Jack Bruce / "Silver Horses Ran Down Moonbeams In Your Dark Eyes" RIP, Jack.

Cream Vocalist and Bassist Jack Bruce Dies


London — Oct 25, 2014, 2:23 PM ET

By Sylvia Hui and Gregory Katz -  Associated Press.

British musician Jack Bruce, best known as the lead vocalist and bass player of the power blues trio Cream, died Saturday at his home, his family and publicist said. He was 71.

Bruce was one of the top musicians of the late 1960s, when Cream played its unique psychedelic blues tunes to packed houses in England and the United States. He was an important member of the British blues movement, which saw bands like the Animals and Rolling Stones first imitate and then expand on the American blues tradition as exemplified by Muddy Waters, John Lee Hooker and other stalwarts.

Cream — widely cited as the original supergroup — were known for hits such as "I Feel Free" and "Sunshine of Your Love," which featured Eric Clapton's innovative guitar riffs, and Bruce's vocals and roaring bass, backed by Ginger Baker's explosive drumming.

They played a mix of traditional blues songs, with long, often improvised instrumental breaks, and their own tunes.

Bruce enjoyed a long solo career after Cream's acrimonious breakup, and in 2005 he reunited with former Cream bandmates for critically acclaimed concerts in London and New York City.

Publicists LD Communications said Saturday Bruce died of liver disease at his home in Suffolk, England. He had received a liver transplant some years ago and continued to suffer a variety of health problems.

A statement released by his family said "the world of music will be a poorer place without him but he lives on in his music and forever in our hearts."

"It is with great sadness that we, Jack's family, announce the passing of our beloved Jack: husband, father, granddad, and all round legend," the statement said.

In its heyday, Cream sold 35 million albums in just over two years and the band was awarded the world's first ever platinum disc for their double album "Wheels of Fire." Bruce wrote and sang most of the band's signature songs.

The band started out playing traditional blues tunes, but quickly added a psychedelic flavor that brought still more popularity at the height of the flower power era.

But they broke up with little warning, in the midst of their commercial success. Clapton wrote in his 2007 autobiography that the band lost its direction musically and that "any sense of unity" had disappeared.

"We were also suffering from an inability to get along," he said. "We would just run away from one another. We never socialized together and never really shared ideas anymore."

He also felt they were eclipsed by the arrival on the scene of guitarist Jimi Hendrix.

Bruce went on to record the first of his solo albums, "Songs For a Tailor." He also fronted many of his own bands.

He was known for mixing rock, jazz and classical formats, and his songs were covered by many artists including Hendrix, David Bowie and Ella Fitzgerald.

Bruce returned to the studio around 2000 to record his solo album "Shadows in the Air," which hit number five on the British jazz and blues chart.

Bruce was born to musical parents in Glasgow, Scotland on 14 May 1943. His parents travelled extensively in Canada and the U.S., and the young Bruce attended 14 different schools. He finished his formal education at Bellahouston Academy and the Royal Scottish Academy of Music, to which he won a scholarship for cello and composition.

He left Scotland at the age of 16 and in 1962 joined his first important band, the influential Alexis Korner's Blues Inc., in London. The band featured drummer Charlie Watts, who later joined the Rolling Stones.

Bruce was playing and touring with his Big Blues Band until recently. In 2012 he played in Cuba, and performed in London at the famed bar Ronnie Scott's. His 14th solo album, "Silver Rails," was released earlier this year.

He is survived by his wife, Margrit, four children and a granddaughter. Funeral arrangements weren't immediately announced.

http://abcnews.go.com/Entertainment/wireStory/jack-bruce-bassist-60s-band-cream-dies-71-26450511

Cream - White Room - Live at London Royal Albert Hall (2005)

"If you're talking electric bass, it's very, very simple: James Jamerson, Paul McCartney, Jaco Pastorius, me."

Jack Bruce

Vapors of Morphine / ND Teatro de Buenos Aires

Vapors of Morphine: Metamorfosis 

Vapors of Morphine regresó a Buenos Aires para presentarse a sala llena en el céntrico Teatro ND, el jueves por la noche.

Por Facundo Llano | 18 octubre, 2014

La historia nos dice que ninguna banda puede sobrevivir a la muerte de su cantante y líder; inmediatamente se piensa en casos como The Doors o Queen, quienes siguieron sus carreras no sin unas cuantas polémicas de por medio. Uno no asocia casos exitosos como AC/DC o Joy Division, no es lo normal. Pero Morphine fue de todo menos una banda normal: un trío de rock que sonaba muy jazzero para el fan del rock, y un trío de jazz que sonaba muy rockero para el oyente jazzero. Bichos raros que nunca encajaron en ninguna escena, pero que su singularidad les hizo formar un fuerte culto de seguidores alrededor del mundo que aún sigue hasta hoy, a pesar de la muerte de su líder, Mark Sandman.

Algo bien debe haber hecho la banda para, tres años después de su última visita, agotar nuevamente el ND Teatro. Sin disco nuevo que presentar, la premisa es, simplemente, homenajear esa música tan especial que el grupo entregó durante los ’90. El show comienza tímidamente con “Like Swimming”, casi testeando el sonido y el calor de la audiencia. Pero temprano en la lista, para momentos como “Claire”, “Sheila” o “Candy” el sonido es perfecto y viene de parte de una banda que tuvo una identidad que nadie tuvo.  Jerome Dupree combina la fuerza del rock con la flexibilidad del jazz. Dana Colley, hoy actuando como líder de esta agrupación, tiene uno de los mejores sonidos de saxo del mundo; un audio eternamente nocturno y adormecido, como sugiere el nombre de la banda. Y Jeremy Lyons, ese oriundo de Nueva Orleans, es el encargado de reemplazar la voz profunda de barítono de Sandman y reproducir ese distinguido sonido del bajo de dos cuerdas. Afortunadamente Lyons no quiere reemplazar a nadie, impone su estilo y si algunas veces suena parecido al propio Mark es pura casualidad.

Será cuestión de gustos, pero la sensación es que la banda no queda bien parada al querer incorporar cosas nuevas al repertorio; mayormente piezas instrumentales deudoras de la música africana y el blues del delta del que Jeremy sabe bastante. No porque sean malas interpretaciones o ejecuciones, simplemente no coinciden con el sonido nocturno original de la banda. Por momentos pareciera que es otra la banda que está sobre el escenario: el hecho de que Lyons pase del bajo a la guitarra y Colley tenga un papel secundario lo confirman. Tal vez tomen estos shows como ensayos con público -como confesaría el mismo Colley luego- donde viejas canciones como “Yes”, “Honey White” o “Head with wings” salen magistralmente, a veces con menos fuerza que en sus versiones de estudios, pero enfocándose más en la musicalidad de la canción, dejando de lado la búsqueda para estas nuevas composiciones instrumentales.

Con Sergio Dawi de invitado (una verdadera sorpresa), la banda entrega excelentes versiones de “Cure for Pain”, “Buena” y “You Look Like Rain” con la ayuda de un invitado que entiende su instrumento y entiende a la banda que lo ha convocado. Después de dos horas, con toda la sala de pie, “French fries with pepper” cierra una velada con saldo positivo. El grupo no intenta reemplazar a nadie ni trata de sonar exactamente como solían hacerlo. Tienen una marca, dejaron su huella en el mundo y hoy recogen las mieles. Está en cada uno tomar su posición frente a este grupo. Pero puedo asegurar que ningún asistente se fue disconforme.

http://www.elacople.com/wp/index.php/2014/10/18/vapors-of-morphine-metamorfosis/

Vapors of Morphine con Sergio Dawi - Buena - 

16.10.2014 - ND Teatro - Buenos Aires - Argentina

Jack White / Live At Bonnaroo 2014

Jack White to release historic Bonnaroo performance on triple vinyl and DVD

BY ALEX YOUNG - ON OCTOBER 03, 2014, 11:58AM

Jack White’s 2014 headlining performance at Bonnaroo is widely considered one of the greatest sets in the festival’s 13-year history. Now, the gig will be forever immortalized in a new three LP vinyl package, which headlines the latest installment of Third Man Records’ subscription series The Vault.

