Jimi Hendrix / Live at The Fillmore East

Jimi Hendrix : “Live at The Fillmore East”

“Hendrix decidió disolver su trío Experience y reclutar a dos nuevos músicos (el percusionista Buddy Miles y su viejo amigo, el bajista Billy Cox) en busca de un sonido más duro y compacto, hard-funk / black rock afilado y desprovisto de cualquier otro adorno”

17 abr, 2011

Por Luis Lapuente

Los tres primeros álbumes de Jimi Hendrix (“Are you experienced?”, “Axis: Bold as love” y, sobre todo, “Electric Ladyland”), conformaron la leyenda de un guitarrista excepcional y un músico único en su género, capaz de evocar en sus creaciones a los espíritus de Muddy Waters, Bob Dylan, Chuck Berry, James Brown, Cream, Elmore James y The Isley Brothers, el rock, el folk, el blues, el rock and roll y el funk en estado puro. Siempre inquieto y crítico, en 1969 Hendrix decidió disolver su trío Experience y reclutar a dos nuevos músicos (el percusionista Buddy Miles y su viejo amigo, el bajista Billy Cox) en busca de un sonido más duro y compacto, hard-funk / black rock afilado y desprovisto de cualquier otro adorno. La presentación oficial de este nuevo combo tuvo lugar en el Fillmore East de Nueva York, en sendas sesiones ofrecidas el 31 de diciembre de 1969 y el 1 de enero de 1970, resumidas luego por Capitol en el LP “Band of gypsys”, último editado por Hendrix en vida.

En 1999, los herederos legales del malogrado guitarrista recuperaron el repertorio completo de aquellas actuaciones en este formidable doble CD titulado “Live at The FillmoreEast”, que subraya aún más el carácter rabiosamente funk de su música con piezas tan impresionantes como ‘Stone free’ (casi trece minutos de pura catarsis física), ‘Hear my train a comin” (blues-funk electrizante, en las antípodas del corte acústico incluido en el documental “Hendrix”), ‘Izabella’, ‘Power of soul’, ‘Machine gun’ (dos tomas espeluznantes) y las versiones de ‘Wild thing’ y ‘Stop’ (un clásico subterráneo del soulman Howard Tate), en las que la batería de Buddy Miles ejerce de apisonadora funk mientras la guitarra de Jimi Hendrix decodifica la tradición negra en una apoteosis de feed-backs, riffs y crescendos dramáticos sin parangón en la historia de la música popular.

Jimi Hendrix - Fire - Live at the Fillmore East

Jim O’Rourke / Analogue Synth & Tape Works

Jim O’Rourke edita sus archivos en forma de vinilos

Jim O'Rourke Announces Vinyl-Only Series On Editions Mego

El sello austríaco Editions Mego va a lanzar una serie de vinilos en los que rescata materiales inéditos del músico experimental de Chicago Jim O’Rourke. Bajo el título de “Old news”, la serie recopila “obras con sintetizadores analógicos y cintas (tanto en estudio como en vivo) procedentes de los archivos de Jim O’Rourke, abarcando cerca de un cuarto de siglo de actividad”. El primer lanzamiento, es el doble LP “Old news #5”, que será publicado el 10 de junio. El álbum contiene cuatro piezas extensas grabadas entre 1992 y 2010.

Contenido de “Old News #5”:

1 ‘Pedal & Pedal’ (Recorded live at Super Deluxe, Tokyo, 2010)

2 ‘Detain the Man to Whom’ (Recorded at Steamroom, Chicago, 1992)

3 ‘It’s Not His Room Anymore’ (Recorded at Steamroom, Tokyo, 2010)

4 ‘Mother and Who’ (Recorded at Steamroom Mobile, London, 2003)

http://www.prefixmag.com/news/jim-orourke-announces-vinyl-only-series-on-edition/51395/

Jim O'Rourke - Little Island Walking -Album: Eureka (1999) (Japanese Bonus)

Leonard Cohen / 2011 Ninth Glenn Gould Prize

Leonard Cohen premiado con el Ninth Glenn Gould Prize

01/04/2011 - 21:11 - Noticias EUROPAPRESS

TORONTO, April 1, 2011 /PRNewswire/ -- El cantante, compositor, poeta y novelista Leonard Cohen ha sido condecorado con el Ninth Glenn Gould Prize. El premio internacional se entrega cada dos años a una persona destacada en vida que haya hecho una contribución única a lo largo de su vida que haya enriquecido la condición humana mediante el arte y manifieste los valores de la innovación, la inspiración y la transformación. Un tribute al arte de Glenn Gould y sus contribuciones multifaceta a la cultura, el premio promueve la conexión vital entre la excelencia artística y la transformación de las vidas.

"Me gustaría agradecer a The Glenn Gould Foundation por su amabilidad. Es un gran honor, endulzado por mi amor al trabajo de Glenn Gould, y nuestro aprecio colectivo de su presencia vigorizante y duradera en el mundo de la música y la imaginación", dijo Leonard Cohen.

Leonard Cohen fue elegido de una distinguida lista de candidatos internacionales nominados por el público general y recibirá un premio en efectivo de 50.000 dólares (canadienses) y la oportunidad de elegir a un artista joven destacado para recibir The City of Toronto Glenn Gould Protégé Prize de 15.000 dólares (canadienses). Cohen y su protegido recibirán sus premios en una ceremonia de gala en Toronto y su trabajo será reconocido mediante una serie de eventos públicos a final de este año.

El presidente del jurado Paul Hoffert dijo: "El jurado fue unánime en seleccionar a Leonard Cohen como laureado con el Ninth Glenn Gould Prize. Su poesía y música rebasan las fronteras nacionales y culturas para llegar a nuestra humanidad común. Su voz única es no obstante la voz común de personas de todo el mundo que cuentan nuestras historias, expresan nuestras emociones, llegando profundamente a nuestra psiquis. Como Glenn Gould, su trabajo llega a audiencias fuera de su principal género. Hallelujah!".

El ilustre jurado para el Ninth Glenn Gould Prize estuvo formado por la cantante/compositora, productora independiente y Embajadora de la ONU Dadawa (China); el compositor, director cine y ópera Atom Egoyan (Canadá); el actor, guionista, autor y director Stephen Fry (Reino Unido); el pianista, profesor, autor y administrador musical Gary Graffman (Estados Unidos); el productor de cine, fundador y director de DHC/ART Foundation for Contemporary Art y PHI Group Phoebe Greenberg (Canadá); la cantante, educadora y productora vocal Elaine Overholt (Canadá); y la ejecutiva de la industria discográfica Costa Pilavachi (Canadá/Reino Unido/Grecia).

Boogie Street - Leonard Cohen - Live in London- (2008)

Durante cuatro décadas, Leonard Cohen ha sido uno de los compositores más influyentes de nuestro tiempo, examinando incansablemente los problemas centrales de la experiencia humana, y reportando con pasión, perspectiva y sabiduría. Su obra es un reflejo del zeitgeist de finales del siglo veinte y más allá. Sus canciones son obras de gran profundidad poética y fuerza emocional, y estableció nuevos estándares de calidad, rango y seriedad en la música pop. Los artistas y amantes de la música se sienten atraídos por la dignidad, ambición y fuerza absoluta de sus canciones.

Una reconocida figura literaria antes de que comenzase a grabar música a finales de los sesenta, sus colecciones de poesía, entre ellas Let Us Compare Mythologies (1956) y Flowers for Hitler, y sus novelas, como The Favourite Game (1963) y Beautiful Losers (1966), ya le habían dado un gran reconocimiento. Su doble carrera en la música y la literatura ha continuado alimentándose entre sí a lo largo de las décadas, sus canciones revelan una riqueza literaria rara en el mundo de la música pop, y su poesía y prosa muestran una gran musicalidad. Colectivamente, Cohen ha publicado 12 libros como Book of Longing (2006), una colección de prosa, poesía y dibujos que fue el primer libro de poesía en llegar a las listas de los más vendidos en Canadá, y que supuso la base de una memorable colaboración musical y teatral con el compositor Philip Glass que se estrenó en el festival Luminato de Toronto.

