martes, 31 de agosto de 2010

McCoy Tyner / Un Gigante en Buenos Aires


Una leyenda del jazz llega con su magia

El pianista McCoy Tyner anunció que se presentará en nuestro país. El artista tocará en el Gran Rex

El pianista de jazz McCoy Tyner aseguró, días antes de presentarse en la Argentina, que “el jazz debe evolucionar siempre”.

Integrante del legendario cuarteto que lideró el saxofonista John Coltrane entre 1961 y 1965 y que abrió nuevos caminos para el jazz con trabajos como “A Love Supreme”, “Crescent” y los discos en vivo grabados en el Village Vanguard y Birdland, Tyner tocará en el teatro Gran Rex de Buenos Aires (Corrientes 857) el próximo jueves 2 de septiembre a las 21.30.

Pianista y compositor de 71 años y una de las figuras centrales del jazz tanto por su legendaria historia como por su decisión de seguir inventando, Tyner tocará al frente de su trío integrado por Gerald Cannon en contrabajo y el baterista Eric Kamau Gravatt, mientras que como artista invitado participará el saxofonista Gary Bartz.

“El jazz debe evolucionar siempre, es una forma de arte progresiva, por su propia naturaleza tiene que mantenerse cambiando y avanzando permanentemente, de lo contrario no es jazz”, aseguró Tyner.

Nacido en Filadelfia en 1938, Tyner comenzó a trabajar profesionalmente como pianista del Jazztet de Benny Golson y Art Farmer, hasta que se unió al grupo de Coltrane en 1960, conformando uno de los cuartetos más influyentes del jazz moderno. “Tocar con Coltrane y el cuarteto (que también integraban el bajista Steve Davis y el batería Elvin Jones) fue una de las más grandes experiencias de mi vida”, contó.

A pesar del intenso trabajo con el cuarteto de Coltrane, Tyner comenzó a grabar en 1962 discos donde desarrolla sus propias composiciones al frente de un trío.

Consultado sobre las principales influencias que recibió a la hora de tocar el piano, aseguró: “Yo me formé escuchando a (Thelonious) Monk y Bud Powell , pero luego llevé lo que escuchaba a mi música, aplicándolo a las ideas que yo mismo estaba creando, y así salió mi propio sonido”. “La gente -agregó- aprecia cuando el músico tiene algo único y original que decir con su instrumento. Es halagador escuchar a alguien que está influenciado por tu manera de tocar, pero en última instancia, cada uno desea sonar diferente”.

En 1972 graba su primer disco de solo piano “Echoes of a Friend”, experiencia que repite en 1988 con “Revelations” y en 2009 con “Solo: Live from San Francisco”, su último registro discográfico, que fue grabado en un concierto en el Festival de Jazz de San Francisco.

http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-100965-tituloUna_leyenda_del_jazz_llega_con_su_magia

McCoy Tyner & Gary Bartz - Ballad for Aisha (Live in Germany 2007)

domingo, 29 de agosto de 2010

Miles Davis / Isle of Wight 40th Anniversary


"Call it Anything"

En 1970, en algún lugar de la remota Isla de Wight, Miles Davis propuso una nueva metafísica, pero nadie se dio cuenta de ello... o casi nadie

Por Patricio Flores

29 de Agosto de 1970, Isla de Wight, en la costa sur de Inglaterra. Desde donde estoy yo ahora, no se ve bien.

600.000 jóvenes. Imagino desde mi modesto y remoto mirador que la excitación reinante es indescriptible, de avidez absoluta, imponente. Avidez de "algo", de cualquier cosa. "Algo" que seguramente depare gritos, sexo, sangre, mujer, tierra, magia, de obnubilarse y de salirse de... todo esto. Eso es, aturdirse. Pero repito, estoy demasiado lejos como para ver con claridad.

Alcanzo a ver marinos, pero no todos serán aptos para enfrentar semejante océano de almas. Muchos naufragarán al primer cimbronazo de las olas. Habrá llanto y se derramarán libaciones a todos los dioses conocidos. Pero los dioses no siempre son complacientes, y casi ninguno llegará entero al final del viaje. Eso está reservado a los Héroes.

Huelo a religión. Humos de ofrendas, hecatombes, y un dejo lejano a marihuana. Arúspices y pueblo desbordantes y desbordados.

Los heraldos se pelean entre sí; las noticias son extravagantes, ninguno acierta a describir ni mucho menos a resolver este enigma y se contradicen embobados, nerviosos.

Pero en algo coinciden todos: se ha filtrado "Alguien poderoso" de otra religión y de otros dioses, de otra... galaxia.

Y a las cinco en punto saldrá al escenario.

¿Lo recibirán de pie o de rodillas? ¿Se le deja hablar, o se le arrojará al Hades de la indiferencia antes de lo dispuesto por el destino? ¿Qué opinarán los sacerdotes de esto? ¿Y si se arriesga lo ya conquistado? ¿Y si el daño fuera irreparable?

El 29 de agosto de 1970, exactamente desde las 17 y hasta las 17 y 38 hs, bajo el amparo de una tenue y expectante brisa de aplausos, Jack de Johnette arrancará con el ritmo, y se le irán arrimando los ruiditos de Airto Moreira, una base bien funky de Dave Holland, las manos derecha de Chick Corea (Piano Fender Rhodes) y Keith Jarret (órgano... y, recuerde que veníamos hablando de religión), se plantará bien abierto a la izquierda el alerta saxo soprano de Gary Bartz...

Y adelante y al centro, el monolítico Miles Davis

Arrancará ligando dos notas, dos células.

Y en el reino de los elementos primordiales, contemplamos la danza sensual entre dos células que se unirán, multiplicarán y diversificarán y que serán una obsesión y una constante. Una creación dentro de otra creación.

Y así como la cosa nacida del agua ya no es agua, lo que Miles tocaría en Wight ya no sería música.

Punto final a la magia y a lo femenino. Hoy es el reino del Hombre sin límites, un espíritu sin biblias cuyos instrumentos no tienen frenillos.

¿De donde venimos?

Tomar un instrumento y desdeñar todo lo tocado, todo lo oído... trocar la sensualidad conocida de cierta sucesión de acordes, de una tonalidad, de un ritmo; la comodidad de un prestigio bien ganado y una música respetada... por otra divinidad impiadosa y cruel con los débiles, que también se hace con instrumentos pero no parece ser música, eso es no tener límites.

El por entonces joven y hoy ya mítico "Kind of Blue" solo fue un puente en la construcción musical de Miles. Bellísimo paisaje, más no una estación, y jamás una Terminal.

Del brazo de Wayne Shorter –su profeta de los sesenta- Miles despuntaría su derrotero definitivo. Justo cuando el hombre llegaba a la Luna, Miles salía del océano. Tomando las cartas marinas del Monje, lo repensó en su esencia, lo transportó a la trompeta, y desde allí al tuétano mismo de aquellos que tienen carne y huesos en el alma. Y desinhibido como era, tomó prestado sin culpa de algunos sonidos que llegaban de la casa del vecino Hendrix o del otro vecino más alejado, James Brown.

Para eso tuvo que electrificarse. Y no dudó en hacerlo.

Ya Darwin nos enseñó lo suficiente como para que entendamos de que se trata esto de adaptarse a los cambios .

No digo con esto que haya sido el primero ni siquiera el único que lo intentara. Lo que es un hecho indudable es que Miles se lanzó ante un público mucho más numeroso y por demás exigente que el de las complacientes mesas de un club nocturno o los estudios de alguna radio de New York, su amante incondicional: al de la juventud.

Los "millares de Wight" enmudecieron durante 38 minutos. Casi que ni se perciben esas aromáticas bengalas fumables.

Miles bajaría sin hablar del escenario.

