lunes, 17 de mayo de 2010

Aeroblus / Vamos a Buscar la Luz!

El bajista leyenda y prócer del rock argentino, Alejandro "El Negro" Medina, decidió homenajear a otro prócer de la música nacional el siempre bien recordado Norberto "Pappo" Napolitano". Y lo hace reuniendo luego de más de tres décadas, a la banda que compartieron ambos alguna vez "Aeroblus". Un gratificante y justo homenaje, como reconocimiento de un gigante a otro. Gracias Negro. MAN.


Aeroblues

Por: Nicolás Igarzábal

"Tocamos a una velocidad espérmica". De El Bordo escuché su versión de 'Una casa con diez pinos', muy linda. Suenan bárbaro (Medina) Son una muy buena banda (Chizzo).. Sin dudas, el Tano es un guitarrista espectacular, con la virtud de haber creado un estilo (Medina). Es un verdadero maestro (Chizzo).

Me preguntas por ké / en el cielo sólo nubes ves". La letra de Nada estoy sabiendo cuelga en una de las paredes de la sala de ensayo, en la casa de Alejandro Medina, en Morón. Están los 10 temas de Aeroblus escritos a mano con letra bien grande. "¿Vamos con ésa?", se entusiasma el bajista cuando le tocan la intro de guitarra de Completamente nervioso. Chizzo la canta relojeando las cartulinas y su timbre de voz calza perfecto con la canción (podría pasar como una de Truenotierra). Después Medina entona Tema solísimo y también se luce. A sus espaldas está pegada una tapa del Sí! con la cara impresa de Pappo, un homenaje de 2005, a pocos días de su muerte. Y no quedan dudas: el Carpo está bendiciendo la ceremonia cual santo rockero.

El 28 de mayo, en el Teatro de Flores, Medina, Nápoli y el baterista Rolando Castello Jr. van a recrear el primer y único disco de Aeroblus, grabado allá por 1977, cuando Pappo volvía de Inglaterra más heavy que nunca (¡venía de zapar con Motörhead!). "Era una época muy pesada, ya estaba Videla. Había mucha música tranquila, estaba de moda PorSuiGieco y nosotros no encajábamos", recuerda Medina. Pero este año, tres décadas después, apareció una suerte de revancha: "Una noche me llamó Rolando y me dijo que iba a venir unos días a Buenos Aires y yo le respondí que teníamos que armar algo acá". Y enseguida pensó en el cantante de La Renga: "Chizzo tiene magia y tiene fuego. Es un guitarrista con mucho sentimiento".

-¿Ya habían compartido algún escenario?

-Sí, una vuelta que hice un homenaje a mis grupos en Hangar. Vino Pappo, La Renga, Willy Quiroga, Pinchevsky, Ricardo Tapia.

-¿Qué lugar ocupa Aeroblus en tu vida?

-Siempre toqué temas de Aeroblus con mi banda (Medinight Band). Lo mantuve vivo porque lo amo. Es una música maravillosa, un disco increíble. Con Pappo nos conocíamos desde chicos, siempre andábamos juntos y vivimos muchas aventuras. Fue como un maestro para mí.


-¿Qué expectativas tenés?

-Todas. Sonamos muy bien, tocamos a una velocidad espérmica (sic). ¿Viste la velocidad que tienen los espermatozoides? Aparte tocando Aeroblus, el Carpo está ahí, siento su magia. Después vamos a incluir temas de Manal y de La Pesada también.

El que toma la posta ahora es Chizzo. O sea, donde antes había un Napolitano, ahora hay un Nápoli. Empieza devolviendo gentilezas: "Medina es todo un prócer del rock nacional y es un bajista excelente. Siempre me copó Manal y Pappo's Blues, los escuchaba de pibe". Y agrega: "Está buenísima la movida de Ale porque va a ser un encuentro de generaciones. Aeroblus es una masa, ese álbum siempre me gustó. Es un disco de cátedra de rock, una obra maestra. Se merece este tributo".

-¿Cómo tomaste la invitación al proyecto?

-Fue un shock total, una locura. Ale vino un día a buscarme a nuestra sala de Ezeiza y me contó que iba a venir el baterista de Brasil, que estaba la oportunidad de hacer Aeroblus. Me sedujo la idea, meterme dentro de otro mambo que me sacude. Me embarqué y fue un flash.

-¿Vas a cantar los temas vos o Alejandro?

-Algunos él y algunos yo.

-¿Cómo te sentís en ese rol?

-Bien, bárbaro, qué sé yo. Con La Renga somos mucho de zapar este tipo de temas. Acá era cuestión de aprenderse todo el disco lo mejor posible. Hacía mucho que no lo escuchaba. Interpretar esa obra me sacó un poco de lo que estaba haciendo, del nuevo disco de La Renga.


-¿En qué etapa están? ¿Se puede adelantar algo?

-Estamos trabajando los temas, algunos ya están grabados y otros están saliendo. Estamos en plena cocina. Ojalá salga este año.

Chizzo se escabulle en la sala, cuelga la campera de cuero y se pone a afinar la guitarra. Claudio Rodríguez (invitado) lo ayuda con los arreglos de viola. Javier Boleda está reemplazando a Castello Jr. hasta que llegue de Brasil. Son cuatro en la habitación. Se prenden los amplificadores, Medina hace una seña a los músicos y, otra vez, como hace 33 años, vuelve a tronar ese grito de batalla: "Aerobluuus/ ¡Vamos a buscar la luuuz!".

http://www.si.clarin.com/2010/05/14/home/02195117.html

Aeroblus - Vamos a buscar la luz

domingo, 16 de mayo de 2010

Ronnie James Dio / La Inolvidable Voz del Metal




Ronnie James Dio: La voz del metal del ex Black Sabbath quedará inmortalizada.


El grande del heavy metal, Ronnie James Dio, falleció hoy a los 67 años tras padecer de un cáncer de estómago. Desde pequeño, su vida estuvo empapada de música.

Ronnie James Dio siempre será recordado como un grande del metal por su enérgica voz al interpretar los temas. El cantante de Heaven & Hell, nombre que actualmente lleva una la banda integrada por ex integrantes de Black Sabbath, tuvo una vida dedicada a la música.

Prueba de ello es que integró memorables grupos como Elf, Rainbow y DIO. Desde pequeño, Ronald James Padavona, sentía pasión por la música.

A la edad de 12 años, comenzó su travesía cantando y tocando la trompeta en bandas como Red Caps y Ronnie and the Prophets.

En la década de los sesenta, el grupo de Ronnie se convierte en The Elves, que luego rebautizaría como Elf, banda que fue producida por dos integrantes de Deep Purple: el baterista Ian Paice y el bajista Roger Glover; mientras que el guitarrista, Ritchie Blackmore, decidió grabar un disco con Elf titulado "Ritchie Blackmore"s Rainbow".
Es así que cuando Blackmore se separa de Deep Purple, recluta a Dio a su banda llamada Rainbow, pero permanecería poco tiempo, pues una sorpresa le deparaba el destino.

Ronnie James entró como vocalista a Black Sabbath, en reemplazo de Ozzy Osbourne, quien estuvo en tratamientos de desintoxicación por su adicción a la bebida y a las drogas.

El nuevo cantante hizo cambios: renovó el hard rock setentero y se acercó más al heavy metal. Con Ronnie, Black Sabbath grabó "Heaven and Hell" (1980), "Mob Rules" (1981), el directo "Live Evil" (1982) y "Dehumanizer" (1992).

En 1982, Dio se lanza como solista donde se impuso con éxitos como "Stand Up and Shout", "Rainbow in the Dark", "Don"t Talk to Strangers", "Holy Diver".

Pero el recuerdo de Black Sabbath lo perseguía y así retornó en el 1992 para grabar el disco "Dehumanizer" y 15 años después, en el 2007, vuelve a reunirse con sus antiguos compañeros que conformaron la legendaria banda en los ochentas, pero por problemas por el uso del nombre se llamaron "Heaven and Hell".

La nueva banda realizó una gira por varios países de Estados Unidos, Europa, Asía y hasta Sudamérica. Sin embargo, se canceló en el 2009 porque Dio fue diagnosticado con cáncer.


http://www.rpp.com.pe/2010-05-16-ronnie-james-dio-la-voz-del-metal-de-ex-black-sabbath-quedara-inmortalizada-noticia_265368.html

http://www.ronniejamesdio.com/

Black Sabbath with Ronnie James Dio - Neon Knights




sábado, 15 de mayo de 2010

Rolling Stones / Documentary Film "Exile on Main Street" About, "Stones in Exile"


El secreto mejor guardado de los Rolling Stones

El documental `Stones in exile' se interna en la explosiva y polémica grabación del legendario ' 'Exile on Main St.', considerado por muchos como el mejor disco de rock de la historia

JESÚS MIGUEL MARCOS MADRID 13/05/2010

Mi función principal en aquel momento era liar porros". Quién habla es Jake Weber y su recuerdo no tendría mayor trascendencia de no ser porque "en aquel momento" tenía ocho años. Este es uno de los muchos testimonios que recoge Stones in exile, un documental sobre la escandalosa grabación en 1971 del disco Exile on Main St., que será estrenado en Cannes la próxima semana. El mítico eslogan Sexo, drogas y rock and roll se hizo realidad en el verano de aquel año en un pueblo del sur de Francia, donde los Rolling Stones gestaron el que muchos denominan el mejor álbum de rock and roll de la historia.