Leonard Cohen es uno de los artistas más reconocidos en vida hoy en día, influyendo a generaciones de compositores, y su música se ha ganado los elogios de otros artistas en álbumes tributo en Francia, Noruega, Canadá, España, República Checa, Sudáfrica y Estados Unidos. "Hallelujah", una de las canciones más apreciadas y conocidas de Cohen ha sido versionada por más de 150 artistas, como Willie Nelson y Bono. Numerosos documentales, premios y álbumes de homenaje reconocen el alcance de la contribución que Cohen ha hecho a la música. El continúa profundizando y perfeccionando su arte, y como músico explora continuamente nuevos territorios.

La Glenn Gould Foundation reconce el espíritu y legado de Glenn Gould celebrando la brillantez, promoviendo la creatividad y transformando las vidas mediante el poder de la música y el arte con actividades de la firma de la Foundation, incluyendo el Glenn Gould Prize. Anteriores laureados son el doctor José Antonio Abreu (2008), fundador de El Sistema, el programa de educación de música para niños y jóvenes gratuito de Venezuela, Pierre Boulez (2002), Oscar Peterson (1993) y Yo-Yo Ma (1999).

http://www.finanzas.com/noticias/economia/2011-04-01/458312_leonard-cohen-premiado-ninth-glenn.html

In My Secret Life - Leonard Cohen -Live in London-(2008)

Keith Jarrett / The Cölön Concert

Arbitrario y genial a pesar de sí mismo

El pianista Keith Jarrett actuó por primera vez en el Teatro Colón y fue ovacionado por casi tres mil personas

Se peleó con el público y el piano. Despotricó contra los celulares, las fotos y las filmaciones. Se interrumpió varias veces y puso nerviosos a sus admiradores. Además dio un concierto notable que, en su segunda parte, fue sublime.

Jueves, 14 de abril de 2011

Por Diego Fischerman

Hay un viejo chiste que circula entre músicos de jazz. Sucede en el Paraíso. Allí hay una big band celestial y a lo largo de la eternidad van turnándose distintos pianistas –Fats Waller, Monk, Tristano, Powell–. Un recién llegado pregunta a quien está antes que él en la fila de espera acerca de quien está tocando en ese momento. Alguien exagerado, de gestos ampulosos y estilo arbitrario a quien no conoce en absoluto. “No, ése no es pianista –le contestan–. Es Dios, pero se cree Keith Jarrett.” Y el pianista al que Dios imita llegó al Teatro Colón. Fue, también, una imitación de sí mismo. De lo bueno. Y de lo malo. Tocó siempre en un nivel superlativo y en varios momentos fue sublime. Mostró por qué es uno de los músicos más importantes del último medio siglo. Y también se peleó, con el público y con el piano, terminó con la más extraña alocución posible en el medio de la ovación de casi tres mil personas y, por lo menos durante toda la primera parte, puso nerviosísimos a sus oyentes y fue el principal culpable de que no pudieran entregarse por completo al placer de lo que se escuchaba.

Al entrar al escenario tocó una escala, paseó por una melodía fuertemente cromática, pareció arrancar hacia un territorio signado por la vorágine y se detuvo. Salió del escenario y, después de transcurridos unos segundos, volvió a oírse la voz del jefe de prensa del Colón, ya más impaciente, reiterando el pedido de que no se tomaran fotos. Jarrett volvió, dijo –refiriéndose a los celulares– que en el mundo había “demasiados juguetes”, que una foto “lo cambia todo” y en efecto, cambió. Tomó una célula mucho más lírica y comenzó a improvisar. Fue breve. Después se paró y dijo: “Buenos Aires tiene una sala hermosa; mucho dinero, muchos millones de dólares, pero un piano que no sirve para nada”. Hizo un gesto de resignación, se sentó y navegó por el lado del rhythm & blues. Entre tema y tema le gritó al piano: “¿Dónde estás?”. La tensión acumulada por un público que nunca terminaba de saber si lo que Jarrett estaba tocando se interrumpiría por alguna causa tuvo su momento cúlmine cuando a los cuarenta minutos el pianista se detuvo, se paró y se fue. Podía ser un intervalo, claro. Pero también era posible que, como había sucedido en Italia, Jarrett hubiera decidido irse. Fue lo primero, afortunadamente, y, sobre todo, porque la segunda parte, con algunos momentos del mejor Jarrett romántico y con un final de impactante potencia contrapuntística, estuvo entre lo mejor escuchado en Buenos Aires en los últimos años.

El affaire con el piano, por su parte, resulta poco comprensible si se tiene en cuenta que el músico lo había elegido a la tarde entre tres instrumentos y lo había considerado adecuado. Se trata de un instrumento algo opaco y la decisión del Colón de colocar al pianista delante del cortinado cerrado (algo que se ha vuelto costumbre en los últimos años) tiene consecuencias acústicas nefastas. Pero ni Martha Argerich ni Daniel Barenboim ni András Schiff tuvieron ningún problema para tocarlo. Y si algo pinta con claridad lo que le pasa a Jarrett por la cabeza fue su última escena en el escenario del Colón. Ya había tocado. Ya había hecho dos bises extraordinarios. Estaba siendo ovacionado por toda la concurrencia de pie. Y entonces se acercó al micrófono y pidió silencio –temerosamente concedido de inmediato– para mirar hacia las localidades más altas y decir: “Ya tenés tu video de mierda, con pésima resolución, para subir a YouTube. ¿Sabés qué tenés? No tenés nada”.

Hay artistas que deber ser defendidos de sí mismos. Que piden ser traicionados. Es imposible leer (y disfrutar) a Kafka si no se pasa por encima de las consideraciones que él tenía sobre su propia obra. Hay un disco que quizá sea el que mejor representa la clase de viaje que Jarrett plantea con estas improvisaciones al piano. Un disco que vendió millones y que recoge lo que el pianista siempre consideró una actuación mala y en un piano que no lo satisfacía. Se trataba del Köln Concert. Tal vez haya, también en este caso, un traidor. Será, en todo caso, el Cölön Concert.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-21385-2011-04-14.html

Keith Jarrett - The Köln Concert (Part I)

Lacy Gibson / Chicago's Blues Leader

Muere el bluesman de Chicago, Lacy Gibson

El guitarrista y cantante de blues Lacy Gibson murió el 11 de abril, en Chicago, a los 74 años, a causa de un infarto. Nacido en Carolina del Norte, Gibson se trasladó a los 13 años a Chicago. Allí aprendió el blues de guitarristas como Lefty Bates, Matt “Guitar” Murphy y T-Bone Walker. Fue un importante músico de sesión que trabajo para Ray Charles, Buddy Guy, Willie Dixon y otros. Durante años fue guitarrista y vocalista de la banda de Son Seals. En solitario, Gibson publicó dos álbumes: “Switchy Titchy” (1982) y “Crying for My Baby” (1996). Semirretirado por los problemas de su corazón, seguía tocando en el club de Chicago Ann’s Love Nest, bautizado en honor de su su mujer. Su peculiar estilo unía al blues influencias del jazz y el pop.

http://www.rockaxis.com/

ZZ Top / Nit d'Estiu al Poble Espanyol

ZZ Top dará tres conciertos en España el 13 de julio en Barcelona

Los míticos rockeros de Texas, Billy Gibbons, Dusty Hills y Frank Beard estarán en Barcelona la noche del 13 de julio en el Poble Espanyol.

Europa Press

Los barbudos más legendarios de la historia del rock han anunciado este martes que visitarán España el próximo verano para ofrecer nada menos que tres conciertos en Barcelona, Madrid y Córdoba.

Concretamente, la banda texana actuará el 13 de julio en Barcelona (Poble Espanyol), el 15 en La Riviera madrileña y el día 16 en Teatro de la Axerquia de Córdoba, dentro de la programación del Festival de la Guitarra de la ciudad andaluza.