Pasaron cuarenta años desde entonces. Recién ahora algunos nos estamos desperezando. En fin. Dejo mis binoculares transoceánicos sobre el escritorio. De allí, a rearmarse (en todos los sentidos del término), a repensarse. Créame buen joven, es mejor tarde que nunca.


http://www.quintadimension.com/televicio/index.php?id=268
Call it Anything - Miles Davis - Isle of Wight 1970 (Fragmento)

sábado, 28 de agosto de 2010

Rush / Beyond The Lighted Stage


Rush: La venganza de los nerds

Antes de su llegada a Buenos Aires, Universal edita el elogiado documental de los creadores de "Metal: A Headbanger´s Journey".

Por: José Bellas

"Somos la banda de culto más grande del mundo". A Geddy Lee, bajista y cantante de Rush, no le queda altanera la frase. La naturalidad con la que lo dice parece la resultante de una compra de supermercado: tanto + tanto + tanto es igual a tal precio. El, uno de los grandes geeks de la historia del rock, es uno de los tres protagonistas principales de este excelente documental, que traza 40 años de historia de la leyenda del hard-progresivo, dirigido por Scott McFadyen y Sam Dunn, los responsables de Metal: A Headbanger's Journey, Global Metal y Iron Maiden: Flight 666.

Hay muchos relatos dentro de la narración. Uno es la amistad eterna entre Lee y el guitarrista Alex Lifeson, con sus historias de padres inmigrantes, su vida en los suburbios y una relación que arranca en el colegio. Otro, la particular personalidad de Neal Peart, uno de los bateristas más admirados de la historia, además de autor de muchas de las letras del grupo. También se toca el tema de la distancia generada entre la música de la banda y su recepción en la crítica, donde nunca han sido valorados en la proporción a la convocatoria y la adulación de sus fans. ¿Un trato injusto? Largo para hablar. Si el único que tenemos para decir es que Rush es una banda anti-cool, pro-nerd y cosas por el estilo, como argumento sería pobre, prejuicioso, canchero y reduccionista. Sí podríamos afirmar que Rush es una banda más complicada que compleja, propensa a enmarañarse para impresionar, con textos un tanto cándidos y new age. Musicalmente, siempre fueron definidos como "una mezcla de Led Zeppelin y Yes", aunque más bien parezcan un híbrido entre ambos. Por supuesto, la valoración artística de Rush está apoyada en el film por testimonios de fans como Kirk Hammett (Metallica), Sebastian Bach (Skid Row), Billy Corgan (Smashing Pumpkins), Vinnie Paul (Pantera), Jack Black y Trey Parker (South Park). Podrían haber sido también miembros de bandas tan actuales como Muse, Mars Volta, Battles o Catupecu Machu, por hablar de bandas que admiten (aunque sea subliminalmente) su influencia.

De todas formas, no es la reivindicación crítica el gran tema de Beyond The Lighted Stage, sino el viaje y los desplazamientos de tres músicos con una visión y un tesón envidiable.

http://www.si.clarin.com/2010/08/24/artistas/02207514.html

Rush: Beyond The Lighted (Trailer)

viernes, 27 de agosto de 2010

Jimmy Page / Zoso Photo Autobiography


Jimmy Page y una autobiografía un tanto costosa

Por Facundo Trotta
26 de Agosto de 2010


El guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, es un hombre que seguramente tiene muchas historias interesantes para contar. Es por eso que el anuncio de la publicación de una autobiografía fotográfica, con más de 650 fotos, es sin dudas una gran noticia.

Ahora, si esa autobiografía cuesta 668 dolares, algo pasa. La justificación para tan elevado precio es que Mr. Page se encargará personalmente de autografiar cada una de las 2500 copias que se publicarán. Jimmy Page (el libro, no la persona) será una edición de lujo, con impresión en papel de la mejor calidad, tapas de cuero y demás detalles, que darán como resultado un trabajo seguramente impresionante, pero de precio prohibitivo para la mayoría de los bolsillos.

El libro, que contendrá mas de 650 fotografías, se pondrá a la venta el 27 de septiembre. Page no descartó sacar en el futuro una nueva edición de este trabajo a un precio y más accesible. Por ultimo, también comentó la posibilidad de escribir un libro para ser publicado tras su muerte. Jimmy Page, ¿un hombre volcado al mercado editorial?

http://cucharasonica.com/2010/08/jimmy-page-y-una-autobiografia-un-tanto-cara

Jimmy Page Led Zeppelin Solos

jueves, 26 de agosto de 2010

Stevie Ray Vaughan / The Sky Is Crying


Se cumplen 20 años de la muerte de Stevie Ray Vaughan

Hace dos décadas nos dejó uno de los más grandes guitarristas que ha a dado la historia de la música. Desde luego, su figura creció tras su repentina muerte. Con su impresionante forma de tocar la guitarra, Stevie Ray Vaughan –SRV- fue el encargado de iniciar la recuperación del blues en los años 80.

Fue sorpresivo, violento, tremendo. Después de tocar nada menos que con Buddy Guy y Eric Clapton, Stevie decidió tomar el asiento disponible en el helicóptero que lo llevaría hacia Chicago. Pocos minutos después del despegue el helicóptero cayó, acabando con la vida de un todavía joven Stevie Ray Vaughan. A los 35 años de edad se apagaba la brillante estrella tejana del blues.

El 3 de octubre de 1954, Jim y Martha Vaughan se emocionaron al saber que Stevie, su segundo hijo había nacido muy sano en un hospital de Dallas.

Su hermano Jimmie, de tres años, miraba a ese bebé con cara de desconcertado, como todos los hermanos. Nueve años después, cuando Jimmie ya integraba algunas bandas con sus amigos, Stevie decidió aprender a tocar la guitarra, para nunca más despegarse de ella.

En 1976 SRV formó su primer banda -"Triple Threat Revue"- pero los cambios se fueron sucediendo hasta que en 1980 nace "Stevie Ray Vaughan & Double Trouble". De ahí en más, todos los sucesos que ocurrirían contribuirían en gran manera a crear el mito.


La banda tocaba sin problemas y con ganas, hasta que en 1982, Mick Jagger y Keith Richards -voz y guitarra de Los Rolling Stones, respectivamente escucharon a SRV y se quedaron tan impresionados que lo invitaron a tocar a una fiesta privada.

Lógicamente, con esos contactos se podía llegar a cualquier lado, y fue así no más. A fines de ese año, Vaughan y su banda fueron invitados a presentarse en el cotizado Festival de Montreaux, en Suiza, siendo el primer artista en la historia del evento en participar sin tener grabación alguna. Uno de los asistentes quedó impresionado con la técnica del guitarrista, y después de pedir conocerlo, lo invitó a participar en su próximo trabajo. Así, en "Let's dance", una muy buena obra de David Bowie, aparece la guitarra aguijoneante de SRV. Otros músicos que estaban en Montreaux también solicitaron los servicios del chico maravilla, pero sólo uno le ofreció su estudio para grabar. De esta manera, Jackson Browne dio el puntapié inicial para el mito quedara registrado. Así aparece "Texas Flood", que inmediatamente pasa a ser una pieza de colección exitosa.

El 26 de agosto de 1990 en Alpine Valley, Wisconsin se llevó a cabo un gran concierto blusero. Además de Stevie Ray Vaughan, estuvieron sobre el escenario su hermano Jimmie, Eric Clapton, Buddy Guy y Robert Cray. Al finalizar su toque, pasada la medianoche, Stevie abordó un helicóptero para volver a su hotel de Chicago.

El piloto no divisó en medio de la densa niebla una montaña y la nave se estrelló, muriendo los cuatro tripulantes que iban en ella.
Hoy, un buen blues sonará en todo el mundo, para recordarlo y mantenerlo vivo por siempre.

http://www.mdzol.com/mdz/nota/233497-A-20-anos-de-la-muerte-de-un-grande-de-la-musica-Stevie-Ray-Vaughan/

Pride and Joy -Stevie Ray Vaughan -Live at Montreux Switzerland- (1982)

miércoles, 25 de agosto de 2010

Jim Jarmusch / Iggy Pop Documentary Film


Jim Jarmusch filmará un documental sobre Iggy Pop.

24/08/2010 - 15:08


El director y guionista Jim Jarmusch ha anunciado que planea hacer un documental sobre Iggy Pop. El cineasta ha afirmado que ha sido el músico quien se ha puesto en contacto con él para realizar el proyecto.

