Radiohead / The Island President Documentary Soundtrack

Radiohead colabora en film sobre el cambio climático

Gonzalo Espinoza Bravo Miércoles 25 de enero de 2012

Radiohead participan con 14 canciones de su catálogo en el soundtrack de The Island President, documental sobre los intentos del presidente de la República de las Maldivas, Mohamed Nasheed, por salvar a la isla de los efectos del calentamiento global.

“The Island President es una película sobre las Maldivas, y la lucha del presidente Nasheed por conseguir la voz de una pequeña nación en el debate del cambio climático. A menos que se haga algo para detener el aumento del nivel del mar, van a perder todo. El país estará bajo el agua. Algo de nuestra música fue usada para ayudar a contar la historia”, es el mensaje que los músicos publicaron en su web oficial.

“Everything In Its Right Place”, “The Reckoner”, “Idioteque”, “How To Disappear Completely” y “House Of Cards”, son algunos de los títulos que aparecerían en el álbum que servirá de promoción a la película dirigida por Jon Shenk (Lost Boys of Sudan), que recibió el galardón en la categoría de Mejor Documental en la última edición del Festival de Cine de Toronto y que acaba de participar en la selección del Festival Sundance 2012.

Thom Yorke (voz, guitarra), Jonny Greenwood (guitarra, teclado), Ed O’Brien (guitarra), Colin Greenwood (bajo) y Phil Selway (batería), comenzarán el próximo 27 de febrero la gira promocional de su octavo álbum The King of Limbs (2011), para la que ya confirmaron su participación en el próximo festival Coachella 2012.

http://rocknvivo.com/2012/01/25/radiohead-colabora-en-film-sobre-el-cambio-climatico/

The Island President (Documental Trailer) (2011)



Radiohead - The Reckoner (By Clement Picon)

Neil Young / Crazy Horse The Iconic Garage-Rock Band is Back

Neil Young grabará nuevo disco con Crazy Horse

Por musicopolis, el 26 - 01 - 2012

Neil Young se encuentra grabando nuevo disco y lo está haciendo acompañado de Crazy Horse, al menos es lo que publica la edición estadounidense de Rolling Stone. La edición web del magazine tiene como fuente a Thrasher’s Wheat, una página de fans de Neil Young, y explica que el rumor ha sido confirmado por uno de los representantes del músico.

Según la página de fans, Young dio a conocer esta noticia durante el pasado fin de semana, en en el marco de Slamdance Film Festival de Park City, Utah, en un encuentro con Jonathan Demme, que estaba promocionando su última obra: ‘Journeys’. Según este portal, la audiencia acogió las palabras de Young con una sonora ovación.

Unas palabras de Young que tuvieron una gran repercusión en las redes sociales e incluso hubo fans que preguntaron a Ralph Molina, batería de Crazy Horse, a través de su Facebook si la noticia era cierta, a lo que respondió con un “sí” rotundo.

La última vez que la formación completa de Crazy Horse participó en un disco de Neil Young fue en Broken Arrow, de 1996, aunque volvieron a grabar otro álbum en el 2000, Toast, que Young prefirió guardarse. El músico canadiense contempla la publicación de este álbum, explica que Toast es “un disco oscuro. Tiene lo mejor que Crazy Horse han hecho en el resto de discos“.

Según la información de Thrasher’s Wheat, Young comentó que tenía grabado el disco con Crazy Horse y que estaba trabajando en otro. Estas palabras han dado lugar a la especulación sobre si el disco terminado es, precisamente, Toast. Los medios estadounidenses elucubran sobre la posibilidad de que haya nuevo disco de Neil Young en 2012, pero también advierten sobre sus constantes cambios de parecer.

http://www.musicopolis.es/neil-young-grabara-nuevo-disco-con-crazy-horse/295392012/

Neil Young & Crazy Horse - Slip Away - Broken Arrow (1996)

Camarón de la Isla / La Última Misa en San Juan Evangelista (1992 - 2012)

El último concierto de Camarón

Sale a la luz el disco del recital del maestro en el colegio mayor Johnny, una actuación que a punto estuvo de no celebrarse. Esta es la historia

Carlos Marcos - Madrid - 24/11/2010

Cinco horas antes de comenzar la actuación, Camarón de la Isla, recluido en el madrileño hotel Príncipe Pío, no quería cantar. Acababa de llegar de un concierto en Nimes, en el sur de Francia, y el maestro alegaba cansancio, tanto físico como psíquico. Cinco minutos antes del concierto, con la gente que llenaba un San Juan Evangelista (el Johnny) a punto del motín por el retraso, la gran voz del flamenco, ya en el camerino del recinto, se negaba a salir. Sudores fríos en los miembros de la organización, caras contrariadas en los pasillos, gente a punto de darse cabezazos contra la pared. De repente, la melena rizada del maestro asomó por la puerta del camerino. Enseguida, y quizá para que no se escapara, Pablo Nacarino (entonces 29 años y responsable de la zona de camerinos del colegio mayor) se lanzó al encuentro del cantaor. Le cogió con ternura del brazo y empezó a tirar suavemente de él. "Venga, José, anímate, que hay mucha gente esperándote", le dijo Nacarino. Pero no había manera.

"No quería salir", explica ahora Nacarino. "Estaba muy alicaído, hecho polvo. Para acceder al escenario del Johnny hay unas pequeñas escaleras de metal. Yo subí con él, casi empujándole. Me decía: 'Es que estoy mal, no puedo actuar'. Yo le respondía: 'Anímate, José'. Y le iba guiando del brazo por la escalera". Cuando alcanzaron, no sin dificultad, el último escalón, solo les separaba una cortina para presentarse ante el público.

La abarrotada sala ya gritaba, impaciente. Tomatito, el fiel Tomate, único músico que le acompañaría esa histórica noche, se acercó al lateral, corrió la cortina y cogió a Camarón del brazo para llevarle hasta su silla de mimbre. En cuanto el maestro apareció en el escenario, la gente (525 personas, llenísimo), que voceaba, se sumergió en un silencio indescriptible. Congoja. Camarón se sentó, no dijo nada (ni en ese momento ni en todo el recital) y se arrancó con la soleá Salud es lo que yo quiero. Nacarino: "Fue increíble el canto tan hondo que salió de la garganta de ese hombre. Estaba hundido, pero se transformó. A mí se me caían las lágrimas". A muchos espectadores también.

De esta forma tan épica se desarrolló el histórico último concierto de Camarón de la Isla. Los flamencos se saben la fecha de memoria: un gélido 25 de enero de 1992. Seis meses después, el 2 de julio, fallecía, a los 41 años, víctima de un cáncer de pulmón. El 7 de diciembre se publica el disco de aquella vibrante actuación, titulado El último concierto.

Pero volvamos a aquella postrera actuación. Tomatito, entonces 32 años, estuvo a su lado desde el primer momento: "La verdad es que no sabíamos que estaba enfermo de cáncer. Ya en el hotel se encontraba muy fatigado. Me dijo que suspendiera el concierto, que no podía. Yo le comenté que era un recital importante, el Festival por Tarantos, muy arraigado en mi tierra, Almería. Y que el director del San Juan, Alejandro Reyes, que hacía un gran esfuerzo para difundir el flamenco, también era de Almería. Entonces Camarón me miró y dijo: 'Bueno, venga...".

Efectivamente, la actuación de Camarón se ofrecía dentro del festival Flamenco por Tarantos, que cumplía la tercera edición. Costó traer al de la Isla 3,5 millones de pesetas (21.000 euros). Las entradas costaron 4.000 pesetas, unos 24 euros. Dato: todavía sigue siendo la entrada más cara de la historia del San Juan. Aquel día se llegaron a pagar 25.000 pesetas (150 euros) en la reventa, "o una china de hachís muy grande", apunta el director del San Juan, Alejandro Reyes, que ya lo era en 1992. "Actuó unos 55 minutos y fue uno de los mejores recitales de su última época. Luego estuvo una media hora recibiendo a gente en el camerino, se puso un abrigo largo que tenía y se fue. Estuvo muy cariñoso y tierno", apunta Reyes.

Camarón acudió acompañado de su médico, que era costumbre que le asistiera en esta etapa final. Justo antes de empezar el recital, médico y cantaor se encerraron solos en el camerino. "Que no pase nadie", ordenó alguien. Y colocaron a un portero para proteger la puerta. Al rato salieron los dos. Las críticas fueron excelentes. "¡Cómo cantó! En cuanto que tomó asiento en el escenario sus fatigas volaron. Lo dio todo, arriesgando en cada nota, y salió triunfante", escribió el crítico José Manuel Gamboa. La gente, extasiada, no paraba de interrumpir el canto con sonoros "olés". Hasta que un patriarca gitano les gritó: "A ver, señores, que en misa no se habla".