La mala noticia para los madrileños es que el concierto de ZZ Top coincide con la primera jornada del Sonisphere Getafe, donde ese mismo día estarán tocando Slash, The Darkness, Sober y Arch Enemy, entre otros.

Con catorce trabajos de estudio publicados desde su debut en 1971, la última referencia discográfica con material inédito del trío formado por Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard data de 2003, año en el que publicaron 'Mescalero'.

ZZ Top - Blue Jean Blues - (Live)

Avishai Cohen/Jazz in Blue al Teatre del Paral.lel

Jazz in Blue : Avishai Cohen en el Teatro del Paral.lel de Barcelona

Avishai Cohen se presenta en la Ciudad Condal el 26 de abril a las 21,00 horas en el Teatro del Paral.lel de Barcelona.

La gira Jazz in Blue continúa llevando por España a los mejores intérpretes del prestigioso sello Blue Note Records. En total, son más de 30 conciertos con grandes figuras como Lionel Loueke, Ignacio Berroa o Avishai Cohen.

Avishai Cohen es un contrabajista compositor, cantante y arreglista nacido en Israel en 1970 y que está considerado como uno de los grandes músicos de la escena jazz contemporánea.

Con 11 discos publicados, comenzó a estudiar piano a los nueve años y bajo eléctrico a los 14, inspirado por Jaco Pastorius. Ya en Nueva York, formó parte del trío del pianista Danilo Pérez, se integró en el sexteto de Chick Corea y grabó sus cuatro primeros álbumes en el sello de este emblemático pianista.

Avishai Cohen también ha grabado y tocado con Bobby McFerrin, Roy Hargrove, Herbie Hancock y Paquito D’Rivera, siendo definido por Chick Corea como “un gran compositor y un músico genial” y considerado por la revista Bass Player como uno de los cien bajistas más influyentes del siglo XX. Sus dos últimos álbumes para Blue Note Records son Aurora (2009) y Seven Seas (2011).

http://www.jazzinblue.es/index.php

Remembering -Avishai Cohen- Live in Marciac France (2010

Festival Internacional de Música Clásica de Ushuaia / 7° Edición

Sonidos para un bello fin del mundo

Con la integral de las sinfonías de Tchaikovsky a cargo de una orquesta de Moscú como plato principal, la programación presenta repertorios atrayentes y destacados solistas

Lunes, 11 de abril de 2011

Por Diego Fischerman (Desde Ushuaia)

El comienzo, con lo que para una ciudad de alrededor de 60.000 habitantes resultó una multitud, fue, como ya había sucedido otros años, el 2 de abril y con un concierto en el Polideportivo de la ciudad, en homenaje a los caídos en las Islas Malvinas. Una semana después, el Festival Internacional de Ushuaia ya está instalado en su habitual sede del Hotel Las Hayas, bajo el Glaciar Martial y a unos dos kilómetros y medio de la ciudad. Su auditorio, con capacidad para 800 personas, convoca cada noche, durante quince días, a un público en el que conviven estudiantes de música, pasajeros del propio hotel, gente que llega de la ciudad (en una proporción que cada año es mayor) y hasta algún asistente inesperado, como un hombre que llega a la sala con varios guardaespaldas, a quien su asistente presenta, invariablemente, como “un multimillonario alemán”, y cuyo exorbitante crucero destaca, iluminado en la noche, atracado en la bahía.

La orquesta residente de esta séptima edición es una Sinfónica de Moscú que presenta, a lo largo de varios conciertos, la integral de las sinfonías de Piotr Ilich Tchaikovsky, alternándose Jorge Uliarte, Pablo Dzodan y Massimo Gualtieri en el lugar del director. Con el primero en el podio, la orquesta tocó el sábado, como parte del ciclo de Tchaikovsky, una vibrante Sinfonía Nº 4 y completó el concierto con la Obertura de la ópera Ruslan y Ludmila, de Mijail Glinka, y el Concierto para cello y orquesta Nº 1 en La Menor Op. 33 de Camille Saint-Saëns, con la actuación solista de la coreana Ji-yeon Woo. Con sólidas filas de cuerdas e interpretaciones destacadas de los solistas de oboe, fagot y corno, la orquesta entregó una lectura potente de la obra de Tchaikovsky, en la que sobresalió el melodismo del segundo movimiento y los pizzicatos del tercero, ejecutados con un ajuste notable. La cellista, por su parte, tocó la composición de Saint-Saëns con fluidez en el fraseo, liviandad en las articulaciones y un sonido personal y característico. El segundo movimiento, casi un minuetto, con su gesto de elegante anacronismo, fue traducido por ella con justeza y musicalidad

Ayer la orquesta viajó a Río Grande, donde actuó a la tarde, y a la noche, en Las Hayas, se presentó el Trío Alba, de la Universidad de Música y Arte de Graz, en Austria, e interpretó dos obras magníficas, el Trío Nº 5 en Do Mayor K. 548, de Wolfgang Amadeus Mozart, y el Trío Nº 1 en Re Mayor Op. 63 de Schumann. La programación continúa hoy con la actuación de una ópera multimedia sobre los orígenes de Tierra del Fuego, compuesta por Mauricio Anunziata. El estreno será en un lugar tan atípico como cargado de historia: el viejo presidio de la ciudad. Mañana, el pianista croata Goran Filipec, que ya actuó con éxito considerable en ediciones pasadas del festival, dedicará un concierto a las piezas del Segundo libro de los Años de Peregrinaje, de Franz Liszt, de cuyo nacimiento se cumplen doscientos años. Del mismo autor, la Orquesta Sinfónica de Moscú hará el poema sinfónico Los preludios y, con Filipec como solista, el Concierto para piano y orquesta Nº 2 en La Mayor, en su concierto de este miércoles, donde también interpretará la sexta y última de las sinfonías de Tchaikovsy, bautizada luego de la muerte de su autor como “Patética”. En el último tramo del festival actuará el pianista irlandés Michael McHale, quien el jueves próximo dará un recital que incluirá la Sonata Op. 13 de Beethoven y piezas de John Field, Sergei Rachmaninov, Liszt y Philip Hammond. El día siguiente, el grupo Pro Musica Antiqua de Rosario, dirigido por Christian Hernández Larguía, dará un concierto consagrado a la música del barroco latinoamericano y a sus fuentes españolas. El viernes, en el cierre, se presentará, junto a la orquesta de Moscú, el Coro del Fin del Mundo, que conduce Pablo Dzodan y que nació como iniciativa de este festival. El programa incluirá las Danzas Polovtsianas de la ópera El Príncipe Igor, de Alexander Borodin, el Concierto para piano Nº 1, de Rachmaninov, con McHale como solista, y, completando la integral de Tchaikovsky, su Sinfonía Nº 5. Más allá de la fórmula acuñada para el libro de los records, como el festival de música más austral del mundo, el de Ushuaia, esa ciudad que deslumbra con sus colores otoñales mientras coquetea con la idea del fin del mundo y sus atractivos turísticos, es ya, en su séptimo año consecutivo, mucho más que un acontecimiento pasajero.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-21343-2011-04-11.html

Festival Internacional de Ushuaia (2010) (6ta edición)

Neil Young's Archive Series 9 'A Treasure'

Neil Young lanza el Volumen 9 de sus “Archive Series”

Neil Young ya tiene lista una nueva entrega de “Archive series”, el volumen 9, “A treasure”, que recoge grabaciones en vivo realizadas entre 1984 y 1985 durante la gira del álbum “Old ways”. El rockero canadiense estuvo acompañado en aquella ocasión por los International Harvesters.

“A mediados de los 80 toqué con Rufus Thibodeaux en el violín. Era grande. El difunto Ben Keith, el gran Ben Keith. Tenemos a Spooner Oldham en el piano en algunos de los cortes, en la gran mayoría de los cortes. También tenemos a Tim Drummond en el bajo, que todavía está en el planeta y meneándose. Tim Drummond es un gran bajista, es increíble, como también lo es Joe Allen. En las últimas canciones del álbum está Joe Allen en el bajo, comienza alrededor de ‘Southern Pacific’”, dice Young de su banda de entonces.