"Iggy Pop me pidió que lo hiciera", explica el cineasta en una entrevista concedida a Pitchfor. Todo un reto que el director de 'Stranger Than Paradise' asume sin temblarle la voz. Jarmusch dice que ha aceptado porque tiene una regla: "si Iggy planea hacer algo en 150 kilómetros a la redonda, siempre me acerco".

Nuevos proyectos a la vista

"Va a llevar algunos años", confiesa. Sin embargo, esto es algo que a Iggy Pop, tal y como recalca el director, no parece importarle.

El documental sobre el músico no es el único proyecto que Jarmusch tiene entre manos. El cineasta ha vislumbrado algunos detalles de su nuevo trabajo. Se trata de la continuación de 'The Limits of Control'.

"Tengo en proyecto mi nuevo filme que es realmente más importante para mí. Espero poderlo sacar a principios del próximo año con Tilda Swinton y Michael Fassbender y Wasikowska Mia", añade.El cineasta ha explicado que tiene que hacer frente a problemas de financiación pero que "está trabajando en ello".


http://ecodiario.eleconomista.es/cine/noticias/2395587/08/10/Jim-Jarmusch-grabara-un-documental-sobre-Iggy-Pop.html

Iggy Pop - King Of The Dogs (Live at France Inter-May 29th 2009)

martes, 24 de agosto de 2010

Soundgarden | A Grunge Telephantasm


Soundgarden: Lanza un nuevo álbum, “Telephantasm”

La banda ícono del grunge volvió a la actividad con tres shows y un flamante disco que resumirá su carrera.

Con Chris Cornell poniéndole una pausa a su carrera solista, Soundgarden ha vuelto a la vida para realizar algunos conciertos y publicar un nuevo disco, el cual ya tiene fecha de edición.

El material verá la luz bajo el título "Telephantasm", y llegará a las bateas de todo el planeta el lunes 27 de septiembre del corriente año. También, la edición tendrá otra particularidad: cada persona que adquiera el nuevo Guitar Hero: Warriors Of Rock, se llevará una copia del álbum.

Así, este trabajo es el primero que los héroes del grunge realizan en catorce años, oportunidad en que sacaron al mercado Down On The Upside (1996). A diferencia de aquel, este disco tendrá la particularidad de ser retrospectivo.

Aquí, por primera vez, se podrán escuchar en una sola pieza todos los clásicos de la banda. Además, contará con la particularidad de que se agregará una canción nueva, "Black rain", la cual fue extraída de las sesiones de grabación de Badmotorfinger (1991).

Recordemos que, previo a este lanzamiento, Cornell, Kim Thayil, Ben Shepherd y Matt Cameron se reunieron para subirse a un escenario desde 1998. La cumbre se realizó en el Showbox Theater de su ciudad natal, Seattle. Luego se presentaron en el Vic Theatre y tuvieron el honor de cerrar el festival Lollapalooza 2010.

http://www.10musica.com/notas/150293-soundgarden-lanzara-su-nuevo-album-telephantasm

Room A Thousand Years Wide (Single Version)- Soundgarden's "Telephantasm"

lunes, 23 de agosto de 2010

Neil Young / “Le Noise”


Neil Young lanza "Le Noise", su nuevo disco.

Lunes, 23 de Agosto de 2010

Neil Young estaba preparando su nuevo disco en Los Angeles junto al productor Daniel Lenois. Ahora Young anunció a sus seguidores que su nueva producción es Le Noise y que será lanzado en CD, vinilo y a través de iTunes el 28 de septiembre.

A fines de noviembre estará disponible en Blu-Ray y también a través de una aplicación tanto para el iPhone como para el iPad. Según comentó Young, la app será gratuita y le permitirá a los que la descarguen tener un arte de tapa interactivo.

La mayoría de los temas que formarán partes de Le Noise fueron presentados por el canadiense en uno de los últimos shows que dio en Edmonton Canadá. Uno de ellos trató acerca de un tema autobiográfico, las experiencias con drogas a través de sus primeros años de carrera.

El productor Daniel Lanois, que ha colaborado con artistas como U2 y Bob Dylan, comentó a la revista Rolling Stone que "hicimos un par de canciones acústicas, pero el resto es bastante eléctrico." Y añade, "no hay nada que se le parezca".
Neil Young - Angry World - Le Noise Album

domingo, 22 de agosto de 2010

Pink Floyd / Zabriskie Point (1970) Original Motion Picture Soundtrack

Viaje olvidado

En 1970, Michelangelo Antonioni quiso abordar el movimiento hippy en una película, a la que llamó Zabriskie Point. Y para la banda de sonido convocó al grupo psicodélico que, creyó, mejor interpretaría su visión: Pink Floyd. La reciente edición de una versión extendida de dos discos con la música ya conocida de la película, más un segundo CD con outtakes, grabaciones nunca escuchadas previamente, sirve para volver a ese punto de inflexión en el choque entre la cultura del flower power, la vanguardia intelectual de la generación anterior y el establishment hollywoodense.



Domingo, 22 de agosto de 2010
Por Alfredo García

Durante mucho tiempo, varios LPs con soundtracks originales con música de Pink Floyd de films fueron totalmente desconocidos por los fans argentinos de la banda fundada por Syd Barrett. En especial More, de 1969, con los temas del film de Barbet Schroeder sobre las andanzas drogonas de Mimsy Farmer en Ibiza, y también Obscured by Clouds, que incluía las canciones del soundtrack de otro film de Schroeder, el extraño viaje hippy–antropológico Le Valée. Dado que ambos films estuvieron prohibidos en la Argentina de los ‘70 (y aún son difíciles de encontrar en DVD, mucho menos en ediciones subtituladas al castellano), el disco más conocido con música para cine de los Floyd era el LP con la banda de sonido original de Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni.

Sólo que a diferencia de los otros dos álbumes citados, Zabriskie Point formó parte de la discografía oficial del grupo de Waters, Gilmour, Mason y Wright, ya que el LP incluye temas de otras bandas como Grateful Dead y The Youngbloods, a pesar de que originalmente fueron los Floyd los músicos convocados por el cineasta italiano famoso por La aventura y El eclipse.

La reciente edición de una versión extendida de dos discos con la música ya conocida de Zabriskie Point, más un segundo CD con outtakes, grabaciones nunca escuchadas previamente, sirve para volver a ese punto de inflexión en el choque entre la cultura del flower power, la vanguardia intelectual de la generación anterior y el establishment hollywoodense.

En realidad, el cineasta de vanguardia en cuestión no tenía mucho que ver con el rock o la estética psicodélica, y eso a pesar de que su reciente y muy exitosa Blow Up era un retrato perfecto del Swinging London, incluyendo una mítica performance de The Yardbirds justo en el breve momento en que dos de los grandes violeros de todos los tiempos, Jimmy Page y Jeff Beck, convivían en la banda.

Que Antonioni era de otro palo quedó claro en su siguiente proyecto, un desastre memorable que logró casi aniquilar por completo la carrera internacional de su director.

El proyecto flower power de la MGM Zabriskie Point (1970) tenía un argumento imposible de seguir sobre la relación entre una antropóloga, un fugitivo hippy acusado de matar a alguien durante una protesta antiestablishment y un ejecutivo straight insertado bastante a la fuerza en la trama, encarnado por Rod Taylor.

Los miembros de Pink Floyd nunca quedaron conformes con su colaboración con Antonioni para Zabriskie Point. Pocos saben que el director italiano convocó originalmente a los Doors, que llegaron a proveer su tema “L’America”, pero que Michelangelo Antonioni dejó afuera del film. Esto daría la razón a los Pink Floyd, que contaban que no había modo de satisfacer al cineasta italiano, quien incluso dejó fuera del score un tema que luego aparecería en The Dark Side of the Moon como “Us and Them”. “El decía siempre cosas como ‘este tema es demasiado lento, ¿no lo pueden volver un poco mas movido?’”, contaron los músicos tiempo después.