Tomatito ha estado escuchando estos días la grabación de aquel concierto. Pero su guitarra no suena. O al menos eso es lo que a él le parece: "Al lado de Camarón ni me escucho. Lo digo totalmente en serio. Cuando él estaba, todos sobrábamos". Olé.

http://www.elpais.com/articulo/madrid/ultimo/concierto/Camaron/elpepiespmad/20101124elpmad_16/Tes

De Oro y Marfíl - Camarón de la Isla con Tomatito - San Juan Evangelista - Madrid - Enero 25 1992 - Enero 25 2012

Iaies & Fumero / Conversaciones en Buenos Aires

Iaies y Fumero, entre el tango y el jazz

El pianista Adrián Iaies y el contrabajista Horacio Fumero, radicado en Barcelona, graban tangos clásicos en el Café Vinilo

19.01.2012 17:18

Por Humphrey Inzillo

Es, sin dudas, un plan perfecto. Para ellos, dos de los músicos de jazz más prestigiosos de la Argentina. Pero también para todos aquellos melómanos que quieran combatir el calor y el letargo del verano porteño. Bajo el título de Conversaciones desde el arrabal amargo, el pianista Adrián Iaies (director del Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires) invitó a su amigo, el contrabajista Horacio Fumero (radicado en Barcelona desde hace más de tres décadas), a dialogar sobre el escenario. La cita es en el Café Vinilo, los sábados 21 y 28, y los domingos 22 y 29 de enero, a las 21, en Gorriti 3780. Se trata, claro está, de un diálogo musical, con tangos clásicos que marcan la senda a transitar desde el jazz y la improvisación, acaso el más universal de los lenguajes, y que será capturado en vivo para una grabación inédita que el dúo registró en estudio hace dos años.

¿Por qué decidiste invitar a Horacio a grabar un disco en vivo?
Iaies: Porque Horacio es uno de los músicos con los que yo he pasado mejores momentos sobre un escenario. Parece hecho especialmente para tocar en vivo. Y tiene una particularidad que yo la puedo reconocer en mi también. Ambos tenemos performances muy diferentes en estudio y en vivo. Ni mejores, ni peores: diferentes. Nosotros tenemos hecho un disco de dúo en estudio desde hace dos años, que nunca se editó. Nos pareció una buena idea hacer uno doble que refleje esas dos caras y justo apareció la UTREF ofreciéndome financiar algún proyecto especial que tuviese, para su sello discográfico. Y aquí estamos...

Fumero: La invitación de Adrián fue mi mejor regalo de año nuevo. Ya habíamos grabado algo hace un par de años en estudio y la posibilidad de repetir la experiencia grabando otro material en vivo forma parte de mis desafíos preferidos. Hace ya un tiempo que no teníamos la oportunidad de tocar juntos, después de aquellos frenéticos años que comenzaron con una grabación justamente en dúo en Barcelona.

Entre otras colaboraciones conjuntas, grabaron y giraron con Tango Reflections Trio, junto al bandoneonista Pablo Mainetti. ¿El repertorio de estos conciertos va a incluir Piazzolla u otros tangos?
Iaies: El repertorio de estos conciertos son, casi 100 % tangos. Hay algo de Piazzolla pero, sobre todo son tangos más tradicionales, algunos de los cuales nunca habíamos tocado antes: "Fuimos", "Gricel", "Nada"... Paradójicamente, se trata de una faceta en la que nosotros dejamos ver más claramente nuestra esencia de músicos de jazz y el dúo da una elasticidad para la improvisación que es impensada en otros formatos.

Aunque la esencia jazzística es el que predomina en tu obra, siempre te vinculaste con otros estilos como el rock, el tango, el folclore y hasta el flamenco. ¿Sentís que compartís esa búsqueda o esa "mirada amplia" con Adrián?
Fumero: A mí me gusta toda la música hecha con inteligencia y con amor. Evidentemente, mi camino pasó y pasa principalmente por el territorio jazzístico, pero habitualmente escucho y me intereso por otros tipos de música y está claro que mi vida musical empezó en mi infancia con folclore y tangos. Conozco no sólo las músicas de mi primer cacho de vida, también las letras. Las del tango, cuando era pibe me parecían espantosas. ¡De lo que no me daba cuenta es que las estaba memorizando para más tarde! Decían en mi pueblo: "Tranquilo pibe, el tango te espera...". Y es verdad.

¿Cuál dirías que es la característica más notoria de Horacio como contrabajista?
Iaies: Quienes lo han tratado personalmente a Horacio saben que es un gran contador de historias, un tipo muy conversador. Eso mismo es cuando toca. Horacio no es un contrabajista a la Charlie Haden, molde y excesivamente preciso, ni austero en las notas que toca. Es más intenso, en la onda de los viejos capos como [Charlie] Mingus o Ray Brown. Y es alguien que siempre le regala una vida extra a la canción que esté tocando.

¿Cuál es el recuerdo -acaso la enseñanza- más importante de las dos décadas en las que tocaste junto al pianista catalán Tete Montoliú?
Fumero: Tete fue para mi un aprendizaje constante, sobre todo musical, pero también de la vida. El tenía una "visión" [N. del E.: Montoliú era ciego] particular del mundo que me hizo reflexionar profundamente sobre todo lo que yo veía o, justamente, no veía. Hablábamos mucho de literatura: de Cortázar, de Borges, y de muchos otros escritores. Pero también de fútbol (el Tete era hincha fanático del Barça) y de señoras. Pero casi nunca de música: eso sólo se hacía tocando.

¿Qué significa para vos tocar con quien fuera durante más de tres lustros miembro del trío estable de Tete Montoliú, además de haber compartido escenarios y grabaciones con Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Horace Parlan, Danilo Pérez, Boby Hutcherson y Benny Golson, entre otros? ¿Se siente el peso de esos nombres, de esa historia, en el diálogo musical?
Iaies: Bueno, yo lo conocí a Horacio cuando viajé a Barcelona en el 2000 a grabar Tango Reflections: necesitaba un contrabajista para hacer dos dúos y me pasaron el correo de Horacio. Yo lo único que sabía de él era que había tocado con el Tete, que era un pianista que me encantaba: tenía un montón de discos suyos. Así que, en ese momento, sentí la responsabilidad de estar a la altura de las circunstancias. Pero luego, cuando tocás con músicos así, todo es más fácil, porque nadie tiene que andar demostrando nada. Uno hace lo que sabe hacer y funciona. ¿Qué otra cosa iba a hacer?, ¿Competir con el Tete, tratar de ser mejor improvisador que Griffin u Horace Parlan? Siempre es más fácil. Y así resultó.

Hace más de una década que empezaron a colaborar en distintos proyectos, ¿qué balance hacen de esa experiencia?
Iaies: A la media hora de haberlo conocido a Horacio, ese lunes de frío en Barcelona, ya sabía que tenía un amigo para toda la vida. Al día siguiente, cuando fuimos al estudio a grabar esos dúos, el productor (un catalán super serio, fino y profesional), me preguntó cuantos años hacía que tocábamos juntos. ¡No podía creer que nos habíamos conocido la tarde anterior! Horacio es mi hermano y yo bendigo la posibilidad de compartir cada minuto de música con el. Creo que hemos sido afortunados de conocernos y ambos nos hemos enriquecido musical y humanamente tocando juntos.

Fumero: Empezar a trabajar con Adrián supuso mi vuelta musical a la Argentina... ¡Qué te voy a explicar! Pura alegría. En los agradecimientos de mi disco Isoca [S-Jazz, 2004], en alguna parte le digo a Adrián... ¡Gracias por devolverme mi país!

¿El nuevo disco implica una gira posterior en conjunto?
Iaies: Hay una idea de ir a tocarlo a España. Hace rato que venimos hablando de instalarnos una semana en Madrid y tocar todas las noches en algún club y luego hacer lo mismo en Barcelona. Y es muy probable que cuando la UTREF saque el disco, en la segunda mitad del 2012, Horacio venga a hacer conciertos y presentarlo.

http://www.rollingstone.com.ar/1441797-iaies-y-fumero-entre-el-tango-y-el-jazz

Adrián Iaies & Horacio Fumero - Café Vinilo - Buenos Aires (2012)

Archie Shepp / Gemini + Live in Souillac

Archie Shepp: 'Gemini - The Reverse/Live in Souillac'

I-Recorded at Harryson Studio, Pantin (France) on March 13/14 2007
II-Recorded Live in Souillac Jazz Festival, Ivry (France) July 20, 2002

Chema García Martínez 3 ENE 2012 - 19:16 CET

Reconforta comprobar que hay cosas que no cambian. Por ejemplo, Archie Shepp. El viejo león movió ficha hace algunos —bastantes— años, cuando se desmarcó del free jazz que le había encumbrado para convertirse a la religión del “Único y Verdadero Jazz”. El de Louis Armstrong y Coleman Hawkins. El de Big Joe Turner. Medio siglo más tarde, el anciano saxofonista/cantante/agitador político residente en París, renueva sus votos musicales en The reverse, una poderosa mezcla de ingredientes —del blues a Mingus; del calipso al rap— para un pastel multicolor capaz de satisfacer cualquier paladar.

Shepp ruge, y su rugido suena a otros tiempos —Revolution-Mama Rose—, por más que le haya cambiado la letra al viejo himno, y donde decía “Birmingham, Alabama” ahora diga “Bagdad, Irak”. A su vera, el siempre eficaz Wayne Dockery, al contrabajo; más Steve McCraven, a la batería, Tom McClung, al piano; Stéphane Guery, a la guitarra; y Chuck D, rapeando.