Jake Weber, hoy en día un reconocido actor de Hollywood, era uno de los niños que correteaban por Villa Nellcôte, la majestuosa mansión que Keith Richards había alquilado en Villefranche-sur-Mer. Era el hijo de Tommy Weber, un amigo íntimo de Richards descrito en el documental como "piloto de carreras, camello y aventurero". No sería el único traficante en visitar la casa entre abril y octubre, los meses de gestación del álbum.

El resto de los Rolling se repartía por diferentes palacetes de la Costa Azul francesa, donde habían ido a parar tras salir huyendo de Inglaterra por sus deudas con el fisco. Su manager se había aprovechado de ellos y sus cuentas bancarias rozaban los números rojos, lo que no les impidió vivir un exilio propio de la jet set, subidos en la montaña rusa del exceso y la extravagancia y rodeados de paparazzi y narcotraficantes. "En la casa siempre había gente. Entraba un tipo en el salón y ponía sobre la mesa dos grandes bolsas de heroína. Había drogas para desayunar, para comer y para cenar", dice en Stones in exile Anita Pallenberg, novia de Richards, que llegó a inyectarle heroína a la hija del chef, según cuenta la biografía de Stephen Davies Los viejos dioses nunca mueren (Ma Non Troppo).

Rolling Stones -Stones in Exile (France 1971)(Trailer)



La boda de Jagger

Cuando salieron de Inglaterra, en abril de 1971, Brown sugar, el primer single de su disco Sticky fingers, entraba directo al número 2 en las listas de éxitos. En EEUU se alzaba al primer puesto. A los pocos días de llegar a la Costa Azul, Mick Jagger anunció su boda con Bianca Pérez en Saint-Tropez, que se convirtió en un extraordinario acontecimiento mediático (la localidad se colapsó de periodistas y curiosos y el enlace estuvo a punto de suspenderse). En el documental, Bill Wyman, bajista de los Stones, deja claro cómo andaban las relaciones en el seno del grupo: "Todos sabíamos que Mick se iba a casar, pero él no nos había dicho nada. Finalmente, el día antes de la boda me llamó y me pidió que fuese como testigo".

Los Stones buscaron un estudio de grabación en la Costa Azul, pero ninguno les convenció. Finalmente decidieron instalar su estudio móvil en el sótano de la mansión de Richards, un antiguo palacete que durante la guerra había sido ocupado por los nazis. El grupo grabó en las mismas habitaciones donde la Gestapo realizaba torturas, estancias oscuras y húmedas transformadas en selvas de cables donde las guitarras se desafinaban continuamente y casi no había ventilación (de ahí el título de la canción Ventilator blues).

Por la descripción de Jake Weber, aquello parecía un pequeño infierno: "Bajar allí daba un poco de miedo. Había alcohol y mucho humo, y siempre se oía la música ruidosa". La misma Anita Pallenberg afirma que tocaban tan alto que "las canciones se oían desde el pueblo".


Caos y anarquía

Stones in exile profundiza en el trabajo del grupo en aquel sótano (con más fotografías que metraje, eso sí). La grabación fue un caos absoluto de resultado impredecible: lo mismo podía salir un desastre o una obra maestra. Finalmente fue esto último. "Se grababa a cualquier hora del día, sin previo aviso. Si se empezaba a las once de la noche, nos podíamos tirar 12 horas. Por eso había que vivir allí", explica Watts, que dormía debajo de la habitación de Richards.

La banda llegó a la Costa Azul con los bolsillos vacíos y poco a poco fueron escribiendo y registrando las 18 canciones de Exile on Main St., su primer álbum doble. Al frente de la grabación estaba Richards, que estableció su propio método de trabajo (o mejor dicho, la ausencia de él), lo que proporcionó al disco un sonido crudo y excitante que llevaba el blues, el rock y el country a extremos salvajes.

Improvisaban durante horas tratando de enderezar un barco sonoro a la deriva hasta que se encendía la luz en la cabeza del guitarrista: "Tocaban mal una canción durante tres días seguidos, pero de repente, Keith se levantaba y miraba fijamente a Charlie, al otro lado Bill ponía su bajo en posición de 84 grados y entonces hacían una toma redonda", dice en el documental uno de los técnicos de la grabación.

Richards se impuso a un Jagger que se sintió incómodo con todo el proceso. "La grabación se convirtió en algo perjudicial para el grupo", se le oye decir a Jagger en el documental. Richards, que salió de Villa Nellcôte enganchado a la heroína, lo ve de otra forma: "Mick necesita saber qué va a hacer mañana. Yo estoy contento con levantarme y mirar quién anda alrededor. Mick es rock, yo soy roll".

http://www.publico.es/culturas/312281/secreto/mejor/guardado/rolling/stones

Rolling Stones - ‘Exile on Main Street'(California 1972)

viernes, 14 de mayo de 2010

Ben Harper & Relentless7 / En el Parc Forum de Barcelona



Ben Harper and Relentless7, en el III Festival Cruïlla de Barcelona

El cartel lo completan Muchachito Bombo Infierno, Alpha Blondy, The Pinker Tones, Love of Lesbian y Macaco

EUROPA PRESS - Barcelona - 11/05/2010


Artistas locales como Muchacito Bombo Infierno y The Pinker Tones estarán entre las 35 propuestas del III Festival Cruïlla de Barcelona, con un cartel que encabezan Ben Harper and Relentless7, Alpha Blondy, Love of Lesbian y Macaco. El festival, que por primera vez pasa de uno a dos días, se celebrará el 16 y 17 de julio en el Parc del Forum de Barcelona, con tres escenarios por donde pasarán todo tipo de "músicas urbanas con raíces", en una clara apuesta por la diversidad de la llamada world music.

Ben Harper marcará el primer día del certamen con el único concierto que dará en Cataluña para defender 'White lies for dark times', un disco en el que aparca, de momento, su colaboración con su banda habitual -The Innocent Criminals- para rodearse de unos músicos con los que volver a la esencia de la música popular norteamericana.

El sonido 'Harper' deberá compartir protagonismo con dos pesos pesados de la música nacional surgidos de Barcelona: Macaco, que presentará su mayor éxito hasta el momento; 'Puerto presente', y Love of Lesbian, que aportarán el toque 'indie' al festival. En los dos días que durará el festival también pasarán por el Forum figuras reconocidas a nivel internacional, como Alpha Blondy, Eli 'Paperboy' Reed y The Wailers, además de otros artistas que ya empiezan a ser habituales en el Cruïlla, como Femi Kuti -hijo del mítico Fela Kuti-, que actuará junto a The Positive Force, el cantautor italiano Vinicio Capossela, el australiano Xavier Rudd y los portugueses Terrakota.

Albert Pla, junto a Los Sujetadores, dará rienda suelta a sus instintos más rockeros, una propuesta que contrasta con los ritmos más pausados del cantautor Roger Mas. La rumba canalla, marca de la casa de la escena musical catalana, estará representada por La Kinky Beat y Muchachito Bombo Infierno, que está de gira presentando nuevo disco.

El hip hop nacional tampoco faltará a la cita, gracias a Kase'O, cantante de Violadores del Verso, que actuará acompañado por el grupo barcelonés The Jazz Magnetism. Además, The Pinker Tones (Mister Furia y Professor Manso) exhibirán las múltiples influencias que, como disc-jockeys, les han coronado como la pareja más internacional de la música española.
A pesar del gran número de caras conocidas el Cruïlla será también una buena oportunidad para descubrir artistas emergentes, como Charlie Winston, Ebony Bones, Daara J Family, Rupa&The April Fishes, Joan Allen y Dj Woody en la escena internacional y Maria Coma, Los Seis Días, Los Barrankillos, Taima Tesao y Maria Rodés en el panorama nacional. Hasta el 15 de mayo las entradas para los dos días costarán 60 euros, y luego 68, mientras que para un sólo día habrá que abonar 37 euros.

Ben Harper & The Relentless 7- Shimmer and Shine -White Lies For Dark Time

jueves, 13 de mayo de 2010

John Stowell / Una Combustión Lenta y Sostenida



El guitarrista John Stowell empezó su exitosa a principios de los años 1970 con estudios privados con el guitarrista Linc Chamberland y el pianista John Mehegan. Ambos hombres fueron mentores valiosos para John, permitiéndole tocar con ellos a medida que progresaba en su desarrollo. Muchos años más tarde conoció al bajista David Friesen en la ciudad de New York, y formaron un dúo que grabó e hizo giras prolíficamente por siete años, con conciertos en los Estados Unidos, Canadá, Europa y Australia. El dúo continua actuando treinta años después de su primer encuentro. En 1983, John y David se unieron al flautista Paul Horn y con el hijo de, Robin Horn (en batería) para una gira histórica por la Unión Soviética. Esta fue la primera vez en cuarenta años que un grupo de Jazz Americano haya sido invitado para tocar en conciertos públicos en Rusia.

En 1993, 1995, y 1998 John regresó a Rusia, tocando en numerosas ciudades. Sus dos actuaciones a sala llena en Kursk pueden haber sido las primeras apariciones de un músico Americano de Jazz. John continua estando de gira, grabando y enseñando internacionalmente. Ha sido Artista Residente en escuelas de Alemania, Indonesia, Argentina, y en los Estados Unidos y Canadá. Trabajó como director asistente intérprete en la transimisión radial en vivo PDX Jazz Summit in 1991, en Oregon, y desde 1995 ha estado contribuyendo como columnista para varias revistas, incluyendo “Downbeat”, “Guitar Player”, “Canadian Musician”, “Soundcheck” (Alemania), y “Guitar Club” (Italia). Con el bajista David Friesen, apareció en las bandas de sonido de dos filmes cortos nominados para el premio de la Academia (Will Vinton Studios, Portland, Oregon, y Bosustow Studios, Los Angeles, California) “Through the Listening Glass” con David Friesen fue elegido entre los “Diez Mejores Jazz Albums de la Década” por el periódico Los Ángeles Examiner Elegido “Talent Deserving Wider Recognition” por la Encuesta Internacional de Crítica, de Downbeat, 1978 y 1979. Presentado en el “Swing Journal” de Japón, “The Jazz Guitar” (Ashely Mark Publishing, Inglaterra), y la Enciclopedia Biográfica de Jazz de Leonard Feather e Ira Gitler). Apariciones en BET Jazz Discovery y shows de televisión Guitar Series.