En cambio, el director explicó alguna vez que los Pink Floyd no parecían muy dispuestos a trabajar demasiado en el soundtrack, y se pasaban prometiendo más material musical que nunca terminaban de grabar (algo parecido a lo que contó Stanley Kubrick cuando, luego de pedirle a Pink Floyd música para 2001, tuvo que terminar usando valses vieneses).

Finalmente en el film hay música de Jerry Garcia y sus Grateful Dead mezclada con los Youngbloods, los Rolling Stones y The Kaleidoscope, y el único tema de Floyd al que realmente se le da importancia en relación con las imágenes es una tema preexistente, al que sólo le cambiaron el nombre: “Come in Number 51, your Time is Up”, utilizado en la escena en la que todo explota como en un mal ácido; no es otra cosa que el viejo instrumental “Careful with that Axe Eugene”, uno de los puntos culminantes del Pink Floyd inmediatamente anterior a la salida del líder y fundador de la banda, Syd Barrett. La única canción realmente nueva es la excelente “Crumbling Land”.

En los créditos originales, la música de Zabriskie Point figura a cargo de Pink Floyd y Jerry Garcia. La insistencia de Antonioni por tener temas menos lentos tiene una buena evidencia en el muy interesante doble CD con outtakes recién editado por Sony en la Argentina (el mismo material circula desde hace años en distintas ediciones extranjeras, incluyendo una muy recomendable de Rhino Records). Como todo el segundo CD con material inédito está sólo a cargo de piezas de Pink Floyd y algunas variaciones en guitarra de Jerry Garcia, es una experiencia sonora mucho más coherente que el disco con los temas ya conocidos del film. Por otro lado, en defensa de Pink Floyd aparecen dos o tres temas realmente contundentes, como “Red Queen” y “Rain in the Country”, que perfectamente podrían haber dejado por satisfecho al director italiano.

A diferencia de Blow Up, Zabriskie Point fue un estrepitoso fracaso comercial. Costó 7 millones de dólares y apenas llegó a recaudar menos de un millón, eliminando todo interés posterior de Antonioni en nada que tuviera algo que ver con el rock o el flower power. De hecho no pudo volver a filmar hasta la excelente El pasajero, con Jack Nicholson, de 1975.

Como síntesis general del intento fallido de Antonioni de intelectualizar el hippismo, basta este fragmento de la crítica de la época publicada en Chicago Sun Times por Roger Ebert: “Esta es una película tan estúpida, llena de referencias a una ideología que no comprende, que directamente da pena. Antonioni intentó hacer una obra seria, pero el resultado no llega a tener la profundidad de una película de fiesta playera”.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-6407-2010-08-22.html

Pink Floyd - Country Song (The Red Queen Theme)
From Michelangelo Antonioni´s "Zabriskie Point"

jueves, 19 de agosto de 2010

Nick Cave & The Bad Seeds / Reflexivas Tormentas Pasadas




Nick Cave: Reediciones del Período Reflexivo

Por Fernando Navarro
(Jueves 19 Agosto de 2010)


Regocijo. El sello Mute, dentro de la discográfica EMI, prosigue su tarea de reedición de los discos de Nick Cave con una reciente entrega triple compuesta por “Tender Prey” (1988), “The Good Son” (1989) y “Henry’s Dream” (1992). Para los iniciados en el artista australiano, buena oportunidad para apreciar la grandeza compositiva de este músico distinto, nada convencional y repleto de revelaciones. Por su parte, para sus seguidores, se trata de un buen pastel musical que llevarse a la boca porque se incluyen los discos remasterizados con extras y un DVD que acompañan a esta edición de lujo donde nos encontramos joyas de alto calibre visual.

Estos tres álbumes constituyen una etapa que se puede considerar “reflexiva” en la carrera del cantante, pero con su buena dosis de tormento. “Tender Prey” tomó forma en un momento de su vida con mucho descontrol. El disco, repleto de imaginación y oscuridad, ponía fin a la etapa berlinesa. Y tiene algo de momento histórico en la carrera de Cave y sus Bad Seeds porque guarda un cambio, una evolución muy marcada de toda la banda. Dedicado a Fernando Ramos da Silva –muerto a tiros por la policía brasileña a los 19 años–, el álbum contó con el acompañamiento de un trío de cuerda en algunas canciones. Como extras, esta reedición incluye versiones acústicas, de sorprendente aplomo, de ‘Girl at the Bottom of my Glass’, ‘The Mercy Seat’, ‘City of Refuge’ o ‘Deanna’.

“The Good Son” se publicó en 1990, cuando Nick Cave se instaló en Brasil, en la ciudad de San Pablo. Fue allí a recuperarse de la vida londinense, de los excesos de la noche británica, en un plan de desintoxicación. San Pablo le ofrecía otras visiones y otra cultura al músico australiano. Muchos no entendieron este cambio, ya que Cave abandona el lado visceral de su música. Esta nueva situación trajo un álbum lleno de temas lentos, con envolventes orquestaciones de cuerda y letras minimalistas de fuerte carga espiritual. En esta línea, se incluyen en el DVD de audio temas como ‘The Train Song’ y ‘Helpless’.

Cerrando esta triple entrega de reediciones, “Henry’s Dream”, un disco adorado por muchos seguidores de los Bad Seeds. Al mismo tiempo, es controvertido por su difícil gestación, pues Cave no quedó satisfecho con la producción de David Briggs. Este prefería un método en vivo en el estudio que utilizó con Neil Young. Esto llevó a que Cave y Mick Harvey remezclaran el álbum, y a que se incluyeran muchas de sus canciones en el disco en vivo “Live Seeds”, ya que Cave quería hacer justicia a los temas. La portada fue diseñada por Anton Corbijn. En esta reedición se intenta hacer justicia con el pasado. Aparte del acústico de “Blue Bird”, ‘Jack the Ripper’, se incluyen versiones en directo de temas tan apabullantes como ‘The Good Son’, ‘The Mercy Seat’, ‘The Carny’ y ‘The Ship Song’.

Nick Cave & The Bad Seeds-City of Refuge- Álbum “Tender Prey”




The William Savory Collection / The National Jazz Museum in Harlem


La piedra rosetta del jazz

Un museo adquiere la Colección Savory, un tesoro de grabaciones inéditas de la era dorada del género registradas por uno de los ingenieros que inventó el elepé

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ - Madrid - 19/08/2010

En los mentideros del jazz no paraba de hablarse de ella aunque nadie había podido verificar su existencia. La Colección Savory constituía una de esas leyendas románticas que alimentan los sueños húmedos del aficionado. Un verdadero tesoro escondido de grabaciones inéditas procedentes de la edad dorada del género. Lo nunca escuchado de los más grandes: de Louis Armstrong a Billie Holiday o Count Basie. Durante décadas, el autor de las grabaciones, un oscuro y excéntrico ingeniero de grabación llamado William Savory, impidió celosamente el acceso a las mismas con muy pocas excepciones. Hasta ahora.

El National Jazz Museum, en Harlem (Nueva York), ha anunciado la adquisición de la colección, compuesta por 975 discos de aluminio y vinilo. Las grabaciones, todas inéditas, fueron hechas por Savory a partir de retransmisiones radiofónicas, entre los años 1935 y 1941. Su calidad técnica, se asegura, es excepcional para la época.

Los discos registrados por Savory permiten escuchar a los grandes iconos de la era del swing a sus anchas y sin las limitaciones de tiempo que imponían los discos de 78 revoluciones por minuto. Entre los artistas representados, se hallan los más grandes directores de orquesta -Count Basie, Lionel Hampton, Artie Shaw o Benny Goodman- y solistas: Lester Young, Fats Waller... Al margen del jazz, la colección incluye grabaciones en directo de Arturo Toscanini y Eugene Ormandy y alocuciones a cargo de Franklin D. Roosevelt, el papa Pío XII y James Joyce.

William Savory (de nacimiento William Desavouret) vino al mundo un día de junio de 1916 a bordo del transatlántico Mauretania. Sus padres, franceses, esperaban encontrar en el Nuevo Mundo un lugar para establecerse lejos de la contienda que en esos días asolaba el continente europeo. Lo encontraron en la soleada California, donde William pasó sus primeros años.