Como en las anteriores entregas de la serie, “A Treasure” estará disponible en DVD, Blu-Ray y vinilo. La precompra comenzará el 12 de abril en iTunes y Neilyoyng.com. La edición en doble vinilo saldrá a al venta el 24 de mayo. El resto de versiones aparecerán el 14 de junio. El álbum incluye varias grabaciones inéditas.

http://records.bluefm.com.ar/

Southern Pacific - Neil Young & The International Harvesters

Fred Wesley / Groove & Funk en La Trastienda

Fred Wesley : "La gente dice que tengo una magia"

El trombonista, por años ladero de James Brown, se presentará en la Ciudad en doble fecha. En exclusiva, adelanta su show para Noticias Urbanas, habla del jazz, de su ex compañero y de la música como forma de vida.

Publicación: 10/04/2011

Por Marcelo Maccio Villegas

Fred Wesley es conocido a nivel mundial por su trabajo al lado de James Brown, junto con quien diseñó un sonido funk que marcó a las generaciones posteriores. Luego tocó junto a George Clinton & Bootsy Collins. La crítica y sus colegas lo han reconocido como uno de los mejores trombonistas de su generación (junto a Frank Lacy, Ray Anderson y Steve Turre).

Wesley, además, es compositor y arreglista de funk y jazz. Jugó un papel esencial en la definición de un sonido que hoy se considera estándar dentro del estilo. Su talento como improvisador y músico de jazz y su papel en la transición de Brown desde el soul hasta el funk, sumado a la enorme influencia que su concepción ha tenido en la música moderna, lo transforman en una de las figuras de referencia de la música contemporánea en general y como trombonista en particular.

Noticias Urbanas se contactó con el artista y, en exclusiva, adelanta sus shows en la Ciudad, en los que estará acompañado por The New JB’s (siete músicos que lo secundan) en la gira que también lo llevará a Brasil.

–¿Qué expectativas le genera venir a tocar a la Argentina?

–Creo que todas las personas en el mundo son básicamente las mismas, y espero que la gente en la Argentina disfrute de un show de funk. Yo haré lo correcto para ellos, así que esperamos que la gente en la Argentina pueda bailar, cantar, divertirse y ser feliz, al igual que toda la gente de otros lugares del mundo.

–¿Cómo va a ser el show en el plano musical?

–Vamos a tocar la música de la JB’s, que es básicamente la música de James Brown, y es el tipo de música que me hizo famoso. Pero vamos a intercalar también mi música, que no es tan conocida por algunos, pero que a la gente le gusta. Espero y creo que al pueblo de la Argentina le va a gustar también. Deseo, además, que tengamos un buen momento.

–¿Cómo ve la escena del jazz y funk actual a nivel mundial?

–El jazz y el funk han progresado a un nuevo nivel de competencia. Los músicos de jazz ahora son competentes. Son más competentes que conmovedores. El jazz es más cerebral ahora y no tan conmovedor. Los jóvenes tienen habilidades y creo que su música habla de éstas, mientras que el jazz de mi época era muy conmovedor.

–¿Qué diferencias obseva en el jazz desde sus inicios hasta la actualidad?

–Más gente blanca toca jazz ahora porque se enteraron de que no es sólo una cosa de negros. El jazz puede ser tocado por cualquier persona que lo estudia y lo aprende.

–¿Qué músicos o bandas le gusta y escucha?

–Bueno, todavía me encanta la banda de Count Basie. Es muy conmovedor, es muy bueno; no puedo decir lo mucho que me encanta. Pero también me gusta Kool and the Gang. Lee Morgan es mi trompetista favorito, y también me encantan Cannonball Adderley y J. J. Johnson. La mayoría de la gente son personas que quiero y ya están muertas. Curtis Fuller es un querido amigo mío y es un gran músico. Esos son mis favoritos.

–¿Cuáles son sus recuerdos de James Brown?¿Alguna historia de su relación con él?

–Creo que a James Brown le gusté. No creo que le gustara mucha gente, pero creo que se encariñó conmigo. Él me dio un consejo que me ha ayudado en mi vida. Mis recuerdos hacia él son como una especie de maestro y amigo. Pero pongo más énfasis en la parte docente que en la parte amigo porque yo realmente no creo que él fuese amigo de nadie, aunque creo que yo le gustaba.

–¿Cuál es el motor que lo lleva a seguir tocando en vivo?

–¡¡Pastillas de ginseng!! Creo que eso es todo. Yo no quiero morir sentado y sin hacer nada. Quiero morir en el escenario. Lo que más me gusta es tocar para un público. La gente dice que tengo un incendio, una magia, y creo que viene de mi padre. Había una magia en él también. No puedo explicarlo, sólo está allí. Realmente no sé de dónde viene. Digamos que viene de Dios. Debe ser Dios. Tiene que ser Dios.

–¿Piensa o imagina que pueden surgir nuevos artistas de la talla de James Brown, Bob Marley y otros grandes músicos de la historia?

–Tal vez, de una manera diferente. James Brown nació de la pobreza, y Bob Marley, de la opresión. Fueron adversidades que los hicieron hablar y ser grandes. El próximo Bob Marley puede no ser oprimido o no nacer en la pobreza, pero quizás tenga cosas diferentes que lo impulsen. Tal vez, la necesidad de ser famoso. Como Michael Jackson, que tenía una gran necesidad de ser famoso.

–¿Hay otros temas que, además de la música, le apasionen?

–La justicia. Soy un apasionado de la justicia. Ojalá todo el mundo pueda obtener justicia en el mundo.

http://www.noticiasurbanas.com.ar/

Fred Wesley & The New J.B.'

Rush / Moving Pictures 30th Anniversary Edition

Rush : Moving Pictures 30th Anniversary Deluxe Edition

Rush celebra el 30 aniversario del lanzamiento de su octavo álbum Moving Pictures con ediciones de lujo planeadas para el 5 de abril.

Con motivo de su treinta aniversario, se reedita en versión “Deluxe” el álbum de Rush “Moving Pictures”. Este octavo álbum en estudio es el de más éxtio de la banda de hard rock canadiense, y contiene canciones como ‘Tom Sawyer’, ‘Limelight’ y ‘YYZ’.

Moving Pictures 30th Anniversary Deluxe Edition ha sido remasterizado para este nuevo lanzamiento estará disponible en una versión CD más DVD y otra CD más Blu-ray e incluirá un libro de fotos inéditas de las sesiones de grabación original, notas del periodista musical David Fricke y artwork del diseñador Hugh Syme. Además ambas ediciones contarán con tres videos y bonus de “Tom Sawyer”, “Limelight” y el video inédito de “Vital Signs”.

Rush - Tom Sawyer - "Moving Pictures"

Rush - Moving Pictures 30th Anniversary Deluxe Edition (Trailer)

Tom Waits / Waits on Waits Interviews & Encounters

Entrevistas con Waits : Tom Waits on Tom Waits: Interviews and Encounters de Paul Maher Jr.

Otro libro de entrevistas a la vista. Tom Waits on Tom Waits, recopilado por Paul Maher Jr., es una recopilación de más de cincuenta entrevistas que da comienzo con la transcripción de una entrevista radiofónica de 1973

Chicago Review Press publicará en agosto “Tom Waits on Tom Waits: Interviews and Encounters”, un libro que recopila entrevistas con el siempre esquivo, reacio a hablar con los medios y celoso de su intimidad Tom Waits. Paul Maher Jr. ha recopilado 50 entrevistas realizadas a lo largo de los últimos 35 años. Además incluye comentarios de los entrevistadores.

Paul Maher Jr. es autor también de Jack Kerouac's American Journey y Kerouac: His Life and Work, así como el editor de Empty Phantoms: Interviews and Encounters with Jack Kerouac, y el coeditor de Miles on Miles: Interviews and Encounters with Miles Davis.