Reconocimientos de Grabación/Actuación: Milt Jackson, Lionel Hampton, Art Farmer, Conte Condoli, Herb Ellis, Bill Watrous, Mundell Lowe, George Cables, Billy Higgins, Billy Hart, Richie Cole, Paul Horn, Tom Harrrell, Don Thompson, Dave Liebman, y muchos otros.

http://www.johnstowell.com/


John Stowell- Turgid - The Meydenbauer Sessions - Scenes

miércoles, 12 de mayo de 2010

Dave Brubeck Trio & Gerry Mulligan / Denkwürdigen Nacht des Jazz in Berlín

Música para cualquier época

Miércoles, 12 de mayo de 2010

DAVE BRUBECK TRIO Y GERRY MULLIGAN SOBRE EL ESCENARIO


Aunque a principios de los ’70 el panorama musical había cambiado radicalmente, la grabación de este concierto en Berlín es la demostración de que Brubeck, que había construido el sonido de la década anterior, tenía mucho por entregar.

Por Diego Fischerman

“En 1970, todo un mundo estético había quedado fuera de moda y, como suele suceder, la música popular reflejaba ese cambio. Como Bob Dylan lo había predicho, las semillas de lo nuevo estaban flotando en el viento”, contaba, veinticinco años después, Dave Brubeck, uno de los que había construido una de las formas más acabadas del sonido de los ’60. Eran tiempos veloces. La audacia de “Take Five” y de ese cuarteto perfecto que había formado junto al saxofonista Paul Desmond, el contrabajista Eugene Wright y el baterista Joe Morello había quedado aparentemente fuera de carrera al lado de Cream, Jimi Hendrix o el primer King Crimson. Pero nada era tan sencillo. Con los años, ese sonido límpido, la claridad contrapuntística y ese swing sin arrebatos demostró, como la superficie de algunos mares, ocultar más de un torbellino.

Brubeck, el notable pianista y compositor que inicialmente se había formado con Darius Milhaud, revisaba esa época con autocrítica. En el momento de la primera edición del material completo de su concierto en la Philharmonie, realizada en 1995 a partir de la aparición de cintas que se creían desaparecidas, escribía: “El viejo cuarteto se había disuelto y el nuevo grupo, con Jack Six en el contrabajo, Alan Dawson en batería y Gerry Mulligan en saxo barítono, nunca se había formalizado del todo. Mulligan bromeaba diciendo que había llegado la época del ‘solista que vino a cenar’ y nosotros, en realidad, siempre lo pensamos como un trío con él como invitado. El grupo funcionaba muy bien en vivo, pero nunca supusimos que en Berlín sucedería lo que sucedió”.

Y lo que sucedió fue que, después de terminado el concierto, con “St. Louis Blues” y de un bis, “Basin Street Blues”, el público pidió más. Y llegó una extraña y breve “Take Five”, con breves intervenciones del saxofonista y el pianista, y sin el tradicional solo de batería (“el manager de escenario nos pidió que fuéramos todo lo breves que pudiéramos”, contaba Brubeck). Después, los músicos se fueron a los camarines, se cambiaron y, cuando ya estaban yéndose al hotel, apareció nuevamente el responsable de la sala diciendo: “Tienen que salir a tocar de nuevo. Cualquier cosa. El público no quiere irse”. El pianista decidió entonces tocar “Lullaby de México”. “Le dije al público que era una canción de cuna y que después teníamos que irnos a dormir”, relataba. “Esa fue la única manera de irnos de allí y así terminó esa noche memorable”.

El doble CD con la grabación de ese concierto acaba de ser editado localmente por primera vez, como parte de la política de publicaciones de Sony, el único sello que en este momento hace algo, en la Argentina, por el repertorio de escucha. El primer disco comienza con “Out of Nowhere” y el último concluye con aquella serie de bises. Esa es la anécdota. Lo importante es el juego casi permanente entre los cuatro músicos, el papel melódico, además de rítmico, de la batería y el fraseo siempre sorprendente del contrabajo. Y, claro, el tono poderoso y lírico a la vez de Mulligan, esa manera de desplegar melódicamente el pensamiento armónico y de improvisar contracantos y la imaginación rítmica y el sentido de la estructura de Brubeck. En 1970 se suponía que la música ya era otra. Y, no obstante, aquí está uno de los grandes discos de esa década.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/7-17922-2010-05-12.html


Dave Brubeck-Jack Six-Alan Dawson-Gerry Mulligan-Live in Berlin 1970



El justo Homenaje a un grande del jazz: Dave Brubeck fue homenajeado en los Kennedy Center Honors 2009


El pianista y compositor Dave Brubeck fue homenajeado junto a otros grandes artistas durante la ceremonia de los premios Kennedy Center Honors 2009, en Washington DC.

El evento se realizó en el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas el 6 de diciembre pasado. Durante la gala, también fueron homenajeados el actor Robert de Niro, el músico Bruce Springsteen y la cantante de ópera Grace Bumbry.

La pareja presidencial Obama agazajó a los homenajeados y los acompañó durante la premiación. También la Secretaria de Estado, Hillary Clinton, ofreció una cena en honor de estas personalidades.

Brubeck, con una brillante carrera de 60 años junto a Dave Brubeck Quartet, tuvo doble motivo para celebrar, ya que el 6 de diciembre de 2009, el maestro cumplió 89 años y el "Happy Bithday" fue interpretado por sus 4 hijos entre otros músicos en una emocionante ceremonia.


Honoring Dave Brubeck-J.F.Kennedy Center Dec. 6.2009

martes, 11 de mayo de 2010

Stevie Wonder / 60th Birthday of a Myth


Stevie Wonder, el niño prodigio del soul, cumple 60 años

11/05/2010

Nueva York. (dpa).- ­ Fue un niño con problemas, pero al mismo tiempo un niño prodigio: nació prematuro y sólo pudo sobrevivir gracias a la incubadora. Pronto se supo que el chico sería ciego de por vida. Sus colores fueron los tonos. El muchacho cantaba en el coro de la iglesia y tocaba la armónica, la batería, y sobre todo, el piano. Se trataba de Stevie Wonder, quien el próximo 13 de mayo cumple 60 años. El niño prodigio del soul ya no es tan niño y ya acumula más de 40 años de éxito mundial.

Por intermediación de Ronnie White de The Miracles (Love Machine) el niño prodigio pudo dar una audición ante el legendario sello Motown y así consiguió un contrato. Stevie Wonder grabó su primer disco a una edad en la que otros corren con sus bicicletas por el vecindario, a los 12 años.

No sorprende por eso que uno de sus siguientes discos se llamara The 12 Year Old Genius (El genio de 12 años). Motown apostó al caballo ganador: el disco fue el primero del sello, de apenas cuatro años, en convertirse en número uno. En los casi diez años de colaboración entre el sello y Wonder, éste se convirtió en uno de sus músicos más exitosos.

El niño no se convirtió en un juguete roto

Sin embargo, cuanto más grande se volvía el niño prodigio, más influencia quiso tener sobre sus composiciones. Fue entonces que con apenas 21 años fundó su propio sello: Black Bull Music. El talento múltiple desarrollaba casi toda su actividad solo y lograba hits como Superstition, You Are The Sunshine Of My Life o Sir Duke.

En 1984 le llegó su principal éxito. Escribió para la comedia romántica The Woman In Red ("Una chica al rojo vivo") la canción I Just Called To Say I Love You. El tema impactó como una bomba y trepó a los charts en 12 países. Un año después la canción pop, que en realidad había sido compuesta para la película, obtuvo un homenaje especial: el Oscar.

Wonder nunca logró repetir este éxito, en parte porque en los años 90 se volvió a alejar del "mainstream". La crítica reaccionó de diversas maneras. Los grupos de fans se volvieron más reducidos, pero más fieles. Cuando en 2007 salió de gira mundial, las salas estaban repletas.

Comprometido y amigo de Obama

El músico siempre se involucró en la defensa de los derechos civiles. Le dedicó su Oscar a Nelson Mandela y a menudo pide la palabra para expresarse en contra del odio racial. Una de sus presentaciones más grandes fue en agosto de 2008, en la Convención del Partido Demócrata en Denver. Cuando los delegados eligieron oficialmente a Barack Obama como candidato presidencial, Wonder tocó "el miedo no puede parar nuestros sueños". Su canción Signed, Sealed, Delivered I'm Yours, que ya tiene 40 años, se convirtió en uno de los hits oficiales de la campaña de Obama.

Wonder es un fan del político. Y eso es mutuo. Obama dijo alguna vez sobre su músico favorito: "Si tiene que ser uno, entonces Stevie Wonder. Music Of My Mind, Talking Book, Fulfillingness First Finale, Innervisions y Songs In The Key Of Life... Ese es el mejor quinteto de álbumes que he visto jamás."

Stevie Wonder - Superstition - Studio Version 1973

domingo, 9 de mayo de 2010

Mariano Otero noneto & Otros/ Argentinos, Habemus Jazz!