El álbum doble se completa con la edición del un tanto atípico concierto ofrecido por el saxofonista y su cuarteto en Souillac en julio del 2002, acompañado por la cantante y pianista Amina Claudine Myers.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/01/16/tentaciones/1326737054_036296.html

Archie Shepp - The Reverse (alt. version 1) From Gemini-Recorded at Harryson Studio (France) (2007)

Etta James / Legendary American Diva of Blues & Soul

El blues y el soul dicen adiós a Etta James

La cantante estadounidense falleció ayer en Los Ángeles a los 73 años

LUIS MARTÍN Día 21/01/2012

Acaba de extinguirse la vida de una de las más grandes intérpretes de blues que ha dado la segunda mitad del siglo XX, Etta James. La leucemia y otras enfermedades que acechaban desde hace tiempo su salud han terminado así con la existencia de una artista mayúscula a la que siempre le vino estrecha la circunscripción en cualquier ámbito estilístico. Etta fue una cantante fundamental en el capítulo crítico del rhythm & blues durante los años 50, cuando el blues rítmico quería hacerse rock and roll con el fin de que se notase que era música de jóvenes, o ponerse de largo acercándose al jazzque comenzaba a ser moderno.

Etta James se llamaba, en realidad, Jamesetta Hawkins y había nacido en 1938 en Los Angeles. Como tantas otras colegas de generación, comenzó probando con el góspel en una iglesia de su barrio para ir aproximándose, luego, al blues y al rhythm & bluesdel momento. Solo tenía cinco años de edad cuando comenzaron sus primeras incursiones en emisiones radiofónicas. Poco después llegaría su primera oportunidad profesional, a través de la llamada del baterista Johnny Otis, en cuya orquesta comenzó Etta a cantar a la edad de catorce años.

Sus grabaciones para la fonográfica Modern Records son las que la situaron en la rampa de lanzamiento de la fama y las que dejaron semilla entre una importante generación de músicos que, en aquellos años, transitaba por los territorios del rhythm & blues, el rock y el popincipiente. Esa fue la etapa en la que asumió el sobrenombre de Peaches y grabó la impactante «Roll with me Henry».

Etta James era una mujer fuerte, de voz turbulenta y enérgica que se dejó tentar siempre por el lado más comercial del rhythm & blues, así que en 1960 inició una estrecha relación laboral con la emergente fonográfica Chess Records de Chicago. El reconocimiento definitivo le llegaría a través de algunos dúos con su pareja sentimental entonces, Harvey Fuqua. Leonard Chess, propietario de Chess Records, supo potenciar la imagen de Etta James como una cantante escalofriante de baladas, cuya voz lucía cargada con la fuerza y la reciedumbre de una contralto. El detalle logró admiración incondicional entre la comunidad blanca y, musicalmente, creó escuela entre la negra, razón por la que, pese a la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975. En ese año, iniciaría una maniobra de aproximación al rock que aún es recordada como uno de sus fracasos más sonados.

Etta James luchó durante buena parte de su vida contra la obesidad y su adicción a la heroína, y ambas cosas casi consiguieron sepultarla en el anonimato hasta que, en 1988, regresó con el álbum «Seven year Itch», que consolidó su leyenda en el soul. Ya nunca volvería a desaparecer de la escena. Álbumes como «Mystery Lady» o «Life, love and the blues» la muestran como una de las grandes protagonistas del blues y el soul de la segunda parte del siglo XX y de lo que llevamos del XXI. En 2001 fue incorporada al Blues Hall of Fame, y el aún reciente disco «The dreamer» se puede paladear como un inmenso homenaje al buen gusto.

El tono emocionado con el que Etta James interpretaba sobre la escena y en los estudios ha sido uno de los más intensos que ha dado la música negroamericana. Tuvo una hermana en inspiración en Koko Taylor y también disfrutó la herencia afortunada de Mahalia Jackson y Bessie Smith. Con su muerte se cierra un capítulo decisivo en el blues y se pierde una seña de identidad definitiva.

http://www.abc.es/20120121/cultura/abcp-blues-soul-dicen-adios-20120121.html

Etta james - Born Under A Bad Sign

Johnny Otis / Godfather of Rhythm & Blues

Muere Johnny Otis, padrino del Rhythm & Blues

Tenía 90 años. Promovió la música negra entre el público blanco.

Los Ángeles Jueves 19 de enero de 2012

Johnny Otis, el "padrino del Rhythm & Blues" que escribió y grabó el clásico del R&B "Willie and the Hand Jive" mientras que promovió la música negra entre las audiencias blancas por años como músico y conductor de radio, ha muerto.Tenía 90 años.

Otis, quien había sufrido problemas de salud por varios años, murió el martes en su casa en el suburbio de Altadena en Los Ángeles, informó su representante Terry Gould.

Otis, quien era de raza blanca y cuyo nombre de pila era John Veliotes, fue hijo de inmigrantes griegos y creció en un barrio negro de Berkeley, donde según contaba se identificó más con la cultura negra que con la suya.

Cuando era adolescente cambió su nombre pues pensaba que Johnny Otis sonaba más negro.

"Cuando era chico pensé que si nuestra sociedad dictaba que uno tenía que ser negro o blanco yo quería ser negro" , dijo una vez.

Su gusto musical claramente reflejaba la cultura que adoptó e incluso después de que se volvió famoso, su piel y su cabello oscuro hacían que las audiencias y los organizadores en los clubes asumieran que era negro como sus compañeros de grupo.Otis dirigía su propia banda en 1945 cuando logró su primer éxito, "Harlem Nocturne".

En 1950, 10 de sus canciones llegaron a la lista de R&B de la revista Billboard. Su éxito "Willie and the Hand Jive" vendió más de 1,5 millones de copias y Eric Clapton lo reinterpretó años después.

Pero la influencia de Otis se sentía más en su habilidad para reconocer y promover talento. Incorporó en sus bandas a vocalistas tan diversos y legendarios como Etta James, Hank Ballard, Big Mama Thornton y The Robins, los cuales se convirtieron al final en el grupo The Coasters.

Otis se consideraba un curador de la música popular negra, lo que representaba para él mucho más que diversión o un medio de subsistencia. Sus reseñas de R&B en todo el país y sus participaciones en el radio y la televisión tenían como finalidad presentar la música negra a las audiencias blancas.

"La música no sólo son las notas, es la cultura, la forma en la que cocinaba la abuela, la forma en la que el abuelo contaba historias, la forma en la que los chicos caminan y hablan" , dijo alguna vez.En años recientes Otis dedicó gran parte de su tiempo a la pintura y a la escultura.

También abrió una tienda de alimentos orgánicos en Sebastopol en la década de 1990 para vender los vegetales de su hijo Vicky. La tienda estaba decorada con los murales de Otis.Aunque tuvo poco éxito como tendero, atraía a mucha gente al mercado el viernes y el sábado cuando se presentaba con su banda.

"Era un éxito total" , dijo Gould. "Tenías que hacer reservaciones con tres semanas de anticipación, era increíble" .Otis también tenía un programa en la radio sin fines de lucro Pacifica Radio Network hasta que sus problemas de salud lo obligaron a retirarse en 2005. Además de sus hijos, a Otis le sobrevive su esposa, Phyllis, con quien se casó en 1941; sus hijas Janet y Laura; y varios nietos.

http://www.eluniversal.com.mx/notas/823896.html

Johnny Otis - "Harlem Nocturne"

Dino Saluzzi / Una extraordinaria travesía de estricta improvisación

Saluzzi, un género en sí mismo

Miércoles, 18 de enero de 2012

El bandoneonista, acá acompañado por la cellista Anja Lechner y por su hermano, el clarinetista Félix “Cuchara” Saluzzi, logra con este disco uno de los hitos de su carrera. La improvisación, en su sentido más estricto, atraviesa toda la obra

Por Diego Fischerman

Hay instrumentos ligados a ciertos géneros de manera casi obligatoria: los bronces y el jazz; la guitarra eléctrica y el rock. Pero ninguna relación es tan fuerte como la que hay entre el bandoneón y el tango. Podría decirse que cualquier sonido de ese instrumento evoca al tango y que cualquier tango hace pensar en el bandoneón, aun cuando no haya ninguno tocando. Sin embargo, hay una excepción. Y se trata, prácticamente, de un género único y encarnado en una sola persona: Dino Saluzzi. Si bien sus raíces están en la tradición del tango y, también, en una herencia menos notoria, pero igualmente significativa, que viene de la utilización del bandoneón en los grupos folklóricos de Salta y Santiago del Estero, el estilo de este salteño que pasó, en Buenos Aires, por la orquesta de Gobbi y que saltó, más adelante, a ser la figura más atípica del jazz europeo, tiene un poco de cada una de ellas, pero no se parece definitivamente a ninguna.