Paperback: 448 pages

Publisher: Chicago Review Press (August 1, 2011)

Crook & Gillespi / Paladines del Jazz-Funk

Gillespi y Willy Crook, juntos por primera vez

El trompetista de Sumo y el saxofonista de los Redondos celebran las bodas de plata de su amistad con un show conjunto

07.04.2011 15:43

Por Humphrey Inzillo

A mediados de los 80, Gillespi y Willy Crook transitaban sótanos infectos mientras soplaban sus instrumentos, respectivamente, para Sumo y los Redondos. "Tenemos la misma edad y en ese momento éramos pendex en un mundo de gente un poco mayor. Como nuestros instrumentos son afines (trompeta y saxo suelen ser la pareja típica de los vientos), pegamos onda. Y, desde ese momento, hemos participado en los proyectos del otro. ¡Hace más de 20 años que somos amigos!", anuncia Gillespi. Dos décadas después de ese encuentro inicial, y transformados en paladines del jazz y el funk, comparten un show por primera vez en su carrera. El 8 y 9 de este mes, se suben al escenario del coqueto Teatro de la Cova (Av. del Libertador 13.900, Martínez) para recrear clásicos de la música negra y el material de sus discos como solistas.

"Es la primera vez que vamos a tocar juntos de manera formal. La idea es de un amigo en común, Ezequiel (el dueño del bar Belushi, en Palermo), que toca la guitarra y es fanático de nuestra música, y que desde hace un buen tiempo nos insistía en armar algo juntos. Y, la verdad, me alegra un montón, porque Willy y yo somos bastante inoperantes. Pero ahora, que empezó esta historia, nos estamos viendo todos los días", celebra el trompetista. Y agrega: "Willy está en una nueva etapa con una banda grande y lujosa, como en los 90, años gloriosos para los Funky Torinos. Y yo estoy muy contento con mi grupo. Además de los shows de cada uno con nuestros respectivos grupos, vamos a tocar algunas canciones que hicimos juntos, como 'On the night', que tiene letra de Willy y música mía, vamos a hacer un medley con varios temas de Burt Bacharach, con la cantante Deborah Dixon y el tecladista Patán Vidal. ¡Los amantes del soul, el funk y el jazz se van a ir pipones!".

http://www.rollingstone.com.ar/1363617-gillespi-y-willy-crook-juntos-por-primera-vez

Gillespi + Crook Rock Shooting

Shorter, Scofield & Ponty / Gran Rex Buenos Aires

Wayne Shorter, Jean Luc Ponty, John Scofield y Joao Gilberto tocarán este año en la Argentina

El guitarrista y compositor brasileño Joao Gilberto y el saxofonista norteamericano Wayne Shorter son algunas de las figuras que llegarán al país a lo largo del año para ofrecer una serie de conciertos, en una movida cartelera internacional que traerá grandes figuras del jazz y la música contemporánea y que se llevará a cabo en el teatro Gran Rex.

La lista de invitados arranca con Shorter. El saxofonista que fue parte central de las bandas de Miles Davis entre 1964 y 1970 y que con Joe Zawinull fundó Weather Report tocará al frente de su cuarteto el jueves 9 de junio.

Shorter llega acompañado de otras estrellas del jazz internacional como el pianista panameño Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y la baterista Terri Lyne Carrington en una propuesta de alto riesgo creativo que pone el juego la improvisación coletiva simultánea.

El turno siguiente a Shorter será la reunión en el Gran Rex el miércoles 15 de junio del sexteto de jazz argentino Escalandrum y el brillante saxofonista cubano Paquito D`Rivera que juntos tributarán un homenaje a Astor Piazzolla, abuelo del baterista Pipi Piazzolla, líder de Escalandrum.

"Piazzolla plays Piazzolla" es el nombre del trabajo que presentarán D`Rivera y Escalandrum, un material que recoge una serie de composiciones del bandoneonista marplatense bajo el formato jazzístico del sexteto.

John Scofield Quartet - Steeplechase (Live París April 23, 2010 )

El 9 de septiembre habrá una gala doble con la presencia del destacado guitarrista norteamericano John Scofield, uno de los nombres fuertes del jazz eléctrico de las últimas dos décadas, que llega con un quinteto integrado por Bill Stewart en batería, Ben Street en bajo y Michael Eckroth en piano.

Completa el programa doble el trío del pianista israelí residente en París Yaron Herman, uno de los más destacados de la escena europea, que visita por primera vez Argentina, acompañado por Chris Tordini en contrabajo y Tommy Crane en batería.

El 14 de noviembre llega el famoso violinista eléctrico Jean Luc Ponty, quien se está presentando en todo el mundo con su nuevo proyecto musical The Atacama Experience.

Finalmente, en diciembre y con llegada confirmada pero sin fecha precisa, estará otra vez en Buenos Aires el gran Joao Gilberto, uno de los creadores de la bossa nova y expresión máxima de delicadeza musical y búsqueda sonora despojada.

También estará en Buenos Aires en esa fecha el compositor e intérprete Lenine, original representante de la Música Popular Brasileña.

http://www.telam.com.ar/

Wayne Shorter Quartet - Joy Rider - France June 29th, 2010

Kurt Cobain / Misunderstood Spokesman of The X Generation

A 17 años de la muerte de Kurt Cobain

Las dudas en torno a la muerte del líder de Nirvana continúan a pesar de la postura oficial

Este martes (5/4) se cumple un nuevo aniversario, el número 17, del suicidio de Kurt Cobain, quien fuera líder del extinguido grupo de rock Nirvana e ícono de una generación que desarrolló su 'espíritu adolescente' durante la década del 90

El cuerpo de Cobain fue hallado el 8/4 de 1994, aunque el forense determinó que su muerte había ocurrido 3 días antes, el 5/4, por lo que esta última fecha se toma como el día "oficial" de su muerte y es conmemorada por sus fans

Oficialemente Cobain la muerte de Cobain fue producto de "una herida por bala infligida en la cabeza". El cantante y guitarrista de Nirvana se habría disparado con una escopeta que consiguió a través de otro músico, Dylan Carlson del grupo Earth

Sin embargo, muchos misterios rondan alrededor de aquella muerte, y no son pocos los que dudan acerca del suicidio. Uno de los que sostienen la teoría del asesinato es el detective Tom Grant. Grant había sido contratada por la viuda de Cobain, Courtney Love, para hallarlo cuando éste desapareció en los días previos a su muerte

Grant escribió: "Kurt Cobain quería dejarlo. Quería dejar las giras, quería dejar su grupo, quería dejar los negocios que le presionaban para producir su música en vez de simplemente tocarla. Pero Kurt Cobain no quería dejar la vida. Sin tener en consideración lo que el informe del funcionario encargado de investigar si la muerte fue o no por causas naturales pueda decir, Kurt Cobain murió el domingo 3 de abril por la tarde o el lunes 4 por la mañana temprano. Aunque pudo haber sido visto en el parque local cerca del lago el Domingo 3 de abril, cualquiera que diga haberle visto después de las 7:30 horas está mintiendo o es sólo un rumor. La mayor parte de las noticias sobre esos "testigos" han sido deliberadamente "sembradas" en los medios de comunicación. Al menos dos personas sabían que Kurt estaba muerto antes de que me enviaran a Seattle a buscarlo el miércoles 6 de abril."

Junto al cuerpo de Cobain fue hallada una nota, una nota de suicidio según la versión oficial. De acuerdo a este versión, la nota estaba dirigida a Love y a su hija France. "Por favor, Courtney, sigue adelante. Por Frances. Por su vida, que va a ser mucho más feliz sin mí. Te quiero, te quiero" decía esa carta, según trascendió. No obstante, Grant pone en tela de juicio la veracidad del contenido de esa carta al asegurar que no se trataba de una nota de suicidio. Escribió el investigador: "Contrariamente a los informes policiales, la carta encontrada en la escena del crimen no era una carta de suicidio. No fue escrita para Courtney y Frances. Era una larga y detallada carta escrita a sus fans con una corta nota al pie para Frances y Courtney. En la carta explicaba su decisión de dejar las giras y abandonar su grupo. Kurt iba a dejar Seattle para irse al Este a quedarse con unos amigos. Quería estar solo. No quería que nadie le siguiese incluyendo a su mujer. Eso es de lo que trataba la carta. Eso es lo único de lo que trataba la carta. El grueso de la carta fue escrito por Kurt excepto por las siguientes palabras escritas al pie: "quien será mucho más feliz sin mí. Te quiero, te quiero". Esas palabras parecer haber sido añadidas por alguien sin el conocimiento de Kurt."