Un noneto de altísimo vuelo

DESARREGLOS, EL NUEVO DISCO DE MARIANO OTERO

El disco fue pensado como homenaje a Walter Malosetti, pero va mucho más allá de la “respetuosa lectura” o la mirada esperable. Con una formación sorprendente y un abordaje original, Otero y su grupo construyen una obra sencillamente imperdible.


Miércoles, 6 de enero de 2010
Por Diego Fischerman


Un homenaje puede ser un lugar bastante cómodo para no decir nada nuevo. Ya se sabe: abundan y se rinde tributo a todo el mundo. En cualquier momento podría aparecer una banda haciéndole una ofrenda a su guitarrista (vivo) o, incluso, lo contrario. Y un homenaje puede ser, también, una operación de relectura, un compromiso y, sobre todo, una manera de poner en primer plano algunas músicas poco frecuentes. La idea de mirar a Walter Malosetti o a su música (“que podrían ser lo mismo”, apunta el contrabajista Mariano Otero) fue de Adrián Iaies, en su faceta de director del Festival de Buenos Aires. En 2008 encargó a Otero un concierto que le estuviera dedicado al gran guitarrista y maestro. Y a fines de 2009 el proyecto llegó al disco.

Más allá de la propia importancia de esas dos cuestiones –que un festival encargue un proyecto y que el disco sea publicado (por Sony, lo que no es un dato menor)–, Desarreglos, el brillante nuevo disco de Otero, muestra su inteligencia ya desde la conformación instrumental elegida. Es el tributo a un guitarrista pero allí no hay guitarra, salvo la del homenajeado, que participa como invitado en un tema propio, “Pappo’s blues” (otro homenaje). Una trompeta (Juan Cruz de Urquiza), un trombón (Juan Canosa), una fila de cuatro saxos (Ramiro Flores, Rodrigo Domínguez, Bernardo Monk y Martín Pantyrer), piano (Francisco Lovuolo), batería (Oscar Giunta) y el contrabajo de Otero construyen una materia dúctil, que va del sonido compacto y del poderoso efecto de conjunto de “El maestro”, a la sutileza en las texturas de “Avellaneda”. El estilo del noneto remite, además, a la tradición mingusiana: la banda como una especie de caldo colectivo del que emergían los solos. En ese sentido, el grupo es una buena muestra del nivel del jazz argentino, no sólo con un alto nivel técnico sino, también, con originalidad y estéticas propias. Lovuolo, Domínguez, Urquiza, Flores, Canosa y el propio Otero ofrecen, a lo largo del disco, desarrollos de alto vuelo a las ideas planteadas por la banda.

Desarreglos tiene, por otra parte, una unidad notable que no está dada tanto por la referencia a Malosetti como por la coherencia estilística. A pesar de las fuertes personalidades de sus músicos –o tal vez por eso– el grupo no suena a una colección de estilos dispersos. Y el hecho de que se trate de un homenaje a alguien “de afuera” la pone en situación de alerta y la sitúa ante un fondo estético en que el swing liviano, hasta zumbón del maestro, termina contagiando lo que cada uno de los solistas hace. El disco se suma a La palabra kilómetros, de Ernesto Jodos y Carlos Casazza, y Homenaje, del trío de Paula Shocrón (otro tributo, en este caso al pianista Andrew Hill) para conformar la lista de ediciones del año pasado realizadas por Sony con músicos argentinos de jazz. Como en los otros casos, a la música se suma una excelente presentación. Pero, sobre todo, lo que une a estos discos es la articulación de conceptos claros. En ninguno de los casos –ni en el disco de Jodos editado el año anterior– se trata de una mera sucesión de temas ni, mucho menos, de meros pretextos para zapadas interminables. Y es que si el género, en este momento, goza de buena salud es, obviamente, por el nivel de muchos de sus músicos pero, sobre todo, por la originalidad e interés de sus propuestas.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/7-16557-2010-01-06.html




Los desarreglos de Mariano Otero

28/03/2010

El contrabajista acaba de editar "Desarreglos", en homenaje a Walter Malosetti.

El contrabajista argentino Mariano Otero acaba de editar "Desarreglos", un disco en el que, con la excusa de rendirle un homenaje al guitarrista Walter Malosetti, vuelve a la era del swing revisitando este tipo de jazz y jugando tanto en sus claves como en sus límites.


"La idea general de este disco fue hacer un trabajo en relación con el swing, una suerte de concierto dividido en distintas composiciones donde pudiera recorrer todo lo que propone el estilo visto desde mí y desde la actualidad, trabajando algunos momentos con una mirada más clásica y en otros jugando bien sobre los límites", cuenta Mariano Otero.


El contrabajista asegura que fue "como hacer una película de género, en la que a partir de lo que propone el estilo me puse a jugar en los límites, con composiciones que van un poco al margen, otras bien adentro del género y un tercer grupo que mezcla los dos polos".

"Desarreglos", que Otero grabó en dos sesiones a mediados del 2009 y que se editó bajo el sello Sony Music surgió a partir de una comisión realizada a Otero por el Buenos Aires Jazz Festival en 2008 para que realizara un concierto homenaje al guitarrista Walter Malosetti.

Otero, que tocó con Malosetti entre 2002 y 2006 en un trío que también integraba el baterista Pepi Taveira, utilizó para este trabajo siete temas de Malosetti y cinco temas propios.

"Los temas de Walter ya estaban arreglados y muy bien, por lo tanto mi trabajo sobre sus composiciones era abrir un espacio de juego y de búsqueda, una mirada donde en vez de arreglar lo que ya estaba muy bien arreglado yo venía a desarreglar incorporándole mi concepción musical", dice el contrabajista sobre la propuesta y el nombre del disco.

Con 33 años y posicionado como uno de los más interesantes compositores, intérpretes y arregladores de la escena de jazz argentina, Otero señala que cuando uno se involucra a trabajar en algo de estas características "sí o sí" te transforma.

"Es algo propio del mismo proceso, te enchastrás de un material y de un idioma que al final del proceso te lleva a otro lugar, modifica tu pensamiento musical", asegura.
Si bien aclara que para él "los estilos y los géneros son una excusa para entrar y salir".
"Yo pienso al estilo como un lugar desde donde pararte pero el estilo no es nunca una finalidad en sí misma, por el contrario, yo necesito el movimiento y trabajar sin los bordes de determinado género o concepción".

"Desarreglos" es el sexto disco de Otero y el tercero hecho con una formación grande, luego de sus dos discos con orquesta, denominados "Tres" y "Cuatro", que anteceden a éste.

"Este disco está pensado desde la formación del noneto con cuatro saxos, trompeta y trombón y con la idea de hacer brotar todo el lenguaje jazzístico con ese instrumental como gran protagonista. Ese es el color, un noneto que se puede mover entre el sonido de la big band y algo más camarístico donde el protagonismo está en esa línea de caños", cuenta el músico.

Otero que este año grabó la banda de sonido del filme "Sangre del Pacífico", dirigido por Boy Olmi, con cuarteto de cuerdas y quinteto de maderas, asegura que en todos sus materiales siempre está la idea de "totalidad".

"Cuando empiezo a escribir, me gusta pensar los discos como una totalidad compuesta de distintas partes en las que hay un recorrido que hace presente un hilo común que conecta todo pero donde también van apareciendo cosas distintas a cada paso", dice.

"En 'Desarreglos' -cuenta- las tonalidades, los tiempos, las orquestaciones están pensadas en función de la obra total y este trabajo me propuso también toda una artesanía estilística y un nivel de detalle en la escritura y las orquestaciones que nunca había estado tan presente". (Télam).

http://www.rionegro.com.ar/diario/rn/nota.aspx?idart=336708&idcat=9709&tipo=2
http://www.marianootero.com/
Mariano Otero Noneto – El Maestro


Quinta edición del Magna Jazz

Domingo, 9 de Mayo de 2010

El Aula Magna fue la sede en dónde se desarrolló una nueva edición del Magna Jazz. El músico Mariano Otero presentó su disco "Desarreglos", un tributo a Malosetti. Del acontecimiento musical también participaron los chicos de la UE 7.

Ayer se llevó a cabo la 5º edición del Magna Jazz en el Aula Magna de la UNLPam que tuvo por fin homenajear a uno de los músicos y guitarristas más importantes del jazz del país, Walter Malosetti. En su don de maestro y de fanático por lo que hace, el artista brindó, antes de desarrollarse la nueva edición del encuentro de jazz local, una clínica de guitarra ayer por la mañana en el Centro Municipal de Cultura que contó con la asistencia de los alumnos de la UE 7 y de público en general. Sobre esta capacitación el músico sostuvo que consistió en impartir sus conocimientos y de responder las preguntas que los interesados realizaban. "No hace mucho tiempo, en el año 2007 edité mi último libro llamado "Nuevo método de guitarra en jazz". Con este texto trate de exponer, de la manera más completa posible, mi saber guitarrístico. No obstante tengo otros libros sobre ritmos de blues, bases de improvisación que tienen gran valor didáctico". De esta manera, Malosetti, en la mañana de ayer brindó sus saberes que ya plasmó en la edición de más de diez libros.

Por la noche y con un Aula Magna repleta de adeptos e interesados por el jazz, el músico se mostró muy emocionado y conmovido, en este sentido manifestó unas palabras que describieron su estado. "Con este homenaje me siento como en las nubes, todo me parece grandioso en el sentido de la amistad y la buena onda de este lugar y de la ciudad. No es fácil sentirse tan apreciado, porque uno se empieza achicar un poco... mucha gente me aprecia acá y esto me hace bien". Pero Malosetti no se encontraba sólo en su sentimiento, lo acompañaba el músico Mariano Otero quien presentó su trabajo "Desarreglos", un disco tributo al propio "rey del jazz". Otero brindó un recital de alto vuelo, cargado de swing y con una selección de temas de los mejores músicos de la escena nacional.