Desde que en 1982 el sello alemán ECM editó Kultrum, su primer disco de improvisaciones a solas, el nombre de Saluzzi fue convirtiéndose en inevitable a la hora de pensar en los creadores más originales dentro del campo de la música artística de tradición popular. Parte de esa originalidad tiene que ver con su propio estilo, con la manera de encontrar una organización más ligada a la idea de la travesía, de la improvisación en un sentido estricto –la posibilidad de detenerse o desviarse de un discurso o de unas células temáticas– que a cualquiera de las formas más habituales al jazz, con sus secuencias más o menos fijas de acordes y sus estructuras más bien simétricas. Y parte de lo que hace única a la música de Saluzzi es, también, su apertura a los encuentros con otros intérpretes y con otros géneros. En ese sentido, sus discos con músicos como Charlie Haden, Enrico Rava, Marc Johnson o el gran trompetista polaco Tomasz Stanko señalaron caminos no transitados.

La última de estas fructíferas relaciones tiene como coprotagonista a la cellista Anja Lechner, a la que conoció como integrante del Cuarteto Rosamunde, con el que grabó, en 1988, el disco Kultrum (extraño caso de disco con un nombre repetido dentro del catálogo de un mismo músico y en un mismo sello). Después llegó el bellísimo Ojos negros, de 2006 y a dúo y, tres años más tarde, con la incorporación de un ladero de años, su hermano Félix “Cuchara” Saluzzi en clarinete, y la participación de una orquesta, un álbum de título inequívoco: El encuentro. Ahora, el trío a solas acaba de publicar Navidad de los Andes. Y se trata, nuevamente, de un disco extraordinario. Cuchara incorpora también el saxo tenor y en sus intervenciones con ese instrumento, en dos tangos –“Recuerdos de bohemia” y “Soledad”– su planteo, casi literal, tiene el efecto de una especie de eco. O, más bien, de un sonido fantasmal al que se sobreimprimen las brumas del bandoneón y de un cello de sonido rico y expresividad elocuente. Con la habitual calidad sonora y el cuidado en las presentaciones de las producciones de ECM, este disco es, sin duda, uno de los hitos de su carrera.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/7-24108-2012-01-18.html

Dino Saluzzi Anja Lechner Félix Saluzzi - Gabriel Kondor from "Navidad de los Andes"

Jimmy Castor / A Man Called Funk

Jimmy Castor, leyenda del funk, muere en Las Vegas

Associated Press Fecha: 01/18/2012

LAS VEGAS (AP) — Jimmy Castor, un saxofonista, cantante y compositor de funk y soul neoyorquino cuya canción "It's Just Begun" se convirtió después de 40 años en un himno para varias generaciones de amantes del hip-hop, murió aparentemente por insuficiencia cardíaca en un hospital de Las Vegas, informaron sus familiares el martes. Tenía 71 años.

La música de Castor, incluyendo otro éxito de 1972, "Troglodyte", habló por sí misma miles de veces en los riffs y mezclas de grupos como N.W.A., 2 Live Crew, Kanye West, Ice Cube y Mos Def.

Su hijo, Jimmy Castor Jr., de 45 años, un cineasta de Redondo Beach, California, dijo que ha visto cientos de veces el reconocimiento inmediato en los primeros acordes de saxofón de "It's Just Begun", incluso antes de que la letra comience. ("Watch me now. Feel the groove. Into something. Gonna make you move")

"No importa en qué país estés, no importa qué idioma hables, todos lo conocen", dijo Jimmy Castor Jr. en Las Vegas.

Jimmy Castor fue hospitalizado en noviembre después de sufrir un ataque cardiaco, y se sometió a una cirugía de bypass cuádruple. Murió el lunes en el hospital Saint Rose Dominican, dijo su hijo.

Castor, líder del grupo musical Jimmy Castor Bunch, vivía con su esposa, Sandi, en el suburbio de Henderson, cerca de Las Vegas.

Su trabajo fue sampleado por otros artistas más de 3.000 veces, dijo su hijo, y él siguió trabajando y haciendo presentaciones hasta agosto pasado, cuando tocó en el festival funk de Long Beach, en California. Jimmy Castor Jr. dijo que su padre había reservado fechas para una gira europea este año.

http://feeds.univision.com/feeds/article/2012-01-18/jimmy-castor-leyenda-del-funk

Its Just Begun - The Jimmy Castor Bunch (1972)

Lee Ranaldo / From "Between The Times and The Tides"

Lee Ranaldo - "Off the Wall"

Publicado: 16.01.2012

Por Yamila Trautman

Primer single de lo nuevo del violero de Sonic Youth

La turbulencia y el desconcierto se superan así. Para su primer disco como cantautor propiamente dicho (Between The Times and The Tides, que será lanzado en marzo de este año, mucho más allá de la incertidumbre que atraviesa al futuro de Sonic Youth después de la separación de Moore y Gordon y después del supuesto concierto final en Brasil), Lee Ranaldo contó con la colaboración de varias bestias amigas. Además del batero Steve Shelley y el productor John Agnello, Nels Cline de Wilco, Alan Licht, John Medeski y más participarán de este trabajo del que ya se puede escuchar la primera muestra.

"Off the Wall" rescata los sonidos más digeribles de la banda neoyorkina, algunos canalizados en The Eternal (2009): las guitarras coloridas de rasgueos alegres -quizás un resto de ese último álbum, quizás influencia de la marca registrada de Cline-, los coros y las letras que también destilan optimismo, lo colocan en las verdaderas antípodas de su trabajo solista más destacado basado principalmente en la distorsión y la experimentación noise.

http://www.rollingstone.com.ar/weblogs/hot-tracks/1440991-lee-ranaldo-%E2%80%93-off-the-wall

Lee Ranaldo - "Off The Wall" from "Between The Times and The Tides"

FC Start / Héroes de Kiev (1942 - 2012)

FC Start : Morir antes que perder

La historia del fútbol mundial incluye miles de episodios emotivos y conmovedores, pero seguramente ninguno sea tan terrible como el que protagonizaron los jugadores del Dinamo de Kiev en los años 40. Aqui esta la historia de los jugadores del Dinamo que jugaron un partido sabiendo que si ganaban serían asesinados, y sin embargo decidieron ganar. En la muerte dieron una lección de coraje, de vida y honor, que no encuentra, por su dramatismo, otro caso similar en el mundo.

Para comprender su decisión, es necesario conocer cómo llegaron a jugar aquel decisivo partido, y por qué un simple encuentro de fútbol presentó para ellos el momento crucial de sus vidas.

Todo comenzó el 19 de septiembre de 1941, cuando la ciudad de Kiev (capital ucraniana) fue ocupada por el ejército nazi, y los hombres de Hitler desplegaron un régimen de castigo sin piedad y arrasaron con todo. La ciudad se convirtió en un infierno controlado por los nazis, y durante los meses siguientes llegaron cientos de prisioneros de guerra, a los que no se permitía trabajar ni vivir en casas, por lo que todos vagaban por las calles, en la más absoluta indigencia. Entre aquellos soldados enfermos y desnutridos, estaba Nikolai Trusevich, quien había sido portero del Dinamo de Kiev.

Josef Kordik, un panadero alemán a quien los nazis no perseguían, precisamente por su origen, era hincha fanático del Dinamo. Un día caminaba por la calle cuando, sorprendido, miró a un pordiosero y de inmediato se dio cuenta de que era su ídolo: el gigante Trusevich.

Aunque era ilegal, mediante artimañas, el comerciante alemán engaño a los nazis y contrato al arquero para que trabajara en su panadería. Su afán por ayudarlo fue valorado por el arquero, que agradecía la posibilidad de alimentarse y dormir bajo un techo. Al mismo tiempo, Kordik se emocionaba por haber hecho amistad con la estrella de su equipo.

En la convivencia, las charlas giraban siempre sobre el fútbol y el Dinamo, hasta que el panadero tuvo una idea genial: le encomendó a Trusevich que en lugar de trabajar como él amasando pan, se dedicara a buscar al resto de sus compañeros. No sólo le seguiría pagando, sino que juntos podían salvar a los otros jugadores.

El arquero recorrió lo que quedaba de la ciudad devastada día y noche, y entre heridos y mendigos fue descubriendo, uno a uno, a sus amigos del Dinamo. Kordik les dió trabajo a todos, esforzándose para que no se descubriera la maniobra. Trusevich encontró también algunos rivales del campeonato ruso, tres futbolistas de la Lokomotiv, y también los rescató. En pocas semanas, la panadería escondía entre sus empleados a un equipo completo.

Reunidos por el panadero, los jugadores no tardaron en dar el siguiente paso, y decidieron, alentados por su protector, volver a jugar. Era, además de escapar de los nazis, lo único que podían hacer. Muchos habían perdido a sus familias a manos del ejército de Hitler, y el futbol era la última sombra que sobrevivía de sus vidas anteriores.

Como el Dinamo estaba clausurado y prohibido, le dieron a su conjunto un nuevo nombre. Así nació el FC Start, que a través de contactos alemanes comenzó a desafiar a equipos de soldados enemigos y selecciones de la órbita del III Reich.