The live album has been mixed by Third Man’s in-house engineer, Vance Powell, “and stands as a marked improvement over the on-the-fly board mix heard in webcasts, YouTube uploads and shady downloads,” according to a press release. The vinyl will come pressed on white, blue, and black, “housed in a soft-touch, telescoping box, topped off with a lenticular television on the cover.”

The package also includes a DVD of the full performance, re-edited from the original raw footage by Brad Holland, as well as 8×10 photographs from the concert, a customized Jack White patch, a backstage pass sticker, a poster., and a custom-designed USB drive with bonus material.

White’s Bonnaroo set spanned 26 songs at two-and-a-half hours (some 45 minutes longer than their originally scheduled set time). The setlist was comprised of material from White’s entire career, including songs by The White Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather, and his two solo albums. Among the highlights, “Icky Thump” serving as set opener; the first performance of “Astro” in over three years; a cover of Led Zeppelin’s “The Lemon Song”; and “Seven Nation Army”, during which the entire field of 70,000+ sang along. Below, watch video of the full performance as ripped from the webcast.

http://consequenceofsound.net/2014/10/jack-white-to-release-historic-bonnaroo-performance-on-triple-vinyl-and-dvd/

Jack White Live at Bonnaroo 2014

Malcolm Young / Malcolm Leaves AC/DC

AC/DC's Malcolm Young reportedly in care for ill health in Sydney.

61-year-old AC/DC guitarist and founding member Malcolm Young has retired from the band and is being cared for at a nursing facility in Sydney.

September 26, 2014

Senior Music Writer: Bernard Zuel

It may be that dementia is claiming another giant, this time a musical one.

AC/DC co-founder, guitarist and songwriter Malcolm Young, whose retirement from the band was announced on Wednesday, has been moved into full-time care in a nursing home facility in Sydney's eastern suburbs specialising in dementia, sources connected to the Young family have said.

The home is understood to be Lulworth House in Elizabeth Bay, the same facility that is home to Gough Whitlam and, until his recent death, Neville Wran, who was afflicted with dementia in his last years.

The Young family connection said: "If you were in the room with [Malcolm Young] and walked out, then came back in one minute later, he wouldn't remember who you are. He has a complete loss of short-term memory. His wife, Linda, has put him in full-time care."

Both AC/DC's record company, Sony, and their label, publisher and home for more than 40 years, Albert Music, were approached for comment.

While the announcement of Young's retirement from AC/DC, the band he formed and helped turn into the biggest Australian rock act of all time, has been inevitable for some months, it hasn't lessened the disappointment. Nor the sense of an era ending.

AC/DC have sold more than 200 million albums, feature at or near the top of highest grossing tour lists whenever they play live and were the standard bearers for Australian music years before the likes of INXS, Kylie Minogue or 5 Seconds of Summer.

The sound of pub rock, the defining mainstream sound of Australian music in the 1970s and '80s, could be said to have emerged from the stages and the studios AC/DC inhabited.

Young, the 61-year-old rhythm guitarist and solid centre of the songs behind his flamboyant, lead guitarist younger brother, Angus, officially resigned his position in AC/DC months after returning to Australia from Europe where he had been living.

The first official word on what was assumed to be a serious and debilitating, but still undisclosed, illness, was in April when it was confirmed that Young would not be participating in the recording of the next AC/DC album, which will be called Rock Or Bust and is due out in late November.

In his place during the recording sessions in a Vancouver studio has been his nephew, Steve.

In an announcement from the band's management this week, it was revealed that Steve will join Angus Young, frontman Brian Johnson and drummer Phil Rudd on stage when the band embarks on another massive world tour in 2015.

http://www.smh.com.au/

AC/DC - Let There Be Rock (Malcolm Young Rhythm Guitar Track)

Get Well Soon, Malcolm!

Kenny Wheeler / One of the Great Musical Innovators of Contemporary Jazz

Kenny Wheeler, un ‘Jazzman’ entre la melancolía y el caos

Su trayectoria, compleja y en ocasiones contradictoria, convirtió al trompetista canadiense en uno de los músicos más personales de la historia del género.

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ 21 SEP 2014 - 22:45 CEST

La suya ha sido una nueva crónica de una muerte anunciada. Kenny Wheeler, estrella del jazz británico, falleció el pasado jueves a los 84 años en el asilo cercano a Londres, donde tenía establecida su residencia. Su delicada situación personal y financiera había movilizado la solidaridad del mundo del jazz, que entre otras cosas organizó diversos conciertos benéficos en su Canadá natal. Trompetista, fliscornista, compositor y arreglista, una de las voces más personales e idiosincrásicas que ha dado el jazz en su historia, contaba 84 años de edad.

Kenneth Vincent John Wheeler había nacido en 1930 en la ciudad de Toronto. Cornetista desde los 12 años, estudió composición con John Weinzweig, uno de los pioneros del serialismo al norte de los Grandes Lagos. En 1952, y ante la imposibilidad de obtener el visado para viajar a Estados Unidos, emigró al Reino Unido en la compañía de su amigo de instituto y reconocido crítico musical Gene Lees: “La idea era que íbamos a formar un dúo, él tocando y yo cantando”, recordaba el segundo. “Al final, él fue un éxito y yo fui despedido”.

En 1967, el saxofonista y director de orquesta John Dankworth encargó a Wheeler la música de un nuevo álbum basado en el personaje de Don Quijote: “Era la oportunidad que tanto había estado buscando”, recordaba el trompetista. Dos años más tarde, grabaría su primer álbum como líder, Windmill tilter, acompañado por Dankworth y su orquesta: “Para entonces había progresado mucho, pero aún así seguía siendo un trompetista de bebop que no era capaz de tocar bebop”. Lo que ocurrió a continuación forma parte de la leyenda. El desubicado jazzista canadiense acudió cierto día al Little Theater Club a escuchar a un grupo de jóvenes jazzistas británicos: “Escuché a aquellos tipos tocando lo que llamaban free jazz y en ese mismo momento lo odié”. Sin embargo, regresó al club, aunque sin saber por qué, y, en una de sus visitas fue invitado a participar en la fiesta: “Fue algo grande. No sé si me gustaba, pero sentí que era algo terapéutico”.

Integrado, aunque con reparos, en la escena free londinense, en 1971 pasó a formar parte del cuarteto del multiinstumentista Anthony Braxton. “Con Kenny no podías dar nada por supuesto”, recordaba la cantante Norma Winstone. “Nunca sabías cuál iba a ser su siguiente paso”. Poco a poco, su estilo fue deslizándose del free ortodoxo a una “interpretación estilizada”, según expresión del historiador del jazz Joachim Berendt: “En toda la historia del jazz”, ha escrito Gene Lees, “no hay una carrera que se haya desarrollado más despacio que la suya”.

