí bajo: diario, cigarrillo, computadora, dibujo o lo que sea. Ya no puedo parar.

-Habrá un golpecito de siesta.

-La siesta, un viejo anhelo? Mi señora es de Santo Tomé y su familia duerme la siesta meticulosamente. Bueno, cuando yo voy allá me tiro pero siento...

-Remordimiento.

-Quizá, jaaa... Me pregunto qué me estoy perdiendo. Uy, no te traje cucharita. ( Se va y vuelve corriendo. Además, me trae un caramelo. Y retoma: ) Puede ser no querer perderme nada, pero me despierta la menor cosita. Y por otro lado mi teléfono ha sido muy castigado, llama gente y corta. Mi pieza no tiene cortinas, me despierta el sol, eso me encanta eh. Yo trato de usar hasta la última gota de luz natural. Pero no para ahorrar: los colores cambian cuando baja el sol, hacia la noche. Estamos en este colmenar de cemento y quiero que la luz natural me adormezca.

-¿Qué ves por la ventana de tu dormitorio?

-Las azoteas vecinas, un resto de árbol. Tengo una manía: detesto las rejas. Prefiero un ladrillo de vidrio a una ventana enrejada. Es como limpiarse y seguir cagando, ¿entendés? Eso me aterra. Prefiero un bunker con tres aires acondicionados ¡y no ventanas falsas!

-Se nos va la mano con el miedo. Alguien dijo que es como una adicción.

-Pura paranoia. Hay una propaganda de puertas "Pentágono", nombre odioso, que muestra una escena terrorífica y la solución es... ¡jaaa, la puerta blindada!

-Por poco tirás tu taza, Luis.

-Soy muy torpe, medio eléctrico, y como estoy viejo ya la electricidad se me escapa y tiro cosas. Mejor no me regalen copas.

-Así que te despertás y a dibujar.

-Si es un sábado o un día tranquilo también toco la viola, a veces siento algo que me llama para hacer una canción, pero en general me pongo a dibujar con el fotoshop mandalas digitales, esferas curativas... Si pienso que eso es arte, soy un salame; si pienso que son intentos creativos ahí lo veo mejor.

-¿Y el autor creador?

-Por otro lado está escribir y está la música. Aquella cosa a la que uno accede por un fuego que lo abraza y que uno debe ir a buscar sí o sí. Yo estoy para hacer canciones. Si los dibujos se me borran no me importa un belín. En cambio, cuando uno piensa algo y no lo escribe lo pierde para siempre...

-Hay que atrapar la palabra ahí, en su virginidad.

-Ahí va. A mí cualquier cosa me sirve para escribir. Tengo una idea y la vuelco donde venga, a veces sobre un pedazo de diario. O dibujo mientras converso con un amigo.

-Todo el tiempo necesitás expresarte.

-Me mata no hacer nada.

-¿Y qué hacés cuando no hacés nada?

-Hago pan, hago pizza, preparo una comida tailandesa o mexicana... Me encanta cocinar, gran desenchufe. El intelecto está aplicado a un lugar tan diferente... Cocinar contrabalancea la angustia del que pronto se va a meter con algo arduo, porque recibe una voz desde adentro. Y entonces ahí ya no hay otra que tirarse sobre un papel, a sentar poesía, frases aisladas?

-Relámpagos de pensamiento.

-Ahí va. Hay que hacer pan y hay que hacer canciones. Porque si viviera todo el tiempo haciendo poesía, música, me consumiría. Moriría rápido... Me preservo haciendo cosas que no sean las que me consumen. Además, sin consumirte no es posible crear nada. Qué sé yo, es un lindo balanceo que crea un mundo cerrado, o una pequeña cárcel iba a decir, un lugar que es el propio y te abstiene de un mundo con una dinámica de frivolidad y no frivolidad.

-Tu balanceo supone una actividad sin resuello.

-Sí, permanente. No soy un individuo de paz.

-Pensar que hay tantos que no tienen resuello, pero en la rutina.

-Lo dicen los primeros temas de Almendra, ¿no? "Si tus pies nacieron viento, déjalos correr..." ¿Cómo soporta la obrera en la colmena o la hormiga en su hormiguero? Se mueven todos como uno y uno como todos y no importa la vida de nadie: ¡el bocado perfecto para la malignidad! Eso, los seres que parecen no despertar, son el bocado perfecto para la ignorancia y el águila maliciosa. No el bocado del águila como invocaba Castaneda sino el del engranaje que nos quita el alma.

-La muerte, ¿te ocupa, te preocupa?

-Bueno, es quien nos acompaña, ¿no? Está presente siempre, hasta que finalmente nos toca. La muerte lejos no puede estar. Porque somos burbujas que se rompen con una facilidad absoluta. Pero ella no es una presencia que me impida cantar, ni ser feliz, hoy. Si la ignoramos demasiado somos unos ridículos, como ése que se pega un pedo tremendo y sale a 180 y mata gente... Algo más: creo que si sos una persona enfermiza con la muerte te vas a hacer muy amigo y te va a llevar antes. Importa darse cuenta de la devoración que sucede en el universo. Prestar atención, astronómicamente hablando, tanto a la devoración como al nacimiento que se produce constantemente de a trillones de partículas. Un fragor debe haber en todo esto... Si no entiendo esto no podría crear. Perece una cosa y nace otra. Frente a tal magnitud, si uno se queda pensando en eso, pucha, empieza la tragedia. Un amigo me decía: "Me imagino que cuando me muera vendrá un tipo con una risotada jojojo ... Vení, boludo, me dirá el tipo parecido a Papá Noel". Ese jojojo vendría a ser la risa de Dios.




- A la palabra Dios, ¿la decís con mayúscula?

-Cuando era joven la escribía con minúscula, le temía. Hoy lo pongo con mayúscula porque uno más uno es Dios. Punto. Dios no es nada en particular, es una idealización que hemos aguantado insoportablemente. Creo que Dios es práctico, nos evita explicaciones.

-Dios, ¿es una sílaba para frenar el vértigo de las preguntas?

-Esto es tan insondable? Más vale tener una cosa práctica para nombrar. Entonces decimos Dios. Vos viste que en las religiones de origen musulmán todo es texto, no hay visualización de Dios. No hay barba, no hay cruz, no hay un chino con los ojos en paz como Buda. Muy piola eso. Ahora, si pensamos que Dios es alguien que nos está viendo y si hacemos una macanita nos cae un rayo... cagamos, ¿ok?

-De modo que tener a Dios es práctico.

-Mejor tener a Dios que no tener a nada... Si no, ¿cómo nombrás el conjunto de cosas que no son Dios? Sería abrumador, asfixiante. No tener a Dios te convierte casi en rata, ¿no?

-¿Qué pensás de las religiones?

-Bueno, son el show business de Dios. Para poner a Dios en escena se tienen que hacer cargo los hombres, que están constituidos de cagadas y errores. Por lo tanto, envilecerse a través de Dios o del dinero o de la música es muy fácil. Las religiones son como una especie de excrecencia de la peor porquería, porque es como el pedo que se va tirando Dios a través de la institución. Huele mal. En todas las religiones hay unas sanatas tremendas. Y están metidos con los que tienen el Poder? Las guerras religiosas, ¿nos van a azotar hasta el fin del tiempo?... Y entonces esas religiones, ¿qué hacen? ¡compran las armas!

-A veces a las armas se las bendice.

-Sí, para quitar la vida... El universo no es cruel, el hombre sí. Cuando estalló la bomba atómica un científico dijo "¡Uy, parece la diosa Shiva!" Sí, ¡la concha de tu abuela parece también! Qué loco estás, boludo, si tenés que tirar una bomba para ver a la diosa Shiva. ¡Comprate un cuadro! Bueno, la pregunta es?

-¿Es...?

-Es cómo hacer para no ser un gas de Dios ¿no? No sé... me da lo mismo estar en la cola del gas o ser la materia primigenia. En esa escala estamos todos disponibles. Mientras, las religiones son un cáncer y a la vez han sido prácticas para los gobernantes...

-Te quedaste suspendido en una sonrisa. ¿Se puede saber, Luis, por qué?

-Porque nos metimos en un quilombo, hermano.

(La sonrisa desemboca en una carcajada. Sobre el pucho, otro cigarrillo.)

-Me apasiona meterme en quilombos, me doy manija y se me ocurren cosas. Lo que pasa es que nada es tan importante, nada. Tratemos de ser felices, por lo que dura este pedo en canasta... Esto, sin cagar a nadie? Vivimos en un mundo que está regido por el intento de adquirir la felicidad a un paso casi ciego: el rico por miserable; el de la villa porque consigue el radar y quiere copiar al de arriba. La gente afana para ser feliz, porque comer la hace feliz, y porque si no come se muere? Además, los fanatismos: el mundo musulmán y el occidental enfrentados. Yo no sé si la pasión ciega así intenta ser feliz... es enfermiza, como que lo único que quiere es una eyaculación precoz, satisfacer un instinto de caimán casi.


-¿Esa pasión ciega dónde la ves más acentuada?

-Me refiero a los fanatismos de cualquier proveniencia. Imaginate un republicano del sur de los Estados Unidos, superguacho, antisemita antimejicano antinegro? Ese fanatismo y el otro: ninguno de los dos quiere ser feliz, se basan en destruir al otro. Y esto es autodestrucción también. De un lado arrasan inmolándose, son valientes; del otro mandan bombas inteligentes y encima no ponen el pellejo? La misma cabeza, diferentes métodos. La misma ceguera: en unos la educación y el cinismo de una cultura todopoderosa tecnológicamente y en otros el tipo que tiene un palo y que se expresa de manera romántica: primero va él y después... adiós. No nos engañemos: tanto al superguacho republicano antitodo que hace mierda ciudades con bombas, como al que apalea a la mujer y la aparta cual si fuera el peor animal, habría que ir a cargarlos a patadas. ¿Yo no soy quién? Ok. Sí, hay que respetar todas las creencias, ¡pero son unos retardados de la concha de la lora!

-Mujeres reducidas...¿y qué de la pornografía?

-A veces el infierno de un mundo se refleja en el paraíso de otro. La mujer filmada con tres tipos en una cama, es peor animal que la otra que está oculta... En un estudio de Los Ángeles una mina filma pornografía y en una calle de Pakistán a otra la cagan a latigazos por sacarse el velo. Terrorífico. Desapacigua el alma, no genera ninguna poesía.

-Es desmayante.

-Desmayante. Ahí va. Perfecto, vos lo dijiste, es apático.

-A este paso para conseguir un Apocalipsis no hacen falta bombas.

-No, no hace falta inflamar más la llama autodestructora? Te tomás otro tecito. ¿Sí?

(Y ya se fue, picando como un pelotita de ping pong, livianísimo. Pronto vuelve con el té. Y esgrimiendo otro caramelo?)

-Hay una pregunta eterna, de vereda: este mundo, ¿adónde va a parar?

-Uno no puede juliovernizar: por un lado vendrán equipos de audio flotantes, con un sistema levitatorio magnético. Por otro va a haber unos males de la concha de la lora. Sin juliovernizar quiero ser optimista y pensar que la cultura va a ir, genéticamente, eliminando las zonas del cerebro que son las de la irritabilidad y la venganza. Quizás ése sea nuestro final.

-Por ahí se termina la irritabilidad y concluimos como género humano.

-Supongamos que no, pero: ¿quién puede decir que al carecer de irritabilidad alcancemos la felicidad? ¿Qué tipo de paz sería aquélla que se produjera con un hombre carente de irritación, que redistribuyera su energía como para poder curar sin medicamentos?... Cosas medio desopilantes, ¡que uno quisiera que sucedan! Como que no se muera la gente de hambre mientras que con lo que otros tiran a la basura come un pueblo. Es un pensamiento judeocristiano, no avancé ni un centímetro. Espero que esto mejore. ¿Cómo? Con mayor justicia social.

-Luis, ¿tenés esperanza o querés tener esperanza?

-Tengo esperanza porque en ella están las únicas notas que interceptan el silencio. Cada nota es una esperanza, mientras que el silencio no posee ninguna esperanza más que la de ser una nota.


-Se trata de una pulseada para vadear el silencio.

-Más que pulseada nuestros propios pulsos. ¿Acaso no son nuestros pulsos un movimiento constante de esperanza? La única esperanza que existe para el silencio es que aparezca una nota, y cuando aparece, el silencio también empieza a expresarse, a ser música. Contamos con esperanza casi como si contáramos con cuerpo.


-La esperanza, arduo trabajo. ¿Cómo la sostenemos?

-Hay que tener fe. Es al cuete poner en juego cosas sin pensar que van a funcionar. Además, veamos: falta demasiado el sentido común. Ejemplo: ¿es necesario hacer un curso en la NASA para darse cuenta de que en un lugar cerrado lleno de género si encendés una bengala sucede Cromañón?


-Ese "no darse cuenta", tan frecuente, ¿a qué se deberá?

-A muchos años de falta de educación y salud. Tengo fe en que si cambia la educación y la salud el país va a mejorar. Nos sentimos orgullosos de Messi. ¡Qué orgullo ganar la medalla de oro de la olimpíada con nuestro fútbol! Pero, ¿por qué también no ganamos la medalla por tener los mejores hospitales de Sudamérica, flaco? ¿Por qué tiene que ser Cuba, un país cincuenta años bloqueado, el que tenga mejores hospitales? Y además ganan docenas de medallas olímpicas, ¡pero dejame de joder! Ese es el trabajo: mejorar la salud y la educación. A partir de esto todo será mejor, hasta la cana. Y se podrá andar por las calles sin ser protagonistas del país con mayor cantidad de accidentes de automóviles.


-Cierto secreto orgullo nos produce ostentar récords mundiales, no importa el rubro. Decime, ¿vos sabés manejar?