El 7 de junio de 1942, jugaron su primer partido. Pese a estar hambrientos y haber trabajado toda la noche, vencieron 7 a 2. Su siguiente rival fue el equipo de una guarnición húngara y le ganaron 6 a 2. Luego le metieron 11 goles a un equipo rumano. La cosa se puso seria cuando el 17 de julio enfrentaron a un equipo del ejército alemán y lo golearon 6 a 2. Muchos nazis empezaron a molestarse por la creciente fama de este grupo de empleados de panadería y le buscaron un equipo mejor para terminar con ellos. Llego MSG húngaro con la misión de derrotarlos, pero el FC Start lo aplastó 5 a 1, y más tarde, ganó 3 a 2 en la revancha.

El 6 de agosto, convencidos de su superioridad, los alemanes prepararon un equipo con miembros de la Luftwaffe, el Flakelf, que era un gran equipo, utilizado como instrumento de propaganda de Hitler. Los nazis habían resuelto buscar el mejor rival posible para acabar con el FC Start, que ya había ganado gran popularidad en el pueblo sometido. La sorpresa fue mayúscula, sin embargo, porque pese a las patadas de los alemanes, el Start venció 5 a 1.

Luego de esa escandalosa caída del equipo de Hitler, los alemanes descubrieron la maniobra del panadero. Desde Berlín llego la orden de matarlos a todos, pero los jerarcas nazis no se contentaban con eso. No querían que la última imagen de los rusos fuera una victoria, porque pensaban que matándolos así no harían más que perpetuar la derrota alemana.

La superioridad de la raza aria, en particular en el deporte, era una obsesión para Hitler y los altos mandos. Por esa razón, antes de fusilarlos, querían ganarles en la cancha.

Con un clima tremendo y amenazas por todas partes, para el 9 de agosto se anuncio la revancha, en el repleto estadio Zénit. Antes del choque, un oficial de la SS entró en el vestuario y dijo en ruso: “soy el árbitro, respeten las reglas y saluden con el brazo en alto”, exigiéndoles que hicieran el saludo nazi.

Ya en el campo, los futbolistas del Start (camiseta roja y pantalón blanco) alzaron el brazo, pero en el momento del saludo se lo llevaron al pecho y en lugar de decir “!Heil Hitler¡”, gritaron ”!Fizculthura!”, un eslogan soviético que proclamaba la cultura física. Los alemanes (camiseta blanca y pantalón negro) marcaron el primero gol, pero el Start llego al descanso ganando 2 a 1.

Hubo más visitas al vestuario, esta vez con armas y advertencias claras y concretas: “si ganan, no queda nadie vivo”. Los jugadores tuvieron mucho miedo y se plantearon no salir al segundo tiempo. Pero pensaron en sus familias, en los crímenes que se cometían, en la gente sufrida que en las tribunas gritaba por ellos. Y salieron. Les dieron a los nazis un verdadero baile. Hacia el final del partido, cuando ganaban 5 a 3, el delantero Klimenko quedo mano a mano con el arquero alemán. Lo eludió y al estar solo frente al arco, cuando todos esperaban el gol, se dio vuelta y pateó hacia el centro del campo. Fue un gesto de desprecio, de burla, de superioridad total. El estadio se vino abajo.

Como todo Kiev hablaba de la hazaña, los nazis dejaron que se fueran de la cancha como si nada hubiera ocurrido. Incluso el Start jugó a los pocos días y le ganó al Rukh 8 a 0. Pero el final estaba escrito: tras ese último partido, la Gestapo visitó la panadería una semana después y los miembros del equipo fueron acusados de ser espías de la NKVD. Esta acusación basaba su fundamento en que el Dinamo era un club asociado a la policia secreta. Pero, cualquier cosa hubiese valido.

El primero en morir torturado fue Kortkykh. Los demás arrestados fueron enviados a los campos de concentración de Siretz. Alli mataron brutalmente a Kuzmenko, Klimenko y al arquero Trusevich, que murió con su camiseta puesta. Goncharenko y Sviridovsky, que no estaban en la panadería, fueron los únicos que sobrevivieron, escondidos, hasta la liberación de Kiev en noviembre del 43. El resto del equipo fue torturado hasta la muerte.

Todavía hoy, los poseedores de una entrada para aquel partido tienen derecho a un asiento gratis en el estadio del Dinamo de Kiev.En las escalinatas del club, custodiado en forma permanente, se conserva actualmente un monumento que saluda y recuerda a aquellos héroes del Start, los indomables prisioneros de guerra del Ejército Rojo a los que nadie pudo derrotar durante una decena de históricos partidos, entre 1941 y 1942.Los mataron entre torturas y fusilamientos, pero hay un recuerdo, una fotografía que, para los hinchas del Dinamo, vale más que todas las joyas del Kremlin. Allí figuran los nombres de los jugadores y una leyenda: “De la rosa solo nos queda el nombre”.

http://xentedacova.wordpress.com/2009/03/23/el-fc-start-y-su-historia-lo-que-eligieron-morir-antes-que-perder/

F.C. Start (1942) (In Memoriam 1942 - 2012)

Players from Dynamo Kyiv

Nikolai Trusevich
Mikhail Svyridovskiy
Nikolai Korotkykh
Oleksiy Klimenko
Fedir Tyutchev
Mikhail Putistin
Ivan Kuzmenko
Makar Goncharenko
Georgy Timofeyev
Pavel Komarov

Players from Lokomotiv Kyiv

Milkhail Mielnizhuk
Vladimir Balakin
Vasil Sukharev

Informe Siguero/García (Diario MARCA)

Stefano Scodanibbio / Il Profeta del Contrabbasso

"Stefano Scodanibbio es asombroso. No he escuchado contrabajo mejor ejecutado que el de Scodanibbio. Quedé impresionado. Y creo que todo aquél que le oiga también se asombrará. Es realmente extraordinario. Su actuación fue absolutamente mágica". John Cage

Despedida a Stefano Scodanibbio, el revolucionario del contrabajo

Colaborador de las principales figuras de la creación contemporánea. Expandió los límites técnicos y expresivos del contrabajo

Por Mikaela Vergara 11.01.2012 (Fragmento)

El admirado contrabajista y compositor italiano Stefano Scodanibbio ha fallecido el pasado domingo en Cuernavaca (México) a los 55 años de edad tras padecer una larga enfermedad. Scodanibbio fue un destacado artífice de la música contemporánea: escribió más de medio centenar de obras y colaboró con artistas como Nono, Donatoni, Cage, Xenakis, Bussotti, Scelsi, Sciarrino, Riley, Estrada y Cruz de Castro, entre otros.

La reinvención del contrabajo

Nacido en Macerata (Italia), el 18 de junio de 1956, Scodanibbio comenzó su carrera internacional como intérprete durante las décadas ochenta y noventa. Invitado de honor por los festivales más importantes de música contemporánea, desarrolló nuevas técnicas interpretativas, expandiendo los límites del contrabajo hasta entonces conocidos.

En su trayectoria figuran hitos como el maratón musical que ofreció en Roma, en 1987, interpretando durante cuatro horas seguidas, unas veintiocho obras firmadas por veinticinco compositores diferentes. Scodanibbio formó sendos dúos con Roham de Saram y Markus Stockhausen. Su perspectiva multidisciplinar le ha llevado a colaborar en proyectos artísticos junto a coreógrafos y bailarines así como con literatos como el poeta Eduardo Sanguinetti.

Intérprete y creador

Más de medio centenar de títulos conforman el legado compositivo de Scodanibbio. La mayor parte de su catálogo está concebido para instrumentos de cuerda aunque paulatinamente fue ampliando el repertorio y abarcando múltiples combinaciones. En cuatro ocasiones sus obras han sido seleccionadas por la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (ISCM, Oslo 1990, México 1993, Hong Kong 2002 y Stuttgart 2006).

Simultáneamente a su actividad artística ha ejercido como pedagogo en prestigiosas instituciones de diversos países como la Ferienkurse de Darmstadt (Alemania). Gracias a su iniciativa se fundó la 'Rassegna di Nuova Musica', un festival de música contemporánea que desde 1983 se celebra cada año en Macerata, Italia.

http://www.rtve.es/radio/20120111/despedida-stefano-scodanibbio-revolucionario-del-contrabajo/488919.shtml

Stefano Scodanibbio -Voyage Resumed

Bill Dixon / Envoi (A Fitting End to Great Musician)

Bill Dixon : Envoi © Victo, 2011

Entrado el 10 Dec, 2011

Ricardo Arribas

Música indagante, misteriosa, poco complaciente la que conforma Envoi. Como siempre sucede con la de Bill Dixon, el llorado trompetista que nos dejó hace un año y medio, el 15 de Junio de 2010. De hecho Envoi contiene la grabación de su última actuación en directo, el 22 de Mayo, en el Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, tres semanas antes de fallecer.

El conjunto es el mismo con el que ya había editado Tapestries For Small Orchestra (Firehouse 12, 2009), una agrupación de tamaño medio (nueve músicos) que sirve de maravilla para plasmar el intenso colorido orquestal de la música de Dixon, y también para ejecutar los numerosos pasajes de sobria contención que la jalonan. Y en efecto el trompetista nos lleva, de la mano de esta pequeña orquesta gobernada por trompetas y contrabajos, por un fascinante paisaje sonoro en que lo simple y lo complejo, lo moroso y lo expansivo, lo grande y lo pequeño, se dan la mano sin fisuras, con grácil coherencia expresiva.