1975 sería el año de su estreno discográfico con ECM Records. A través de sus grabaciones con Azimuth junto a Norma Winstone y el pianista John Taylor y sus propios discos, Wheeler contribuyó a la formación del libro de estilo del sello en su búsqueda del “sonido más bello después del silencio”. Su primer disco como líder, Gnu high, le reunirá con lo mejorcito de entre los artistas de la casa: Keith Jarrett, al piano; Jack DeJohnette, a la batería; y Dave Holland, al contrabajo. Wheeler fue miembro del cuarteto del contrabajista entre 1983 y 1989.

La Royal Academy of Music dedicó al trompetista en 2013 una gran exposición retrospectiva con el título Master of Melancholy Chaos, haciendo referencia al un tanto contradictorio universo musical del creador: “Todo lo que hago”, había declarado el homenajeado para la BBC, “contiene un toque de melancolía y un toque de caos. Escribo canciones tristes y luego consigo los músicos indicados para destruirlas”. Las pasadas navidades, Wheeler entró por última vez en los estudios de grabación Abbey Road para registrar el que iba a ser su primer disco para ECM tras varios años grabando para otras compañías. La publicación del mismo, aún sin nombre, está prevista para los primeros meses de 2015.

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/09/21/actualidad/1411332301_525293.html

Kenny Wheeler - Kind Folk - Angel Song (1997) 

Kenny Wheeler, Lee Konitz, Bill Frisell & Dave Holland

Nick Cave / “Songwriting is about counterpoint. Counterpoint is the key” 20,000 Days on Earth

20,000 Days On Earth dredges the drama and depth of Nick Cave


20,000 Days On Earth
Director: Iain Forsyth, Jane Pollard

By Jason Heller  Sep 16, 2014 12:00 AM

Nick Cave is known first and foremost as a singer-songwriter—mainly in the transgressive post-punk band The Birthday Party and the brooding, mysterious ensemble Nick Cave And The Bad Seeds—but he’s also worked in prose and film. One thing that ties all his projects together is a grainy, cinematic quality, which is partly the reason why 20,000 Days On Earth works so beautifully. The documentary, directed by Iain Forsyth and Jane Pollard, only barely lapses into the standard, talking-head testimonial that’s become the default setting for rock docs. The rest of the film attempts to match, through shadowy nuance and verité-style perspective, the starkness and intensity of Cave’s work, regardless of what medium it takes on. And at that, it almost entirely succeeds.

Cave got his start in the ’70s in an Australian new-wave band called The Boys Next Door; when that group morphed into the harder, weirder The Birthday Party and relocated to England in 1980, it flared up and then promptly imploded. Cave hit the ground running with The Bad Seeds in 1983. That group continues to this day, occasionally taking a break for Cave to indulge in a sleazier, more rock-centric persona as the frontman of his side project, Grinderman. He’s also a novelist, a composer for film and theater, a screenplay writer (of The Proposition and Lawless), and an occasional bit actor. One element runs through all of his endeavors: a majestic, gothic grit that borders on the perversely biblical.

20,000 Days On Earth hits on the major points of Cave’s life and career, and it shrouds itself in a sympathetically murky aura. To its credit, though, the film doesn’t feel tied to any kind of chronological narrative or journalistic agenda; instead it flows like smoke. And even when others poke their heads in to deliver anecdotes—like Bad Seed Warren Ellis, who gruffly, crudely tells a story about seeing Jerry Lee Lewis in concert—they bounce off Cave as if they’re in the strangest buddy movie of all time.

The film is not without its drawbacks. At times, Cave’s omnipresent voice-over verges on self-indulgence, and his pretentious typewriter-troubadour role feels thin after a while. But the voice behind that voice-over is so commanding and compelling. Scenes of Cave undergoing some sort of staged psychoanalysis seems silly at first—that is, until he opens up with some truly fascinating insight into his family life, his sex life, and above all, his creative process. “The more I write, the more detailed and elaborate the world becomes,” he explains, but that arrogance is charismatically offset by lighter scenes, including one where Cave, elder statesman of the underworld, sits down at the piano to play a Lionel Richie song.

“Songwriting is about counterpoint. Counterpoint is the key,” Cave expounds, and that’s precisely what Forsyth and Pollard do in the film through their juxtaposition of the mundane and the profound—and of the myth-building and the myth-poking. Those who have ever dreamed of seeing Cave stare at his own bloodshot eyeballs in a bathroom mirror (and all that might symbolize) won’t be disappointed—but neither will those who follow him with slightly less cultish zeal, or even just mild curiosity. 20,000 Days On Earth doesn’t try to be a journalistic, comprehensive study of its subject—but with so much texture and atmosphere on tap, it doesn’t need to.

http://www.avclub.com/review/20000-days-earth-dredges-drama-and-depth-nick-cave-209198

20,000 Days on Earth - Official Trailer

Gustavo Cerati / "El León Dejó De Luchar"

Tras cuatro años en coma, murió el músico argentino Gustavo Cerati.


Por Associated Press
Publicado: 04/09/2014 13:08 EDT 

Buenos Aires (AP) — Tras pasar más de cuatro años en coma luego de sufrir un accidente cerebrovascular, el músico argentino Gustavo Cerati, alma de la legendaria banda de rock Soda Stereo, murió el jueves. Tenía 55 años.

Cerati, un talentoso y versátil compositor, encabezó uno de los más importantes grupos de rock de Iberoamérica en las décadas de los 80 y 90 con aclamados temas como "Signos", "Persiana americana" y "Cuando pase el temblor".

Tras la disolución en 1997 de la agrupación que formó junto a Charly Alberti y Héctor "Zeta" Bosio, tuvo una exitosa carrera como solista y productor.

Cerati nació el 11 de agosto de 1959 en Buenos Aires y desde los nueve años sintió una inclinación por la música.

De niño formó un trío con el cual se presentaba en fiestas particulares y llegó a dirigir el coro de una iglesia. Muchas de las melodías que grabó en las canciones de Soda Stereo nacieron durante su niñez, explicó alguna vez en entrevistas.

Mientras cursaba la carrera de publicidad en la Universidad de El Salvador de Buenos Aires, Cerati conoció a Bosio, futuro bajista de Soda Stereo. Ambos intercambiaban discos de The Police, XTC y Elvis Costello y, junto con Alberti, formaron Soda Stereo en 1982.

El grupo se creó justo un año antes de que Argentina saliera de los oscuros años de su última dictadura militar. Basado en el new wave y el punk, el sonido de Soda Stereo reflejaba el renovado optimismo de la época.

En agosto de 1984 la banda grabó su primero de siete álbumes de estudio, entre ellos "Signos", que fue platino en Argentina y doble platino en Chile y "Doble Vida", cuyos célebres temas "Lo que sangra (la cúpula)" y "Corazón delator" consagraron al grupo como uno de los más sólidos de habla hispana.

Soda Stereo hizo varias giras por América Latina y en 1989 realizó la primera presentación de una banda de rock en español en Estados Unidos, con un espectáculo en Los Ángeles para el cual se agotaron las entradas.

Tras 15 años juntos, el grupo anunció su separación en 1997 citando "diferentes desentendimientos personales y musicales". Para despedirse, la banda realizó una gira latinoamericana que terminó ante más de 70.000 personas en Buenos Aires.

Cerati siguió con los trabajos en solitario que había comenzado mientras la banda seguía viva. También colaboró con una amplia gama de artistas.

Por casi una década experimentó con distintos sonidos, entre ellos la electrónica, la música de orquesta y el hip hop, buscando distanciarse de las ideas musicales de Soda Stereo, según explicó en una entrevista con The Associated Press.