-¡Ahí va! Yo preventivamente vendí mi auto hace poco ( larga una carcajada ) Manejar me encanta, me apasionan los autos. Pero ¿viste?, las ciudades están abarrotadas. El auto, creado para la libertad, te esclaviza. Se perece en el auto. Perecen minutos que suman días y años de nuestra vida ¡adentro de un auto! Más el gasto público del cuerpo. Intelectualmente te mata estar en un embotellamiento. Hablábamos el otro día con mis suegros, los Fernández, muy inteligentes y laburadores, que en Estados Unidos ya no hay bolsitas de nylon, sólo de papel? La alquimia humana es una especie de saltimbanqui, viste: crea y destruye. Con la ciencia también pasa eso? Un día dirán: no, tenían razón los que sostenían que la Tierra estaba apoyada sobre dos elefantes. Ahí está: los descubrimientos científicos primero para la guerra y después para el bien de la humanidad. Hay una gran ingenuidad en la masa de cerebritos que brillamos en relación a los designios del cosmos. Si viene un meteorito ¡no queda ni el loro, hermano!


-Estamos desguarnecidos.

-A la intemperie. Pero, sin embargo ambición y sueños nos llevan a que sigamos en la búsqueda de lo invisible. ¿Viste que bombardean partículas atómicas para entender el origen del mundo? Con el costo de eso ¡le dan de comer a todo África! Lo cierto es que el cosmos es insondable y que somos unos boludos intentando escribir en el mar, y con tinta.

-Bajemos a tus primeros días, cuando aprendías a respirar.

-Tengo recuerdos muy patentes de los cuatro, cinco años. Imágenes jugando con mi hermana Ana en un auto, y hablábamos con él. Le decíamos, "¿Te falta nafta?" "Sí, tienen que cargarme nafta che". El auto era un banco largo. Y también teníamos un taller, Farulo y Rulo , mi hermana y yo. Allí arreglábamos cosas de señoras hinchapelotas y las cagábamos a pedos: "No señora, esto no sirve, déjese de embromar".

(Spinetta se desenrosca detrás de otra carcajada. Se pone de pie, sin duda está viendo lo que cuenta:)

-Era un taller imaginario, medio garca. Caían unas señoras desubicadas con objetos de la época de ñaupa y nos encantaba decirles: "Doña Juana, ¡pero esto no tiene arreglo!" A nuestras abuelas cuando cobraban la jubilación les hacíamos el apriete: "Abuela, ¿rebrobadgalás chicle?" "¿Queeeeé?" Era medio sordita esa abuela. Al final se lo decíamos al unísono: "Abuela, ¿nos podés comprar chicles?" "¡Ah, chicle!", decía la madre de mi padre.


-Aquella niñez, ¿qué miedos incluía?

-Yo tenía horror a los fotógrafos? Por ahí paf, estallaba el magnesio. Y aparezco llorando. También le temía a las locomotoras. La locomotora era un monstruo negro que hacía temblar el andén de la estación Núñez. Y recuerdo apariciones de mamboretá. El miedo y la curiosidad nos exigía acercarnos; por ahí volaba o eso...

(¿Los reportajes estimulan los riñones? Pausa para ir al baño. De vuelta, frente a frente, siento que se acerca la posibilidad de hacer el par de preguntas que guardé. Spinetta toca la pared medianera y me dice, como en secreto:)

-Al lado hay una casa de fiestas. Cuando hay cumpleaños de chicos nosotros bajamos el volumen en el momento de apagar las velitas. Para que nuestra zapada no les invada el cumpleaños feliz. No hay derecho. Nada más lindo que un chico soplando una velita, viste.

-Cerrá los ojos. Seguí mirando lejos.

-Cosas no muy gratas de recordar, ciertos sueños nocturnos. Mis padres no podían contenerme; yo les decía angustiado, llorando: "Estoy en un lugar del mapa, muy lejano"... Se despertaban todos, gran quilombo, gritos, llantos? Mi madre empezó a poner plantas de ruda debajo de mi almohada y me pasaba un trapo negro por la cabeza. Lo recomendó alguna bruja, jaaa. Al fin me curaron.


-¿Qué más, allá en el fondo de tus días?

-Tenía pensamientos en donde mi madre era una estrella que brillaba en lo infinito. ¿Pensamiento relacionado con la muerte? Andá a saber? De chico ya era medio cabroncito, me gustaba tener mis zapatos, mis cositas. Por lo demás era un chico bueno. Me costaba mucho pelear. Por ahí era peleador pero más de patotita, no de hacerme el canchero yo?

-Un poquito cobarde, digamos.

-Sí, más bien cagón en las peleas a piñas. Eso me perdura. Por suerte no me tengo que pelear con nadie.

-¿Y en la escuela?

-Fui muy enamoradizo en la primaria. Vivíamos en Arribeños y Congreso. Por Congreso subía el frío del río en invierno... Por otro lado nuestra familia era humilde, entonces siempre había oportunidad de cagarse de frío bañándose con la serpentina de alcohol de quemar? ahhh? ¿y el alcohol? ¡Se apagó! Yo me rehusaba al delantal almidonado porque me lastimaba el borde del cuello en los días de frío. Uy, y yo peinado a la gomina ¡era una tortura! Y empezaba: "Sarmiento y la madre que te parió, ¿por qué inventaste la escuela?" Yo estaba cabrón con cosas que me parecían injustas. Bueno, ahora pienso que es con educación que las cosas van a mejorar.


-Cerrá los ojos de nuevo. Seguí mirando lejos.

-Año 1955, los Gloster Meteors, el bombardeo a Plaza de Mayo... En casa nos ocultaban el diario Crítica para que no viéramos las fotos con cadáveres y mutilados... Me acuerdo del ruido de los aviones y de los altavoces del Plan Quinquenal y que había una Unidad Básica a metros de mi casa, arengas y mis padres muy fans de Evita? Con el tiempo, leo y me decepciono tanto... Qué manga de traidores en nuestra patria. Una sarta de hijos de puta, hermano. De golpe a los diecisiete, preferíamos a Vallejo, a Cortázar... Con Emilio del Guercio picábamos a Bradbury, a Artaud? Hoy sí me meto con la historia, ¡y los libros de Piña son una piña! Qué sarta de personajes han repetido la cagada, parece un destino histórico.


-Nos creíamos los mejores del mundo. Eso ya pasó. Ahora nos consolamos creyendo que somos los más inexplicables. Siempre "los más".

-Eso se toma como una virtud, ¿no? Y bueno, el argentino es así... aparte está muy manipulado por un trust de negocios formidables entre televisión y diarios. A veces siento miedo. Se silencian tantas cosas? Silencio y muerte van de la mano. Injusticia y silencio, casi son lo mismo, ¿no? Entonces...

-¿Entonces?

-Hay que hacer música. Para no caer en el agobio. La otra vez toqué en Catamarca y les dije: "¡Boludos, no me quiero morir viendo sólo esto!" Auque uno es tan inocente y tan responsable como cualquier otro. Pero quisiera ver las cosas mejor. Tengo cuatro hijos con mi ex señora: Dante, Cata, Valentino y Vera. Vera, la más chica, la luz de mis ojos, está en la edad de la flor. Muy talentosos los cuatro con la música. Las nenas, hartas, no quieren saber nada, pero tienen gran oído las dos.

Mis hijos me llenaron la canasta de nietos.


-Luis, tenía guardada esta pregunta: ¿Será ridículo hablar del ser abuelo con un roquero?

-La verdad: no soy tan buen abuelo. O sí, soy un gran abuelo. Mirá, acá pasa esto: "Abuelo dame hojas", y se ponen todos a dibujar. Un regalo de Dios para mí. Les dibujo autos y los colorean, juegan, tocan los instrumentos. Son muy de agarrar la batería, crean, me dedican los dibujitos. Pero no soy de decir "el abuelo los lleva acá o allá," porque yo casi ni salgo, Rodolfo. Tengo una vida muy sentada. Ir al cine, al teatro, me cuesta porque todo el mundo te mira? Spinetta? Spinetta... Es una bendición que la gente te diga que te quiere, pero soy mucho más feliz acá escuchando a Bill Evans, cocinando? Ahora, si tengo que ir al colegio de Brando, el hijo mayor de Dante, ahí voy con todos los abuelos.


-La otra pregunta basada en un prejuicio: ¿a un roquero se le puede preguntar por su papá?

-Ah, mi viejo... era cantante de tangos. Ahora, pobre, casi no ve ni oye. Lo recuerdo ensayando con sus guitarristas... Yo tendría unos cinco años, abrían esos estuches, brotaba el olor a la madera de la guitarra. Y me veo escuchando a mi viejo por una RCA Víctor, tipo catedral, de madera, que había que esperar que se calentara. Hasta que salía la voz de mi viejo cantando por radio El Mundo. Era Carlos Omar artísticamente. Cantaba: "Al pie de un rosal florido... me hiciste tu juramento..." No era un cantante común.

-¿Cantar era su vocación?

-No tanto, porque cuando instaló su hogar se terminó la farándula. Trabajó en el laboratorio Squibb. Se levantaba a las cuatro y media de la mañana para ir a tomar el tren y volvía a las cinco de la tarde con olor a penicilina. Y hoy tiene cáncer de piel... el contacto con ciertos tóxicos... Ah, mi viejo... él dice: "Tengo ocho nueve"...

(Spinetta calla. Dice "ocho nueve", y otra vez el silencio...)

-Por dónde andás, Luis, ¿en qué pensás?

-Pienso que la longevidad es del largo del escarbadientes de Dios hasta que nos toma como un quesito de la picada.

-¿Vos querés vivir muchos años?

-Ni uno más de lo que haya dictado la vida. Debe ser lo más aburrido no poder morir ¿no? Lo que no me gustaría es estar al pedo, como una forma desgastada. Me gustaría vivir todo lo posible, ¡por qué no!, ¡cómo no! ¡Así tengo más chances de ver algo bueno por televisión! Vivir lo suficiente como para llegar a ver que la salud y la educación han mejorado.


-Uno de tus rasgos parece ser el entusiasmo.

-Soy entusiasta, también generoso. Aunque con estos dos caramelos no te lo demostré ¡jaaa! ¿Viste esa propaganda del tipo con el café grande y el otro con el café chico que le dice "por qué te servís el más grande"? Y el otro le dice: "Y si fueras vos, ¿cuál te servirías?" "El más chico". ¡Es perfecto!


-En la Guerra Civil Española cuando había que dividir una tortilla se decía: "Tú cortas, pero yo elijo".

-Hay frases geniales. Como ésa de Yupanqui. Un músico le dijo: "Maestro, le hice unos arreglos a Lunita tucumana ", y Atahualpa le dice: "¿Qué, la vio rota?" Un tipo muy campeón Atahualpa. Hace llorar a la guitarra el loco. Una poesía que me pone la piel de gallina. Mirá si no.


-¿Cuáles son los poetas que más te acompañan?

-Tuve un tiempo de mucho César Vallejo. Hoy Borges me resulta un poeta conmovedor, y me gusta mucho Alejandra Pizarnik, Idea Vilariño tiene una profundidad desgarradora, siempre vuelvo a Baudelaire, a Rimbaud. Tengo cerca unos haiku que no paro de leer. Es un librito pequeño de Bashö, del año 1600 y pico... Bashö por ahí está dando unas clases de literatura y un alumno le dice: "Mire lo que escribí, maestro: Hermosas libélulas, quitadle las alas, son pimientos´". Y Bashö le responde: Mirá, por qué no lo ves así: "Hermosos pimientos, agregadle alas, son libélulas". Obliterar y rellenar, ¿no? Ese proceder del bocho está latente: podemos distinguir lo que tiene sentido de lo que es una escaramuza.


-Poesía mediante, la vida se inventa a cada instante.

-A veces encuentro poesía en los cuentos de Horacio Quiroga. Imponentes. Me impresionan Pablo Neruda, Octavio Paz, momentos de Santa Teresa... Hay una poetisa que falleció en la tragedia de Santa Fe, Delfina Goldaracena. Ella sabía, sabía su destino. "Tiempo efímero" es el único libro que escribió. Murió en la tragedia del colegio, el 8 de octubre de 2006. A ese colegio asiste mi hija Vera, yo estoy muy solidarizado con los padres que crearon "Conduciendo a conciencia". En medio del dolor esos tipos quieren que sea ley de Estado la educación vial, desde la primaria. Delfina escribía como los dioses, a los quince años, escuchá: "Sólo una vez lo hice por debajo del agua, con el romance, desnuda, en el palacio del mal... Me matan, me entierran, pero mi alma sigue viva..." Una categoría poética desgarrante. La poesía llama de todos lados. ¿Qué seríamos sin poesía?

-Sin ella no habría vida en el mundo. La poesía, el puls? Ahora, decime, ¿cómo es el proceso de tu escritura?

-Tengo dos facetas. Para la canción escribo porque la canción exige una letra y la música siempre está antes. La música esconde algo y uno debe encontrarlo. Es una felicidad tener una tonada nueva, una canción que todavía no dice nada.


-Una felicidad inquietante.

-Ahí va. La tonada está, ¿qué dirá? Si vos tenés una cosa tipo Tom Jobim no vas a poder decir nena nena te quiero ¡vamos a bailar rock and roll! Uno tiene que descubrir el texto que está escondido en esa línea melódica, tiene que poder arrimar. Son esas palabras y no otras.


-Hablabas de dos facetas. ¿Cuál es la otra?

-Tengo cuadernos y cuadernos llenos de poesías.


-¿Se puede saber qué guardás en esos cuadernos?