Convertido en músico profesional, viajó a Nueva York para grabar una cinta de demostración en un estudio discográfico. Su estreno como músico no pudo empezar de peor manera: a poco de iniciada, la sesión hubo de abortarse por una avería en el aparato grabador. William se ofreció a arreglar el fallo mecánico e inmediatamente fue contratado como técnico de mantenimiento y especialista en grabaciones radiofónicas.

A lo largo de un lustro, el micrófono de Savory registró la música de las grandes estrellas del espectáculo en sus presentaciones radiofónicas en vivo. También los momentos íntimos de complicidad fuera de los focos. Así, entre las grabaciones que el National Jazz Museum pondrá a disposición del aficionado, puede escucharse a Benny Goodman interpretando Oh, lady be good! acompañado únicamente por un clavicordio; o a la gran Billie Holiday versionando su Strange Fruit un mes después de su grabación original. El 29 de mayo de 1938, Savory grabó el Carnaval de Swing que tuvo lugar en el Randall's Island Stadium, considerado el primer festival de jazz al aire libre de la historia, del que solo se sabía por los reportajes que ofrecieron los noticieros de la época.

La entrada en guerra de EE UU puso fin a la experiencia. Savory pasó a colaborar con el Ejército en la creación de un radar para aviones de combate y como piloto. De vuelta en casa, formó parte del equipo que ideó el disco de 33 1/3 revoluciones por minuto. Sus posteriores experimentos con el sonido en dos canales se anticiparon en un año a la aparición del primer disco estereofónico.

http://www.elpais.com/articulo/revista/agosto/piedra/rosetta/jazz/elpten/20100819elpepirdv_3/Tes

Billie Holiday - Strange Fruit

miércoles, 18 de agosto de 2010

Nelly Omar/Embajadora del Tango Argentino


Nelly Omar, embajadora del tango a los 98 años

18/08/10 - 10:02

La cantante fue designada por la Secretaría de Cultura de la Nación por ser "una leyenda entre las voces femeninas".

La cantante Nelly Omar fue declarada "Embajadora del Tango" por la Secretaría de Cultura de la Nación.

La artista, cuyo verdadero nombre es Nilda Elvira Vattuone, fue nombrada "Embajadora del Tango" por ser "considerada una verdadera representante de la Cultura Nacional, tanto por sus dotes de cantante, autora y compositora como de actriz siendo éstos, sólo algunos de sus atributos artísticos".

"Es una de las leyendas entre las voces femeninas del tango y siempre se ha destacado por su generosidad y su honestidad, de lo que ha hecho un culto a lo largo de su prolongada existencia, siendo un verdadero ejemplo de fortaleza, valor y lealtad a un ideal", señala un decreto publicado hoy en el Boletín Oficial.

Nelly Omar, que el próximo 10 de septiembre cumplirá 98 años y más de 70 con la música popular, se encontró ayer con la presidenta Cristina Kirchner.

http://www.clarin.com/espectaculos/tango-Nelly_Omar_0_319168245.html

Nelly Omar & El Arranque- Théâtre National de Chaillot - París, France (2000)

Herman Leonard / "The Eye Of Jazz"

Murió el gran fotógrafo Herman Leonard

Miércoles 18 de agosto de 2010 11:48 AM


Nueva York/Los Ángeles.- El fotógrafo estadounidense Herman Leonard, autor de inolvidables retratos de astros del jazz como Billie Holiday, Charlie Parker, Louis Armstrong, Frank Sinatra o Miles Davies, murió el pasado día 14 a los 87 años en un hospital de Los Ángeles, informa hoy "The New York Times".

Leonard, que se hizo famoso por sus legendarias fotografías en blanco y negro tomadas entre bambalinas, está considerado uno de los principales cronistas del panorama del jazz de mediados del siglo pasado. Sus estilizadas instantáneas presentan salas oscuras, relucientes micrófonos y mucho humo de cigarros, recordó DPA.

La carrera del artista comenzó en los años 40. Entre 1948 y 1956 fotografió el mundo del jazz en Nueva York, y luego se mudó a París. En 1985 se publicó su libro "The Eye of Jazz" en Francia, al que siguieron varios más. En los 80 se instaló en Nueva Orleans, y el huracán "Katrina" destrozó en 2005 más de 8.000 de sus históricas fotografías. No obstante, antes ya se había ocupado de poner a buen recaudo los negativos.

http://internacional.eluniversal.com/2010/08/18/til_ava_murio-el-fotografo-h_18A4351691.shtml


La Herencia Jazzística De Herman Leonard



Martes 17 de agosto 2010

El mundo dice adiós al autor de las legendarias fotos de Duke Ellington, Luis Armstrong y Frank Sinatra. El fotógrafo "tras bambalinas" Herman Leonard murió a la edad de 87 años en el hospital Cedars-Sinai en Los Ángeles. Su herencia son las imágenes en blanco y negro que integran una crónica singular de la época de florecimiento del jazz en la cultura musical del mundo.

Al volver de servir como anestesista en el Hospital americano de campo en Birma durante la Segunda Guerra Mundial, el joven Leonard cambió su residencia de Pensilvana a Nueva York, ciudad donde pretendía avanzar en su carrera de fotógrafo para la que se preparó en la Universidad de Ohio. Herman Leonard acordaba con los dueños de los clubes de jazz estar presente tras bambalinas durante los ensayos de los músicos. Así vieron la luz ahora famosas imágenes como la del saxofonista Dexter Gordon entre una nube de humo de cigarro; la de Billie Holiday y muchas otras. En 1956 fue el fotógrafo personal del actor Marlon Brando, y el fotógrafo oficial del Festival de jazz en Montreal, Canadá en 2009.

“Durante su larga carrera, Herman captaba con su cámara imágenes fuertes y de gran belleza. Pero la importancia de sus fotos de jazz sobrepasan su atración visual. Son documentos de importancia histórica que catalogan el desarrollo de uno de los géneros de arte más geniales en la historia de norteamérica. No se puede sobrevalorar el precio del archivo de Herman para nuestra herencia musical del país. Cuando la gente piensa en jazz, en su mente aparece una foto de Herman”, destacó Quincy Jones, compositor y músico estadounidense.

Su colección cuenta con unos 60 mil de negativos que lograron salvarse de la destrucción en agosto de 2005, cuando la costa sureña de EE. UU. sobrevivió al huracán Katrina. La colección única fue catalogada digitalizada en 2008, lo que fue el pretexto para entregar a Herman Leonard el premio musical Grammy. Leonard fue el primer fotógrafo profesional que obtuvo este premio.
http://actualidad.rt.com/TiempoLibre/Personalidades/issue_12569.html

Herman Leonard's Jazz Photographs

martes, 17 de agosto de 2010

Deep Purple Mark IV / Come Taste The Band (El Principio del Fin)




Deep Purple: "Gettin´Tighter" Trailer de su próximo DVD/Blu-Ray

Un trailer de tres minutos que resume el contenido de Gettin´Tighter (el próximo DVD de Deep Purple) está ya disponible como adelanto del contenido de lo que promete ser un gran documental acerca de uno de los períodos más turbulentos en la historia de la banda.

Gettin' Tighter documentará la vida en el seno interno de Deep Purple durante el año previo a su disolución inicial, en 1976. Contendrá entrevistas con Glenn Hughes y con el teclista y miembro fundador Jon Lord que revelan los problemas que sufrió Deep Purple durante su gira mundial de 1975, y que terminaron con la disolución del grupo.

En el DVD/Blu-Ray encontrarás imágenes de archivo de la gira de presentación del álbum Come Taste The Band, con entrevistas con Tommy Bolin, David Coverdale e Ian Paice, además de imágenes inéditas del grupo en concierto interpretando clásicos como 'Smoke On The Water', 'Burn' y 'Highway Star', y temas de la "Come Taste The Band", como 'Love Child' o 'You Keep On Moving'. Son imágenes que forman parte de la película inédita Deep Purple Rises In Japan, que aparecerá íntegra en este nuevo DVD/Blu.Ray.