Con su disco "Ahí vamos" en 2006 retomó el sonido rockero de la época de Soda Stereo.

"Pasado el tiempo, ya no preocupa recuperar ciertas esencias sonoras que me resultan familiares y todo convive, todo lo que he hecho es parte de mí, es parte de lo mismo", dijo el músico a AP.

El disco le supuso la obtención de siete premios Gardel de la música argentina, un auténtico récord.

Cerati también tuvo éxito con los aspectos más técnicos de la música. Ganó el Grammy como productor del disco de Shakira "Fijación oral Vol.1" en 2007. La banda de sonido que editó para la película "+ Bien" fue nominada a mejor álbum instrumental pop para los Latin Grammy en 2001.

En 2007 Soda Stereo hizo realidad el sueño de sus fanáticos al juntarse para una gira que comenzó en el estadio River Plate de Buenos Aires, donde se habían despedido de su público 10 años antes.

"Yo dije que nos íbamos a volver a juntar cuando no estuviéramos demasiado patéticos y todavía no lo estamos", dijo Cerati cuando habló de ese reencuentro. El cantante explicó que quería que sus dos hijos vieran tocar en vivo a Soda Stereo.

Más de un millón de personas asistieron a los conciertos celebrados en distintas ciudades latinoamericanas, después de lo cual los tres músicos siguieron sus caminos por separado.

El último trabajo de Cerati como solista, "Fuerza natural", salió al mercado en 2009.

El disco es "una sucesión de historias rodeadas por la magia del folk, la vibración del pop, el poderío del rock, la manipulación electrónica, el color de la psicodelia y la calidez de los sonidos acústicos", destacó la página de internet del artista.

El disco tuvo un éxito instantáneo. A menos de una semana de su lanzamiento, encabezaba las listas de ventas en Argentina, México, Colombia y Chile.

En abril de 2010, durante un descanso en su gira internacional "Fuerza natural", Cerati dijo a AP que aún buscaba expandir sus límites como artista. Afirmó que su creatividad seguía fluyendo.

"Tengo períodos cuando me siento a hacer algo así como gimnasia creativa para sacar ideas y también tengo momentos en los que necesito tiempo para regenerarme", expresó.

Menos de un mes más tarde, el 16 de mayo, se desvaneció al final de un concierto en Caracas. Había sufrido un accidente cerebrovascular.

El 7 de junio fue trasladado a Buenos Aires, donde permaneció en coma hasta el jueves.

http://voces.huffingtonpost.com/2014/09/04/gustavo-cerati-muere-muerte_n_5766850.html

Soda Stereo - Té para tres (MTv Unplugged) (1996)

Argerich & Barenboim / Reunión Cumbre: Dos Argentinos en el Teatro Colón de Buenos Aires

Daniel Barenboim y Martha Argerich 

“Quisimos volver, pero juntos”


Página 12 - Sábado, 2 de Agosto de 2014

Por Diego Fischerman

“Bueno, la verdad es que estoy entusiasmada.” Martha Argerich acaba de terminar un breve ensayo con Daniel Barenboim, en el escenario del Teatro Colón. No importa cuán leve sea lo que ella esté diciendo: siempre da la sensación de estar revelando algo particularmente trascendente. “Es un encuentro muy interesante, con Daniel y con la orquesta Divan. Y cuando él me habló hace un año, me gustó mucho la idea”, dice, y esas pocas palabras cobran un sentido transparente. Barenboim, por su parte, pone el énfasis en la “alegría que es tocar con ella”, y afirma: “Para decirlo brutalmente, no hubiera sido necesario venir a Buenos Aires para tocar juntos. Podemos hacerlo en Berlín, o en cualquier otra ciudad. Pero era algo que nos entusiasmó a los dos. Después de tantos años volver a la Argentina, y volver juntos”.

En el concierto de mañana, que se completará con las obras españolas de Maurice Ravel para orquesta –Rapsodia española, Alborada del gracioso, Pavana para una infanta difunta y Bolero–, Argerich será solista en el Concierto Nº 1 para piano y orquesta de Ludwig van Beethoven. “Es una obra que hemos tocado ambos muchas veces. Yo he sido solista y la he dirigido. Si bien en parte había ya un esquema previo del concierto, al que Martha debió adaptarse cuando decidimos que se sumara, nos pareció que era una obra ideal. Y debo decir que ella es absolutamente maravillosa. Tocar este concierto con ella es un placer increíble.”

El martes, a las 20, Argerich y Barenboim brindarán un recital en el que tocarán juntos la Sonata en Re mayor para dos pianos, K. 448 de Wolfgang Amadeus Mozart. Hablando de esta obra, es Argerich quien elogia sin tapujos: “Hacer Mozart con Daniel es muy interesante, porque yo lo admiro mucho y admiro particularmente su Mozart, así que para mí es un aprendizaje muy grande”. En el programa se incluirán también las Variaciones en La bemol mayor sobre un tema original, D. 813, para piano a cuatro manos, de Franz Schubert, y la Consagración de la primavera de Igor Stravinsky, en la versión para piano a cuatro manos que el propio compositor realizó para tocar a dúo con su hijo Sulima. “No es necesario que diga lo difícil que es esta obra. La he dirigido infinidad de veces, con muchísimas orquestas de primer nivel. Con las mejores orquestas del mundo. Y no hay una sola vez en que no haya algún músico que cometa un error. Es inevitable que haya pequeñas equivocaciones. Y, a veces, no tan pequeñas. Por supuesto esto no sucede con Martha. Ella no se equivoca nunca. Es genial.”

Si bien Stravinsky no forma parte de las elecciones habituales de Argerich, una de sus grabaciones más recordadas es aquella en que tocaba uno de los cuatro pianos en Las bodas, con dirección de Leonard Bernstein. “No hubo, en realidad, ningún otro motivo para incluir las obras que haremos que el pensar que teníamos ganas de hacerlas juntos.” Y en cuanto a la orquesta, más allá de precisar las circunstancias de su creación, a instancias de la ciudad de Weimar, y de contar que, en ese proyecto, “resultaba fundamental que la cantidad y calidad de los músicos israelíes y de los países palestinos fuera la misma, porque ya había habido otros proyectos de orquestas israelíes donde ponían a uno o dos árabes como para mostrar todo lo abiertos que eran”, Barenboim remarcó que “la gran pregunta no es por qué se hizo o cómo se fundó sino cómo tuvo el crecimiento que tuvo. Y en eso fue central el apoyo que tuvimos del Ayuntamiento de Andalucía, en Sevilla, que nos dio un hogar, el dinero necesario para sostenerla y, sobre todo, para becar a los músicos. Nosotros hacíamos las audiciones, los músicos se instalaban en Sevilla para estudiar con los maestros de la Orquesta de la Capilla Estatal de Berlín, luego viajaban a Alemania para continuar sus estudios y cuando volvían a la orquesta, un año después, eran músicos de otro calibre. Para mí, esta orquesta tuvo su mayoría de edad cuando fue invitada al Festival de Salzburgo, en 2009, y tocó allí las Variaciones Op. 9 de Arnold Schönberg. Debe ser una de las obras más difíciles del repertorio orquestal y tocarla allí, y con esa calidad interpretativa, fue la prueba de la calidad que había conquistado la orquesta en un tiempo realmente muy breve”.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/subnotas/32935-8083-2014-08-02.html

Martha Argerich and Daniel Barenboim / EuroArtsChannel (2014)

Both come from Buenos Aires, both have made global careers for themselves. Martha Argerich and Daniel Barenboim are not only fellow countrymen; they also both began to give concerts in their youth, as soloists and with an orchestra. In addition, the two have a particular interest in chamber music in common - the repertoire spanning from the classics to modernism. They now appear together: a summit meeting of two of the most eminent pianists of the past few decades and of the present, something which is well worth looking forward to.