-Sufrí una separación amorosa muy fuerte hace diez años y canalicé todo escribiendo como un animal. Poesía espontánea, ilegible por lo dolorosa y autosufriente diría. La poesía apareció, aunque yo no quería desembarazarme de mis estigmas. Me elegí una birome Bic gruesa y un marcador, porque el trazo era muy importante. Ese juego infantil del cambio de lapicera me provocaba nuevos versos. ¡Cosa de enfermo! Fumaba y lloraba y bla bla y pi pí, solo, a altas horas de la noche. Me había convertido en un loco de mierda escribiendo como un boludo, llorando en esa catarsis.

-Esos poemas, ¿seguirán secretos o serán un libro?

-No tengo intención de publicar eso, no sé ni me importa si sirve, a mí me sirvió.


-¿Alguna vez escribiste una canción empezando por la letra?

-Muy pocas. Me sucedió adaptando una letra de mi padre. En un disco invisible tengo unas poesías de mi viejo. El proceso inverso no me sale. Yo primero agarro la guitarra.


-¿Tenés registro de cómo hiciste "Muchacha ojos de papel"?

-¿La verdad?


-Toda la verdad.

-Yo estaba enamorado de Cristina Bustamante, mi primera novia. Y ella es la muchacha ojos de papel.


-Borges dudaba de la escritura nacida en el dolor y el amor cercanos.

-Tiene razón Borges, pero bueno, tampoco vamos a dejar de escribir por eso. "Muchacha..." es una canción compuesta en una antigua guitarra española con clavijas a presión, que me prestó un vecino. Llegó a mis manos con cuerdas de tripa, de 1920 era. Y yo empecé a agarrarla a los trece años y de ella salieron algunos temas de Almendra como "Laura va". "Muchacha?" me surgió espontáneamente y me pregunto si no estará influida por "Tu nombre me sabe a hierba", de Serrat.

-Un airecito, un humito lejano...

-Ahí va. Algo de eso en la intención rítmica, pero nos surgió porque sí.

-Estás pluralizando.

-Pluralizo porque era la época de Almendra, y la música pasaba de uno al otro. A la novedad enseguida la aprendía Delmiro o Emilio o Rodolfo a ver qué le agregaban. Esta canción quedó así, sencilla. Se la redondeó en un estilo totalmente acústico.


-¿Y qué pasó cuando la cantaron en vivo?

-Veía pibes y pibas llorando cuando la escuchaban. Lo mismo pasaba con "Plegaria". Muchos se flasheaban, lagrimeaban y uno se ponía a llorar... Ahora veo esos conjuntos de tipos que se golpean y me parece tan horrible eso. La música pueda estar fenómena pero la gente que se golpea me parece algo tan poco gentil... Una aberración.


-¿Cómo te llevás, al escribir, con la metáfora?

-Todas las metáforas nacen de los relatos de la realidad. Borges dice que es casi imposible crear nuevas metáforas, porque hay que creérselas para que sean genuinas. ¿Viste que muchos hemos sido por etapas metaforeros? ¡Qué hinchapelotas!


-Claro, así como el chiste no garantiza el humor, la metáfora no garantiza la poesía.

-Ahí está. Para mí, en la escritura de las letras, lo fundamental es que tengan una idea, que no sean simplemente "álamos de gas", como dice una letra de Almendra. Tienen que contener una acción, algo sinético. No caer en la fabricación de metáforas porque sí.


-Luis, en un par de ocasiones estuve por preguntarte más de tu mamá...

-Escuchame: mi madre, como todas, es hermosa. Marcó mi personalidad tanto por su fuerza como por su dulzura. Es una gran luchadora. Estuvo en los momentos críticos de salud de toda la familia, con un sacrificio impresionante. Es una genia mi mamá, podría haber sido una gran médica o una gran artista. Es alguien a la vez con los pies bien en la tierra. Mi madre siempre representó el cosmos, el universo, y me parece una buena manera de verla.

-¿Qué significa para vos "universo"?

-El universo es lo femenino, lo que se desdobla, lo que puede dar vida. Actualmente mi mamá necesita más mimos y comprensión, por eso la acurruco todo lo que puedo. Ella tiene gran sentido del humor y temple. La cuidamos mucho, aunque ella, rebelde de juventud eterna, no se deja ¡y hasta nos "controla" a todos! Mujer brillante, intuitiva. Evita Perón y Fidel Castro son algunos de sus ídolos más queridos.

-Tampoco hablamos de un tema arduo, la droga. ¿Te viene hacerlo?

-En épocas de Almendra 2 , yo tomaba algún acidito. Mal para mí. Tiempo después, ya no jugaba con mi cerebro a la buena de Dios. Y ya viendo la magnitud de mi propio nacimiento en mis hijos, jamás me atreví a chistes psicodélicos, aunque, debo admitir que, en cambio, de a poco, comencé a esnifar algo, y esnifé. Más mal para mí. Pero hace un montonazo de tiempo que estoy limpio y muy bien, y puedo decir que el interés por aquellas aventuras se extinguió. Siempre me gustó fasar el tiempo, nada del otro mundo.

-¿Y hoy?

-Hoy tabaco, y chupitegüi en la comida, rankean a tope. Peor para mí.

-Pero los buenos vinos son recetados. Sin ánimo de sermón, ¿algo para decirle a los muchachos?

-Ojo los pibes, que no crean que lo único valioso del cuerpo es el pito, y por lo tanto, les importa poco de su bocho.

-Cosa rara, ni mencionamos a Charly García .

-La prensa amarillista ha hecho target en sus cuestiones, con crueldad, y desde hace tiempo ya. Charly, por otro lado, no paró nunca de extraverterse en público y eso siempre lo mantiene en el colimador del buitre. Su genio se impone igual, y lo amamos inescrupulosamente como sociedad devoradora invitada en las ocasiones del buitre.

-Medios de des-comunicación, sociedad devoradora. Ante eso, ¿qué?

-Otra cosa es quererlo y respetarlo por todo lo que da y hacer fuerza para que Charly se recupere. Allí, en ese amor, no existe medio de prensa alguno... Es que uno talla el diamante que desea de sí, más o menos. Me gustaría charlar largas horas tranquilamente con él. Para saber de los mundos que cualquiera de nosotros no se atreve a conocer.

-Luis, por lo general somos ciudadanos o somos personas. Pocas veces llegamos a ser criaturas. Sólo las criaturas pueden jugar y están a disposición de los milagros. Te propongo entregarnos al juego. Yo abro esa puerta y entran tipos de otro tiempo. ¿Aceptás?

-Ahí vamos.

-Fijate, entró Antonín Artaud. ¿Qué te pasa con él?

-Justamente, hace poco volví a ver, por enésima vez, Jeanne D´Arc . Allí está Artaud, con su rostro que deshace la foto. ¿Artaud aquí? Me quedaría sin habla bastante y luego, no sé, me gustaría que no me odie por el disco Artaud que hice. Yo me aventuré en su escritura y advertí un murmullo; tenía que calmarlo en mí con un gesto de amor y poesía, destinándole un trabajo. Quizá él detestaría eso. Bueno, si no le gusta mi disco, le pido que no se le ocurra escribir algo como el texto acerca del doctor Gachet de Van Gogh, "El Suicidado por la Sociedad"... O mejor sí, que lo escriba ¡y con toda la polenta!

-Artaud se fue a la cocina. Aparece Baudelaire...

-Rodolfo, no sé si me banco estar tan cerca de estos prototipos estéticos... Con Baudelaire me pondría más serio... ¡ja!


-Baudelaire no te dice nada. Toma el saquito del té y lo muerde y se aleja. Ahora llega Rimbaud.

-A Rimbaud le pregunto: ¿Era tan importante abandonar la obra, quemarla, no volver a escribir en el arrebato de la luz y las palabras?, ¿o simplemente la luz un día nos abandona y uno no consigue tentar a la Musa?? Casi una pregunta cholula la mía, ¿no?

-La puerta sigue abierta. Aquí, Alejandra Pizarnik.

-A ella la saco a bailar música de Nino Rota.

-Ninguno de nuestros visitantes se va, todos apuntaron a tu cocina. Vas a tener que hacerles algo de comer. Cómo te las arreglarás, Luis, están hambrientos...

-Bueno, como no hay casi nada, les propongo un risotto. Tengo arroz, no tengo azafrán, tengo cúrcuma... vino tinto un poquito, media cebolla, ajo, chile pasilla tostado... Hago un caldo con unas verduritas congeladas de un blister, hay poco queso rallado, pero hay un poco de crema?Además tengo pan casero. La estamos pasando bomba. Vincent me pide ajenjo. A los otros los arreglo con una cervecita. Evidentemente estamos para servirlos... Al final, té. Antes de despedirse me dicen que aman a Charly.

http://www.lanacion.com.ar/1071788-ser-spinetta

Luis Alberto Spinetta / Adiós que sea A-Dios




Por Pedro Aznar

Hoy todas las guitarras están de luto
La mía, que tendría que haberse puesto a repasar zambas
sólo puede pensar en la tuya,
tal vez porque el barro
tal vez porque este balcón donde te vi
... casi por última vez
mira una nube de la forma y el color
de esas eléctricas con las que soñábamos de chicos
Este balcón que se quedó esperando una charla
unas palabras o un abrazo
más
que yá no llegará
Luto también en las palabras
habituadas como estaban a que les pusieras
cascabeles
guirnaldas asonantes
o ruedas de tren apocalíptico
caleidoscópicos ojos de fertil papel
de tu prolífica pluma
que suma y resta sílabas
del metro patrón de las esferas
apenas solas
a solas penas
Adiós
que sea A-Dios
a sus brazos
a ese rincón de magia
que seguramente Él guardará
para los que se animan a jugar
con los bloques con los que ha construido el mundo
haciendo pequeños nuevos mundos de cuatro minutos
donde el corazón se muestra
y baila desafiando al vacio
Adiós
Mientras me duele el pecho
te imagino en viaje
por inmensidades más vastas que las del Capitán
pero a diferencia de él
sé que tendrás todos los tangos silbados al oído
y nunca faltará un mate
ni perfume a malvones
En todos nosotros se queda un pedacito tuyo
serás inspiración multiplicada por millares
a lo largo de los años
y lo ancho de las geografías
Cambiaste nuestras vidas
abriendole camino a la imaginación
cantándole salvaje o dulcemente
a los misterios que nos habitan
al misterio que somos
Adiós
No me resigno a tener que decirlo
Adiós
mensajero del infinito

http://www.facebook.com/pages/Pedro-Aznar/15926481705

miércoles, 8 de febrero de 2012

Luis Alberto Spinetta (Q.E.P.D) Compositor Músico y Poeta Argentino (Enero 23 1950 - Febrero 08 2012)



Dios mío... Luis hermano ... Descansa en paz

Antonio Carlos Jobim / O Grande Arquiteto da Bossa Nova


Hace 85 años nacía Antonio Carlos Jobim, padre de la Bossa Nova

24 de Enero - 12:14hs
Claudio D. Minghetti


Un 25 de enero, hace 85 años nacía -en Barra da Tijuca, en la zona norte de Río de Janeiro- Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, una de las figuras más trascendentes de la música, quien consiguió darle a la bossa nova ritmo de jazz, fusión que le permitió ser éxito en todo el mundo.

Cuando era un adolescente, quien algunos años después sería conocido por el mundo como Antonio Carlos Jobim, sufrió una caída accidental en la arena que le descolocó una vértebra y lo forzó a una larga rehabilitación.

En todo este tiempo de reposo y aburrimiento casero descubrió en el garaje un pequeño piano alquilado por su madre con el que comenzó a probar melodías, esas que ya son parte del patrimonio cultural de la humanidad.

Al percibir su amor por la música, su padrastro lo impulsó a estudiar violín y poco después piano, descubriendo el universo clásico de compositores como Chopin o Debussy, al tiempo que comenzó a trabajar en un estudio de arquitectura.

Jobim, que falleció el 8 de noviembre de 1994 en Nueva York, cursaba en la escuela de arquitectura cuando hizo sus primeras incursiones como pianista en boites cariocas, y así en 1954 grabó su primer disco con el cantante Bill Farr, poco antes de cambiar los diseños por las partituras.

En 1954 comenzó a hacer arreglos y en 1956, convocado por Vinicius de Moraes musicalizó, con Luis Bonfá, la pieza “Orfeu da Conçeição”, con escenografía del diseñador de Brasilia, el arquitecto Oscar Neimeyer, en el Teatro Municipal de Río, y cuya grabación fue lanzada en los entonces nuevos "long play".

Aquella puesta se anticipó al filme “Orfeo Negro” (1959), del francés Marcel Camus, con eje en el relato de la mitología griega, esta vez ambientado durante el Carnaval Carioca, producción que conquistó la Palma de Oro en Cannes y el Oscar de Hollywood a mejor filme hablado en otro idioma.

En 1958, junto a Vincius, Tom compuso “Chega de saudade”, que en grabación de Joao Gilberto se convirtió en un suceso internacional, igual que “Samba de uma nota só”, con Newton Mendonça, que fue grabada por artistas como Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, entre muchos otros, en varios idiomas.

A pedido del gobierno de su país escribió una sinfonía a propósito de Brasilia y dio un concierto en el Carnegie Hall de Nueva York, impulsado por la cancillería, que le permitió destacarse en un escenario al que difícilmente un músico de su país podía acceder.

A finales de 1962, Tom y Vinicius compusieron uno de los temas más maravillosos de sus carreras, “Garota de Ipanema”, poco antes de una segunda partida del primero a Nueva York, donde trabajó entre otros con el gran saxofonista de jazz Stan Getz.

De esa época son sus grabaciones junto a Sergio Mendes primero, y a Sinatra después, con Andy Williams, Nelson Riddle y Claus Ogerman, entre otros, que precedieron a su regreso definitivo en 1967, y sus primeros trabajos con Chico Buarque de Hollanda.