A pesar de la versión oficial, aún no se ha comprobado el hecho de que Cobain se quitara la vida debido a falta de pruebas. Además, no se encontraron huellas digitales en la escopeta y durante la autopsia se demostró que Cobain tenía tres veces la cantidad letal de heroína en su cuerpo por lo que no habría sido siquiera capaz de levantar el brazo.

La sospechas apuntaban a la viuda, Love. Eldon Hoke, señalado como el amante de Courtney Love, afirmó que ella le ofreció US$50 mil en 1993 para matar a Cobain. El 19 de abril de 1997, una semana después que el director Nick Broomfield filmó su testimonio para un documental, el músico conocido como 'El Duce' fue encontrado muerto en California sobre las vías del tren. Según las versiones, la última vez que lo vieron con vida estaba acompañado por un desconocido del que nunca se supo nada.

Por su parte, Hank Harrison, padrastro de Courtney Love y autor del libro 'Kurt Cobain: Más allá de Nirvana' afirmó que ella es la principal responsable de la muerte de Cobain. "Espero que no me maten por esto, pero estoy convencido de Courtney Love tuvo algo que ver con la muerte de Kurt Cobain", le dijo Harrison a Broomfield.

http://www.urgente24.com/noticias/val/6482/a-17-anos-de-la-muerte-de-cobain-continua-el-misterio.html

"Es preferible incendiarse a quemarse de a poco"

Kurt Cobain - (February 20, 1967 – April 5, 1994)

"Where Did You Sleep Last Night?" - Nirvana

Nirvana / Taking Punk to The Masses

Las reliquias de Nirvana

ELMUNDO.es / Lunes 28/03/2011 19:17 horas

Los trozos de la primera guitarra destrozada por Kurt Cobain en uno de sus conciertos, el casette con los primeros temas de la banda, las primeras canciones escritas a mano por Cobain o el primer poster promocional del grupo son sólo algunas de las piezas que recoge la exposición 'Nirvana: Taking Punk to The Masses' y que puede visitarse entre el próximo 16 de abril y el 22 de abril de 2013 en el Experience Music Project Science Fiction Museum de Seattle.

La muestra, la más grande de la historia del grupo, incluye más de 200 piezas de los primeros años de la banda. "He querido mostrar el lado épico de Nirvana, cómo se construyó el mito y también el lado íntimo de unos músicos que sólo querían hacer rock", ha explicado el comisario de la muestra, Jacob McMurray.

Por su parte, Krist Novoselic, bajista y cofundador del grupo ha afirmado que "es muy estupendo que haya una exposición sobre Nirvana, ya que muestra su contribución a la música y la cultura. La historia de Nirvana es también la historia de muchas personas, grupos e instituciones".

La muestra recoge la trayectoria profesional y personal de Nirvana en la escena independiente y underground que se desarrolló en los Estados Unidos durante la década de 1980 y que culminó con la publicación en 1991 de su álbum, 'Nevermind', 10 veces disco de platino.

http://www.elmundo.es/elmundo/2011/03/28/cultura/1301301093.html

Nirvana - Lithium -From ´Nevermind´ (1991)

Charlie Watts / The ABCD of Boogie Woogie

El 'Stone' Charlie Watts trae el 'Boogie Woogie' a Barcelona.

El batería rinde homenaje a los orígenes del rock

J.M. MARTÍ FONT - Barcelona - 04/04/2011

Charlie Watts, baterista de los Rolling Stones y pilar fundamental de esta banda mítica, tocará tres noches en Barcelona (del 5 al 7 de abril), en la sala Luz de Gas, con la formación The ABCD of Boogie Woogie, junto con los pianistas Axel Zwingenberger y Ben Waters, y el bajista Dave Green. A sus casi 70 años y a la espera de si finalmente los Stones vuelven a salir de gira -o al menos a grabar-, Watts se mantiene en activo gracias a su eterno amor al jazz y al rhythm & blues. Hombre de facciones graníticas y pocas palabras, contesta por teléfono a las preguntas de este periódico sobre la gira de pequeño formato que le lleva a la capital catalana, pero no desvela nada sobre los Stones y los planes de la banda

A la pregunta de si van a grabar algún nuevo disco o tienen previsto salir de gira, responde: "No sé nada de nada, no hemos hablado aún de nada. La posibilidad está abierta, pero no hay nada nuevo".

En cuanto a si echa de de menos las giras con los Stones, afirma: "No, no echo de menos las giras, echo de menos tocar juntos y vernos; pero ellos viven repartidos por todo el mundo, así que solo los veo cuando vienen a Londres".

Aún es más huidizo al referirse a su relación con Mike Jagger, Keith Richards y el resto de la banda. "¿Qué le parecen las memorias de Keith Richards?", le pregunta el periodista, esperando que tenga algo que decir sobre las maldades que el guitarrista deja caer en Life, su autobiografía. "Fantásticas", es la respuesta. Y cuando se inquiere si se ha divertido leyéndolas y si cree que es cierto lo que cuenta o son fantasías, zanja: "No tengo ni idea, porque no las he leído".

Se siente más a gusto cuando se habla exclusivamente de música, especialmente de la que le lleva a Barcelona: el jazz y sus parientes más próximos, que es lo que realmente le interesa a Watts desde muy joven, desde antes de entrar en los Stones, y a lo que ha dedicado la mayoría de sus proyectos en solitario. Con el Charlie Watts Quintet ha realizado dos álbumes sobre Charlie Parker, el gran revolucionario del género: From one Charlie y A tribute to Charlie Parker with Strings. Porque Watts era un jazzman cuando en 1963 los Stones le llamaron para sustituir a Tony Chapman, y contribuyó de forma significativa a la aproximación de la banda al rhythm & blues. Fue, por ejemplo, uno de los promotores de las grabaciones homenaje de Howlin Wolf en Londres en 1971, con Jagger, Bill Wyman, Eric Clapton, Steve Winwood y otras grandes estrellas del rock. "Con Wyman sigo en contacto y a Clapton le veo de vez en cuando, pero Wolf está muerto".

Ahora hace algo parecido con el boogie woogie, cuya influencia en los Stones, asegura, es decisiva, especialmente en lo que respecta a las texturas pianísticas. Respecto a la música que le interesa y a si sigue la actualidad, dice: "No, ni nunca lo he hecho; solo escucho jazz antiguo o música clásica. También escucho música soul, bastante".

http://www.elpais.com/

The ABCD of Boogie Woogie- Live at the St. Pauli Theater Hamburg Germany (March 15th 2011)

U2 / 360º Tour Argentina 2011

U2, sangre irlandesa y energía para un domingo inolvidable

El último concierto de U2 en Argentina hipnotizó a más de 60 mil espectadores. Espectáculo conceptual y visual. Cantó León Gieco. Excelente organización.

04/04/11

Por Roberto Aguirre Blanco / Colaboró: Fabiana León (Fragmento)

No nos olviden", fue el pedido de Bono, un guiño al publico que estaba ya rendido a su pies. Una frase para simplificar el pacto de energía de ida y vuelta que tuvo U2 en su gira en Argentina, que con tres noches en el Estadio Único de La Plata dejó cautivado a miles de seguidores

Detrás del gran momento de la banda irlandesa, sin dudas ubicada en el sitial de icono de la música internacional, llegan grupos, tal como anticipó el carismático líder de U2, ya consagrados como Coldplay o The Killers que quieren alcanzar ese olimpo único de estrellas del rock, sin embargo, el público argentino selló su fidelidad con los irlandeses.

El domingo U2 cerró su gira en Argentina con dos horas de un show potente, conceptual, con los éxitos de la banda, y la apuesta habitual por sorprender y llevar un mensaje contundente con este nuevo espectáculo: 360º Tour.