Selección Argentina / En la Élite del Fútbol Mundial : Coraje, Pasión, Orgullo e Historia

Último Tango en el Maracaná

Sonaron los violines, lloró el bandoneón. Messi y compañía merecieron mejor suerte contra Alemania, pero el gol de Götze a ocho minutos del final del suplementario destiló amarga música desde las tribunas. Subcampeones, como en 1930 y 1990.

Por Juan José Panno - Desde Río de Janeiro

Atención, señoras y señores, que va a dar comienzo una velada danzante mundial que se las trae, con figuras de primer nivel que harán vibrar a la concurrencia que se ha dado cita en esta especie de catedral del fóbal y la música popular. Y para no demorar más la ansiedad, vamos con los intérpretes.

Lleva la pelota Messi y tira una pared con Goyeneche y más que pared es un paredón y después Homero, que puede ser Manzi o Expósito, la deja como una naranja en flor y viene el alemán Hummels y rechaza, y hay que volver a empezar, y con cuidado porque los alemanes son muñecos bravos y mejor invoquemos al maestro de la buena suerte... ¡Pugliese, Pugliese, Pugliese!, y da resultado porque un alemán la tira para atrás y el Pipa Higuaín queda solo y es una papita, pero ¡qué me van a hablar del gol!, dice Neuer y la pelota se va afuera. El partido se pone de a ratos fulero y sigue el baile al compás del tamboril de los brasucas, pero no dura mucho, porque en este Mundial nada les dura mucho a los hermanos brasucas y porque está Mascherano y empujan Cadícamo, Eladia Blázquez, Discépolo y Salgán para que el tango salga lindo y Mascherano meta y ponga, meta y la pone para Lavezzi, la ve, sí, la ve bien y como con bronca y junando se la deja a Higuaín, y el Pipita la toca de zurda y la manda a guardar y hay alegría en la milonga, en la cancha, en el barrio, en el país entero, en medio de la malaria.

Hay alegría, pero es falso oropel, porque resulta que el línea dice no sé qué cosa de la vida en orsai y el tiempo loco y el cero a cero manda cruel en el cartel. Y no tanto porque un chabón que nunca falta hizo correr la bolilla de que se podía cabecear en el área de Romero si Romero no sale a cortar, y Höwedes cabecea y por una cabeza casi nos quedamos en Pampa y la vía, pero el palo salvó las papas.

Y vamos al segundo tiempo y se intuyen cambios, y uno sabe que ahora vendrán caras extrañas y uno se extraña porque sale Lavezzi que había sido el rey del bailongo en el primer tiempo y aparece el Kun Agüero. Y ya se sabe que en este campeonato, por lo menos, Agüero no es Gardel. Gardel puede ser Messi si hace el gol que le queda servido cuando se va por zurda, pero la pelota no comprende que la estamos llamando para que se meta junto a un palo y se va, junto al palo pero del lado de afuera. Y vuelta a empezar.

El partido de a ratos se pone áspero y la bestia de Schweinsteiger se va de la cancha porque le sale sangre de la nariz y Agüero pregunta qué le habrán hecho mis manos, qué le habrán hecho. Y el alemán dice que primero hay que saber sufrir y casi la calza Kross, pero la pelota no quiere saber nada y tampoco se engancha con el Kun Agüero, que llega bien y que puede tocar como Baffa, como Mederos, como el Gordo Troilo, pero no le dan los fueyes a Agüero y se lo ve que se ladeaba, se ladeaba y al final tira un tirito y no pasa nada.

El trompa Sabella tira la bronca cuando un purrete se cuela (y lo caza la taquería) pero más tira la bronca porque se pierden muchos goles, muchachada loca. La de Messi, la de Higuaín, la del orsai y ni qué hablar de la de Palacio, que lo midió a Neuer, lo midió y, qué desencuentro Palacio, quisiste darle con ternura y el miedo te devoró de atrás y te salió un tiro con la canilla. Goles que se pierden y que son como gotas de vinagre derramadas sobre las heridas y el gol es la esperanza que no llega, que no alcanza y no puede vislumbrar la tarde mansa y lo que se vislumbra son los penales y araca corazón, si hay que ir otra vez a una definición por penales, pero no porque cuando el antiguo reloj de cobre marca que sólo falta un puñadito de minutos, cuando colorado el 19 el tal Götze la baja con el pecho, porque en esa jugada la defensa argentina es más frágil que el cristal, y tira y es gol, y lo gritan los alemanes y más lo gritan los brasileños, rencor, mi viejo rencor.

Es el final, el último tango en Brasil y ya se sabe qué es lo que se siente, ganas de llorar se sienten en esta tarde gris que se hace noche llena de hastío y de frío, y hay pena pero no habrá olvido, porque nadie podrá olvidar la dignidad y la grandeza de estos purretes. Y no hay remordimientos de saber nada porque no hay culpa de nadie. Fuimos. Pero ya te volveremos a ver Copa del Mundo, ya te volveremos a ver. Chan chan.

http://www.pagina12.com.ar/diario/deportes/8-250709-2014-07-14.html

Mundial 2014: Homenaje de la TV Pública a la Selección Argentina

Charlie Haden / A Sad Good Bye For Mr. Haden

Charlie Haden, Influential Jazz Bassist.


By Nate Chinen  - July 11, 2014

Charlie Haden, one of the most influential bassists in the history of jazz, died on Friday in Los Angeles. He was 76.

His death was confirmed by Ruth Cameron, his wife of 30 years. For the last several years he had been struggling with the degenerative effects of post-polio syndrome, related to the polio he contracted in his youth.

Mr. Haden had a deep, grounded way with the bass and a warm, softly resonant tone. His approach to harmony was deeply intuitive and sometimes deceivingly simple, always with a firm relationship to a piece’s chordal root. Along with his calm, unbudging rhythmic aplomb, this served him well in settings ranging from the ragged and intrepid to the satiny and refined. His own acclaimed bands, like the Liberation Music Orchestra and Quartet West, handily covered that stylistic expanse.

His jazz career crossed seven decades, with barely a moment of obscurity. He was in his early 20s in 1959, when, as a member of the Ornette Coleman Quartet, he helped set off a seismic disruption in jazz. Mr. Coleman, an alto saxophonist, had been developing a brazen, polytonal approach to improvisation — it would come to be known as free jazz — and in his band, which had no chordal instrument, Mr. Haden served as anchor and pivot. Mr. Coleman’s clarion cry, often entangled with that of the trumpeter Don Cherry, grabbed much of the attention, but Mr. Haden’s playing was just as crucial, for its feeling of unerring rightness in the face of an apparent ruckus.

In addition to Mr. Coleman, with whom he continued to play intermittently in the 1960s and ’70s (and later, in the occasional reunion), Mr. Haden worked with many principal figures of an emerging jazz avant-garde. For a decade starting in 1967, he was a member of a celebrated quartet led by the pianist Keith Jarrett, with Dewey Redman on saxophone and Paul Motian on drums.