Por otra parte, y también rindiendo tributo a Malosetti se presentó la Orquesta Infanto Juvenil de la UE 7, un establecimiento educativo ubicado en el Barrio Sur (Plan 5000) que tiene un fin social y de contención. Asimismo, la escuela forma parte de un programa nacional que busca educar a través de la música y formar prospectos con reales chances de integrar, en un tiempo de desarrollo musical, cuerpos estables y sinfónicos.

Malosetti, un grande.

En la vida de los artistas, y sobre todo de los músicos es muy común escuchar que crecieron junto al instrumento que lo acompañará durante toda su vida adulta y Malosetti no es la excepción. "En mi casa nunca faltó la guitarra, desde chico siempre estuve acompañado por una, tal es así que mi hermano mayor, que es luthier, me fabricó unas guitarras hermosas. Además la atracción por el instrumento venía por el lado de mi padre, acá está el verdadero origen", manifestó el artista en diálogo con Radio Noticias. A los 14 años formó su primer banda de jazz, "Jazz Walter". "Yo vivía en el Palomar, donde está la base aérea y allí se hizo una gran ciudad, Lomas del Palomar que tenía una confitería y un lugar bailable en dónde todos los fin de semana se organizaban fiestas. El dueño del bar un día me vio tocar y me contrató y estuve años tocando, fue una gran escuela tocar viernes, sábados y domingos. Este aprendizaje me sirvió para luego formar la banda".

Pero su instrucción académica provino de sus años de estudio junto a la conocida concertista Irma Costanzo: "Estudiar con ella me dio la preparación suficiente para lograr el título de profesor". Luego de este gran paso, Malosetti fundó la Escuela Superior de Guitarra y Jazz en la calle Ceballos de la ciudad de Buenos Aires. Sus planes para este año, según se pudo saber a través de su página web son: con su hijo Javier editar el primer CD del dúo y conciertos en distintos puntos del país

http://www.laarena.com.ar/culturales-quinta_edicion_del_magna_jazz-47508-118.html

sábado, 8 de mayo de 2010

Andrea Prodan / Romapagana en Finisterre & Lo de Luca

Perseguidor de la libertad

Con pasado de actor en su Italia natal y presente de músico y cantante en la tierra que antes que él eligió el fallecido líder de Sumo, el hombre con apellido rockero ilustre habla de sus creaciones, del punk, de cine y de Berlusconi.

Sábado, 8 de mayo de 2010
Por Luis Paz


“Me doy cuenta de que mi apellido ayuda a conseguir la curiosidad de algunos periodistas”, reconoce Andrea Prodan. Es que, si bien ser hermano de Luca ya no es curioso cuando se lo presenta, hay muchas razones por las que Andrea atrae. Es de esos pocos artistas que aparecen tanto en Allmusic como en IMDB, las más precisas bases de datos sobre música y cine, porque transita esos dos campos. Desencantado de Berlusconi, vive en Córdoba y sigue apareciendo en películas, aunque haya dejado de lado su florida carrera para oxigenarse en su banda. Tiene el acento raro, las canas parejas, unas frases preciosas y un disco que presentar, el epónimo debut de Romapagana, que estrenará esta noche en Temperley (a las 22 en Finisterre, Meeks 1183) y el lunes 17 en Lo de Luca, para celebrar el 57º cumpleaños del cantante de Sumo y, antes de todo, su hermano.

“Amo a Romapagana, hija mía y de Segovia Fernández de Limardo. Al tener padre italiano con nombre de mujer argentina, podría ser una acomplejada y, sin embargo, dice lo que siente y piensa sin complejos”, celebra. “Habla dos idiomas, pero putea en castellano. Es intensa, oscura y urgente, como la época en que nació. Y le cuento: dicen que durante su bautismo, el cura resbaló y se quebró la muñeca, lo que quedó como mal presagio para la Iglesia y las instituciones.” Andrea cuenta en castellano de modo hipnótico. Y con esa misma característica canta en inglés y actuó en italiano, aunque como idioma no exista: Italia es país de dialectos y, si su cine recobró el vigor, fue porque volvió a ser contado mediante ellos, relaciona Andrea. De todos modos, años antes de rondar los 50, decidió abrirse del cine. “Es un criadero de casos para el psicoanalista, quince años de trabajo en él me enfermaron. La música, la que tiene una razón, me salvó. Ya soy grande para vivir de eso y para ponerme frágil, porque el actor es un títere y sólo en pocos casos tuve la sensación de estar creando algo.”

Tal vez por eso haya reaparecido desde otro lugar en Luca, el documental de Rodrigo Espina para el que fue entrevistado, y en Together, una historia dirigida por el danés Jannick Splidsboel y recientemente estrenada en el Bafici, sobre dos hermanos (Andrea y Luca), un país (la Argentina) y cómo el pasado modifica el presente y fuerza el futuro.

“Más allá de abrazos compartidos con Ismael Sokol (que también toca el 17 en Lo de Luca, Alsina 451, a las 18), va a ser muy profundo para ambos. Cuando vine a grabar Viva Voce (su disco vocal de 1995), vivía con Alejandro Sokol y su familia en una casa en Nono (Córdoba) donde lo grabamos, e Ismael era un niño especial. Fueron días muy simples: asadito, vino, guitarras y cielos oscuros con estrellas brillantes.”

Casi sin preguntarle, cuenta: “Luca sigue regalándome revelaciones y encuentros cercanos. Sigue sorprendiéndome. Vive”. Tal vez también hable de Claudia, la hermana que, si las escrituras realmente son sagradas y están en lo correcto, estará cantando “Warm Mist” con Luca. “Quien sobrevive a la muerte, propia o ajena, es más afortunado”, reflexiona Andrea. “Puede contemplar con más profundidad, sólo hay que ser humilde y escuchar, mirar y sentir lo que nos rodea. El viaje en tren entre Liniers y el centro no es al pedo. Algo puede pasar. Y no un robo, sino un regalo. Puede hacer ‘click’ tu cabeza. Alguien puede acercarte una verdad. Es más fácil que seas permeable a eso ahí que en Puerto Madero.”

Andrea pasa de la reflexión al comentario y luego al humor, pero con un espíritu crítico siempre, como lo tiene su música, como lo tiene el cine del que fue partícipe como actor (decenas de films y de episodios de series en Italia), compositor o intérprete de música (seis proyectos audiovisuales) o entrevistado (Luca, Together y el corto En todo este tiempo). Es crítico de la Iglesia, las instituciones y sus países, el de origen y el adoptado. De Italia, cree que “tras años de líderes maquiavélicos, la llegada de Berlusconi fue malinterpretada como el arribo de algo fresco, como un Papá Noel al estilo estadounidense que fue a regalar muchos juguetes a las masas que lo votaron y se adueñó de los medios, de los shoppings y del voto de las mujeres”. Y luego reflexiona que “acá hubo un turco que hizo algo parecido”.

–La Argentina es un país de inmigrantes. ¿Cuál es el sesgo italiano que ve en el país de esta época?

–Los italianos hablan mucho, hacen polémica, pero a fin de cuentas son unos conservadores provincianos. Los argentinos son parecidos, aunque más extremo es su pendular entre anarquía y represión. Al ser parte de América del Sur, son rehenes de los antojos de las naciones “que mandan” y los sueños de estabilidad se esfuman. Gracias a Dios, digo, porque lo que “garantiza” la receta económica del “primer mundo” es una calle sin salida monitoreada las 24 horas por cámaras de CCTV.
El panorama que ve, se lee entre líneas, no es muy distinto del de la Inglaterra de Thatcher que también habitó, en épocas de cresta y lápiz labial, heroína y mártires, Buzzcocks y Malvinas. “El punk devolvió a la gente, al pueblo, la libertad de expresarse de modo rabioso, pero también creativo, original y fresco. No sólo The Clash o Sex Pistols, sino bandas juguetonas como The Damned, analíticas como Wire y hasta poéticas como John Cooper Clarke. Era el último himno a la libertad y tomó a las discográficas por sorpresa. Era guerrilla y por esto duró poco: las multinacionales se organizaron y, con ayuda de la Thatcher y Reagan, pusieron la palabra fin a este momento tan estimulante.”

–Entonces, ¿fue una decisión política disgregar al movimiento punk?

–Toda decisión tomada es una decisión política. Si lees Clarín, es una decisión; si manejas una Toyota Hilux, tomaste una decisión. Hay que bancarse los efectos de tus decisiones. Y hoy vienen con “efecto boomerang”, así que ¡cuidadito! Hay una maravillosa película italiana del director Sorrentino que se llama L’uomo in piú. Allí, al final, su antihéroe –que se mantiene libre en una sociedad hecha de chupamedias y vencidos– termina preso, pero se da cuenta de que, paradoja del mundo actual, está más libre en la cárcel que afuera.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-17879-2010-05-08.html
http://www.romapagana.com.ar/

Romapagana -Fly By Wire

jueves, 6 de mayo de 2010

John McLaughlin / An Englishman in Barcelona


John McLaughlin «¿Quién sabe de dónde nos llega la música?»

El veterano músico británico vuelve hoy al Festival de Guitarra (Palau de la Música, 21.00 horas) con el disco ‘To the One’.

Jueves 6/5/2010
ENTREVISTA CON EL GUITARRISTA DE JAZZ / ACTÚA EN BARCELONA
ROGER ROCA / BARCELONA

–Describe el disco To the One como un trabajo espiritual y se lo dedica al saxofonista John Coltrane.