Para cine, Jobim compuso temas como “A Felicidade, junto a Vinicius, para “Orfeo negro”; “Ultimo tremo ara Cordisburgo”, “Chora Coraçao”, “O Jardim Abandonado” y “Milagre e Palhaços”, los cuatro para “Cronica da Casa Assassinada”; “Maita Pere”, y “Dax Ride”, el último para el filme francés “Los aventureros”.

Entre sus temas más famosos, publicados en una docena de discos que llevan su nombre, sobresalen “Aguas de Março”, “Pois é”, “Samba do Avião”, “Agua de beber”, “Eu preciso de voce”, que como la mayoría de su discografía siguen teniendo nuevas versiones.

“Quiero dejar en claro que toda obra de arte, pequeña o grande, popular o erudita, se da en un determinado momento. Cuando se habla de música popular, el problema es más agudo por causa de la moda”, confesó el compositor, músico y cantante en 1971.

“Todos los años surge una nueva moda, efímera, perecedera, con una voracidad industrial. Nunca quise ni nunca querré acompañar esas modas. Es imprudente. Si el artista no está se ajusta al éxito, muy bien. Si lo está, genial”, insistió.

“No me voy a desviar de lo que tengo que hacer para satisfacer las tendencias del momento, para pagar el alquiler, o comer un guiso de porotos y arroz con una cerveza”, afirmó, y agregó que La vida es buena: es el hombre el que termina por complicarla”.

A mediados de la década del 80, con el auge de las llamadas músicas del mundo y de una segunda ola de música de su país, Jobim se lanzó a una recorrida por varios países con un grupo en el que participaba Ana Lontra, su segunda esposa, y su hijo Paulo.

En 1999 durante el gobierno de Fernando Henrique Cardoso, el Aeropuerto Internacional del Galeão, en Río de Janeiro, fue bautizado como Antonio Carlos Jobim por las autoridades aeronáuticas cariocas, en homenaje al artista.



Las autoridades justificaron la elección ya que en tiempos de dictadura Jobim ironizó que la única salida para la música de su país era ese aeropuerto.

http://www.telam.com.ar/nota/13844/



Antonio Carlos Jobim - Insensatez (Ao Vivo)



Antonio Carlos Jobim - Água De Beber- Ao Vivo Montreal Jazz Festival (1986)

martes, 7 de febrero de 2012

Antoni Tàpies / L'últim Gran Mestre Català i Universal del Segle XX


Muere en Barcelona el artista Antoni Tàpies

El pintor catalán es considerado el mayor referente del informalismo del siglo XX

Lunes, 6 de febrero del 2012 - 22:39h

EL PERIÓDICO / Barcelona

El artista barcelonés Antoni Tàpies ha muerto esta tarde en Barcelona a la edad de 88 años, según ha comunicado la familia del pintor al Ayuntamiento de Barcelona. Tàpies hacía tiempo que se encontraba en un delicado estado de salud.

Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

De formación autodidacta, Tàpies consiguió aquello que tanto ansían los artistas de cualquier disciplina, crear un estilo propio. Tapies lo consiguió dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaba la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto y lleno de simbolismo. Tapies quiso destacar el marcado sentido espiritual a su obra, donde el soporte material ganaba relevancia para significar un profundo análisis de la condición humana.

Obras principales

De su obra principal destacan Gran pintura gris (1955), Ovalo blanco (1957), Puerta gris (1958), Cuadros grises sobre marrón (1959), Forma triangular sobre gris (1961), Gran equis (1962), Relieve ocre y rosa (1965), Incrustación y cifras (1974), Huella de silla (1980), Díptico de campaña (1991), Inspiración (1991), las xilografías Nocturno y Gesto (1995), Rinzen (1998) y el cartel del centenario del Fútbol Club Barcelona (1999). También ha realizado numerosas piezas de cerámicas, tapices y esculturas, un mosaico para la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), las esculturas públicas Homenaje a Picasso (1990) y Nube y silla (1990), ambas instaladas en Barcelona, y su polémico Calcetín (1992) de 18 metros de largo.

Premiado internacionalmente

La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel tanto nacional como internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera recibió numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Catalunya (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003). Como reconocimiento a su trayectoria artística el rey Juan Carlos I le otorgó el 9 de abril del 2010 el título de marqués de Tàpies.

Permeable a los acontecimientos políticos

Antoni Tàpies nació en Barcelona en 1923, en una familia burguesa, culta y catalanista, involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despierta muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura. Esta predisposición se ve acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inicia sus tanteos artísticos. Progresivamente Tàpies se dedica con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acaba dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya expone sus obras, que destacan en la panorámica artística del momento. La obra de Antoni Tàpies siempre fue permeable a los acontecimientos políticos y sociales del momento. A finales de los años sesenta y principios de los setenta, su compromiso político contra la dictadura se intensifica, y las obras de este periodo tienen un marcado carácter de denuncia y protesta.

Antifranquista y catalanista

Casado con Teresa Barba Fábregas, Tàpies es padre de tres hijos, Antoni, Clara y Miquel. Durante la guerra civil trabajó algún tiempo en la Generalitat de Catalunya, donde su padre ejercía la abogacía. Unido a la revista de vanguardia Dau el set, a partir de 1948, con Joan Brossa, Joan Ponç, Modest Cuixart, Joan Josep Tharrats, Arnau Puig y Juan Eduardo Cirlot, obtuvo dos años más tarde una beca para estudiar en París donde hizo su primera exposición individual (1956). Insigne cultivador de nuevas técnicas de dibujo, litografía y colage sobre nuevos soportes plásticos, y de la escultura en cemento, bronce o cerámica, incluso en combinación con objetos de uso cotidiano, se opuso al régimen franquista, defendió la cultura catalana desde incipientes posiciones izquierdistas e interés por el surrealismo, la filosofía de Jean Paul Sartre y el realismo social, y participó en la asamblea clandestina, en el convento de los PP. Capuchinos de Sarrià, Barcelona, que impulsó en 1966 la fundación del primer sindicato democrático de estudiantes. Su obra está o ha estado presente en todos los grandes museos del mundo.

Paralelamente a la producción pictórica y objetual, Tàpies fue desarrollando desde 1947 una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. También desarrolló una tarea de ensayista, algunas traducidas a distintos idiomas: La práctica del arte (1971), El arte contra la estética (1977), Memoria personal (1983), La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista (1989), El arte y sus lugares (1999) y Valor del arte (2001).

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/muere-genio-del-informalismo-antoni-tapies-1393283



Antoni Tàpies Artworks





Mor Antoni Tàpies

L'artista català és un dels principals exponents de les avantguardes del segle XX
La seva obra es caracteritza pel seu component matèric i la recerca espiritual
Va ser un ciutadà compromès amb la democràcia i el catalanisme

06/02/12 20:42 - Barcelona - Redacció

El pintor Antoni Tàpies ha mort aquest dilluns a l'edat de 88 anys al seu domicili, segons han confirmat fonts de la família a l'Ajuntament de Barcelona.

El pintor, escultor i teòric de l'art, va néixer a Barcelona el 13 de desembre de 1923 i està considerat un dels millors artistes catalans d'avantguarda del segle XX i un dels principals exponents mundials de l'informalisme. La seva obra disposa d'un centre d'estudi i conservació a la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona.

Nascut en una família burgesa, culta i catalanista, la seva llarga trajectòria va començar als anys quaranta del segle passat, quan va abandonar els seus estudis de dret per dedicar-se de ple a la pintura i el dibuix, una afició que havia adquirit als 18 anys durant una llarga convalescència per tuberculosi.

En plena postguerra va ser un dels fundadors del grup artístic Dau al Set, juntament amb el poeta visual Joan Brossa i els pintors Joan Ponç i Modest Cuixart, entre d'altres.

El 1950 va viatjar a París amb una beca de l'Institut Francès i allà va conèixer Picasso i va entrar en contacte amb les idees revolucionàries d'esquerres i la pintura abstracta.

Sensible als esdeveniments polítics i socials del moment, a finals dels seixanta i principis dels setanta va intensificar la seva oposició al franquisme. Va ser un dels empresonats per assistir a una assemblea clandestina al monestir de Montserrat per protestar contra el Procés de Burgos. També va mostrar el seu compromís amb el catalanisme a obres com L'esperit català (1971), Pintura romànica amb barretina (1971) o Sardana (1971).

Místic i matèric

Tàpies també va buscar una nova espiritualitat que va trobar a les filosofies orientals, sobretot al budisme Zen. Moltes de les seves obres, tot i el seu component matèric, s'han d'entendre precisament des d'una perspectiva mística. L'artista cercava que les seves obres tinguessin el poder de transformar l'interior de l'observador. Aquesta recerca espiritual coincidia amb el seu interès per la matèria, que es reflecteix en l'ús de materials aliens a la tradició acadèmica i a l'experimentació amb noves tècniques.

Les creus –com la de la capçalera d'aquest diari– i les X van ser també característiques en la seva obra, així com les T majúscules, pel seu cognom, i el 4, pels quatre elements i punts cardinals.

Als anys 90 va acceptar encàrrecs institucionals com Les quatre cròniques de la Sala Tarradellas de la Generalitat, la decoració mural dels pavellons de Catalunya per a l'Expo de Sevilla, o una capella laica per a la Universitat Pompeu Fabra (UPF).




En canvi, el mitjó de 18 metres que havia projectat per a la Sala Oval del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), es va veure envoltat per la polèmica i no es va arribar a concretar, tot i que a la seva fundació s'hi exposa una versió reduïda.

L'any 1990 va inaugurar la fundació que porta el seu nom al carrer Aragó de Barcelona, a l'antiga seu de l'Editorial Montaner i Simon, obra de l'arquitecte modernista Lluís Domènech i Montaner. L'edifici, que està coronat per l'escultura Núvol i cadira (1990), mostra no només la seva obra sinó també la d'altres artistes contemporanis.

Una obra extensa

De la seva obra principal destaquen Gran pintura gris (1955), Oval blanc (1957), Porta gris (1958), Quadres grisos sobre marró (1959), Forma triangular sobre gris (1961), Gran ics (1962), Relleu ocre i rosa (1965), Incrustació i xifres (1974), Empremta de cadira (1980), Díptic de campanya (1991), Inspiració (1991), les xilografies Nocturn i Gest (1995), Rinzen (1998) i el cartell del centenari del Futbol Club Barcelona (1999).

També ha realitzat nombroses peces de ceràmiques, tapissos i escultures, un mosaic per a la plaça de Sant Boi de Llobregat, les escultures públiques Homenatge a Picasso (1990) i Núvol i cadira (1990), les dues instal·lades a Barcelona.

En paral·lel a la seva obra pictòrica i escultòrica, Tàpies va desenvolupar una extensa obra gràfica: llibres de bibliòfil i carpetes en col·laboració amb poetes i escriptors com Alberti, Bonnefoy, Du Bouchet, Brodsky, Brossa, Daive, Dupin, Foix, Frémon, Gimferrer, Guillén, Jabès, Mestres Quadreny, Mitscherlich, Paz, Saramago, Takiguchi, Ullán, o Valente i Zambrano.

Així mateix, la seva tasca d'assagista va donar lloc a una sèrie de publicacions, algunes traduïdes a diversos idiomes: La pràctica de l'art (1970), L'art contra l'estètica (1974), Memòria personal (1978), La realitat com a art (1982), Per un art modern i progressista (1985), Valor de l'art (1993) i L'art i els seus llocs (1999).

Entre els guardons que va recollir al llarg de la seva carrera artística destaquen el Premi de la Fundació Wolf de les Arts el 1981; la Medalla d'Or de la Generalitat el 1983; el Premi Príncep d'Astúries de les Arts el 1990; la Medalla d'Or de la ciutat de Barcelona, el 1922; la Medalla Picasso de la Unesco el 1993; el Premi Nacional d'Arts Plàstiques de la Generalitat el 1995; el Velázquez d'Arts Plàstiques del ministeri de Cultura el 2003 i el Praemium Imperiale de l'Associació Artística del Japó. L'any 2010 va ser nomenat marquès de Tàpies per la seva contribució a les arts plàstiques.

http://www.elpuntavui.cat/noticia/article/5-cultura/19-cultura/504192-mor-antoni-tapies.html



Antoni Tàpies Artworks

lunes, 6 de febrero de 2012

Bob Marley / A new anniversary of his birth


Aniversario de Bob Marley: se cumplen 67 años de su nacimiento

Aniversario del nacimiento de un mito musical. Robert Nesta Marley, conocido como Bob Marley, nació un 6 de febrero de 1945 en Nine Mile, pequeña localidad situada en el norte de Jamaica.

6 de febrero de 2012 (fragmento)

Robert Nesta Marley Booker nació en la localidad jamaicana de Nine Mile el 6 de febrero de 1945. Hijo de Cedella, una africana afincada en Jamaica y de Norval, un capitán del ejército británico que pronto se desentendió de su hijo y que murió cuando Bob Marley tenía 10 años. A finales de los 50 se trasladó con su madre a Kingston, la capital.

En la vida de Bob Marley tuvo una gran influencia la religión Rastafarí y muchos jamaicanos en seguida vieron en él al representante de esta religión.

Su incursión musical se inició a comienzos de los sesenta junto a sus grandes amigos Neville O'Riley Livingstone (Bunny) y Peter McIntosh. En aquel momento sus influencias eran Ray Charles, Brook Benton, Curtis Mayfield o Fats Domino. En 1963 crearon el grupo 'Wailing Wailers" con temas en los que se hablaba de los jóvenes delincuentes del guetto de Kingston. Años más tarde ese grupo se convertiría en 'The Wailers'. A principios de los setenta, se alían con Lee Perry, un productor que revoluciona su trabajo, dando como resultado algunas de sus mejores obras, como 'Soul Rebel', 'Small Axe', '400 Years', etc. Son de esa época los álbumes de 'Catch a Fire', y 'Burnin'.