The Liberation Music Orchestra, which released its debut album in 1969, was Mr. Haden’s large ensemble, and an expression of his left-leaning political ideals. The band, featuring compositions and arrangements by the pianist Carla Bley, mingled avant-garde wildness with the earnest immediacy of Latin American folk songs. Mr. Haden released each of the band’s four studio albums during Republican administrations; the most recent, in 2005, was “Not in Our Name,” a response to the war in Iraq.

Mr. Haden, who liked to say he was driven by concern for “the struggle of the poor people,” hardly restricted his opinions to the Liberation Music Orchestra. While playing a festival with Mr. Coleman in Lisbon, in 1971, he dedicated his “Song for Ché” to the black liberation movements of Mozambique and Angola, and was promptly jailed.

Charles Edward Haden was born in Shenandoah, Iowa, on Aug. 6, 1937, into a brood of musicians called the Haden Family. Prominent on the Midwestern country circuit in the ’30s and ’40s, the Haden Family had a radio show, on which Mr. Haden made frequent appearances as a yodeling toddler known as Cowboy Charlie.

His own children are also accomplished musicians: His son, Josh Haden, is a singer-songwriter, and his triplet daughters, Petra, Rachel and Tanya Haden, have worked as the Haden Triplets. (In 2008 Mr. Haden released an album, “Rambling Boy,” credited to the Haden Family, featuring his children and a slew of guests in a rootsy style.) Mr. Haden is survived by his children, and by Ms. Cameron; by his brother, Carl Haden Jr., and his sister, Mary Davison; and by three grandchildrem.

For a while after taking up the bass, Mr. Haden played only country music, notably as the house bassist on “Ozark Jubilee,” a network television variety show broadcast from Springfield, Mo. He stopped singing at 15 when he contracted bulbar polio, which affected nerves in his face and throat, threatening his ability even to speak.

One night in Omaha he saw a Jazz at the Philharmonic concert that featured the saxophonist Charlie Parker, a trailblazing hero of bebop. “It was country music all the way for me until I heard Bird in 1951,” he said in an interview in 2008. He moved to Los Angeles, where he connected with the pianists Hampton Hawes and Paul Bley and the saxophonist Art Pepper before falling in with Mr. Coleman.

“People ask me how could I go from country to jazz,” Mr. Haden said. “It’s been a natural convergence for me.” His sensitive ear for pitch, sharply honed throughout a childhood of vocal harmonizing, perfectly suited the needs of Mr. Coleman’s music. “Lonely Woman,” their best-known piece of music together, essentially features a bass melody flowing beneath the plaintive main theme. And in “Ramblin’,” another early Coleman classic, Mr. Haden finishes a bass solo with a quotation of the Southern fiddle tune “Old Joe Clark.”

For all his affinities with the avant-garde, Mr. Haden was a lifelong proponent of melody, and he pursued that interest with often impeccable results. Quartet West, a longtime band with the tenor saxophonist Ernie Watts, the pianist Alan Broadbent and the drummer Larence Marable, applied a burnished touch to an old-Hollywood repertoire; its sound was lush, romantic and unabashedly tinted with nostalgia.

Mr. Haden also recorded albums with strings, including “American Dreams” (2002), and albums of duets with sensitive partners, notably the pianists Hank Jones and Kenny Barron and the guitarist Pat Metheny. The duo album he made with Mr. Metheny, “Beyond the Missouri Sky,” won Mr. Haden his first Grammy Award in 1997. His two others were for albums of reimagined Latin American standards, “Nocturne” and “Land of the Sun.” Both featured the Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba.

Mr. Haden, who founded the CalArts Jazz program in 1982 and taught generations of musicians there, was recognized as a National Endowment for the Arts Jazz Master in 2012. He received a lifetime achievement honor at last year’s Grammy Awards, though his health prevented him from attending the ceremony.

His most recent release is “Last Dance,” recorded with Mr. Jarrett in 2007 and released last month. At least one posthumous album has already been scheduled: a concert recording made in 1990 with the guitarist Jim Hall, who died last year.

At the heart of Mr. Haden’s artistic pursuits, even those that drew inspiration from sources far afield, was a conviction in a uniquely American expression. “The beauty of it is that this music is from the earth of the country,” he said. “The old hillbilly music, along with gospel and spirituals and blues and jazz.”

http://www.nytimes.com/

Charlie Haden - New Begining - The Montreal Tapes -  Recorded Live on July 1989

Charles Bukowski / In Tha House One More Time

El genio de la multitud


ANDRÉS PINZÓN SINUCO / 4 de Mayo de 2014 12:02 am

Bebe, escribe y folla. Ese era su consejo de iconoclasta insumiso. Hank, o Charles, o Bukowski, eran la misma persona y los tres tenían la fuerza de los elementos. El rayo de su escritura llegó como una llama viva, un fuego agresivo de púgil del que se desprendía el acto creativo de una literatura prolífica. Poeta maldito. “Si a tus amigos les empieza a gustar tu trabajo, algo anda mal. Si los policías andan cerca, algo bueno debe estar pasando. Lo que necesitas es vivir, tu trabajo debe estar vivo”. Lo decía sin la menor impostura a Steve Richmond, uno de sus mejores amigos. Los poemas, sus relatos cortos y las más de cincuenta novelas que publicó hasta los 73 años, cuando la infame muerte lo sorprendió, emergieron de un mundo que alucina en pensiones baratas y en bares insumergibles de Los Ángeles, Estados Unidos.

La primera vez que experimentó el mecanismo de poblar de palabras una hoja rayada tenía tan sólo 13 años. Sobre un cuaderno de escolar brotó el hábito que consumiría sus horas desesperadas de viejo loco postrero que siempre estaba solo, pero que, al mismo tiempo, necesitaba compañía cuando bebía. “Se sentía muy bien, me parecía muy fácil y agradable escribir, aún me sigue pareciendo muy fácil y agradable”, lo dijo a una reportera en el documental Born into this. El encanto crepuscular del escritor era, es y será tan infrecuente que de alguna extraña forma él adivinó que el reconocimiento si bien iba a hacerse esperar, llegaría macizo como un golpe de fortuna irrevocable.

“Los tipos con cámaras y toda la mierda llegaron muy tarde. Me dan ganas de romperlo todo y decirles que se lo metan por el culo. Los coños firmes de las rubias han llegado muy tarde. Han llegado muy tarde, pero soy muy fuerte, los dioses me dieron una coraza, y todavía son buenos conmigo”. Afirmaba que cuando escribía siempre era el héroe de sus historias, y no podría ser de otra manera pues sentía un desprecio por la autoridad y las normas. Era un vago y un tipo que se hacía el duro, pero guardaba un corazón latente que se hacía aguas ante la más mínima reincidencia de afecto.

Henry Charles Bukowski Jr. muy pronto sufragaría en las entrañas un personaje llamado Hank. “El licor es como una sinfonía, como una canción clásica o algo así. Lo bebes para subir al cielo cuando te duele algo o cuando estás bajo presión... Soy un boxeador”. Al igual que Ernest Hemingway, de quien se consideró cómplice insustituible, tenía muy claro que nadie sabe realmente que es escritor, “sólo se creen escritores”. Demasiado pronto encontró un bolígrafo y comenzó a escribir sin parar, logrando ser admitido en la carrera de periodismo de la Universidad de Vermont, en Los Ángeles. “No hice nada, sólo me tumbaba por ahí y dormitaba. No encontraba trabajo como periodista. Me decían: ‘termina una especialidad y ya veremos’. Es muy difícil entrar a trabajar a un periódico, pero creo que si hubieran confiado en mí, habría sido un buen periodista”.