Música exigente la contenida en Envoi, una constante en la obra de Bill Dixon; música que sin duda hará las delicias de quienes ya habían caído antes bajo el influjo de su magia, y que dejará fríos a quienes ya antes no eran sensibles a ella. Impresiona, terminado el concierto, escuchar la voz fuerte y serena del viejo maestro hablando acerca de la dificultad de ofrecer lo que se lleva dentro con honestidad, y del elevado nivel de exigencia que siempre se había autoimpuesto.... y exigido a los demás (incluido su público, al que en seguida agradece su dedicación y comprensión). No son comentarios chocantes viniendo de Bill Dixon, es un bonito detalle haberlos incluido al final de esta grabación hermosa, desgraciadamente póstuma.

http://www.jazzitis.com/web/content/envoi

Bill Dixon - Envoi: Section II (excerpt)

Nils Petter Molvaer / Baboon Moon (A Unclassifiable & Terrific Experiment)

Nils Petter Molvaer : Baboon Moon (2011)

Por Santiago Tadeo Cervera

La discografía como líder de Nils Petter Molvaer no se caracteriza por una clara línea evolutiva ni por considerables variaciones estéticas, formales o estilísticas entre una y otra obra. Su música es enormemente personal desde su debut, el clásico Khmer (ECM, 1997), con el que creó un universo propio que apenas si se parece a nada conocido hasta entonces. Es ese mismo territorio sonoro el que siguió desarrollando en sucesivos trabajos, y su evidente peculiaridad justifica la ausencia de variaciones considerables: cada uno de ellos sigue resultando igualmente impactante. No parece que Molvaer sintiese tampoco la necesidad de variar su enfoque, quizá porque lo afrontaba con el espíritu aventurero de siempre, o porque su fusión de jazz y electrónica lograba trascender las fronteras tradicionales de ambos géneros. No obstante, en su precedente obra, Hamada (Sula Records, 2009), sí emprendió un sensible giro que pareció dictado por el cambio de banda tras más de una década. Lo mismo ocurre aquí, sólo que de manera mucho más notoria, pues la música está alimentada por una manifiesta voluntad de explorar nuevas vías sonoras. A tenor de lo escuchado en Baboon Moon, el anterior fue un álbum de transición, una forma de llegar a estas nueve piezas.

El cambio más notorio tiene que ver con la formación. Nils Petter Molvaer no pudo contar con algunos de sus colaboradores habituales ―Audun Kleive, Eivind Aarset..., de modo que redujo la banda a un trío completado por Stian Westerhus y Erland Dahlen. El primero, multi-instrumentista y creativo guitarrista, era un ex-integrante de la fabulosa banda Jaga Jazzist y autor del brillante debut Pitch Black Star Spangled (Rune Grammofon, 2010). Además de interpretar una cantidad de instrumentos que no sé cómo pudo meter en el estudio, asume la labor de producción, cosa que hasta entonces había realizado Molvaer. El segundo, batería de la banda Madrugada, también se prodiga en diversos artefactos de percusión, y lo hace con el mismo sentido de la aventura que sus dos compañeros de grabación. El resultado de ese choque creativo, de la improvisación de tres talentosos músicos que comparten el afán por arriesgarse, es de una intensidad y una belleza rara vez escuchadas.

Baboon Moon suena a Nils Petter Molvaer tanto como cualquiera de sus cinco álbumes a anteriores, así que sus seguidores reconocerán una música muy similar. En muchos aspectos, especialmente en esas atmósferas tan particulares que tan familiares resultan, es una obra continuista. No obstante, el conjunto posiblemente esté aquí más cohesionado que nunca, integra con mayor naturalidad los pasajes más frenéticos y ruidistas con aquellos paisajes de extraordinario lirismo que habitan la discografía del noruego. Las interpretaciones de instrumentistas tan creativos, por otra parte, da lugar a combinaciones imprevisibles y enormemente originales. Un ejemplo: Coded, asombrosa pieza que se sustenta sobre un ritmo cercano al de una solemne procesión de semana santa, sólo que con un fascinante dibujo melódico. Y es sólo uno de los nueve ejemplos de esta inclasificable criatura que Molvaer define como “rock progresivo negro”.

http://lnx.indajaus.com/

Nils Petter Molvaer - Baboon Moon - Baboon Moon (2011)

Captain Beefheart / 'Bat Chain Puller' 36 Years After

'Lost' Captain Beefheart album set for release 'Bat Chain Puller' is due out on what would have been Don Van Vliet's 71st birthday

December 21, 2011

A 'lost' album by cult experimental musician Captain Beefheart will be released on January 15, 2012.

The album, 'Bat Chain Puller', dates from 1976 and was shelved after producer Frank Zappa - pictured below - sued his former manager Herb Cohen for skimming money from DiscReet Records, the record label they started together.

'Bat Chain Puller' will now be released on what would have been Beefheart's – real name Don Van Vliet – 71st birthday. Vliet died in 2010 at the age of 69, due to complications from multiple sclerosis.

The follow up to 1974's 'Bluejeans & Moonbeams' was never officially released but became a popular bootleg, reports The Guardian.

Frank Zappa's estate has announced the official release of the album, 36 years after it was recorded. It will be made up of the 12 original album tracks as well as three bonus songs. Many of the songs were re-recorded and featured on later Beefheart releases. The album was mixed by Denny Walley and John French of Captain Beefheart & His Magic Band.

http://www.nme.com/news/captain-beefheart--his-magic-band/61100

Captain Beefheart - 'Bat Chain Puller'

The Doors / She Smells So Nice - Inedit Track from L.A. Woman 40th Anniversary

The Doors - "She Smells So Nice"

Publicado: 09.01.2012
Autor: Yamila Trautman

El tema perdido que formará parte de la reedición de L.A. Woman, a más de 40 años de su lanzamiento

Hacer foco en el material adicional y en las virtudes de la remasterización del sonido y relativizar las insoslayables intenciones comerciales que yacen debajo de cada una de estas reediciones aniversario, desempolvar las piezas encontradas y trasladarse al momento en el que fueron concebidas. La publicación de "She Smells So Nice", un tema encontrado por el productor Bruce Botnick entre las sesiones de grabación de L.A. Woman, forma parte del festejo por los 40 años del lanzamiento del disco final registrado por Jim Morrison en 1971, el mismo año de su muerte, y constituye una buena razón para decidirse por la opción del disfrute desprejuiciado.

La nueva versión del icónico trabajo de la banda californiana contará con un disco adicional, conformado por tomas alternativas y temas nunca oficialmente editados, como éste (del que se pudieron escuchar los primeros 30 segundos durante los últimos meses) y el ya clásico "Rock Me"; el DVD documental Mr Mojo Risin: The Story of L.A. Woman también será editado en el mismo sentido festivo.

Hoy, en el Facebook oficial de la banda integrada por Manzarek, Densmore y Krieger, "She Smells So Nice" fue entregado: tres minutos y medio de un pegadizo jam rock blusero, la voz de James como nos gusta recordarla. Escuchen:

http://www.rollingstone.com.ar/weblogs/hot-tracks/1439074-the-doors-%E2%80%93-she-smells-so-nice

The Doors - She Smells So Nice - from L.A Woman 40th Anniversary

Television / Television (1992) Limited Vinyl

Se reedita en vinilo el LP con el que Television regresó en 1992

Publicado Domingo 08 enero de 2012

En febrero, llegará una nueva entrega de la colección “Vinilíssimo”, del sello madrileño Munster, en la que destaca la reedición de “Television”, el álbum con el que Television regresaron en 1992 tras “The Blow-Up”, de diez años antes. Como es habitual, “Television” estará disponible en vinilo, en tirada limitada.

Contenido de “Television”:

Cara A
1. ‘188O Or So’
2. ‘Shane, She Wrote This’
3. ‘In World’
4. ‘Call Mr. Lee’
5. ‘Rhyme’

Cara B
1. ‘No Glamour For Willi’
2. ‘Beauty Trip’
3. ‘The Rocket’
4. ‘This Tune’
5. ‘Mars’

http://www.efeeme.com/

Television - Mars - From Television (1992)

The Doors / L.A. Woman 40th Anniversary Editions

Una vez más... el año de los Doors

Cuatro décadas después de la muerte de Jim Morrison, se relanza 'L. A. Woman' con temas inéditos y una plétora de productos paralelos

DIEGO MANRIQUE - Madrid - 06/01/2012

"Es el Año de los Doors", proclama orgulloso su mánager, Jeff Jampol. ¿Mánager? Sí, los Doors todavía funcionan como potente máquina de hacer dinero y cuentan con un representante. El 3 de julio de 2012 se cumplirán los 40 años de la nebulosa muerte de Jim Morrison en París. Un mes antes, se editaba L. A. Woman, que sería el último elepé de The Doors como cuarteto; los supervivientes aguantaron dos discos más en formato de trío.