Se casó con Rita Anderson en 1966. En esas fechas vivió durante unos meses en Estados Unidos. Su vuelta a Jamaica reforzó la espiritualidad de sus canciones y la creencia en la religión Rastafarí.

En 1975 Bunny y Peter dejan el grupo para dedicarse a su carrera en solitario. Les sustituyen en el grupo Rita Anderson, Marcia Griffiths y Judy Mowatt. El grupo pasó a denominarse 'Bob Marley & The Wailers'.

Un año después publicó 'Rastaman Vibrations'. El 5 de diciembre de 1976, Marley se disponía a dar un concierto en Jamaica, como reivindicación de la paz y los derechos de los ciudadanos de su patria. Pero unos desconocidos le atacaron antes del concierto, aunque sin herirlo. Tras este atentado, Bob Marley abandona Jamaica y se traslada a Florida, multiplicando sus giras por USA, Europa y Africa.

Al año siguiente se editó el álbum 'Exodus', que se convirtió en un superventas en Inglaterra. En 1978, publicaron 'Kaya', un nuevo éxito con canciones de amor y de homenaje a la marihuana.

Tras la publicación del disco 'Babylon By Bus', fruto de una gira por Europa y América, Marley visita África, hecho que le inspiró un nuevo album, 'Survival', homenaje a la patria africana.

En 1980 publica 'Uprising', cuyo éxito fue arrollador, propiciando una nueva gira europea que batió todos los records de asistencia. Al finalizar la gira europea, Marley cayó gravemente enfermo.

El 11 de mayo de 1981 Bob Marley fallecía en un hospital de Miami a los 36 años. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, Nine Mile, donde descansa en un mausoleo. A su funeral acudieron el primer ministro y altas personalidades de su país

http://www.que.es/musica/201202061104-aniversario-marley-cumplen-anos-nacimiento-cont.html



Bob Marley - Jammin' from Legend (1984)

domingo, 5 de febrero de 2012

Buddy Guy / Chicago Blues Master en el Luna Park Buenos Aires

Una leyenda del blues en el Luna Park

Buddy Guy se presentará en el estadio porteño en el mes de mayo. Repasará tramos de su extensa carrera y de su último álbum, “Living Proof”.

03.02.2012

En mayo, el Luna Park se vestirá de gala para recibir a un artista de la estatura musical de Buddy Guy. Las entradas ya están a la venta. Se pueden comprar en el estadio o a través de ticketportal.

Miembro del Rock and Roll Hall of Fame desde el 2005, Guy ha sido un ícono referencial para otros artistas, incluso fuera de los límites del blues. “El cielo se cae a los pies de Buddy al escucharlo tocar su guitarra” dijo en algún momento Jimmy Hendrix. “Buddy Guy es un monstruo absoluto”, afirmó Jimmy Page.

Con una trayectoria sumamente extensa tras de sí, en el 2010 editó su último álbum: Living Proof. En él finalmente consiguió que BB King formara parte de un disco suyo. Pero no fue el único invitado de lujo, ya que Carlos Santana también grabó en el trabajo del nacido en Lettsworth, cerca de Nueva Orleans.


A lo largo de su carrera, el músico (que fue elegido por la revista Rolling Stone como uno de los 30 mejores guitarristas de la historia) ha tenido participaciones junto a los Rolling Stones o Eric Clapton.

Living Proof continúa una tradición de discos en los comienzos de década, como ocurriera con Stone Crazy (1981), Damn Right, I Got The Blues (1991), y Sweet Tea (2001). Guy fue un pionero de Chicago´s West Side Sound y su nombre estará siempre asociado a esa ciudad a la que arribó en 1957 y que lo cobijó para romper con las estructuras tradicionales del blues.

“La vida que viví es sobre lo que cantamos”, dijo de Living Proof. Es que algunas canciones como “Thank Me Someday” o “Everybody´s Got To Go” son meditaciones personales sobre su pasado, su legado y su mortalidad. ”. Buddy le da créditos al productor/baterista Tom Hambridge ya que con su ayuda pudo capturar y preservar sus pensamientos más íntimos. “Venia con una libreta y un lápiz” dice el guitarrista, “y mientras hablábamos, el escribía cosas y le dije que hagamos canciones de esas palabras”.

http://www.clarin.com/espectaculos/musica/leyenda-blues-Luna-Park_0_639536240.html



Buddy Guy - 74 Years Young/Let The Door Knob Hit Ya- Live at BB King Blues Club NYC (Nov 2011)

sábado, 4 de febrero de 2012

Ariel Magnus / El frenesí de los versos salvajes





La banda de mi calle

Analizados como fenómeno social, faltaba una crítica A la intrincada poética de los Redondos. Pero el escritor Ariel Magnus se arriesgó en su nuevo libro a una interpretación paródica de los temas.

Escenarios 02/02/12

Por Mauro Libertella

Si corrés peligro / con sólo venir aquí / no me digas nada / ladrón de mi cerebro.” La frase es del arcón del Indio Solari; el año, 1993, apenas después de la muerte de Walter Bulacio a la salida de un concierto en Obras. De esa época son los discos que delimitaron y terminaron de cristalizar los núcleos de sentido de ese territorio que hemos acordado en llamar “lo ricotero”.


Un baión para el ojo idiota , con sus guiños a la implosión de una tribu urbana contracultural (“Me voy corriendo a ver / qué escribe en mi pared / la banda de mi calle”); ¡Bang, Bang, estás liquidado! , gran disco, con la épica de la resistencia como corolario del álbum (“Nuestro amo juega al esclavo / de esta tierra que es una herida / que se abre todos los días / a pura muerte, a todo gramo”); o La mosca y la sopa , más hitero e inclinado hacia lo pop, pero plagado de temas políticos y de ideogramas punzantes (“Sentís la mosca joder detrás de la oreja / y chupás la fruta sin poder morderla / y hay muchos marines de los mandarines / que cuidan por vos las puertas del nuevo cielo”).

En rigor, los acercamientos críticos y ensayísticos a los Redondos se han volcado más a desentrañar el carácter sociológico del “fenómeno” –el frenesí que produjo la banda en los sectores desclasados y expulsados del sistema neoliberal, la masividad, las muertes– y se han olvidado, deliberadamente, de desarmar el juguete puramente textual de la poética ricotera. Es lógico: las letras de Solari son al mismo tiempo tan crítpicas y tan elocuentes que cualquier “interpretación” no haría más que poner en rídiculo a quien lo intente. Son letras que interpelan, en un mismo movimiento, a la emoción y al intelecto; parecen tener una moraleja pero no la tienen, pretenden contar una historia pero no la cuentan, parecen ser políticas pero sólo lo son parcialmente. “La verdadera y para mí única interpretación en serio de una canción del Indio es cantarla y disfrutarla”, dice Ariel Magnus, que acaba de publicar un libro que pone el dedo en la llaga de estos debates.

"La cuadratura de la redondez" es la batalla personal y alucinada de un fanático por dejar en off side las pretendida solemnidad que a veces rodea la doxa ricotera.

Hacia finales del 2011 se reeditó, también, otro manual de redondofilia, pero cimentado sobre bases bien distintas.

A brillar, mi amor , de Jorge Boimvaser, es una narración encendida y pletórica sobre la mitología ricotera (“la religiosidad del fuego sagrado” se deja leer en alguna esquela). Capitalizando saberes marginales y excéntricos como la psicología mitológica y el estudio de los cultos colectivos, Boimvaser no hace otra cosa que echar leña al fuego sagrado: trae casos de fanáticos enfermos de la banda, narra el carácter cuasi religioso de los recitales y le confiere a la banda cualidades inexplicables, desmesuradas, acaso metafísicas, que se vuelcan en su público con una fuerza inédita en la historia de la música argentina. Boimvaser testifica desde un puente generacional: vio a la banda desde lo comienzos hasta el fin, y puede dar cuenta de las mutaciones que parcializan las “etapas” ricoteras. Ese primer estertor medio surrealista, signado por presentaciones caóticas y centrífugas, donde subían poetas al escenario y se repartían los buñuelos de ricota más famosos de la gourmetería under vernácula; canto de cisne y testamento de los swinging sixties . Después, los ochenta: la oscuridad y el principio de la masividad, los excesos y una Buenos Aires vertiginosa. Un década después, los noventa: estadios, un disco perfecto detrás de otro, himnos para una generación, recambio de público y el Indio convirtiéndose de a poco en una mezcla de vate, profeta y poeta del aforismo, cada vez más refugiado sobre sí mismo, paradojalmente escindido del mundo pero cantándole a cada vez más gente. Y por último, el fin de los noventa y el primer año del siglo, oscuro para el país y para la banda: después de los recitales en River, cifra de la ira colectiva, anuncian su separación un mes antes de la renuncia de De la Rúa. Como escribió el sociólogo Mariano Canal, “la historia de los Redondos está imbricada con el gran arco de la transformación política argentina, 1976-2001. Además, esos años marcan la crisis o la degradación a nivel social de muchas de las cosas que los Redondos significaban culturalmente, por sus orígenes, por la tradición literaria y artística de la que ellos se nutrieron. Una banda formada por personas cultas, lectores de buena parte de la mejor literatura del siglo XX, nacida en la bohemia contracultural de principios de los 70. Siempre me pareció muy llamativa esa tensión entre lo que ellos ‘expresaban’ y los tiempos sociales y políticos en los que les tocó convertirse en una banda importante, tal vez la más importante a nivel de público. Como si los Doors o los Grateful Dead hubieran tocado en la época de la presidencia de Bush, para poner un ejemplo extremo”.

Quizás haya que buscar, entonces, la historia argentina contemporánea desperdigada o encriptada en las letras del Indio: esas frases sueltas, como versos salvajes, que acompañan el riff de Skay Beillinson y se han clavado en la memoria emotiva de varias generaciones.

http://www.revistaenie.clarin.com/escenarios/Los-Redondos-La-banda-de-mi-calle_0_635936429.html



Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Vencedores Vencidos -Un Baión Para el Ojo Idiota (1988)

viernes, 3 de febrero de 2012

Jethro Tull / Whatever Happened To Gerald Bostock?

Jethro Tull lanza la secuela de 'Thick as a Brick'

Madrid, 1 (EUROPA PRESS)

Miércoles, 1 de Febrero de 2012

Tras el reciente anuncio de la gira de 19 conciertos de Jethro Tull para celebrar el 40 aniversario de la publicación del mítico álbum 'Thick As A Brick', el no menos legendario líder de la banda, Ian Anderson, ha desvelado que el 2 de abril verá la luz una secuela del disco original.


En 1972, Ian Anderson compuso y grabó 'Thick As A Brick', para convertirlo inmediatamente en un clásico del rock progresivo. El álbum se situó en el primer puesto de la lista Billboard y tuvo un tremendo éxito e impacto en todo el mundo, lanzando al estrellato el nombre de Gerald Bostock, un niño de ocho años ficticio, inventado por Anderson y presunto autor del poema inspirador de las letras del disco.

Ahora, 40 años más tarde y con Bostock rondando los 50, ¿qué estaría haciendo hoy? ¿Qué puede haberle pasado en todo este tiempo? La segunda parte del álbum seguirá los pasos de aquel ficticio joven Gerald con canciones que cuentan los diferentes caminos que este precoz estudiante podría haber tomado en su vida a través de personajes alter ego y las oportunidades a las que le lleva el destino.

"Las personas nacidas como yo en plena explosión demográfica, miramos atrás y podemos preguntarnos: ¿Y si hubiera sido un cura, un soldado, un sin techo, un comerciante, un tiburón de las finanzas? Las nuevas generaciones, hijos de internet y las redes sociales, pueden tener ante sí todo este abanico de posibilidades en un instante", plantea Anderson.

En el álbum y en la gira, Ian Anderson contará como compañeros de banda con John O'Hara, (teclados), David Goodier (bajo), Florian Opahle (guitarra) y Scott Hammond (batería).

Después de 44 años pisando los escenarios de 54 países al frente de Jethro Tull y de vender más de 60 millones de álbumes, Ian Anderson se lanza a sus 64 años a una gira de tres semanas por Reino Unido los próximos meses de abril y mayo para celebrar un clásico del rock progresivo.

Anderson es conocido como el cantante y el flautista de Jethro Tull, banda formada en 1968 en el norte de Inglaterra tras la fusión de John Evan Band y McGregor's Engine. Desde su primer concierto en 1968 en el célebre Marquee Club de Londres, el grupo ha publicado 30 álbumes de estudio situándose en un lugar privilegiado en la historia del rock.

http://ecodiario.eleconomista.es/cultura/noticias/3714750/02/12/jethro-tull-lanzan-la-secuela-de-thick-as-a-brick.html



"Thick as a Brick, Part I" Thick as a Brick (1972)



"Thick as a Brick, Part II" Thick as a Brick (1972)

jueves, 2 de febrero de 2012

Bobby Womack / The Bravest Man in The Universe

El regreso del gran Bobby Womack

23 enero 2012
Ánxel Grove

Es la cabecera de créditos de Jackie Brown (1997) y no dice mucho en favor de las dotes como cineasta del deslenguado director que la tensión dramática la sostengan la presencia robusta de la gran actriz Pam Grier, musa de la blaxploitation, y la soberbía canción que suena de fondo, Across 110th Street.

La pieza ya había sido el tema central, 25 años antes, de la película del mismo título (no en España, donde los traductores hicieron de las suyas, volvieron a pensar que los espectadores necesitamos anzuelos semánticos y la llamaron Pánico en la calle 110).

El poder de la canción es de alto calibre. En 2007 volvió a ser elegido como tema musical principal de American Gangster (Riddley Scott), un thriller sobre el negocio de la heroína en Nueva York en los años setenta.