Esta gira que comenzó en junio de 2009 subido a la promoción del último trabajo de estudio de la banda "No line on the horizont", ya lleva dos años y terminara el 30 de julio de 2011, y que también tuvo más de siete meses interrumpida por una operación urgente de columna a la cual se sometió Bono a fines de 2009.

La contundencia del show estuvo concentrada también en el gigantesco escenario que se denomina "la Garra", una estructura de casi 60 metros de alto --más alta usada por un conjunto de rock hasta el momento-- y que posee un pantalla giratoria que se agranda según las necesidades temática del espectáculo con potente imágenes en 3D.

Demás esta decir que en su tercera noche en La Plata, como las dos anteriores, los integrantes de U2 demostraron la pasión que les genera tocar ante le público argentino, por el cual sienten una gran debilidad, y que ellos devuelven con una participación activa en el concierto.

La seducción y atracción que genera la figura de Bono hace el resto para que la audición caiga rendida a sus pies, ya no solo por la calidad de su voz, su manejo del escenario, sino también por la fuerza ideológica que su figura representa para muchos de sus seguidores.

Una tormenta que desató media hora antes del recital de U2 la noche del domingo y que mojó con ganas el escenario giratorio y a miles de espectadores que estaban en el sector de campo, no hizo más que aumentar la adrenalina para el gran momento que se desató con impuntualidad irlandesa a las 21:30.

Fueron 120 minutos de contundecia y conceptualidad con Bono al frente de tamaño desafío y con la sobriedad y justeza musical de sus demás compañeros donde ciertamente se destaca la solvencia de The Edge en la guitarra.

Como sucedió el miércoles en el primer show y la noche del sábado, U2 preparó sorpresas para la Argentina y la de este domingo lleno de sangre y energía fue la presencia de León Gieco cantando un fragmento de "Solo le Pido a Dios" junto a Bono con otra guitarra, en homenaje a los combatientes de Malvinas.

Fue un momento altamente emotivo que tuvo como previa la mención de Bono sobre las similitudes entre Irlanda y Argentina, los "enemigos" comunes, el amor por Dios y el fútbol y una mención a la figura del prócer naval Guillermo Brown, nacido en la isla esmeralda.

El sábado, Bono en guiños con el público argentino, había contado que le apasionó aprender a bailar y tango y narró con detalles las aventuras del bajista Adam Clayton, quien conoció hermosas mujeres, probó mate y "se comió unos ricos bombones argentinos".

El show también tuvo la presencia en el segmento de grupo de soporte la contundente actuación de Muse, una banda que dejó en claro la justificación de su actual fama con un set de aplanadora roquera que cautivó a muchos de los presentes.

El grupo británico presentó también sus grandes éxitos y fundamentalmente los de su último trabajo "The Resistenace" y dejó el claro la fuerza de su líder, Matthew Bellamy.

Asimsimo, una mención especial merece la organización del concierto en esa joya arquitectónica que es el Estadio Unico de La Plata, que ya se ganó un espacio merecido para ser centro de atracción de grandes espectáculos internacionales.

El mundo intenso de U2 giró 360 grados para dejar extasiados a miles de espectadores en tres días y con un guiño de devolución a Bono, los argentinos pueden decir que no se olvidaran fácil de U2.

http://www.asteriscos.tv/noticia-34490.html

U2 - 360º Tour - Sunday Bloody Sunday (Para Ali)

Argentina Japón / Fuerza Japón! Gambare Nippon!

La Ciudad por Japón

El sábado 2 de abril, a partir de las 10, el Jardín Japonés organizará Gambare Nippon, un evento solidario para ayudar a las víctimas del tsunami que asoló a Japón.

El Dia Solidario por Japón denominado GAMBARE NIPPON (Fuerza Japón) se llevará a cabo en el Complejo Cultural y Ambiental Jardín Japonés.

El próximo Sábado 2 de abril de 10 a 18 se desarrollará una jornada solidaria para recaudar fondos con el fin de ayudar a los damnificados del terremoto y el tsunami desatado en el noreste de Japón.

Ese mismo dia a las 14:46 se procederá a tocar la Campana seguido de un Minuto de Silencio para recordar a las victimas de la tragedia ocurrida el 11 de marzo.

Quienes quierar acercarse, pueden concurrir al Jardin y colaborar con un bono contribución de 20 pesos que significará el ingreso. Desde el Departamento de Cultura se brindarán exposiciones de destacadas disciplinas de la cultura japonesa, se realizarán demostraciones magistrales y espectáculos de Tambores Japoneses.

También actuarán los Parraleños, la banda musical integrada por descendientes de japoneses que fusionan diversos géneros de música y el cierre del evento con la presencia de un artista que se identificó con la Colectividad Japonesa: el actor y cantante Alfredo Casero, quien cantará su tema con letra en japonés, Shima Uta.

http://www.ciudad1.com/Notas-12571-La-Ciudad-por-Japon

Músicos argentinos unen sus voces para ayudar a Japón

Agencias 31 de Marzo 01:14

Cuando ocurre un desastre natural en cualquier país del mundo, los artistas dejan de lado sus banalidades y emprenden causas en beneficio de la nación afectada. Luego del devastador terremoto y tsunami que azotó parte de la isla de Japón, artistas del mundo de la música se pusieron manos a la obra para ayudar a los nipones en emergencia. De este modo, artistas argentinos se juntaron para realizar un compacto con temas a fin de recaudar fondos para los damnificados.

Entre las canciones que se pueden escuchar está Deja la vida volar de Mercedes Sosa y Puente de Gustavo Cerati. Estos temas estarán incluidos en De Argentina a Japón: Ganbare!, nombre del disco solidario que presentó Sony Music para recaudar fondos que se destinarán a los damnificados del terremoto y tsunami que sufrió Japón el 11 de marzo

DETALLES DEL DISCO. Entre las 14 canciones que forman parte del álbum aparecen, además de las mencionadas –Deja la vida volar de Mercedes Sosa y Puente de Gustavo Cerati–, Color esperanza de Diego Torres y Dar es dar de Fito Páez. El 6 de abril se publicará este trabajo en el que participan Alfredo Casero, Vicentico, Gustavo Cordera y Kevin Johansen, entre otros, y cuenta con el arte gráfico de Augusto Costhanzo. El título del álbum viene de la expresión japonesa ganbare, que significa ánimo y fuerza. Todas las ganancias que genere De Argentina a Japón: Ganbare! serán donadas por la compañía a través de la Cruz Roja Argentina.

http://www.elsolonline.com/noticias/view/93233/musicos-argentinos-unen-sus-voces-para-ayudar-a-japon

Miyazawa, Alfredo Casero, Oshiro 島唄 - Shima Uta – En Vivo Jardín Japonés – Buenos Aires - 2004

Sun Ra / Stranger From Outer Space

Sun Ra: El Jazz que vino de Saturno

Una reciente publicación que reúne escritos, ensayos y conversaciones de Sun Ra rememora a uno de los músicos de jazz más talentosos y excéntricos.

Eduardo Hojman / Barcelona -01/04/2011 - 19.48h

Están entre nosotros. Seres venidos de otros planetas, que viven y se adaptan a los humanos pasando mayormente inadvertidos, pero trayendo con ellos una visión distinta de las cosas, un elemento que no es de este mundo y que altera nuestra cultura, haciéndola mejor. No es improbable que gran parte de los inventos humanos hayan sido, en realidad, obra de esos extraterrestres disimulados, así como las rupturas más radicales en las artes y en las ciencias. En general saben que el miedo humano al otro, al distinto, puede ser letal, y guardan silencio sobre su origen. Hubo uno, sin embargo, que lo declaró con orgullo. Se llamaba Sun Ra o Le Sony’r Ra o Le Sonra. Era de la raza de los ángeles. Venía de Saturno, y durante su paso por esta Tierra, fue músico de jazz.