El relanzamiento de L. A. woman es la punta de lanza de la campaña de Jampol. El 24 de enero, Rhino publica una edición ampliada, que incluye un nuevo CD con tomas alternativas más un tema desconocido, She smells so nice, y una recreación del clásico Rock me. En esa misma fecha, Eagle Rock lanza un documental, Mr. Mojo risin': the story of L. A. woman, donde desfilan los sospechosos habituales. Tres semanas después, las alternativas y los inéditos se juntan en un vinilo doble, The Workshop sessions. Ese título hace referencia a The Workshop, el angosto local de ensayo donde el cuarteto grabó L. A. Woman entre diciembre de 1970 y enero de 1971.

En realidad, los Doors sí necesitan un mánager, aunque solo sea para poner algo de paz en el grupo. John Densmore, el baterista original, se opone radicalmente a que sus compañeros utilicen el nombre sagrado; también hace valer su veto para rechazar ofertas tan extraordinarias como 15 millones de dólares (11,6 millones de euros) por el uso del tema Break on through en un anuncio de Cadillac. En el bando contrario están el organista Ray Manzarek, el guitarrista Robby Krieger y los herederos de Morrison, horrorizados al ver pasar por delante de sus narices cheques con muchos ceros, ofrecidos por Apple y otras empresas ansiosas de rentabilizar publicitariamente Light my fire.

Se trata de una de esas contiendas fraternales que han llegado hasta los tribunales -con victoria para Densmore- y que tienen difícil solución. Muy de vez en cuando, los tres músicos se juntan: el pasado año aceptaron el reto de colaborar con Sonny Moore, productor de dubstep conocido como Skrillex, y surgió una pieza titulada Breakin' a sweat, que evidenciaba sus orígenes como combo de jazz ligero, con querencia por la bossa nova.

Naturalmente, fue Jim Morrison quien les sumergió en las aguas turbias del Misisipi: el blues proporcionó un vocabulario poético y una lingua franca musical a la generación de los sesenta, para la que los Doors ejercieron de profetas y provocadores, sobrepasando frecuentemente la frontera de lo pretencioso. Sus dos últimos discos les muestran atrincherados, concentrados en sus recursos esenciales: una ceñuda banda de Los Ángeles encarando los demonios que andaban sueltos por el paraíso californiano.

Coppola y otros cineastas de Hollywood recurrieron a los primeros Doors para retratar el impulso dionisiaco de la Década Prodigiosa, en choque frontal con la mortífera realidad de Vietnam. Pero sus canciones tardías reflejaban igualmente su tiempo: la fiesta perpetua del jipismo interrumpida por las matanzas de Charles Manson, el taciturno reconocimiento de que "el hermano de pelos largos" puede ser un enemigo. Eso sugiere Riders on the storm, el tema que cierra L. A. woman. Unos ruidos de tormenta nos introducen en la pesadilla: hay un asesino suelto y puede ser el mismo narrador, como se explicita en la versión hablada que apareció en el disco póstumo An american prayer, donde Morrison parece perdido en su novela noir particular.

En 1991, la película de Oliver Stone mitificó a Jim Morrison, pero la música de los Doors sigue siendo campo abierto para la batalla cultural. Allí irrumpe ahora Greil Marcus, el ambicioso crítico musical estadounidense, con su nuevo libro, The Doors: a lifetime of listening to five mean years.

Abundan las biografías sobre Morrison, generalmente sensacionalistas; Marcus prefiere explorar las ambigüedades del personaje. Hijo de un almirante, rechazó todo lo que su padre encarnaba. Era un anónimo estudiante de cine al que el rock transformó en divinidad generacional. Vivió la fantasía de estrella omnipotente, aunque algo le empujaba a pelearse con su público, a convertirse en parodia de la estrella de rock ebria e insolente. Siguiendo la pista de la Generación Perdida, huyo hacia París, pretendiendo quizás reinventarse como artista bohemio. Pero llevaba la guerra en su corazón.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/vez/ano/Doors/elpepicul/20120106elpepicul_4/Tes

Riders On The Storm - The Doors - L.A. Woman (1971)

Thin Lizzy / 700 Songs: Are You Ready?

Canciones inéditas de Thin Lizzy

O5 de Enero de 2012
Por Musicopolis

El día que su cumple el 26º aniversario del fallecimiento de Phil Lynott, acaecido un 26 de enero de 1986, aparece la noticia de que hay 150 cintas con unas 700 canciones inéditas del grupo que están pendientes de ver la luz. Algunas de ellas aparecerán en un box-set durante este 2012.

Lo cierto es que la historia no deja de ser extraña. Según han publicado diversos medios, antes de su muerte en 1986, Lynott dejó a un conocido 150 cintas en custodia. Estas cintas han permanecido a buen recaudo hasta que Universal Music las ha adquirido y tiene pensado publicar algunas de estas grabaciones en un box-set que verá la luz a finales de año.

Steve Hammond, director del proyecto, declara en el diario irlandés Independent que “es impresionante lo que hemos podido encontrar”. “En todos los grupos hay alguien que se preocupa de recoger todas las grabaciones y en Thin Lizzy fue Phil Lynott porque Thin Lizzy era su bebe, su banda”.

La aparición de estas cintas con material inédito sorprende pero Hammond lo explica de la siguiente forma: “Phil pasó el material a una tercera persona para que lo custodiara. Él lo hizo durante décadas porque estaba esperando a que llegaran las personas adecuadas. No confiaba en nadie para hacerlo hasta que se publicó Live at BBC, esto les hizo creer que habían encontrado a las personas adecuadas”.

En 2011 se publicó una box-set titulada Live at BBC y en 2012 saldrá a la venta una colección de canciones inéditas que no fueron publicadas en su momento, descartes y tomas alternativas de algunos de los éxitos de Thin Lizzy que la banda grabó en el periodo comprendido entre su firma con Decca, en 1971, y la publicación de Renegade, en 1981.

Como explica Hammond en la entrevista concedida al diario Independent, “Lynott era un compositor muy prolífico. Grabó 12 discos con Thin Lizzy, dos más en solitario, y ahora descubrimos que había muchas más canciones en el archivo”.

“Los miembros de Thin Lizzy están totalmente involucrados en el proyecto. Hemos estado enviado cintas con el material encontrado y estamos respetando sus deseos sobre las canciones que serán publicadas y las que no”, comenta Hammond respecto a la colaboración con Scott Gorham y Brian Downey.

http://www.musicopolis.es/canciones-ineditas-de-thin-lizzy-veran-la-luz-en-2012/290932012/

Thin Lizzy - Are you ready? - " Life Live" (1983)

Led Zeppelin The Song Remains The Same / La Hermandad del Cine Lara

Led Zeppelin´s The Song Remains the Same & La Hermandad del Cine Lara

ZeppelinShire : Notas para una comarca de Led Zeppelin en la Argentina

Domingo 15 de Noviembre de 2009

La increíble historia de “The Song Remains The Same”, la película de Led Zeppelin que estuvo en cartel durante 11 años en el Cine Lara de Avenida de Mayo en Buenos Aires.

Durante once años ininterrumpidos, algo más de quinientas funciones y tres gobiernos distintos—dictadura militar, Alfonsín y Menem—The Song Remains The Same , la larguísima película de Led Zeppelin, trabajó especialmente con la juventud amante de la música rock al punto de transformar el espacio que el Cine Lara ocupaba en el 1221 de la Avenida de Mayo en una cápsula que orbitaba según su propio sistema, casi ajeno a cualquier interferencia exterior. Si en los primeros años fue el ansia de ver algo de Zeppelin en vivo—“Ahora, los fanáticos porteños podrán oír el sonido salvaje del grupo desde la banda sonora”, dijo Clarín entonces, con el correr del tiempo los chicos de la trasnoche terminaron de armar su propia película. Que tuvo su primera función el 16 de Setiembre de 1978 y la última, el 30 de Diciembre de 1989.

Los Ciento Treinta y Siete minutos que mezclan una noche de Zeppelin en el Madison Square Garden de Nueva York con los “pasajes fantásticos y delirantes que describen la vida privada y la personalidad del afamado conjunto inglés”--léase: Robert Plant capitán de un navío galés o Jimmy Page vuelto druida—aterrizaron a todas luces en Buenos Aires en el Cine Lorena el 24 de Mayo de 1978 y en pocas semanas dieron con el ring de sus trasnoches rockeras.

Allí, The Song Remains The Same le ganó a todas: a The Wall (Select Lavalle), Woodstock (Ritz de Belgrano), y Tommy o Yessongs (Arte). No hay lugar en el mundo donde haya estado tanto tiempo en cartel. Al punto que en su visita de 1995, Page y Plant quisieron conocer esa fuente de mitos que supo ser el Cine Lara, en un edificio hecho a imagen y semejanza de un edificio ubicado en Madrid.