El hombre que canta Across 110th Street, la canción tantas veces reclamada por su capacidad de sugerencia, cumplirá 68 años en marzo.

Si la semana pasada dediqué la sección Top Secret que publicamos cada lunes al fallecido cantante Howard Tate, muerto en el semi olvido de una residencia de ancianos, hoy le toca a un trovador de la misma escuela -la hondura sagrada del soul-, Bobby Womack.

Esta vez no se trata de dar cuenta de un póstumo obituario. La buena nueva es que Womack, después de una docena de años sin conseguir los medios o la confianza empresarial para grabar un disco, está a punto de editar The Bravest Man in the Universe, anunciado para abril por la discográfica británica XL Recordings.

El álbum, ya terminado, está coproducido por Damon Albarn (Blur, Gorillaz) y Richard Russell, el fundador de XL y colaborador de, entre otros, Radiohead, The White Stripes, Dizzee Rascal, M.I.A., Vampire Weekend y Adele.

Womack, bregado con sus cuatro hermanos en los coros gospel de los oficios dominicales, fue descubierto hace cincuenta años por Sam Cooke, que ficho al grupo para su empresa editora, SAR Records, donde los chicos grabaron como The Valentinos

En 1964 les favoreció la ceguera que padecía el Reino Unido, donde los Rolling Stones se colocaron por primera vez en el número uno de los hit parade de las canciones más vendidas con It’s All Over Now, compuesta por Womack y editada por los Valentinos unos meses antes. La versión original era sólida, salvaje. La de los Stones, amanerada y sin aristas.

Descorazonado por la dureza del camino contra la industria y sus caprichos, Womack se refugió en el trabajo de guitarrista de estudio. Tenía una de las técnicas más depuradas de la época. Zurdo, como su amigo y admirador Jimi Hendrix, tocaba con las cuerdas al revés (las graves, abajo).”Tocas como una persona caminando de espaldas”, le decía Hendrix.

Acompañó a Aretha Fraklin (de Womack es la inolvidable guitarra de Chain of Fools), Ray Charles, James Brown y Wilson Pickett, cedió una de sus canciones a Janis Joplin y es una de las piezas claves del histórico There’s a Riot Goin’ On (Sly & The Family Stone, 1971), la gran puerta de entrada al funk de los años setenta.

Los movimientos de Womack desde entonces han sido erráticos. En 1971 firmó un excelente disco, Communication (con la caliente That’s the Way I feel About Cha), pero a partir de ahí pareció naufragar e incluso regresó al seguro refugio de los circuitos de gospel.

Hace dos años colaboró con Gorillaz en la canción Stylo, les acompañó en algunos conciertos en directo y cimentó la relación con Albarn que ha dado lugar al disco de renacimiento.

No he escuchado aún The Bravest Man in the Universe y admito que algunos detalles (el dúo con la desleída Lana Del Rey, por ejemplo) me hacen temer lo peor, pero a Womack le concedo el crédito de haber compuesto y cantado una de las canciones más tensas y dramáticas de la música negra, Across 110th Street, un medio tiempo de tenso suspense sobre la historia de un hijo del gueto, un soul-hablado que comunica tanto como varias películas juntas.

http://blogs.20minutos.es/trasdos/2012/01/23/regreso-bobby-womack/



Bobby Womack - Across 110th Street - 1972/United Artists Records

miércoles, 1 de febrero de 2012

Janis Joplin / Janis Joplin's The Pearl Sessions




Cuarenta años del último álbum de Janis Joplin

En abril se pondrá a la venta The Pearl Sessions, un doble CD con material inédito de aquellas sesiones de grabación.

Publicado el 21 enero, 2012 por Juan Rebenaque

Janis Joplin hubiese cumplido 69 años y el sello Legacy Recordings lo celebra anunciando la publicación, el próximo 17 de abril, de The Pearl Sessions, un doble CD del último álbum de estudio de la artista.

Publicado originalmente el 11 de enero de 1971 (tres meses después de la muerte de Joplin, ocurrida el 4 de octubre de 1970), Pearl fue Nº1 en Estados Unidos durante nueve semanas e incluía dos de los mayores éxitos de Janis Joplin: su versión de Me and Bobby McGee, de Kris Kristofferson, y Mercedes Benz.

Esta edición 40 aniversario de Pearl incluye material no catalogado e inédito de las sesiones de grabación de aquel álbum que fue producido por Paul Rothschild, que también fue productor de los cinco primeros álbumes de The Doors.

The Pearl Sessions incluye las versiones mono de los singles del álbum, el LP original remasterizado, versiones alternativas, descartes, tomas vocales de las canciones de Pearl e, incluso, conversaciones en el estudio entre Janis Joplin, Paul Rothschild y los músicos de la banda de la cantante, Full Tilt Boogie Band.

http://zm.nu/2012/01/21/cuarenta-anos-del-ultimo-album-de-janis-joplin/



Janis Joplin - Trust Me - Pearl (1971)




Janis Joplin : La Reina del Rock & el Blues




Por Carolina Hoz de Vila - La Prensa - 24/01/2012

Se convirtió en el modelo de la juventud. Vivió tan poco, y sin llegar a convencerse de su grandeza.

Fue la voz de toda una tradición en la música negra del Mississippi, el icono de la independencia femenina en sus canciones. Se transformó en el símbolo de una generación desgarrada por la guerra y el capitalismo. Se consagró como la primera dama del movimiento hippie y de la contracultura en los 60, que hizo de los escenarios campos de reflexión y amor colectivo. Así fue Janis Joplin, quien nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas.

Aún adolescente, se dejó asombrar por el movimiento beatnik de su escuela. Fue discriminada por ello. Sin embargo, la música afro la atrapó en sus redes y la envolvió hasta hacerla acreedora de una voz portentosa.

La rebelde. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Texas, en Austin, donde comenzó a cantar de manera habitual en bares. Participaba frecuentemente con la Waller Creek Boys. Allí fue donde empezó a ganarse la mala reputación de bebedora infernal. Luego se trasladó a San Francisco, donde se consolidó como la vocalista de Big Brother & The Holding Company, agrupación que ganó renombre en 1967 por su Festival Internacional de Música Pop de Monterrey.

Joplin creó después su propio grupo, la Kozmic Blues Band, que posteriormente se llamaría The Full Tilt Boogie Band. Con las agrupaciones de música fusión entre el rock y el jazz, Joplin fue cobrando un matiz interesante en su arte que la distinguió de muchas bandas lideradas por hombres y la fue ascendiendo paulatinamente a un status poco común de rockstar femenina.

Genialidad en ascenso. En 1969 lanzó I got Dem Ol´Kozmic Blues Again Mama, su primer disco en solitario. El álbum fue un gran éxito de ventas y le dio notoriedad en el ámbito rockero. Pero el traje de estrella le quedó grande. Las drogas empezaron a hacerle sucias jugadas en su vida personal. Cada vez más, las actuaciones de Joplin eran ausentes, lejanas, y perdidas en un vendaval de alucinaciones que solamente ella entendía.

La adolescente miedosa tras la estrella. Sus raciones diarias de aniquilación se nutrían de una baja autoestima y de una confusión sexual que se refugiaba en la bisexualidad. Cuentan que la cantante se sentía avergonzada por considerarse “fea”. Muchos hombres y mujeres se enamoraban de ella al escucharla. Más allá de su apariencia, veían en su aura a una reina de la confianza. Tras la carcaza dura de la cantante de blues feminista había una niña que no podía aceptarse. Cuando alguno de esos fans se le acercaba para declararle su devoción tras bambalinas o en alguna fiesta hippie de rock, la diva se avergonzaba y se rehusaba a creerle, pues tenía la certeza de que se burlaba de ella por sus características físicas.

Joplin, sin duda, dejó un legado. 1995 Fue condecorada simbólicamente en el paseo de la fama al convertirse en icono mundial. “Me siento tan inútil acá abajo sin nadie a quien amar. A pesar de que he buscado por todos lados, no puedo hallar a nadie”. Janis Joplin

Su muerte y un nuevo lanzamiento discográfico. Joplin falleció en 1970 en la habitación de un hotel de Hollywood, tras una desilusión amorosa, como consecuencia de una sobredosis de heroína. Vivió tan rápido, que no tuvo tiempo de sentarse a pensar en sí misma. En el momento de su muerte estaba grabando el larga duración Pearl, que se editaría póstumamente en 1971. El álbum y el single por el cual fue promocionado, Me and Bobby McGee, alcanzaron el número uno en los ránkings mundiales más importantes. Su discográfica editaría todavía, un año después, Janis Joplin in Concert.

Lanzan un material inédito este 2012. El álbum de la artista se grabó de un concierto ofrecido por ella el 23 de junio de 1968. Cuenta con el aporte musical de Big Brother and The Holding Company. El material musical, grabado por el legendario Owsley Stanley, mejor conocido como “Bear”, promete ser un portal al pasado de los mejores momentos de la escena hippie, que
los fans querrán escuchar.

http://www.laprensa.com.bo/diario/entretendencias/escena/20120124/janis-joplin-y-sus-69-no-cumplidos_17729_28763.html



Janis Joplin - Get It While You Can - Pearl (1971)

martes, 31 de enero de 2012

Howard Tate / A Mighty Star in the Soul Music


Howard Tate, la joya oculta del 'Soul'

Artista de culto, iconos como B. B. King, Joplin o Hendrix versionaron sus temas

FERNANDO NAVARRO 05/12/2011

A pesar de ser un absoluto desconocido para el gran público, estaba cortado por el mismo patrón que los grandes del soul. Su voz pletórica, acompañada de elegantes arreglos, hacía saltar las emociones como si esa canción recién escuchada fuese lo más importante que a uno se le había cruzado por sus oídos en media vida. Fallecido a los 72 años el pasado 2 de diciembre tras no superar una leucemia, Howard Tate era la joya oculta del soul.

Una joya que se dejó ver en contadas ocasiones en medio siglo de carrera artística, pero siempre lo hizo para brillar con luz propia. Tate destacó por ser un músico muy poco prolífico, que pasó más tiempo fuera que dentro del negocio, pero mantuvo las esencias de la mejor música afroamericana en casi cada trabajo que veía la luz.

Al igual que Otis Redding, nació en Macon, en el Estado de Georgia, aunque pronto se mudó a Filadelfia, donde entró en contacto con el góspel y el R&B a edad adolescente. Allí estuvo cantando en alguna banda de doo-wop, pero fue a mediados de los sesenta cuando demostró su talento natural al asociarse con el productor Jerry Ragovoy, que coordinó sus trabajos en el sello Verve. Muerto este verano, Ragovoy, que pasó a la historia por estar a los mandos de grandes baladas de Rolling Stones o Janis Joplin, sabía apreciar el sentimiento de la música negra como pocos productores. Sacó lo mejor de Tate. En 1966, ambos dieron forma al inconmensurable Get I while you can, uno de los grandes discos perdidos de la historia del soul, rebosante de emociones en poderosos lentos, que le situó como un intérprete a la altura de Redding o Irma Thomas.

Maravillado con su estilo, el cantante Lloyd Price se lo llevó a su discográfica, donde publicó Howard Tate's reaction en 1969. El éxito no le acompañó, pero rápidamente se convirtió en un artista de culto entre el público y sus compañeros de profesión. Su abrumadora balada Get I while you can ganó fama en la voz de Janis Joplin. No fue la única canción que adquirió más notoriedad en manos de otro: Jimi Hendrix, Ry Cooder o B. B. King, entre otros, hicieron versiones de sus composiciones.

Pero pasó al ostracismo. Consumido por el alcohol y las drogas desde finales de los setenta, se retiró de la música, llegando a ser una persona sin hogar para luego meterse a predicador con el fin de abandonar la senda de la autodestrucción. Muchos habrían asegurado que estaba muerto si no fuera porque en la última década halló la redención con un regreso triunfal aunque poco publicitado. Amparado por Elvis Costello, publicó Rediscovered en 2003, seguido de un disco en directo y otro de versiones. Sin embargo, su obra maestra de la madurez, hoy convertida en un inolvidable testamento, fue Blue day. A diferencia de la resurrección de otro maestro del soul como Solomon Burke con Don't give up on me, su retorno al Olimpo no causó ruido. Con su brillante estilo y su engatusadora voz, Tate quedaba como lo que siempre fue: un tesoro del soul a descubrir y no abandonar nunca.

http://www.elpais.com/articulo/Necrologicas/Howard/Tate/joya/oculta/soul/elpepinec/20111205elpepinec_1/Tes



Howard Tate - Get It While You Can - Rediscovered (2003)

lunes, 30 de enero de 2012

cd.drome / Tienda Mítica c/ Valldoncella 3


Cierra cd.drome, la clásica tienda de indie y electrónica de Barcelona

Los efectos de las doble crisis, la que afecta al sector musical, consecuencia de las descargas ilegales y el pirateo en general, y la económica que afecta a todos los españoles, ha podido con esta tienda de referencia. "Hemos hecho el intento de salvar un negocio, pero no ha podido ser", resume el copropietario, que no quiere buscar culpables en la administración por no haber puesto en marcha una ley efectiva contra la piratería

Actualizada 08/01/2012 a las 12:01

Que en mitad de la mayor crisis de la historia cierre un pequeño local no parece ser una gran noticia. Sin embargo, muchos melómanos no van a poder evitar estremecerse cuando en pocos días eche el cierre cd.drome, una de las tiendas de discos míticas de la música indie y electrónica en España.

Han pasado justo veinte años desde que, en 1992, Oriol Valls y Jordi Raich abrieran este pequeño local situado en el centro de Barcelona, junto a la calle Tallers, una estrecha vía cercana a las Ramblas, que llegaría a reunir una treintena de tiendas de discos de las que apenas quedan las que se cuentan con los dedos de una mano.