Hacia 1941, cuando Estados Unidos entraba a la Segunda Guerra Mundial, Hank tenía 21 años. Es memorable su narración en la que cuenta que no fue admitido en el ejército por el psiquiatra que hacía las selecciones. Se asume que la negativa estaba determinada en la incompatibilidad de tener entre sus filas a un hombre que tuvieras claros tantos conceptos.

Porque su trabajo tenía estar vivo pasó gran parte de principios de los años 40 deambulando por los Estados Unidos. Necesitaba experiencias. Decía que quería estar lo más lejos posible de su padre. Pensiones baratas y sitios de alquiler se convirtieron en los espacios desde los que buscaba “la frase de oro”. Conseguía trabajos basuras. Sólo comía una barrita de caramelo al día, costaban un níquel. “Les daba sólo un mordisco y era maravilloso”. En paralelo, le escribía hasta a cuatro editoriales cada día y recibía siempre el rechazo aplastante de los editores a los que siempre consideró los cancerberos de la literatura. Decían que no era lo suficientemente bueno. Bukowski nunca se rindió. “Una voz interior me decía no lo abandones. Debes quedarte con una pequeña ascua porque luego podrás hacer un fuego completo con ella. Me decía: ‘no permitas que te maten’”.

Soportó humillaciones de pie hasta que, por fin, una de las revistas había aceptado un relato corto. Los escritores norteamericanos no eran tan reconocidos y las escasas revistas literarias preferían a los europeos, de manera que le costó mucho trabajo ser reconocido. A finales de los 40 regresó a Los Ángeles para quedarse. Tenía unos 25 años. Se enrolló con una mujer 10 años mayor que él, aunque parecía que andaba siempre solo. “El amor es como cuando te levantas una mañana y ves que hay niebla después de que haya salido el sol. Es como ese breve instante que hay hasta que se quema. El amor es una niebla que se quema al primer rayo de luz de la realidad”.

Era muy desaliñado. En el 52 tomó un trabajo como cartero en la Oficina de Correos, pero su andadura de holgazán lo seguía. “Tenía una cara tan ruda que te echaba para atrás. Odiaba las leyes y los reglamentos por eso el jefe le imponía las rutas más duras que podía”, contó uno de sus amigos de la época, Don Muto.

Bukowski empezó a gritar en sus poemas. Contaba como su infancia se asemejaba a una historia de terror y cómo desde los 6 hasta los 11 años su padre le daba palizas con una correa de barbero. “Cuando aguantas tanta mierda durante tanto tiempo tienes la tenacidad de dar a entender lo que quieres decir. Mi padre fue un gran maestro de literatura, me enseñó el significado del dolor sin razón”. Pero gritaba tan bien y sobre todo por las dos úlceras que había empollado en los años de trasnocho desmesurado y malos hábitos alimenticios. El dolor era insufrible. Durante aquella época produjo más poesía que cualquier otro escritor de su generación y esos textos los enviaba con persistencia a las editoriales hasta que llegó a ser llamado “El rey de la revistas pequeñas”.

A Bukowski le gustaba rodearse de personas que estaban un poco dañadas. “Hace tiempo solía pensar que era demasiado feo para las mujeres, pero me encontré con que las mujeres son muy fuertes. Si tienes algo bueno que ofrecerles, ya sabes, como tus sentimientos... las mujeres son tan fuertes que nos les importa si eres manco o si has perdido cinco dedos, o si te sangra la nariz...”. Bebía demasiado y le aterraba la idea a pasar un día sin escribir.

Más de quince años estuvo trabajando para el correo estadounidense, doce en la oficina postal y tres más como cartero. Aunque era un empleo despreciable, según él, tenía la ventaja de ser nocturno, condición por demás conveniente dado que no podía dormir por las noches. Escribía durante todo el día antes de irse a trabajar y así continuó hasta el 60, cuando el empresario John Martin, quien para entonces no sabía que iba a ser editor, encontró a los escritores de la generación Beat como Allen Ginsberg y Jack Kerouac. Cuando leyó a Bukowsky, dice Martin, todos pasaron a un segundo plano.

http://www.eluniversal.com.co/

Charles Bukowski "Bluebird"

John Frusciante / “Enclosure”

El extraño mundo de John Frusciante 


Por Guillermo Civale | 24 abril, 2014

En “Enclosure”, su doceavo material solista, el ex guitarrista de Red Hot Chili Peppers resume su experimentación en un disco tan complejo como fascinante.

A pesar de extrañarlo considerablemente en la guitarra de los Chili Peppers (en el Lollapalooza, Josh Klinghoffer parecía más ocupado en brindar efectos con su pedalera que en encenderse en un solo), no quedan dudas que a John Frusciante el envase Red Hot le quedaba chico, lo limitaba. Envuelto paralelamente a Kimono Kult (proyecto que otra vez lo une al talentoso Omar Rodríguez-López) entrega su disco solista número doce.

La complejidad no siempre hace a la calidad; en cualquier caso, para entrar en el universo de un artista complejo son necesarias múltiples escuchas. Las etiquetas le quedarían chicas, los géneros serían demasiado reduccionistas: ¿synth pop? ¿música electrónica? ¿rock experimental? Todo a la vez, acompañado por su característica voz que por momentos parece angelical, casi góspel, y por otros se esconde entre los beats, imperceptible, como un instrumento más.

“Shining desert” abre el álbum con una base que cala los huesos; por momentos se oye una guitarra disonante, los teclados caen como gotas de sonidos. Frusciante arroja luz a las mentes oscuras (“I make light in dark minds”). En ocasiones las programaciones abruman, crean una atmósfera tan espesa que cuesta ingresar en ella. Pero una vez traspasada esa barrera la sensación es de completo confort, como la que debe sentir un bebé en el útero materno. El ambiente extraño y hostil se hace propio, ese mundo ajeno se convierte en nuestro lugar, en un universo de abstracción al que podemos recurrir huyendo del real. La instrumental “Cinch” es la más adecuada para retratar esto: los fraseos de guitarra nos llevan en un viaje luminoso de seis minutos.

Queda claro que estos temas no sonarán en la radio. John Frusciante parece componer para sí mismo y para nadie más, el que quiera entender su obra deberá esforzarse, tendrá que afinar su oído, renunciar a los clichés y a los lugares comunes de estribillos gancheros y arreglos predecibles. “Fanfare” quizás sea el momento más accesible del álbum: una base lenta en donde la voz de Frusciante llega limpia y clara, y una lírica personalmente dulce que cierra declarando “Waiting for the sun to shine, and it’s you”.

Como con los grandes compositores, las interpretaciones se disparan a múltiples lugares; sin embargo, una vez dentro en este universo simplemente podemos  lograr una conexión tan grande que ya no hace falta interpretar, sólo dejarse llevar. “Enclosure” es, por momentos, como un orgasmo alucinógeno, es un disco lisérgico, alucinante y espacial (el uso del adjetivo no es azaroso, como promoción el álbum fue cargado en un satélite y podía ser escuchado por los fans por medio de una aplicación para celulares cuando éste pasara cerca de su ubicación). “I float up there, ‘cause I know I’m not in here” canta en el cierre del álbum (“Excuses”), metaforizando su estado de inspiración por fuera de este mundo, y remarcando esta idea de música para flotar en estado de gracia.