En 1914, cuando Sun Ra vino al mundo (nunca mejor dicho), fue bautizado como Herman Blount, y lo hizo en Birmingham, Alabama, un lugar difícil para ser negro y extraterrestre, aunque también útil para un genio que a los once o doce años tocaba, leía música y componía. Por su ciudad pasaban figuras como Fletcher Henderson y Duke Ellington, dos de sus principales influencias, y el joven Herman, alias Sonny, podía transcribir de memoria arreglos completos de big bands. Tampoco le costó destacar entre sus compañeros de estudios, terminarlos con diploma de honor y empezar a trabajar como pianista de rhythm & blues. La logia masónica negra Los Caballeros de Pythias, de la que era miembro desde niño, alimentó en parte su hambre de lecturas. Con veinte años, Herman se unió a una banda como vocalista y terminó dirigiéndola. La Sonny Blount Orchestra no tuvo mucho éxito, pero sí comentarios positivos de colegas y críticos. Dos años más tarde, obtuvo una beca que le permitió estudiar composición, orquestación y teoría musical, pero luego tuvo una visión.

No se sabe bien cuándo ocurrió: los biógrafos no se ponen de acuerdo. Él hablaba de 1936 o 37, pero algunos dicen que ocurrió en 1952, cuando los platillos voladores eran una realidad en el imaginario social. Lo cierto es que fue entonces cuando Herman supo que no era humano. Envuelto por una luz brillante, fue «teletransportado a un planeta que identifiqué como Saturno». Allí sus congéneres, que tenían «antenas en los oídos y en los ojos», le aconsejaron que abandonara los estudios porque «habría grandes problemas en las escuelas, y el mundo entraría en un caos total. Yo hablaría a través de la música y el mundo me escucharía. Eso fue lo que me dijeron». Sonny convirtió su casa en un conservatorio, donde componía, orquestaba, ensayaba, y departía sobre esoterismo y religión. Su Sonny Blount Orchestra también se benefició de esta revelación, creándose una reputación de músicos capaces en cualquier estilo.

Pero como suele suceder en casos de contactos alienígenas, el ejército de su país intervino para arruinar las cosas. En 1942, Herman fue convocado al servicio militar. Él se declaró objetor de conciencia al tiempo que acusaba al comité de tendencias hitlerianas. Aunque fue recolocado en el servicio civil, Sun Ra manifestó, con numerosos argumentos legales y religiosos, que eso también le resultaba inaceptable. El juez, entonces, le amenazó con hacerlo entrar en el ejército por la fuerza. La dura y regocijante respuesta de Blount debería figurar en cualquier antología de antimilitarismo: dijo (queremos creer que con impenetrable aplomo) que utilizaría su entrenamiento y sus armas para matar al primer oficial de alto rango que tuviera cerca. «Nunca he visto a un negro como tú», le dijo el juez al tiempo que lo sentenciaba a prisión. «Y nunca lo verá», fue la respuesta. Los psiquiatras de la cárcel lo describieron como un «educado intelectual de color» pero con «tendencias psicopáticas y sexualmente pervertido».

Después de la guerra, y ya en Chicago, Sun Ra floreció: tocó con su ídolo Fletcher Henderson, con Coleman Hawkins y con Stuff Smith, antes de formar su Space Trio, en medio de la efervescencia negra de la época. En 1952 se cambió su nombre legalmente a Le Sony’r Ra. En esa década, lideró una serie de grupos intercambiables conocidos colectivamente como la Arkestra (también como la Solar Myth Arkestra, la Cosmo Discipline Arkestra, la Blue Universe Arkestra, o la Jet Set Omniverse Arkestra) y produjo un jazz experimental, vanguardista, muy avanzado y a la vez lleno de ritmo, alegría y juego. Su Jazz In Silhouette, de 1958, es hoy considerado una de los discos más importantes de toda la historia del jazz, y en sus infinitas e inabarcables grabaciones pueden encontrarse referencias a todos los subgéneros de esta música, desde el ragtime y el swing hasta la improvisación libre, la fusión electrónica, la psicodelia más salvaje y el funk. Durante los siguiente cuarenta años, el planeta Tierra se benefició de la multiabarcadora musicalidad de nuestro amigo de Saturno, hasta que su frágil cuerpo humano volvió a fallarle, primero con un infarto, luego con neumonía, problemas circulatorios y más infartos. En 1993, Sun Ra volvió a Saturno, o quizá fue a civilizar algún otro planeta.

Además de su extensa discografía, Sun Ra dejó escritos, ensayos y conversaciones. Junto a comentarios de contemporáneos, poemas dedicados a él, cómics, fotos y otros textos, las palabras de este generoso saturnino forman parte de Sun Ra: Entrevistas y ensayos, una interesantísima, aunque bastante caótica, compilación de John Sinclair que acaba de publicar en España Libertos Editorial. Leerla es como asomarse a la certeza de que hay otras dimensiones, y otros mundos.

http://www.abc.es/20110401/cultura/abci-culturalm-usica-201103311718.html

Sun Ra & His Arkestra - Saturn / Hours After

Buffalo Springfield / Expecting to Fly Again

Neil Young Announces Spring Tour Dates

Ya es oficial: 42 años después de su separación, los miembros supervivientes de la formación original de Buffalo Springfield saldrán de gira el próximo junio. Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay se reunieron el año pasado para unos conciertos benéficos organizados por Young y, desde entones, se había especulado con la posibilidad de que saliesen juntos a la carretera.

“Es difícil de creer que hayan pasado 42 años desde que tocamos juntos como Buffalo Springfield. Con los años, nunca dejó de fluir la música para cada uno de nosotros, y el círculo se ha completado. Ahora, vamos a compartir nuestro corazón con vosotros otra vez. ¡Sí, Buffalo Springfield otra vez!”, dice Furay en un comunicado.

La pequeña gira tendrá lugar en California más un concierto en el Bonnaroo Music & Arts Festival. Arrancará el 1 de junio en el Fox Theater de Oakland y concluirá el 11 en el festival Bonnaroo, de Manchester, Tennessee. Gillian Welch será la telonera. Suponemos que la mayor parte de la humanidad tendremos que conformarnos con la edición de algún disco en directo.

Buffalo Springfield

Jane's Addiction / Buenos Aires Movistar Free Music

Jane's Addiction en Puerto Madero Buenos Aires Ciudad

29 de marzo de 2011 • 17:50

La banda estadounidense Jane`s Addiction, liderada por el multifacético Perry Farrell, tocará el jueves por primera vez en la Argentina en un concierto que se llevará a cabo en el Anfiteatro de Puerto Madero de la ciudad de Buenos Aires, en el marco del ciclo Movistar Free Music.

El concierto, en el que también tocará como banda soporte el grupo Edward Shape & the Magnetic Zeros, tendrá lugar este jueves a partir de las 20 en el anfiteatro ubicado en Tristán R. Achaval y Vera Peñaloza, en la zona porteña de Puerto Madero. La banda estadounidense de rock alternativo, que tocará por primera vez en el país, se formó en 1985 en Los Angeles, California, con Perry Farrell en voz, Dave Navarro en guitarra, Eric Avery en bajo y Stephen Perkins en batería.

Su primer disco, Jane´s Addiction (1987), incluía una versión del clásico de la Velvet Underground Rock n`roll y otra de los Rolling Stones de Simpathy for the devil, mientras que luego llegarían Nothing`s Shoking y Ritual de lo habitual (1990), que incluye temas muy populares como Been caught stealing, Stop y Classic Girl. Sus variadas influencias culminaron en una amalgama salvaje de glamour, rock pesado, funk, y una fusión de oscuridad, punk, soul y agresividad que continúa vigente en cada show.

Como banda soporte tocará Edward Sharpe and the Magnetic Zeros, una banda estadounidense liderada por Alex Ebert, ex vocalista del grupo Ima Robot, que recorre el pop rock con influencias del indie folk y el rock alternativo. La banda, que en el escenario combina banjo, acordeón, ukelele, sintetizador, percusión, guitarra y piano, realiza su primera gira internacional por Latinoamérica .

http://www.elcomercial.com.ar/

Jane's Addiction - Stop!