Los efectos de las doble crisis, la que afecta al sector musical, consecuencia de las descargas ilegales y el pirateo en general, y la económica que afecta a todos los españoles, ha podido con esta tienda de referencia.

Con un tono pragmático en su voz, Oriol Valls explica que llevaban tiempo rumiando el final, tras varios ejercicios de esfuerzo sin recompensa, y después de tener que cerrar en 2010 la sucursal que abrieron en Madrid.

"Hemos hecho el intento de salvar un negocio, pero no ha podido ser", resume el copropietario, que no quiere buscar culpables en la administración por no haber puesto en marcha una ley efectiva contra la piratería.

"No señalamos a nadie por esta responsabilidad; obviamente, el todo gratis es criticable, es una realidad que nos ha afectado, al igual que la crisis global", remarca.

La tienda tuvo su momento de esplendor entre 2000 y 2004, coincidiendo con la explosión de la música electrónica en España, pero la decadencia, a partir de 2006, fue radical.

Desde que anunciaron el cierre de la tienda en Facebook, han recibido bastantes mensajes de aliento de amigos y clientes, actuales y pasados, y muchos de ellos se han acercado al local de Valdonzella para adquirir alguno de estos últimos discos, o hacerse una foto con los dueños.

Valls y Raich, que seguirán en el sector, dedicados la consultoría musical para empresas, recuerdan el perfil de quienes han sido sus principales clientes: jóvenes y muchos "ex jóvenes" -que rondan los 40 años- consumidores compulsivos de música que se fiaban de las "recomendaciones" que la pareja anotaba en un gran espejo, como los "platos principales" de un restaurante.

Estos días, en ese espejo hay una lista escrita con rotulador con el título de un álbum por cada uno de los años en que cd.drome ha estado abierta, desde el "Slanted & Enchanted" de Pavement, de 1992, al "This is England" de P. J.Harvey, de 2011, y de hitos como el "If you are feeling sinister", de Belle & Sebastian, o "The Greatest", de Cat Power.

Las cubetas y los expositores, cada vez más vacíos, dan un toque inevitablemente nostálgico a un local que algunos habituales, según reconocen, percibían como un espacio propio más que un negocio, un lugar especial en sus autobiografías, que formó parte de un circuito de tiendas de una escena que se apaga.

"Muchos nos comentaban que salir del trabajo y meterse media hora en la tienda era a veces lo mejor de su semana, otros que venían de fuera de Barcelona para comprar aquí; esa sensación de espacio compartido es la que nos queda", asegura Valls.

Por cd.drome han pasado también muchos artistas y djs nacionales e internacionales -Ritchie Hawtin, Sonic Youth, Yo la tengo- y, de hecho, la trayectoria de la tienda va casi paralela al Sonar, un festival que se celebra a escasos metros de allí, y más recientemente al gigante Primavera Sound.

Aunque les han planteado celebrar una fiesta de despedida han rechazado la oferta: "Hemos dicho que no, somos malos homenajeados", se ríen.

En cuanto al devenir de la industria musical y la distribución, Valls dice que no quiere actuar de futurólogo, pero advierte que "el fenómeno del todo gratis" para justificar el acercamiento de la gente a la cultura "es una fórmula equivocada" aunque de momento, reconoce, nadie ha propuesto otra más eficaz.

"Pero mientras haya chavales, de veinte años, capaces de organizarse bien, hacer sus números y tener ilusión, se seguirán abriendo tiendas de discos, lo que dudo es que logren sobrevivir veinte años. Ojalá me equivoque", se resigna.

http://www.diariodenavarra.es/


cd.drome (Informe)




cd.drome Barcelona

domingo, 29 de enero de 2012

Osvaldo Soriano / Un Clásico con Tinta Azulgrana de Boedo


"En el fútbol no se elige un ganador. Ser de San Lorenzo es un interminable sobresalto, una carga que se arrastra en la vida con tanto desconcierto y orgullo como la de ser argentino". Osvaldo Soriano



Osvaldo Soriano: A quince años de la muerte del escritor

Escritor, periodista, fanático del cine y San Lorenzo, “El Gordo” instituyó un estilo que caló hondo en su generación y en las siguientes, pese a que la crítica académica local le fue casi siempre esquiva. Murió el 29 de enero de 1997, después de luchar contra un cáncer de pulmón. Tenía 54 años.

Literatura 27/01/12 - 16:23
Por Ivanna Soto


Un escritor al que no le interesaba la literatura -como solía decir-, que aprendió de su vida nómade siguiendo a su padre electrotécnico por las distintas ciudades del interior. Fue él, que nació un día de Reyes de 1943 en la calle Alem de Mar del Plata, mientras Borges y Bioy Casares imaginaban las historias de Isidro Parodi, que nunca terminó el secundario, que no cumplió el sueño de sus padres de ser ingeniero ni el suyo de ser futbolista. Soriano, el escritor, el periodista, el cinéfilo, el fanático, “El Gordo”, que creció entre los paisajes y amistades que podían ofrecerle Mar del Plata, luego Tandil, San Luis, Río Cuarto, Río Negro, jugando a las barajas, refugiándose en el cine y el fútbol. Se hizo de San Lorenzo, sin importar lo que eso significaba en una provincia, sin nunca pensar en otra camiseta. Quizás ya entonces se gestaban los gérmenes de esa intensa provocación que caracterizaría siempre a Osvaldo Soriano.

Ya pasaron 15 años. Soriano no está. Pero no deja de estar presente. Ni él, ni el periodista de Triste, solitario y final, ni su Andrés Galván y Tony Rocha, ni su Julio Carré, ni sus artistas, locos y criminales, ni sus rebeldes, soñadores y fugitivos, ni sus piratas, fantasmas y dinosaurios. No deja de estar, pese a los críticos y académicos que desdeñaron sus historias y su estilo.

Le gustaban los libros. Amaba a Arlt, a Cortázar y a Chandler. También a Simenon y a Greene, cuyas muertes, dijo, “lloró como un chico”. Su iniciación a la lectura fue con Soy leyenda, de Richard Matheson, en 1961. Y luego siguió: los clásicos del siglo XIX, los rioplatenses, los americanos, los clásicos de nuevo, implantando una lectura de orden caótico que lo seguiría toda su vida.

Así como empezó a leer, también empezó a escribir, en la oficinita de una metalúrgica de Tandil, mientras trabajaba de sereno. Se sentaba en la máquina y tipeaba hasta el amanecer sus “primeros cuentitos, muy cortazarianos”. Y nunca más pudo escribir de día. Ya en Tandil, entre reuniones de café de intelectuales socialistas, dejó de pensar en fútbol y decidió ser escritor. Ahí consiguió su primer trabajo como periodista en El Eco de Tandil. Y arrancó: llegó a Buenos Aires en 1969 detrás de una nota sobre Semana Santa encargada por Osiris Troiani, para después seguir con sus crónicas en Panorama y La Opinión, luego durante su exilio en medios europeos como Il Manifiesto y Le Canard Echainé, y en su retorno al país, en Página/12. Las vueltas de la vida: ya como periodista, volvió a recorrer las ciudades y pueblos del interior que había recorrido durante su infancia.

Fue en 1973 cuando irrumpió en la literatura con Triste, solitario y final. Apenas ocurrido el golpe de estado de 1976 se fue a Bélgica y de ahí a París, donde vivió hasta 1983, cuando regresó al país. “Las únicas dos veces que elegí realmente dónde vivir fueron la primera vez que llegué a Buenos Aires y cuando volví del exilio”, dijo alguna vez. Cuando salió de Buenos Aires nadie lo perseguía. Pero “era mejor estar equivocado con la dictadura que tener razón obedeciéndola”. Viajó y se quedó defendiendo a los exiliados y denunciando la desaparición de personas, que siguió acá, orgulloso, hasta sus últimos días, como cuando escribió para la conmemoración de los veinte años de la dictadura: “Fui, con las Madres de Plaza de Mayo, con Cortázar, Osvaldo Bayer, David Viñas, con miles de otros mejores que yo, uno más de lo que los militares llamaban ‘campaña antiargentina’”.

Y por esa época conoció a Osvaldo Bayer, personalmente. En realidad lo había conocido antes, ya que “como siempre con las muy buenas amistades, empezó con una pelea”, cuenta Bayer, a sus 84 años, mientras explora por primera vez las posibilidades del Skype en una entrevista con Ñ Digital desde Linz Am Rhein. Él investigaba sobre Severino Di Giovanni -el anarquista fusilado por la dictadura de Uriburu-, cuando salió una nota firmada por Osvaldo Soriano sobre el mismo anarquista que decía exactamente lo contrario. Entonces, claro, Bayer llamó furioso a la revista, y habló, por primera vez, con ese tal Soriano. “Soriano, mucho gusto”, se presentó. “¿Sabe lo que quiero decirle a usted? Usted es poco hombre”. Eso entre otros improperios. Y pasaron varios años, a Bayer le tocó ir al exilio, y en la Feria del Libro de Frankfurt se encontró nuevamente con Soriano, que estaba con el editor Daniel Divinsky. Pero a esa altura, lo de Di Giovanni estaba olvidado para Bayer. “¿Lo conocés a Osvaldo Soriano?”, dice Divinsky. “Sí, mucho gusto, ahora lo conozco personalmente”, contesta Bayer, “Su libro es magnífico, es un gran escritor”. Entonces Soriano lo mira y le dice: “Sí, pero yo soy poco hombre”. Tras cuestiones aclaradas, a partir de ese momento fueron los mejores amigos.

Fue también por esos años cuando se conoció en el país No habrá más penas ni olvido -llevada al cine por Héctor Olivera- y se publicó Cuarteles de invierno, que venía de ser considerada mejor novela extranjera en Italia y fue adaptada al cine dos veces. Pero fue en Argentina, tras su imposibilidad de escribir desde el exilio, cuando lanzó A sus plantas rendido un león, Una sombra ya pronto serás -llevada al cine en 1994 otra vez por Olivera-, El ojo de la patria, La hora sin sombra y su libro para chicos, El negro de París. Y también los cuatro volúmenes con sus mejores crónicas periodísticas: Artistas, locos y criminales (1984), Rebeldes, soñadores y fugitivos (1988), Cuentos de los años felices (1993) y Piratas, fantasmas y dinosaurios (1996).

La fascinación que ejercía sobre los lectores se tradujo en enormes ventas y en traducciones a distintos idiomas en el extranjero. “Sus libros demuestran una gran profundidad de todo tipo, una sabiduría popular escrita en un idioma absolutamente popular. Y eso es lo que lo hizo triunfar tanto”, afirma Bayer. “Lo que más valor tiene es que el lector común tiene a su escritor querido, porque Soriano se metía bien en las venas de los barrios porteños, en las venas de lo que es el argentino. Nadie como él ha descrito al porteño con esa profundidad”. Fue ese particular pacto con los lectores lo que lo convirtió en el autor argentino vivo más leído de su época. Con su literatura enfrentó a los argentinos con su identidad. Como dijo Bioy Casares, un argentino que escribía como un argentino. Un novelista atípico. “En el fondo, mis libros plantean por infinitésima vez en la literatura argentina el problema de la identidad. Por eso mis personajes son contradictorios y se parecen tanto a los comunes mortales”, diría alguna vez. Conciencia civil, democrática y política, un intuitivo que montó un mundo de perdedores sentimentales, una suerte de flâneurs tragicómicos que vagan por los pueblos en busca de sí mismos.

Soriano, con Bayer, David Viñas, León Rozitchner y Tito Cossa, conformó un grupo de escritores que se reunía los jueves en “el Tugurio” -como Soriano apodó a la casa de Bayer. Era un provocador. “Siempre llegaba más tarde a las reuniones y largaba un tema para que se agarraran en la discusión Viñas y Rozitchner. Y siempre se agarraban tremendamente, a los gritos. Entonces Soriano levantaba la copa y brindaba sonriente, porque otra vez había triunfado”, recuerda Bayer. “Lo que hubiera hecho, lo que hubiera escrito si hubiera vivido”.

Como Soriano escribió alguna vez: “Un escritor está siempre igual de solo que un corredor de maratón. De esa soledad debe sacarlo todo: música celeste y ruido de tripas. Y también la peregrina ilusión de que un día, alguien decida abrir su libro para ver si vale la pena robarle horas al sueño con algo tan absurdo y pretencioso como una página llena de palabras”.

Y no hay duda de que vale la pena.

http://www.revistaenie.clarin.com/literatura/Osvaldo-Soriano-quince-anios-muerte_0_635336663.html

Fred Frith / Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel de Madrid




Fred Frith: “Lo más difícil en la música es no hacer nada”

Fred Frith, uno de los iconos de la música experimental, toca en la Casa Encendida en Madrid, con la Orquesta FOCO

Chema García Martínez 28 ENE 2012 - 12:52 CET

Es uno de los iconos de la música experimental del último cuarto de siglo. Fred Frith (Heathfield, Inglaterra, 1949), guitarrista y compositor, residente en los Estados Unidos, estará en Madrid interpretando su música junto con la Orquesta FOCO, los próximos sábado y domingo; y en solitario, el jueves, en sesión única, dentro del XVI Festival Hurta Cordel que viene desarrollándose en la Casa Encendida: "empecé a los 5 años con el violín, hasta que un día alguien puso una guitarra en mis manos. Inmediatamente supe que ese era mi instrumento. Es algo que no puedo explicar. Fue una de esas experiencias misteriosas".