Dentro de la complejidad de su obra en el último tiempo se ha adentrado en una etapa aún más experimental. “Enclosure es el disco que representa el logro de todas las metas musicales a las que estuve apuntando en los últimos 5 años”, define Frusciante su nuevo material cuyo nombre, justamente, hace referencia al cierre de una etapa, de un círculo musical, de un mundo propio y a la vez extraño, en el que adentrarse puede llegar a ser la aventura más maravillosa.

http://www.elacople.com/wp/

John Frusciante - Shining desert - Enclosure (2014)

Laurie Pepper / ART: Why I Stuck With A Junkie Jazzman

"ART: Why I Stuck with a Junkie Jazzman" to be Published by Laurie Pepper May 16

Laurie Pepper collaborated with her late husband, alto saxophonist Art Pepper, on the classic jazz bio "Straight Life." Now she tells the rest of the story in "ART: Why I Stuck with a Junkie Jazzman," a searingly candid memoir to be published by APMCorp on May 16.

Richmond, CA (PRWEB) May 05, 2014

Art Pepper told his sexy, sordid, and exciting true adventure stories to his lover, Laurie, who put them in a book. She quizzed him (and those who knew him) unrelentingly over seven years, editing and structuring a narrative to which she dedicated all her energy. "Straight Life" by Art and Laurie Pepper (Da Capo) was published in 1979. It was a critical success and remains a classic of its kind, the subject of college literary and music studies. Laurie went on to marry Art and manage his resurgent career, touring the world with his band. “Why I Stuck with a Junkie Jazzman” was the headline some editor gave a newspaper interview Laurie did while the band was in Australia in 1981, and she’s now stolen “that perfect title” for her memoir.

"ART: Why I Stuck with a Junkie Jazzman" (APMCorp) describes her marriage to the deeply troubled, drug-addicted, madly gifted artist. “That marriage was the making of me,” says Laurie. “Some people go to grad school or join the Marines. I married a genius who valued and inspired me and challenged me to use MY gifts. We had a difficult, powerful partnership. I had to tell that story.” She says she also needs to set the record straight and clarify her role: “People think I was some kind of little wifey-saint who rescued him. And Art encouraged them in that. But he knew how truly crazy I could be. We rescued each other.”

Laurie Pepper was born in 1940 in Los Angeles to a family of radicals and artists. She grew up in New York and Los Angeles, attended U.C. Berkeley, and was photographer for the legendary L.A. Free Press during the 1960s but went astray and wound up in rehab where she met Art Pepper. Since Art’s death in 1982, she has continued to produce and promote his music. Her very small label, Widow’s Taste, has released a new album of previously unreleased Art Pepper performances every year since 2006.

"ART" will be available in paperback on May 16—on Art and Laurie’s wedding anniversary. It consists of 382 pages, with approximately 100 photos and a complete index. It will sell, in the U.S., for $20.00. An E-book version will be available on June 16, and a downloadable audiobook will be released on November 16 along with a CD release of some of the key Art Pepper performances Laurie describes in the memoir. 

Advance Praise for "ART"

Forged at the collision point of true art and real life, this brutally honest book is an engrossing journey across the hard countries of love and loss and redemption. It inspires the belief that love can overcome all obstacles and that creative talent knows no bounds. It was impossible for me to put it down. 

—Michael Connelly, Author of the Harry Bosch series of novels

“I was no angel,” Laurie Pepper advises at the start of this stingingly candid memoir, and in truth she is a wonderfully devilish writer, her pen a razor dipped in sulfur, her memory a lead-lined cave from which nothing escapes or goes unexamined. Everyone who knows the skillful craftsmanship she brought to "Straight Life," the masterpiece she made of Art Pepper’s life, will find it here again, in service to her own story, which would be reason enough to celebrate this gripping book. But there is another: a wittingly different perspective on Art’s tale—this good wife was every inch his match. 

—Gary Giddins, Author of "Bing Crosby: A Pocketful of Dreams" and "Celebrating Bird"

Music, love, gossip—along with mania and addiction, pain and calamity: Laurie Pepper writes with grace and candor about all of it. Joining "Straight Life" as one of the best jazz lives, and telling the story behind that great story, her new book deserves all the meanings of “Art” in its title. 

—Robert Pinsky, Poet

http://www.prweb.com/releases/2014/05/prweb11823268.htm

Blue Note Records / 75th Anniversary

Un hito para la historia del jazz

Cumple 75 años el sello que coincide con las mejores ediciones del género. Aquí se reeditaron cuatro clásicos como homenaje.

04.05.2014

El histórico sello de jazz Blue Note cumplió 75 años, y lo festejó en Buenos Aires con cuatro lanzamientos, entre los que destaca la reedición del legendario Money Jungle, grabado por Duke Ellington, Charles Mingus y Max Roach. Fundado por Alfred Lion y Francis Wolff, dos berlineses -amigos desde la escuela primaria- que llegaron a fines de la década del treinta a los Estados Unidos escapando del nazismo, el sello Blue Note comenzó a grabar pequeños grupos de jazz y boogie woogie. El primer registro fechado el 6 de enero de 1939- estuvo a cargo de dos pianistas de Chicago, Albert Ammons y Meade Lux Lewis. A mediados de los años cuarenta la dirección musical del sello dio un salto hacia el jazz moderno, y grabó a los pianistas Thelonious Monk y Bud Powell, dos artistas brillantes, pero poco comerciales para esos años. La influencia del saxofonista Ike Quebec fue determinante en este cambio.

La actitud comprometida con la calidad y el modernismo lo llevaron a ser, a mediados de los ’50, el emblema del hard bop (un estilo que tuvo como lengua materna al bebop aunque con un mayor protagonismo rítmico), con artistas como el pianista Horace Silver, los Jazz Messengers del baterista Art Blakey, los saxofonistas tenores John Coltrane y Sonny Rollins, los trompetistas Kenny Dorham y Donald Byrd y el organista Jimmy Smith, entre otros. En los sesenta, sus artistas impusieron lo que se llamó el Sonido Blue Note . Los saxofonistas Wayne Shorter, Dexter Gordon y Hank Mobley, los pianistas Herbie Hancock y Sonny Clark y el trompetista Freddie Hubbard fueron los artífices del gran momento del sello. Incluso, buena parte de la vanguardia neoyorquina grababa en el sello; artistas como el contrabajista Charles Mingus, el saxofonista Eric Dolphy, el pianista Andrew Hill y el vibrafonista Bobby Hutcherson fueron sus cartas fuertes.

En noviembre de 2011, el grupo francés Vivendi, dueños de Universal Records, compró por 1400 millones de euros al sello EMI, que incluía Blue Note. Una discográfica festeja sacando música y así lo hizo Blue Note en la Argentina, ya que además de Money Jungle, un trabajo que se concentra más en el Duke Ellington pianista que en su labor como compositor; un compilado doble titulado The Best Of Blue Note con grabaciones del período 1940-1960 con Monk, Coltrane, Rollins, Shorter, Sidney Bechet (en una hermosa versión de Summertime) y algo más actual con canciones de Cassandra Wilson, Norah Jones y Gregory Porter, otra demostración del inmenso catálogo del sello. Como material lanzó Landmarks, del baterista Brian Blade, una música con identidad propia, exquisita calidad en las composiciones y en el que se destaca el pianista Jon Cowherd, por último, uno de los jóvenes artistas del sello, el trompetista Takuya Kuroda y su Rising Son, donde cruza los aromas del jazz con músicas como el hip hop: un trabajo que respira electrónica.  

http://www.clarin.com/espectaculos/hito-historia-jazz_0_1132087024.html

Duke Ellington Charles Mingus Max Roach - Caravan - Money Jungle (1963)