–Por supuesto, para mí él fue una gran influencia. ¿Pero sabe una cosa? No tenía intención de grabar un disco. La música me vino sola. Y hay algo más: en octubre, me levanté en mitad de la noche con los títulos de las canciones en la cabeza. Y esos títulos me cuentan una historia, me hablan de mi viaje desde los años 60 hasta hoy, tanto en el terreno musical como espiritual.

–Cuando apareció su primer disco, en 1969, su forma de tocar la guitarra no tenía precedentes.

–Piense que con 16 años oí al grupo de Miles Davis con John Coltrane y esa se convirtió en mi escuela, mi jazz. Esos músicos no tenían guitarristas, pero me daba igual. Ya no escuchaba a guitarristas. Me han influido mucho más el saxofón o la trompeta.

–Pero su técnica, su fraseo... Usted ya sonaba totalmente maduro. ¿De dónde salió?

–No lo sé. ¿Quién puede decir de dónde viene la música? Es un misterio. Volviendo a To the One: estaba con mi familia comiendo en un restaurante en el sur de España, y de repente me llegó esta música. Le tuve que pedir rápidamente a mi mujer que me diese una servilleta para poner la música por escrito, porque si no la habría olvidado.

–Cuando le llegó la música de To the One, ¿sabía cómo y con quién la quería interpretar?

–Cuando la oí supe que era para The 4th Dimension, que es un grupo de jazz fusión. Eso es lo que decían de la Mahavishnu Orchestra, que hacíamos jazz rock, fusión. Pero de corazón me siento un músico de jazz. Aunque también soy un viejo hippy y el rock and roll y el blues son parte de mí, crecí con ellos.

–¿Qué les pide a sus músicos?

–Les pido el todo. Porque ser músico profesional requiere dedicación. No hasta el punto de sacrificar tu vida personal, pero esta es música muy exigente. Y en este grupo hay mucha improvisación. Para improvisar hay que dominar todos sus aspectos y ser capaz de articularlos en tu instrumento. En caso contrario, el instrumento te llega a dominar a ti. Etienne M’Bappé [bajo], Gary Husband [teclados] y Marc Mondesir [batería] hace años que tomaron este compromiso. Todos compartimos ese espíritu y por eso la banda llega a funcionar.

–Los músicos de su generación siguen encabezando los carteles de los grandes festivales de jazz. ¿Es que no hay relevo para ustedes?

–No estoy de acuerdo. Cuando yo era joven ocurría lo mismo. Y un día de estos Chick Corea, Herbie Hancock y yo nos moriremos y los jóvenes ocuparán nuestro lugar. Puedes seguir arriba mientras no dejes de ofrecer algo musicalmente creativo. Conozco a músicos que se toman años de descanso, y luego lo acusan.

http://www.elperiodico.com/default.asp?idpublicacio_PK=46&idioma=CAS&idnoticia_PK=710964&idseccio_PK=1013


John McLaughlin & The 4th Dimension- To The One- The Fine Line

John McLaughlin, imparable.



El guitarrista británico dio un monolítico recital de jazz rock en el Palau

8/5/2010/ROGER ROCA/BARCELONA

John McLaughlin es un caso extremo de artista que solo se expresa plenamente con su arte. Días antes, durante una entrevista telefónica, por un momento este cronista le tomó por otra persona. Fue un error, claro. Era él. McLaughlin habla pausadamente, con un acento que no es de ninguna parte. Pero cuando toca la guitarra, no se le puede confundir con nadie. Es él, locuaz, único e imparable. Nadie toca así. Ni toca tanto.

El jueves en el Palau de la Música, dentro del Festival de Guitarra, arrancó a toda velocidad, a todo volumen, y no aflojó en dos horas. Sus fans incondicionales, los que le quieren por esa dicción perfecta, ese control sobrenatural que tiene sobre la guitarra, salieron encantados. Quienes disfrutan del jazz rock elevado al cubo, de los solos llevados al paroxismo, tuvieron motivos para estar contentos. McLaughlin vino a Barcelona con el cuarteto eléctrico 4th Dimension, una máquina de alta precisión que tritura compases y escupe notas a la velocidad de la luz y con la insistencia de un martillo neumático. El camerunés Etienne M’Bappé, última adquisición de grupo, toca el bajo a una velocidad que ya querría para sí el común de los guitarristas. Marc Mondesir parece inagotable tras la batería y Gary Husband, teclista tan virtuoso como de gusto dudoso, probó que también es un hacha cuando se sienta a los timbales y los platos.

McLaughin propuso una música estéticamente anclada en la fusión de los años 80 –pegadiza, algo melosa, optimista– pero radical en su planteamiento: o se está con él o no se está. Y quienes le piden otra cosa a la música–variedad, ¿emociones?–, se tuvieron que ir a casa con el rabo entre las piernas. Con McLaughlin, hoy, es todo o nada.

http://www.elperiodico.com/default.asp?idpublicacio_PK=46&idioma=CAS&idnoticia_PK=711666&idseccio_PK=1013

miércoles, 5 de mayo de 2010

Roy Haynes / Aquesta Nit al Jamboree de Barcelona

Entrevista a Roy Haynes:

"Lo que hace único al jazz es ese latido que viene directo del corazón del músico"

"Antes el jazz era tan popular como el pop de hoy y no repetía modelos musicales"

ESTEBAN LINÉS Barcelona 05/05/2010

Una de las indiscutibles leyendas de la historia del jazz, el batería estadounidense Roy Haynes, está celebrando este año su 85.º aniversario de la única manera que el aficionado se puede imaginar: en activo y haciendo lo que más le gusta, tocando la batería. Porque el músico de Boston debutó en 1942 como miembro de la banda de Tom Brown y desde entonces ha tocado con prácticamente todo el olimpo de estrellas del género de forma ininterrumpida. En el decenio de los noventa deslumbraba todavía formando trío memorable con los también explosivos Danilo Pérez y John Patitucci, y ya anuncia que este año grabará un nuevo disco junto al pianista Chick Corea.

La sala Jamboree, que celebra el medio siglo de existencia, le acogerá esta noche (pases a las 21 y 23 horas) con su grupo que le acompaña desde hace unos años: Jaleel Shaw, saxo; Martin Bejerano, piano, y David Wong, contrabajo. Al otro lado de la línea telefónica el octogenario percusionista despliega un envidiable estado de forma y una aguda analítica.

¿Cómo surgió la idea de celebrar así su cumpleaños?

Cuando el pasado mes de marzo estaba celebrando en la sala Blue Note de Nueva York mis 85 años con unos conciertos a los que se sumaron Christian McBride, Roy Hargrove o Chick Corea, surgió la posibilidad de hacer un amplio tour por Estados Unidos y Europa, junto a los músicos de mi grupo. Era también una manera de que el aficionado internacional conociera de primera a mi banda, que es sin duda una de las mejores con las que he trabajado.

Siendo testigo privilegiado de casi sesenta años de jazz a pie del cañón, ¿cuál es su balance comparativo?

He sido una persona muy afortunada porque he podido tocar con muchos compañeros de profesión, jóvenes entonces y ahora, consagrados entonces y ahora, pero creo que lo que yo llamaría buen jazz fue algo más consustancial a la época de los grandes nombres. Piense que comencé con esos maestros como miembro durante una semana de la big band de Louis Armstrong en 1946, que acompañé a cantantes mágicas como Sarah Vaughn o Billie Holiday o que he formado parte de los grupos de los más grandes como John Coltrane, Lester Young, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Gene Kruppa, Bud Powell, Thelonious Monk o Gary Burton. Más allá de la habilidad en la interpretación había un swing que no he vuelto a encontrar desde aquellos años.

¿Algún colega especialmente inolvidable con quien tocó?

No le puedo destacar a nadie porque son monstruos del arte: Lester, Dizzy, Charlie Parker...

¿Cómo se vivía el jazz cuando empezó a darle a las baquetas?

En aquella época, el jazz era como el pop ahora, era un género extremadamente popular, sonaba en todo tipo de locales y creo que esa es una de las razones por las que surgieron tantos y tan buenos músicos y compositores. Ahora se ha convertido en una música bastante más minoritaria y, quizás, con cierta tendencia a la repetición de modelos.

¿Cuál es, entonces, la mejor medicina para evitar esa repetición de estereotipos?

No se trata de cambiar la manera de tocar sino de crecer siempre cuando tocas, aunque sea desde hace sesenta años. Yo no he cambiado mi manera de to-car sino que me fijado siempre y he aprendido constantemente mientras tocaba la batería. Sintetice la clave que hace único al jazz como música. Su latido interior que procede directamente del corazón del músico, del ejecutante. Mi batería siempre ha tenido ese latido.