Deep Purple - Gettin' Tighter Film Trailer


Deep Purple - Mark IV





Cuando Ritchie Blackmore abandonó Deep Purple en la primavera de 1975, muchos pensaron que eso supondría la muerte del grupo. Sin embargo, la entrada de Tommy Bolin trajo aire fresco y revitalizó su música. Con él a la guitarra realizaron una de sus mejores (y más infravaloradas) grabaciones. Al escuchar el “Come Taste The Band”, me pregunto por qué no volvieron a la senda del éxito. Pero ¿tuvieron alguna opción? ¿O en realidad la semilla del desastre estaba ya ahí, esperando a germinar en cuanto salieran del estudio a la carretera? Es difícil de responder. Lo cierto es que ocho meses después, tras una de las giras mundiales más apocalípticas de la historia del rock, Deep Purple dejaba de existir. Sus componentes habían sucumbido ante los problemas personales, la lucha de egos y el peso de la púrpura.

Pero mejor comenzar por el principio: el día en que se plantea la cuestión de buscar sustituto a Blackmore. Esa tarde de junio, David Coverdale propone a un joven guitarrista americano, versátil, talentoso y buen compositor, llamado Tommy Bolin, al que conocía a través de los discos de James Gang y de un disco de jazz-rock del batería Billy Cobham titulado “Spectrum”. Al resto de la banda no le parece mal, pero, ante la imposibilidad de localizarlo, deciden probar a Clem Clempson, de Humble Pie. Las tres noches de ensayos con él no salen bien y Clempson regresa a casa. Jon Lord piensa entonces en tirar la toalla y dar por cerrada la historia del grupo, pero Coverdale insiste sobre Bolin.

Finalmente consiguen contactar con él, para darse cuenta de que en realidad vivía a sólo tres kilómetros del centro de operaciones de la banda en Los Angeles. Lo convocan a una prueba y, a pesar de que el guitarrista llevaba dos días sin dormir preparando su propio disco, esta vez la cosa funciona. “Vino y al instante hubo magia”, comenta el manager del grupo en una entrevista de la época. “Desde el primer par de compases supimos inmediatamente que él era el tipo. Le gustamos, nos gustó, y ese fue el punto de partida”. Habían encontrado nuevo guitarrista.

Todas esas declaraciones a la prensa de los primeros meses transmiten un clima idílico. Todo son manifestaciones acerca de lo bien que se sienten ahora como grupo. Bolin expresa respeto hacia el legado de Deep Purple, alaba la capacidad de sus colegas y afirma que con ellos al lado toca mejor que nunca. Por su parte, los veteranos del grupo, con Jon Lord a la cabeza, se muestran compresivos hacia el nuevo miembro y elogian su adaptación. Incluso aparece Ritchie Blackmore, desde la distancia, para opinar que sus excompañeros han acertado de pleno al elegir a su sustituto: “Tommy Bolin es muy bueno, uno de los mejores”. Lo más sorprendente es que todos parecen sinceros, y, de hecho, es muy probable que lo fueran.

No obstante, pronto queda claro un hecho que arroja algo de sombra sobre la nueva formación, y es que Bolin no está muy interesado en aparcar su incipiente carrera en solitario. En agosto, el grupo se desplaza a Munich para grabar “Come Taste The Band” y, nada más finalizar, el guitarrista regresa a EE. UU. para terminar su propio disco, “Teaser”, que había dejado a medias al unirse a Deep Purple. Sus nuevos compañeros lo aceptan sin problemas, pero esto, además de probar que Bolin no se siente completamente realizado con la música del grupo, acarreará la consecuencia negativa de que ambos discos lleguen a las tiendas casi a la vez.

“Come Taste The Band” aparece en octubre y, a pesar de las reticencias iniciales de la prensa inglesa (sobre todo hacia ese yankee que va a tocar la guitarra en una de las vacas sagradas del rock británico), el disco recibe reseñas favorables. La mayor parte de la crítica ve el disco como lo que es: una vibrante fusión de soul, rock y funk, con la que Deep Purple daba un paso adelante. El reseñista de UK music paper, por ejemplo, escribía: “En total, “Come Taste The Band” surge como un álbum realizado por una unidad creativa fresca y viva, a años luz del tedio de “Stormbringer””. Y añade un poco más adelante: “Muestran aquí que todavía son una banda viable, capaz de producir música interesante y excitante”. Las expectativas, por tanto, parecían halagüeñas.




Con un resquicio para la esperanza, arrancaba a principios de noviembre la primera gira mundial de la nueva formación de Deep Purple. Su discurrir sería desastroso, pero eso queda para la segunda parte del artículo.

En noviembre de 1975, Jon Lord, Ian Paice, David Coverdale, Glenn Hughes y Tommy Bolin parten hacia Honolulu, punto de arranque de su primera gira mundial juntos. El itinerario había sido planificado para que la nueva formación de Deep Purple se rodara en Asia y Oceanía y llegara a EE. UU. y, sobre todo, al Reino Unido en perfecta forma. Paradójicamente, sucederá lo contrario: los primeros conciertos serán los mejores. Después todo irá empeorando poco a poco.

A pesar de que sobre el escenario la gira empieza bien, fuera de él se produce ya un hecho trágico que no parece augurar nada bueno. En el hotel de Yakarta uno de los roaddies del grupo cae accidentalmente por el hueco del ascensor. Ensangrentado y quemado por el agua caliente de las tuberías que ha roto durante la caída, logra salir por su propio pie y llegar a la recepción para pedir ayuda, pero fallece en la ambulancia camino del hospital. Como consecuencia, dos miembros del equipo y el manager de la banda son detenidos bajo acusación de asesinato. Les retienen hasta que un par de días después el testimonio de dos testigos demuestra su inocencia.

Durante la noche posterior al incidente, Deep Purple actúa ante 150000 personas con una fuerte presencia policial. Al poco de comenzar el concierto, la policía carga contra el público, utilizando incluso perros, que muerden a varios espectadores ante la mirada horrorizada de los músicos. El resultado son 200 heridos de gravedad y un recuerdo de pesadilla para los miembros del grupo.

A nivel personal, las fricciones no tardan en aparecer. Muy pronto se forman dos grupos dentro de la banda: por un lado estaría la vieja guardia, Lord y Paice, y por el otro Bolin y Hughes, quedando David Coverdale en medio.

A los veteranos les desagrada el comportamiento de los dos más jóvenes. Bolin arrastra un serio problema de adicción a la heroína que se agrava durante esos meses, estropeando su carácter y afectando en ocasiones a su manera de tocar la guitarra. Por si fuera poco, Glenn Hughes está cada vez más enganchado a la cocaína. A lo largo de la parte americana de la gira, dos traficantes siguen al grupo como buitres carroñeros, asegurándose de que al bajista no se le acabe el suministro.

Por su parte, tanto Bolin como Hughes sienten un creciente rechazo a tocar los clásicos de Deep Purple, con los cuales no se sienten identificados. Otro disgustado con la selección de temas a interpretar es Coverdale, quien ve cómo en cada concierto tiene que pasar más tiempo a un lado del escenario, cruzado de brazos, mientras observa las interminables exhibiciones instrumentales de sus compañeros.





A lo anterior se añaden las consecuencias derivadas de la deficiente promoción en EE. UU. de “Come Taste The Band”. Muchos actos promocionales del disco se convierten en una pequeña tortura para los miembros de la banda, sobre todo cuando comprueban que la discográfica de Bolin ha hecho mejor trabajo al respecto que la suya. En gran parte de las tiendas a las que acuden sólo se le presta atención al guitarrista y su disco.

A pesar de todos los problemas, en EE. UU. todavía hay buenos momentos sobre el escenario, noches en las que la magia fluye. Pero la suerte está ya echada y en el Reino Unido, ante un público hostil, el grupo colapsará finalmente.