“Volumen a fondo y parlantes traseros”. Esas fueron las instrucciones que recibió Jorge Plata (52) cuando se hizo cargo de proyectar la película. Hoy, atrincherado en el Cine Lorca, el hombre de impecable uniforme abre la puerta de la trasnoche. “La puta madre, es increíble lo que pasaba con esa película. Yo no entendía nada, nunca me había llamado la atención el rock. Pero esa primera noche cuando largué el rollodel proyector y escuché a seiscientos monos gritando desaforadamente, quedé loco”. A tal punto que este tanguero, al que los zeppelines (así recuerda a los fans) le gritaban “gallego, no cortés la película”, se tomó durante tres meses el trabajo de armar una copia con las dos disponibles que tenía Warner sólo porque “había un salto de tres cuadros en Escalera al Cielo, “que es el mejor tema”.

En los siete años en los que Jorge Plata fue, sencillamente, “el gallego que pasaba la película” desfilaron: una chica que improvisó un strip-tease en la primera fila, nubes de humo que escapaban por el techo corredizo del Lara y baldazos de agua que bajaban desde los pisos vecinos, pibes que se quedaban“desmayados” en la sala y eran cuidadosamente depositados en la puerta, “cirugía mayor” en las butacas y una banda de Valentín Alsina que quiso entrar con las motos al cine.

Las quejas de la Asociación Amigos de la Avenida de Mayo llevaron a los dueños del cine a prohibir que se fumara en la sala y con eso se fue parte del “ritual” que transformaba cada trasnoche de La Canción es la misma en un territorio “liberado”. En las últimas temporadas, dos policías de civil caminaban por los pasillos para evitar desbordes. La convocatoria fue bajando hasta que se decidió levantar el film aun cuando los derechos habían vencido. “Cuando nos tocó limpiar las fotos de los vidrios se nos caían las lágrimas. Yo quise guardarme algo pero se rompió todo, habían estado pegadas once años”, dice Plata.

Once años en un cartel que fue de Jesús de Nazareth a Batman, y en los que se produjo un fenómeno inédito hasta entonces: gente que le hablaba a la pantalla y que en voz alta, a los gritos, armaba y desarmaba un guión inexistente o suponía que en el proyector había un “gallego” en Jimmy Page había un brujo y en el manager de la banda, un gordo hijo de puta. Tipos que, siempre, habían visto la película una vez más que todos los demás…

http://lahermandaddelcinelara.blogspot.com/

“Valores comerciales: Trabajará especialmente con la juventud amante de la música rock. La prohibición para 18 la privará de espectadores potenciales” (Recomendaciones para la exhibición de La canción es la misma según El Heraldo Cinematografista, 1978)

The Song Remains The Same (Beginning) Film Led Zeppelin North American Tour 1973

Diego Rapoport / El Rhodes de las Páginas Históricas

Murió el músico emblema de Spinetta Jade

Por Gabriel Plaza

Diciembre de 2009. Bajo un cielo estrellado, el Flaco Spinetta y Diego Rapoport entregaron en Vélez uno de esos memorables momentos de la música de Spinetta Jade, aquella banda eterna que creó su propio oasis de jazz rock en los ochenta. Fue la última vez que estuvieron brillando juntos como diamantes en un escenario, recordando dos páginas históricas del cancionero spinettiano, como "Ella también" y "Umbral". No fue la última vez que se vieron. Eran muy amigos.

Diciembre de 2011. La semana anterior, Diego Rapoport, que residía en Bariloche desde hacía tres décadas, había viajado a Buenos Aires junto a unos amigos para visitar a Spinetta, que está recuperándose de su enfermedad. Fue como una despedida. El viernes último, de regreso a Bariloche, en un alto en el camino, Diego Rapoport habría sufrido un ACV. Los amigos lo encontraron en su auto, como dormido. Tenía 63 años.

Los seguidores del rock nacional recordarán fácilmente a Diego Rapoport por ese sonido "Rodhes" en los teclados, que le dio una identidad propia a esa formación emblemática de Spinetta, con la que grabaría, entre 1980 y 1984, Alma diamante , Los niños que escriben en el cielo , Bajo Belgrano y Madre en años luz .

"Cuando Diego Rapoport está tocando el piano, las notas pasan a ser gotas de luz que caen mansamente, en tanto desaparece la indiferencia y los límites de lo cotidiano se diluyen en una cascada luminosa que rodea al que lo escucha", decía una nota de la revista Pelo en 1980, presentando al músico que había ingresado a Spinetta Jade en reemplazo de Lito Vitale para aportarle a esa formación -que se completaba con el fallecido bajista uruguayo Beto Satragni, Héctor "Pomo" Lorenzo en batería y Juan del Barrio también en teclados- una marcada influencia jazzística.

Su sensibilidad musical impresionó a otras bandas de los ochenta, como Seru Giran, Seleste y Raíces, que lo tuvieron entre sus filas. La música que inspiraba a Rapoport se salía de la media rockera y tenía que ver con su formación junto al pianista Carlos Guastavino y sus gustos musicales: Keith Jarrett, Stevie Wonder, Chik Corea, Herbie Hancock, Erik Satie, Bach y Debussy.

Durante sus años de residencia en Bariloche, su luz también brilló junto a bandas locales y se transformó en un referente de la región como docente, irradiando a otros con su sencillez y maestría. "Para ponerse a hacer música hay que estar muy tranquilo, con mucha paz adentro, para que pueda fluir todo", decía en los tiempos de Spinetta Jade.

Rapoport encontró en la Patagonia la abrumadora paz del infinito.

http://www.lanacion.com.ar/1437297-murio-el-musico-emblema-de-spinetta-jade

Amenábar - Spinetta Jade

Andrew Hill / Point Of Departure

Andrew Hill : Point Of Departure © Blue Note, 1964

Por Ricardo Arribas

No termino de comprender cuál es el motivo por el cuál Point Of Departure es sistemáticamente considerada la grabación de referencia de Andrew Hill. Vaya por delante que me parece un trabajo magnífico, lo que ocurre es que no advierto una diferencia de calidad tan grande entre unas grabaciones y otras de Hill como para justificar esa unanimidad, ni creo que el pianista plasme en ella de manera más definitiva que en otras su visión musical. En resumen: tengo la impresión de que esa fama desaforada de Point Of Departure está motivada más por desconocimiento del resto de su obra que por sus (muchas) cualidades intrínsecas.

De entrada Point Of Departure se diferencia de la generalidad de grabaciones de Hill de la época en que tiene un sonido más elegante y refinado: los sofisticados ritmos de Tony Williams seguramente tienen mucho que ver con ello, y quizá incluso las propias composiciones participan de esa elegancia al estar pensadas y arregladas para un grupo mayor de lo habitual, lo cuál permitió a Hill jugar con el color del sonido como antes no había podido. También la elección del personal resulta muy atractiva, con esa combinación imposible de estilos: la solidez, sobriedad y serena contención de Joe Henderson, la caricia sonora de Kenny Dorham y las imprevisibles diabluras de Eric Dolphy, junto con la estimulante presencia de Richard Davis, Williams y el propio Hill hacen de esta formación algo insólito e irresistible.

No es pequeña proeza lograr que semejante diversidad de temperamentos y espíritus musicales caminen de la mano. Pero Hill hizo mucho más que eso: una vez más el pianista supo aprovechar la personalidad musical de sus colegas para potenciar la fuerza expresiva de su música; esa fuerza, en lugar de diluirse en un amasijo de brillantes aportaciones individuales, luce en cambio en todo su esplendor, engalanada con ellas. Point Of Departure es otra fantástica muestra de la originalidad y carácter único de la pluma de Andrew Hill: esas composiciones nítidas, férreamente compuestas, dejan amplio espacio a los solistas (espacio no solo temporal sino también, y muy especialmente, formal), y saben disolverse durante las improvisaciones de los músicos y permanecer agazapadas tras ellos, dejando sentir el peso de su benévola autoridad.

Refuge es un vigoroso tema de esos que suelen servir a Hill para remover un poco los cimientos del oyente. New Monastery también es buena muestra de ese ambiente obsesivo que preside muchas grabaciones de Hill, en este caso dominado por un bamboleante, brillante trabajo de Richard Davis. Spectrum, en cambio, es un capricho en toda regla: tras un falso arranque que recupera, ligeramente modificada, la melodía de New Monastery, se desliza por un vidrioso tobogán que la lleva a recorrer diversos ambientes, dejando a los solistas campar a sus anchas en ellos. Flight 19 recupera la solidez estructural armónico-rítmica habituales en Hill. Y Dedication es una perla refulgente, un paréntesis en el tiempo que te sume en un estado de profunda tristeza del que, qué cosas, sales feliz y agradecido… una de esas escasas ocasiones en que Andrew Hill alude a emociones netamente humanas, en lugar de dirigirse a nosotros a través de entramados puramente musicales.

Brillan especialmente las composiciones en este trabajo sobrio, menos emocional que otros de Andrew Hill, muy equilibrado, en el que el pianista negoció parte de su fiereza expresiva a cambio de un acabado formal más pulido. Una grabación magnífica… pero vale la pena seguir husmeando la obra de este pianista esencial más allá de ella.

http://www.jazzitis.com/web/content/point-departure

Refuge - Andrew Hill - Point Of Departure (1964)