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20100505/53921940411/roy-haynes-el-jazz-actual-carece-del-swing-de-antano-charlie-parker-louis-armstrong-billie-holiday-e.htm

Roy Haynes Quartet




La eterna juventud de Roy Haynes

El octogenario batería tocó en el Jamboree con la energía de un debutante

ROGER ROCA/BARCELONA/7/5/2010

Pocos artistas celebran su 85 aniversario con una gira por el mundo. Y ninguno lo hace en el asombroso estado de forma de Roy Haynes, una de las pocas leyendas vivas que le quedan al jazz. Lo de leyenda no es un decir. Su currículo, hoy, no lo iguala nadie: fue percusionista de Charlie Parker, Thelonious Monk, John Coltrane, Sarah Vaughn... De manera que cuando Haynes toca clásicos, no solo recorre la historia del jazz. Recorre su propia historia. Y a juzgar por el entusiasmo con el que repasa su vida, se siente un hombre feliz. Y qué vivo está Haynes. Seguro de sí mismo, en guardia, incluso presumido, Roy Haynes se presentó el miércoles en el Jamboree arropado por los jóvenes talentos que forman su cuarteto Fountain of Youth (la fuente de la juventud). El juego de palabras es obvio. Lo que no está claro es quién bebe de la juventud y la energía de quién, si el líder o los tres músicos que, por edad, podrían ser sus nietos.A petición del maestro de ceremonias de la sala, el público recibió en pie al artista. Fue un gesto de respeto a un veterano, pero también un merecido anticipo a cuenta de lo que vendría a continuación. En una hora y cuarto que pasó como un suspiro, sonó un estándar, un clásico del bop, una balada y hasta un éxito de Pat Metheny, con quien también tocó Haynes en los años 80. A los músicos, con un apabullante Jaleel Shaw al saxo, se les vio algo fuera de lugar cuando tenían que hilvanar la melodía de Metheny, quizás demasiado pop para su gusto. Haynes no. Toda esa música, que toca con energía, con convicción, es su vida. Y viendo cómo seguía y respondía a cada inflexión de la banda, cómo se levantaba del taburete para escuchar más atentamente a sus solistas, oyéndole manejar el tempo como si el tiempo fuese algo elástico, uno tiene la certeza de que Roy Haynes va a morir con las botas puestas. Lo que cuesta de imaginar es que eso pueda ocurrir algún día.

http://www.elperiodico.com/default.asp?idpublicacio_PK=46&idioma=CAS&idnoticia_PK=711351&idseccio_PK=1013&h=

martes, 4 de mayo de 2010

Jeff Beck / 'Nessun Dorma' Jeff is Back!

Jeff Beck New Álbum “Emotion & Commotion”

El super talentoso guitarrista Jeff Beck regresó a la carrera en solitario con un nuevo disco de estudio, Emotion & Commotion. Beck es conocido sobre todo por haber sido uno de los guitarristas de la mítica banda The Yardbirds, de la que también lo fueron otros grandes como Eric Clapton y Jimmy Page. La publicación de su nuevo trabajo fue el último martes 13 de abril.

Su música oscila sobre todo entre el Rock y el blues, aunque ha trabajado todo tipo de géneros, como el heavy metal o el jazz fusión; y sus últimos trabajos se vieron más influenciados por las nuevas tendencias de las últimas décadas, jugueteando con la electrónica.

Emotion & Commotion, este nuevo disco del maestro Jeff Beck, fue editado por el sello Rhino que rompe 7 años de silencio discográfico.Contiene 10 canciones y ha sido producido por Trevor Horn y Steve Lipson durante una grabación realizada en Londres.

Horn fue líder de The Buggles, banda famosa por el hit Video kill the radio star, y hablando de estrellas, este nuevo trabajo de Beck lanza como single "I put a spell on you", donde canta Joss Stone, vocalista al alza dentro de esa revival británico de rhythm and blues desatado por las ventas de Amy Winehouse.Aparte de temas propios, Beck ha trabajado con una orquesta para incluir una versión del aria de Puccini "Nessun Dorma"; "Somewhere over the rainbow", tema central de la película El mago de Oz; y una revisión de Corpus Christi Carol, según la versión del fallecido Jeff Buckley.

Han participado en el disco, Vinnie Colaiuta, a la batería; Jason Rebello, a los teclados y Tal Wikenfeld, al bajo; aunque la parte más destacable corresponde a las voces, donde han intervenido la citada Stone, Imelda May y Olivia Safe.

El lanzamiento de Emotion & Commotion lleva un DVD de apoyo con seis temas en directo de lo que fue el concierto de Jeff Beck en el Crossroads Festival del 2007.
Jeff Beck - Emotion & Commotion - Never Alone

lunes, 3 de mayo de 2010

James Brown / The Godfather of Soul


James Brown - Padre del Soul
3 de mayo de 1933 Barnwell, Carolina del Sur- 25 de diciembre de 2006 Atlanta, Georgia.
In Memoriam a 77 años de su nacimiento
“El Padre del Soul” se ganó al público gracias a su genio musical y su histrionismo sobre el escenario con sus gritos, aullidos y exclamaciones, a lo largo de cuatro décadas. James Brown no es solamente un brillante músico y compositor, además, como líder de un grupo, ha fomentado las carreras de muchos otros músicos influyentes. Su innovador “funk” ha sentado las bases del break dancing y del rap, y su sonido se sigue imitando en canciones de rap y música electrónica.

Brown empezó a tocar el teclado, la batería y el bajo cuando era pequeño. Nacido en una familia pobre, dejó el colegio en el 7º curso para ganarse la vida en las calles de Augusta en Georgia. James limpiaba zapatos, bailaba por unos peniques, recogía algodón y robaba. Con 16 años fue condenado por robo a mano armada y languideció en la cárcel hasta que conoció a Bobby Byrd, que actuaba con su grupo de gospel ante los presos. La familia de Bobby ayudó a James a salir de la cárcel y le dio un hogar y un trabajo.

Bobby y James cantaban dúos en la iglesia hasta que vieron una actuación de rock and roll de Hank Ballard & The Midnighters. Ambos dejaron el gospel y formaron el grupo Flames. Con James al piano y la batería y Bobby al teclado y como vocalista, pemanecieron juntos las tres décadas siguientes.

De gira por el sur, Flames actuó para Ralph Bass, presidente de Federal Records que les hizo un contrato en 1956. Su primer single, “Please, Please Please”, fue un gran éxito local y terminó vendiendo un millón de copias. Más singles con el mismo gospel, pero con una influencia del estilo R&B (Rhythm & Blues), aunque claramente más duro, convirtieron a James en una estrella local. Más tarde, “Try Me” se convirtió en un éxito nacional en 1958.

El grupo añadió la palabra “Famous” a su nombre “Flames” y James creó el James Brown Revue, un espectáculo cuidadosamente coreografiado donde James movía las caderas y hacía el spagat mientras el grupo realizaba un complicado baile detrás de él. James adelgazaba 3 kilos cada noche y, además, rompían récords de taquilla en los principales locales afroamericanos de Estados Unidos. James recibió el apodo de “Mr. Dinamita” y se le consideró “el hombre más trabajador del negocio del espectáculo”.

Del álbum “Live at the Apollo” grabado en Harlem en 1962, se vendieron un millón de copias, algo sin precedentes para un álbum de música negra. Su éxito continuó con una serie de singles que definían la música funk.
A mediados de la década de 1970, cada vez tenían menos éxitos, el efecto de desgaste que produjo el ego de James Brown hizo que algunos de los músicos principales abandonasen el grupo.

El 24 de diciembre de 2006, Brown, es internado en el Emory Crawford Long Hospital a causa de una neumonía que lo aquejaba. A pesar de los intentos de los médicos, el corazón del "padrino del soul" dejó de latir en la madrugada de Navidad de 2006 a la edad de 73 años.

http://www.thebiographychannel.es/biografias/32/James-Brown

James Brown - Papa's Got A Brand New Bag

viernes, 30 de abril de 2010

Soul Power/ Zaire 74´ Black USA In África

Viernes, 30 de abril de 2010

SOUL POWER!

Lo civilizado y lo salvaje

En 1974, poco antes de que Muhammad Alí recuperara en Zaire la corona de los pesos pesado de manos de George Foreman, en Kinshasa se llevó a cabo un megafestival de música negra, que contó con nombres como James Brown, B. B. King, Celia Cruz, Fania All Stars, Miriam Makeba y Manu Dibango. Un documental registró los tres días de show, pero tardó más de treinta años en editarse. Presentado en septiembre de 2008 en el Festival de Cine de Toronto y estrenado a mediados del año pasado en Estados Unidos, Soul Power acaba de lanzarse en DVD en la Argentina.

Noventa y tres minutos pueden parecer poco para semejantes nombres y tanto show, y seguramente lo son. Pero los noventa y tres minutos de Soul Power –compilados por el realizador Jeffrey Levy-Hinte– valen de sobra la edición. La estrella de más peso es aquí James Brown, que transpira seis temas, incluyendo el que da nombre al documental. Un B. B. King bastante más delgado que lo habitual hace “The Thrill Is Gone”, Celia Cruz y Fania All Stars salsean “Quimbara”, y un puñado de músicos locales anticipan la World Music unos cuantos lustros antes de que el término empezara a usarse. Fuera de escena, Muhammad Alí invierte las nociones de lo civilizado y lo salvaje, y si el documental respira verdad es gracias a que entre los camarógrafos estaba Albert Maysles, prócer del cine directo y realizador, entre otras, de la memorable Gimme Shelter.


Soul Power - Trailer

miércoles, 28 de abril de 2010

Jimi Hendrix / The Eternal King of Kings

Un enviado de Neptuno

La reciente reedición remasterizada de la discografía esencial de Jimi Hendrix vuelve a ponerlo en un primerísimo plano y permite reflexionar otra vez sobre su genialidad.

Por: Jorge Fondebrider

Fue como Charlie Parker, como John Coltrane –dice Chas Chandler, ex bajista de los Animals y temprano productor de los dos primeros álbumes británicos de Jimi Hendrix–, fue Mozart, fue Beethoven y Brahms". A quienes hoy, a unos meses del 18 de septiembre, fecha en que se cumplen los cuarenta años de la muerte del guitarrista, los dichos de Chandler les parezcan exagerados, no tienen más que recurrir a la serie de 7 cd's (4 de ellos con sus respectivos dvd de unos 15 minutos de duración) y al doble dvd grabado en Woodstock para comprender por qué, al menos en el uso de la guitarra hubo un antes y un después de Hendrix. Y esto, en el hoy limitado y trivial campo del rock, ya no sucede. Mucho menos en el mundo un tanto circense de los virtuosos, donde Steve Morse, Steve Vai, Joe Satriani o Yngwie Malmsteen tocan técnicamente mejor que Hendrix una música infinitamente menos interesante que la de él.