A principios de marzo, Deep Purple regresa a casa, descubriendo que allí los seguidores del grupo aún no han aceptado a Tommy Bolin como nuevo guitarrista. Durante las actuaciones hay personas entre el público que gritan: “¿Dónde está Blackmore?”, poniendo nervioso a Bolin, que acusa la presión y hace lo peor que un músico puede hacer en esas circunstancias: parar el concierto y comenzar a discutir con los espectadores.

David Coverdale defiende a su compañero a través de la prensa: “Tommy es un zíngaro nómada en la tierra de la guitarra. Puede tanto cortar la respiración con su talento como ser aburrido y mundano. Normalmente corta la respiración”. A pesar de los esfuerzos del cantante, ya no hay nada que hacer. La magia había desaparecido y, el 15 de marzo en Liverpool, el concierto termina entre silbidos y con Coverdale llorando de frustración. Tras suspender el resto de la gira, Deep Purple deja de existir y cada uno de sus componentes se marcha por su lado.

Así terminaba la más efímera y elegante formación de Deep Purple. También la única que nunca se podrá volver a unir, puesto que Tommy Bolin falleció el cuatro de diciembre de 1976 en una habitación de hotel de Miami, víctima de su adicción a la heroína. Sólo nos quedan las grabaciones para revivir la química volátil de los buenos momentos y evocar lo que pudo haber sido y no fue.

http://www.elrincondelrock.com/

-Fuentes: toda la información para el texto anterior ha sido obtenida a partir de artículos, crónicas y entrevistas disponibles en Tommy Bolin Archives, salvo en lo que respecta a la reseña citada en la primera parte, obtenida en Deep Purple Apreciation Society.


Deep Purple - Highway Star Live (MK IV 1975)



lunes, 16 de agosto de 2010

Mark Sandman / Dos Cuerdas Para Un Legado


Mr. Sandman, la Morfina y La Inmortalidad

Por: J. Audirac

GUADALAJARA, JALISCO (24/JUL/2010).-

Mi acercamiento a la música de Morphine fue por demás pintoresco, corría 1997 y después de una tertulia vespertina con los entonces compañeros de trabajo, las cervezas hicieron su trabajo más que bien y abandoné acompañado por uno de ellos el recinto localizado en la calle Pino Suárez, caminamos unas cuadras y abordamos el taxi que nos llevaría a nuestra nueva sede. Curiosamente el chofer escuchaba la desaparecida y todavía añorada “Stereo Soul” y sonó un tema por demás apesadumbrado, pocos elementos, mucha profundidad, Early to bed, terminó la canción y como tantas veces, me quedé con la duda de saber quién tocaba, y duré varios días tarareando la tonada hasta que el destino de nueva cuenta me llevó a una reunión al departamento de una vieja amiga que por aquellos días trabajaba en una tienda de discos, sonaba de fondo un sampler promocional de Universal Discos, y apareció magistralmente la mágica melodía. Desde entonces me declaro fan incondicional del extinto trío.

Después investigué todo lo referente a tan peculiar proyecto, y me hice de todo el material -confieso que gracias a la piratería-. Mark Sandman era un genio, de esos que no se dan muy a menudo, inventor del low-rock, su bajo con sólo dos cuerdas, la crudeza vocal y ese lánguido porte. Ya no se cocía al primer hervor cuando conjuntó Morphine en 1989, al lado de Dana Colley (saxofones) y Jerome Deupree (batería y percusiones), 37 años de edad y la experiencia previa de haber liderado el grupo de blues Treat Her Right en Boston, con quienes cosechó tres álbumes, después su participación en Supergroup, donde también estaba Chris Balew -líder de The Presidents of United States of America-.

En 1992 comenzaron las grabaciones de Good, y a la mitad de las mismas Deupree fue sustituido por Billy Conway en los tambores, y desde entonces la máquina estaba aceitada, una fructífera trayectoria en Norteamérica y Europa primordialmente. Un quinteto de álbumes de estudio, uno en vivo, y uno de “lados b” y rarezas escribieron la historia de un combo único e irrepetible en la historia de la música norteamericana, la genial chispa de Sandman para incorporar innumerables elementos a los temas, y apoderarse como ninguno del micrófono, además de crear el cómic The Twinemen a pluma y acuarelas, y fundar con sus compañeros de grupo el estudio de grabación Hi-n-Dry.

El 3 de julio de 1999 murió de un ataque al corazón tocando en el Festival “En el nombre del rock” celebrado en Palestrina, Italia, muy cerca de Roma. Sólo habían ejecutado cuatro temas, cuando dramáticamente se desplomó en el escenario, como un grande, como el mejor, ¿cuántos músicos desearían terminar sus días de esta manera?.

A 11 años de distancia sigue vigente, y con muchas tablas para alinear nuevas generaciones.

http://www.informador.com.mx/suplementos/2010/220427/6/periscopio.htm


Morphine - I Could Be That [Live]



Mark Sandman en el recuerdo


Por Daniel Amiano
Viernes 10 de setiembre de 2004


"Gracias, Palestrina. Es una hermosa noche. Es bello estar aquí y quiero dedicarles una canción supersexy." Así, en Roma, hace cinco años, Mark Sandman, líder e ideólogo musical de Morphine, una de las bandas más originales de los años 90, presentó el segundo tema de un show, antes de que el corazón lo traicionara sobre el escenario.

Morphine por entonces ya se había convertido en una banda de culto en todo el mundo. Un trío de rock particular, con un sonido barítono que desafiaba las costumbres del trío histórico (guitarra, bajo, batería) para ahondar en otras combinaciones sonoras: bajo de dos cuerdas tocado con slide, saxo barítono y batería. Y, como si eso no bastara, la voz de barítono de Sandman.

Siempre resultó difícil imaginar un rock sin guitarras. Sin embargo, Sandman lo desarrolló a partir de esa ausencia (la guitarra aparece esporádicamente), aun siendo guitarrista: "Siempre fui guitarrista. Amo la guitarra. Tengo diez en mi casa: imaginate". Y además inventó un instrumento que llamó Tritar, con una cuerda de bajo y dos de guitarra: "Pero hay días en los que no funciona -confesaba-. Depende del tiempo, de la presión atmosférica. Creo que es así".

Unos pocos álbumes le bastaron a Morphine para ganarse un lugar distintivo. Desde el inicial "Good" (1992), en el que Sandman ejecutaba el bajo con una sola cuerda, ya se vislumbra la apuesta estética que los diferenció en pleno estallido grunge (donde justamente las guitarras cobraban el protagonismo sonoro) y que se perfeccionó en los posteriores "Cure For Pain" (1993), "Yes" (1995) y "Like Swimming" (1997).

En 1999, el grupo preparaba un álbum en vivo (que se editó en octubre de ese año), y ya trabajaba en nuevas canciones que se editaron un año después en "The Night", la obra póstuma de un músico que, además, tenía tiempo para atender otros asuntos, la Fundación Mark Sandman de apoyo a los jóvenes artistas, que todavía se mantiene en actividad. De hecho, sus compañeros Dana Colley (saxo) y Billy Conway (batería) y otros allegados a la banda pidieron que, en lugar de llevar flores, aportaran ese dinero a la fundación para poder seguir trabajando.

Para Sandman, el error era parte de la obra, y así se lo explicó en una entrevista a Adriana Franco: "No importa si no sale perfecto. Es más válido el sentido que la perfección. Eso es lo que me gusta del jazz de los años 50 o 60; Thelonious Monk, Miles Davis, tienen muchos errores y no importa; se pasa y la música continúa. Me gusta eso. Es más vivo, más espontáneo. En las grabaciones somos más perfeccionistas y creo que no es bueno. Espero que en nuestros próximos discos tengamos más errores".

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=635058

Morphine -A Good Woman is Hard to Find

domingo, 15 de agosto de 2010

Otis Redding / The Eternal King of Soul


Otis Redding & His Deep Soul

Otis Redding fue uno de los intérpretes del soul más importante de los años sesenta y uno de los iconos del género. Su estilo venía del sur, de lo que algunos llamaron “deep soul” o “soul profundo”, caracterizado por el acompañamiento de instrumentos de viento y un canto que sale desde adentro. Al mismo tiempo Otis Redding fue el exponente del sonido”Stax”, llamado así por el sello grabador y estudio que renovó el R&B acercándolo al soul moderno.