Durante los años setenta, Frith recorrió el Viejo Continente a bordo de una vetusta autocaravana junto con los restantes componentes de Henry Cow, el seminal grupo de rock alternativo con el que viajó por vez primera a nuestro país. Su concierto en la discoteca MM, más conocida como el Templo del Rollo en Madrid, mediada la década, sembró el desconcierto entre los seguidores de Coz y Asfalto que se hallaban presentes en la sala: "la principal diferencia entre aquellos tiempos y los actuales es que, entonces, uno podía escuchar cualquier cosa en cualquier sitio, y nadie sabía demasiado lo que estaba haciendo, además de que las compañías discográficas eran mucho más osadas. Entonces, uno podía comprar una caja de 7 discos de Karlheinz Stockhausen editada por Deutsche Gramophon como la cosa más normal del mundo. Nadie se preocupaba acerca de quien demonios iba a escuchar eso. Ahora, si quieres escuchar un tipo determinado de música moderna, tienes que ir a los festivales de música contemporánea, en los que no soy bienvenido, y lo mismo con los festivales de jazz donde, por cierto, tampoco soy bienvenido. Mi filosofía consiste en ir adonde me llaman sin hacer preguntas y hacer lo que hago siempre".

En su mejor momento, Henry Cow llegó a editar sus discos con el sello Virgin, fundado por Richard Branson; el mismo que dio a conocer a Genesis y los Sex Pistols. En Legend, el grupo llegó a contar con la colaboración de Mike Oldfield como ingeniero de sonido: "había gente que realmente creía en lo que hacíamos y nos ayudaron. Richard Branson, que no tenía ni la menor idea de música, les dejaba hacer. Hasta que, después de un par de años, vieron que nunca íbamos a convertirnos en estrellas del Rock & Roll, algo que nosotros sabíamos desde el principio. En cuanto Branson se olió el asunto, nos despidieron".

Cuatro decenios más tarde, el guitarrista ha vuelto por la senda de algo que pudiera parecerse a una banda de Rock & Roll alternativo, con Cosa Brava: "un día estaba en el estudio de grabación tocando el violín y el ingeniero me interrumpió para decirme: 'tengo una amiga que toca muy bien el violín, si quieres te paso su número de teléfono'. Por supuesto, capté la indirecta. Así fue como conocí a la que iba a convertirse en mi musa, Carla Kihlstedt. Lo cierto es que echaba de menos trabajar con una banda, definida como un grupo de personas que hacen lo que pueden y no lo que tú les dices que hagan". Tras años recorriendo los caminos de la abstracción en solitario o en la compañía de otros –John Zorn, Robert Wyatt, Bill Laswell…-, el indómito guitarrista regresa a las aguas cordiales de una música moderadamente melódica: "siempre he sido categorizado como el tipo que toca sonidos raros con la guitarra; sin embargo, si echas un vistazo a mi trabajo, lo que más llama la atención es mi interés por la melodía, algo que es muy poco frecuente en el campo de la música improvisada". Por donde, quien hace nada recorría nuestro país asustando a la parroquia roquera con sus solos de guitarra dislocados y salvajes, hoy se declara amante de la sencillez y las buenas costumbres: "cuando empecé a hacer cosas raras con la guitarra era algo nuevo; entonces había muy pocos que experimentaran con el instrumento. Pero ahora es algo totalmente normal, todo el mundo lo hace. Ahora, cuanto más gente inventa técnicas nuevas de guitarra menos me interesa".

Admirador incondicional de John Zorn –"no me tiene que gustar todo lo que hace para reconocer que es uno de los compositores vivos más importantes que existen"-, el cricket y el canto de los pájaros, a Frith le queda la espina clavada de no haber sido profeta en su tierra: "al final, toco mucho más a menudo en Polonia que en Inglaterra, y no porque no haya quien esté interesado en escucharme. Pero en términos de estructura de negocio no hay ningún interés". Una cosa está clara: el estilo de Fred Frith carece de precedentes. Si existe un autodidacta en el campo de la música creativa, es él: "en los sesenta escuchaba a los guitarristas de blues y folk, gente como Bert Jansch, luego he seguido escuchando a otros guitarristas, como Paolo Angeli, Camel Zekri o Janet Feder, pero no diría que tengo un mentor ni nada parecido. Lo más parecido que he tenido a un maestro fue Derek Bailey, pero yo ya hablaba mi propia lengua cuando le conocí".

Sus dos conciertos previstos al frente de la orquesta FOCO, integrada por algunos de los mejores improvisadores nacidos o residentes en Madrid, están envueltos en el misterio: "Cuando me embarco en este tipo de proyectos, casi nunca preparo nada porque no tiene ningún sentido. No conozco a los músicos, ni sé lo que pretenden ni lo que son capaces de hacer. Según como vaya, puede que a lo mejor escriba algo o no…" El guitarrista afronta gustoso los contrasentidos de una propuesta no exenta de riesgos: "Al final, la función del director en éste tipo de música consiste en decir no cuando hay que decirlo. Hay que lidiar con un grupo de personas para las que no rige ningún tipo de regla. La mera idea de tener a un grupo de improvisadores improvisando al mismo tiempo es algo imposible, siempre y cuando pretendas que el asunto suene bien. El principal problema es que resulta muy improbable que todos los intérpretes tengan la experiencia y la disciplina necesaria para no hacer nada si eso hace que la música suene mejor. Eso es lo más importante, y lo más difícil. Tenía una alumna de piano muy joven en el Mills College que casi siempre no tocaba nada, ni una nota. Siempre ahí, frente al piano, callada… pero cuando tocaba, era exactamente lo apropiado para conseguir que todo sonara bien. Sus improvisaciones eran extraordinarias porque escuchaba. La manera de distinguir a un buen improvisador es por su capacidad para escuchar y lo que decide hacer con la información que recibe; pero si estás siempre ocupado tocando, no tienes tiempo para escuchar ni para decidir. Se necesita mucha disciplina para no intervenir cuando no hay que hacerlo".

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/01/28/actualidad/1327751527_604350.html


Fred Frith & John Zorn - New York City - February 1989

sábado, 28 de enero de 2012

Jackson Pollock / An Unique Genius in Abstract Expressionism



Pollock cumpliría 100 años

Un texto literario para recordar al gran pintor norteamericano.

28/01/2012 11:28

Por Emanuel Rodríguez

Deberían dejarte vivir al lado de un Pollock una semana, un mes, o durante una temporada infernal en la que te sean permitidos ciertos excesos. Deberían dejarte vivir al lado de un Pollock portátil, una sucesión apenas inteligente de manchas de colores que te recuerde en determinados momentos, antes de dar un beso, antes de sentir un deseo de posesión, antes de encerrar a tu amante en el baño de un hotel mugriento, que la vida es caos y es desorden y generalmente sale mal.

Sale mal. Por eso deberían dejarte vivir con un Pollock al lado, un auténtico Jackson Pollock, que te dejen sentir el relieve de las gotas acumuladas, lanzadas al lienzo de una manera bastante parecida al modo en el que vos mismo fuiste lanzado a la vida: en un desorden de éxtasis y dolor, en un remolino un poco loco de puro instinto, en un acto de suprema libertad. Deberían dejarte vivir al lado de un Jackson Pollock original una vez en la vida, unos días dementes, una temporada en un infierno que sea de todos los colores. Deberían liberar una ruta para que manejes colocado una vez en la vida, a mil kilómetros por hora, a esa velocidad en la que el viento te empieza a enseñar que la vida no tiene sentido pero está buena, aunque salga mal, aunque todo se superponga y se confunda, y que lo que te mata no es que no te quieran, lo que te mata es no saber querer.

Deberían dejarte vivir al lado de un Pollock: esa clase de cuadros no debería ser privilegio de los ricos, esa clase de gente no sabe nada de perder el control o de que las cosas como el amor, la pintura, el cielo y el infierno, el matrimonio, la vocación, las cosas que deberían ser como un cimiento, a veces salgan mal y se derrumben.

Jackson Pollock tiene 100 años. Hay versiones periodísticas de su muerte en un accidente de autos en agosto de 1956. Manejaba descontrolado y ebrio, a mil kilómetros por hora, había dejado de pintar y se había cansado de todo menos del whiski. El viento le enseñó que la vida es basura y que lo que te mata no es que no te quieran, lo que te mata es no saber querer.

http://www.lavoz.com.ar/ciudad-equis/pollock-cumpliria-100-anos



Paul Jackson Pollock (January 28, 1912 - January 28, 2012)

Weegee: Murder is my Business / A Shot in The Dark


El fotógrafo de los asesinos

Nueva York celebra el genio de Weegee con una selección de sus míticas fotografías de sucesos. Las imágenes fueron tomadas entre 1935 y 1946.

Barbara Celis - Nueva York 25 ENE 2012 - 15:10 CET

Nunca es tarde para dar el salto, cambiar de vida y además, dejar huella. Weegee lo hizo con 36 años. Y las más de 20.000 fotografías que tomó a partir de ese momento demuestran que no se equivocó. La exposición Weegee: Murder is my Business (Weegee: El asesinato es mi negocio) que se inauguró el viernes en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York y podrá verse hasta septiembre, se centra en un centenar de ellas, concretamente en una selección de las que tomó entre 1935 y 1946, cuando decidió cambiar el cuarto oscuro en el que durante años se dedicó a imprimir para otros por su propia aventura tras la cámara. Son las imágenes con las que cinceló para la historia el turbio paisaje de crímenes y delincuentes de las malas calles neoyorquinas, instantáneas con las que contribuyó a darle caché artístico a un género, la incipiente fotografía sensacionalista, que gracias a Weegee adquirió popularidad pero también respeto, aunque ha llovido mucho desde entonces y hoy sea un arte más que cuestionable.

Pero la particular mirada de Weegee, cargada de teatralidad, hizo que asesinatos sangrientos, policías agresivos con fedora y gabardina y delincuentes magullados de medio pelo se transformaran bajo sus ojos en retratos de una ciudad en la que sus habitantes, curioseando desde las ventanas, o acercándose para jalear un arresto, humanizaban esas escenas y cambiaban el centro de gravedad de lo que se contaba en ellas.

"Su interés por los espectadores de crímenes o de tragedias ciudadanas construyeron un lenguaje propio que en última instancia sirvió para ofrecer un retrato veraz de la era de la Depresión. Y aunque se le ha tachado de naive y hay quien no ha querido tomarle en serio, sus fotos de esa época están a la altura de la de muchos grandes de la fotografía documental, desde Robert Capa a Walker Evans. Además, abrió una duda en el fotógrafo y el espectador, cómo retratamos la muerte, y esa pregunta nos la seguimos haciendo" explicó a este diario Brian Wallis, comisario de la muestra.

El título de la exposición es el mismo con el que el propio Weegee tituló la que él realizó en 1941 para la Photo League, esa cooperativa de fotógrafos neoyorquinos interesados en temas sociales y que agrupó a los mejores nombres de aquella época, desde Berenice Abbott a Robert Frank. En la muestra también pueden verse algunas de las fotografías de aquel grupo puesto que Wallis ha querido contextualizar el trabajo de Weegee, mostrando desde los periódicos en los que publicaba hasta la habitación en la que dormía. "Weegee vivía enfrente del cuartel general de la policía, bebía en los mismos bares que los agentes… Se dice que le sacó unas fotos al hijo de uno de los comandantes y a partir de ahí se le abrieron todas las puertas y así conseguía llegar el primero" explica Wallis. El comisario subraya que Weegee no se limitaba a llegar y tomar la foto -3 o 4 como mucho- si no que "movía el sombrero de un muerto o incluía ‘attrezzo’ en las escenas del crimen, algo que ha llevado a algunos a cuestionarle aunque yo creo que es precisamente esa teatralidad lo interesante de su trabajo".

Era una época periodísticamente muy diferente a la actual, en la que había ocho tabloides en Nueva York –hoy hay cuatro diarios y sólo dos son tabloides- que Weegee visitaba cada día tras imprimir múltiples copias de sus fotos y llevarlas personalmente a cada periódico. "Lo hizo durante toda su carrera, no permitió que otros manipularan sus negativos" aclara Wallis. Con un gran sentido del humor no exento de cierto egocentrismo –firmaba Weegee, el famoso-, aprendió a utilizar la cámara haciéndose autorretratos -el ICP tiene más de 1500 en sus archivos-. Algunos pueden verse en la exposición, entre ellos la serie en la que Weegee muestra los pasos a través del sistema policial desde que un delincuente es arrestado hasta que se sienta frente al juez. Esa serie fue publicada en la revista Life y le abrió las puertas de una profesión que por aquel entonces pagaba 35 dólares "por dos asesinatos", como reza una factura que le dio la misma revista y que él decidió colgar en su habitación (al cambio, 430 euros de los de hoy, frente a los 100 que con suerte se cobraría por esas dos fotos en la actualidad).

Su carrera se fue forjando además durante una época, la de la prohibición, que vio la consolidación del crimen organizado. Weegee, que como buen fotoperiodista sabía que había que tener amigos hasta en el infierno, se codeó con miembros de El Sindicato y de Murder Inc, conoció bien a Lucky Luciano o Bugsy Siegel, pero también a otros que no hicieron historia y que también le avisaban de donde había que estar para llegar el primero a la escena del crimen. Ellos contribuyeron amigablemente a hinchar ese curriculum fotográfico del que a menudo presumía, fanfarroneando con la cifra de 5000 asesinatos, "cercana a la realidad" dice Wallis. Algunos de esos asesinatos llegaron a exponerse en las paredes del MOMA en la década de los cuarenta, junto a algunas de las imágenes que realizó para el diario PM, un tabloide en el que, entre otras cosas, recogió escenas de la vida cotidiana en Coney Island, que vivió sus años dorados por aquel entonces. Después Weegee decidió dar el salto a Hollywood. Pero esa, es otra historia.


http://cultura.elpais.com/cultura/2012/01/25/actualidad/1327500607_246932.html



Murder Is My Business By photographer Weegee - International Center of Photography New York City




Weegee's Greatest Hits - Disturbing and graphic images of killings and gangster arrests in depression-era - New York during the 1930´s & '40s