La edición, lanzada por Sony gracias a un arreglo con la familia Hendrix, forma parte de un proyecto en gran escala. Los Hendrix luego de haber ganado una serie de juicios, recuperaron los derechos y se propusieron poner un poco de orden en la vapuleada discografía del hijo pródigo, muerto a los 27 años. Lanzamiento mundial mediante, también se propusieron obtener algo de los beneficios de explotación que durante años tuvieron Reprise en los Estados Unidos y Polydor en Europa y Japón, antes de pasar a MCA, más tarde absorbida por Universal, sin hablar, claro, de las innumerables ediciones piratas. Para ello Are you experienced? (1967), Axis bold as love (1967), Electric Ladyland (1968) y First rays of the new rising sun (que contiene los temas aparecidos en los póstumos The cry of love, Rainbow bridge y War heroes, todos de 1971) vienen con valor agregado. Tal vez el menos importante sea el dvd, donde el sudafricano Eddie Kramer –el ingeniero de grabación original– junto con Chas Chandler, los contrabajistas Noel Redding y Billy Cox, y el baterista Mitch Mitchell, cuentan cómo fueron grabados los discos y cómo fue trabajar en el estudio con Jimi. Si bien se trata de material muy interesante, no es nuevo (considérese que Chandler murió en 1996, Redding, en 2003 y Mitchell, en 2008). Pero sí asombra la calidad del sonido, fruto de una nueva masterización a cargo del mismo Kramer, nuevamente contratado por la familia para trabajar sobre las cintas originales. La labor se extendió también a Band of Gypsis (1970) –acá, a diferencia de la edición inmediatamente anterior que era doble, en versión simple, como cuando salió el lp original para Capitol Records– y Valleys of Neptune, una serie de 12 temas de estudio que habían permanecido inéditos hasta la fecha. En todos los casos, las palabras no bastan para describir la música extraordinaria de estos discos que, si uno no supiera que tienen más de cuarenta años, bien podría decirse que fueron grabados ayer o, lo que es mejor, mañana.


Hendrix y los otros

En su autobiografía, Miles Davis (o Quince Troupe) escribió que con Hendrix había coincidido en el festival de la Isla de Wight de 1970: "Se suponía que él y yo íbamos a reunirnos después en Londres para hablar de un álbum que finalmente habíamos decidido hacer juntos. Ya en una ocasión habíamos estado a punto de grabar uno con el productor Alan Douglas, pero el dinero no nos pareció suficiente, o ambos teníamos otros compromisos. Mientras tanto, habíamos tocado mucho juntos, en mi casa, aunque sólo en jams improvisadas. Pensábamos los dos que probablemente el momento era adecuado para hacer algo juntos en un disco." Las afirmaciones de Davis hablan a las claras de que Hendrix empezaba a ser considerado como mucho más que mero rock'n'roll. De hecho, para cuando murió, ya había estado trabajando con Gil Evans, el gran arreglador de jazz y director de orquesta, quien, en 1974, editaría The Gil Evans Orchestra plays the music of Jimi Hendrix, un disco fantástico que no asombró a nadie porque las ideas de Hendrix ya se habían hecho carne en toda una nueva generación de grandes guitarristas de jazz. John Scofield, por ejemplo, declaró que había ido a oír tocar a Jimi Hendrix "y abandoné la idea de ser un guitarrista de blues. Aun cuando la música fuera rock psicodélico, todo ese asunto tan difícil de estirar las cuerdas y hacer que la guitarra cantara de manera tan expresiva me hizo desistir".

A Bill Frisell lo que le interesó especialmente fue el punteado y rasguido de Hendrix en los temas lentos. Pat Metheny nada dijo, pero incorporó a su repertorio varios temas de Jimi. Y Nguyen Lê, el guitarrista vietnamita instalado en París –quien, de hecho, ya grabó dos discos con temas de Hendrix–, al igual que el francés Marc Ducret, acusó claramente recibo. Antes que todos ellos, el británico John McLaughlin había dicho: "El podía hacer con la guitarra cosas que nadie había hecho antes. En otras palabras, fue un revolucionario, pero con todo tenía mucho corazón y eso es lo que hace que las cosas funcionen. Si uno no tiene eso, no se puede hacer que nada funcione. Creo que Jimi tuvo un efecto en la mayoría de los guitarristas contemporáneos". Años más tarde, David Harrington, violinista del Kronos Quartet, una formación ecléctica dedicada a la música más allá de toda división genérica, señaló: "Para mí, la música de Hendrix siempre me pareció una parte muy natural de lo que nosotros hacemos. Y es realmente interesante que, cuando uno vuelve a escuchar, por ejemplo, la música de Xenakis o de alguien así y luego uno pasa a Hendrix, advertimos que, en muchos sentidos, el mundo sonoro de Hendrix no es demasiado distinto del de otros músicos que están sucediendo en diferentes partes del mundo y en otros extremos de la música".

Sin embargo, el descubrimiento que de Hendrix hicieron el jazz y otras músicas fue precedido por el fortísimo impacto que había causado en los grandes músicos de rock de su misma generación y sobre todo entre sus pares.

Pete Townshend, compositor, guitarrista y líder de The Who, quien, como Hendrix, tenía la costumbre de culminar sus shows destruyendo su guitarra, después de haberlo visto en el festival de Monterrey de 1967 dijo: "Jimi le hacía realmente el amor a la guitarra. Comparado con él, lo mío era apenas una violación callejera". Y agregaba: "Me da lástima la gente que tiene que juzgar a Jimi Hendrix sobre la única base de sus grabaciones y de sus filmaciones, porque en vivo era extraordinario. Tenía el tipo de habilidad de los alquimistas; cuando estaba en el escenario, cambiaba. Cambiaba físicamente. Se volvía increíblemente grácil y hermoso. No era por el LSD, aunque éste circulaba. Pero él tenía el poder de volverte sobrio. Era más fuerte que el LSD. (...) Jamás se me pasó por la cabeza que pudiera acercármele ni un poco". Por su parte, Eric Clapton –quien con Hendrix y Jeff Beck constituía la santa trinidad de los guitarristas del Londres de los años sesenta– escribió en sus memorias: "Lo que me resultó fantástico en él era que tenía una actitud intensamente autocrítica respecto de su propia música. Tenía un don enorme y una técnica fantástica, como la de quien se pasa todo el día practicando, aunque no parezca consciente de hacerlo".

Jeff Beck, a su vez, comentó que la primera vez que lo vio fue a instancias de una novia: "Cuando lo oí no podía creerlo. Era como si él solo estuviera bombardeando el lugar. Estaba tan adelantado respecto de todos los demás... Hasta hoy es una fuente de inspiración". Otro tanto señaló Carlos Santana: "La música de Hendrix hace que la gente vea que hay otras posibilidades". En cambio, el irlandés Rory Gallagher señaló: "Vi a Jimi dos veces, en Belfast y en Londres. Una noche estuve con él en el mismo cuarto y le di la mano, pero no nos llegamos a conocer realmente. Daba miedo. Creo que, después de Guitar Slim –que era realmente salvaje– y, claro, de Buddy Guy –quien también tuvo lo suyo en su momento– es el showman supremo de la guitarra". Frank Zappa escribió a su respecto: "La música de Hendrix es muy interesante y extremadamente metafórica: gruñidos orgásmicos, gritos torturados, gemidos lascivos, desastres eléctricos y otras innumerables curiosidades auditivas que se le ofrecen a los sentidos del público a un nivel de decibeles extremadamente alto. Durante sus actuaciones en directo, es sencillamente imposible escuchar lo que hace el grupo de Hendrix... te come vivo". En una línea similar, el texano Johnny Winter dijo: "Nunca vi a nadie a quien le gustara más tocar. Siempre tenía una idea nueva".

Y entre los guitarristas de la siguiente generación Stevie Ray Vaughan –quien hacía sus propias versiones de "Little Wing" y de "Voodoo Child"– dijo: "No tiene sentido que nos comparen. Yo no cuento, él fue único". Adrian Belew sostuvo que "la manera de encarar una melodía con acordes tal como Jimi hacía en su tema 'Little Wing' es un tipo de arte hoy perdido". Para Vernon Reid, de Living Colors, nadie hizo algo como la versión de Hendrix del himno nacional de los Estados Unidos: "Para mí es el más importante solo de guitarra de todos los tiempos, porque su interpretación de 'The Star Spangled Banner' estaba completamente en sincro con lo que estaba pasando en el país. Hizo lo mismo con 'Machine Gun' ('Ametralladora'). Uno siente la guerra de Vietnam, uno siente lo que es caminar por un arrozal y ver cómo los compañeros de uno van cayendo". Las opiniones podrían multiplicarse así al infinito, pero probablemente todas se sinteticen en el veredicto de la revista Rolling Stone, que en su edición del 27 de agosto de 2003 ubicó a Hendrix a la cabeza de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Y aunque la fiabilidad de la compulsa sea relativa –ya que la mayoría de los críticos que participaron de la encuesta procedía del rock– marca al menos una tendencia sostenida en el tiempo.

http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2010/04/27/_-02188025.htm

Jimi Hendrix - Machine Gun- Live at Isle of Wight (1970)