Su muerte a los 26 años no solo fue trágica por la forma en que ocurrió sino también porque se produjo cuando Otis Redding empezaba a destacarse entre muchos artistas. "[Sittin' On] The Dock of the Bay" empezaba a subir en las listas y a darle notoriedad como compositor y cantante cuando el destino lo alcanzó viajando en avión.

Otis Redding nació el 9 de septiembre de 1941 en Dawson, Georgia, Estados Unidos.Al ser el hijo de un Ministro Bautista del mismo nombre, Redding estuvo ligado a la música desde su más tierna infancia. A los cinco años, cuando la familia se acababa de mudar a Macon, en el mismo Estado, Otis empezó a cantar en el coro de la iglesia bautista de Vineville.

Estando en la secundaria Ballad Hudson formó parte de la banda escolar, pero decidió dejar su educación para ayudar económicamente a su familia y se fue a trabajar con la banda de Little Richard los “Upsetters”. Al mismo tiempo empezó a participar en concursos de talentos que premiaban con 5 dólares al ganador. Luego de haber ganado 15 veces consecutivas no se le permitió volver a participar.

En 1959 cantó en el Grand Duke Club producto de su fama en el coro de la iglesia. Después de esta presentación Phil Wadden, un excompañero de colegio, se convirtió en su representante. Fue a través de sus contactos que se unió a Johnny Jenkins y los Pinetoppers como chofer y, a veces, como cantante. Además de seguirse presentando en los concursos de talentos de las radios.

Ese mismo año conoce a quien sería su esposa en 1961: Zelma Atwood con quien tuvo cuatro hijos Dexter, Karla, Otis III, y Demetria.

En octubre de 1962 los Pinetoppers viajaron a Memphis a una sesión de grabación. Las cosas no estaban saliendo bien así que Jim Stewart, uno de los socios de la disquera, dejó que Otis grabara un par de canciones para llenar el tiempo de estudio que se había contratado. El resultado fue “These Arms of Mine” puesta a la venta a finales de año, la canción entró a las 100 más calientes en mayo de 1963.

Detrás vinieron temas como “I've Been Living You Too Long”. “Mr. Pittiful”, “Respect” y “Try A Little Tenderness”. Apenas nueve meses después de su primera grabación Redding fue invitado a presentarse en el legendario Teatro Apollo para una grabación en vivo. La presentación se convirtió en espectáculo cuando empezó a bailar “Shake” y “Satisfaction” y la gente se volvió loca al punto que no paró de cantar y bailar hasta que Otis Redding salió al escenario a reinterpretar sus canciones, esta vez con la gente cantando con él.

Pero lo que realmente levantó su carrera fueron los temas que se volvieron éxitos fuera de Estados Unidos. Tres de sus composiciones superaron los 3 millones de sencillos vendidos.

A pesar de haber grabado excelentes discos Redding se mantuvo como una figura de culto para unos pocos hasta 1965. Fue con el lanzamiento de “Otis Blue” el que hizo que alcanzara notoriedad en los Estados Unidos. El disco incluía su versión de "(I Can't Get No) Satisfaction" de los Rolling Stones y "Wonderful World” y 'A “Change Is Gonna Come" originales de Sam Cooke. Su versión de “My Girl” (The Temptations) fue un éxito en Inglaterra.

“Complete & Unbelievable: The Otis Redding Dictionary Of Soul” contenía una versión realmente impresionante de “Try A Little Tenderness”. La canción fue escrita en 1933 por Harry Woods, James Campbell y Reginald Conelly; pero Otis la convirtió en una balada soul hecha a su medida.

Al tiempo que salía a la venta “Tramp”, un diálogo con Carla Thomas, su popularidad empezó a consolidarse y ampliarse durante la gira “Hit The Road Stax” de 1967, particularmente en Europa.

El punto alto de su carrera fue su presentación en el Festival de Monterrey en 1967. Un impresionante Otis Redding subió al escenario fuera de moda usando uno de sus trajes de seda verde y zapatos formales. Al frente estaba una audiencia multicolor, multirracial y sedienta de nuevos sentimientos.

Su presentación fue tan espectacular que está junto a la aparición de Jimy Hendrix en el disco del Festival. Más importante aún fue el hecho de integrar a su “audiencia del amor”. Su música negra de alma, tocaba las almas blancas de los hippies que no tenían idea de lo que era el soul. Cerró cantando “Try a Little Tenderness”.

Unos días después de esa aparición espectacular, pasó toda una semana cantando en San Francisco. En las noches descansaba en una casa bote en la bahía mientras escuchaba constantemente el álbum del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Bealtes.

Estando junto a los botes, el agua, un muelle y la influencia de los Beatles vinieron una idea, un gancho y una historia. Aunque podría ser la tonada de cualquier canción de Otis Redding, la expansión creativa que hubo en “(Sittin' On) The Dock Of The Bay” indicaba una nueva etapa en la carrera del cantante.

En septiembre de 1967, Atlantic Records puso a la venta “The Otis Redding Story”, un doble LP en donde se recogían sus canciones más emblemáticas, incluida “ The Dock Of The Bay”. Fue su última grabación.
Unos meses después ocurrió lo impensable. El 10 de diciembre de 1967, a los 26 años su avioneta se precipitó en el lago Monona en Madison, Winsconsin, matando al cantante, su ayudante y a cuatro miembros de su banda.

Acababa de ser elegido como el mejor cantante masculino por Melody Maker. Lo importante de este hecho es que los diez años anteriores Elvis había sido el elegido.

http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/otis_redding.php

Otis Redding-(Sittin´on) The Dock of the Bay

viernes, 13 de agosto de 2010

Rush / Time Machine Tour 2010

Rush "Time Machine World Tour" se presenta en Argentina

12 de agosto de 2010 • 16:50

La banda canadiense de rock Rush ofrecerá un recital en Argentina el 15 de octubre como parte de la gira del "Time Machine Tour", en el que harán un repaso de los temas más exitosos de su carrera.

El grupo, integrado por Alex Lifeson (guitarrista), Geddy Lee (cantante y bajista) y Neil Peart(batería), centrará su presentación en un repaso completo de su clásico álbum "Moving Pictures" de 1981, en una presentación que se realizará en la Ribera de Vicente López.

La banda, que en sus comienzos estuvo influenciada fuertemente por el blues rock británico y que en los primeros álbunes su estilo era básicamente hard rock, comenzó a fusionar con el rock progresivo hasta pasar por una época en la que utilizaron sintetizadores, volviendo hoy a las raíces con producciones más elaboradas

http://entretenimiento.terra.com.ar/

Rush -Tom Sawyer- Live in Rio de Janeiro

jueves, 12 de agosto de 2010

Maceo Parker/"Roots & Grooves" en Argentina

Maceo Parker, "Roots & Grooves" en el Gran Rex

Jueves 29 de julio, 3:43 PM

Buenos Aires, 29 de julio (Télam).- Tras varios años de ausencia en los escenarios porteños, el emblemático saxofonista estadounidense Maceo Parker regresa el 16 de septiembre a Buenos Aires para presentar en el Gran Rex (Corrientes 857) su nuevo material "Roots & Grooves".

En el marco de una gira que lo llevará a reencontrarse con su público en Capital Federal, Córdoba (Espacio Quality), Salta (Teatro Provincial) y Uruguay (La Trastienda Uruguay), Parker ofrecerá los temas de su nuevo CD y los clásicos de siempre que lo catapultaron como un ícono dentro de la música funky y soul.

La carrera musical de Parker comenzó cuando una noche James Brown buscaba un sitio donde cenar y entró a un club donde Melvin Parker -el hermano de Maceo- estaba tocando estaba tocando la batería y le pidió que practicara con el soul porque de esa manera lo contrataría para su banda.

Al año siguiente, Melvin y Maceo se incorporaron a la formación del Padrino del Soul para una colaboración que, en principio, duraría seis meses, pero que en definitiva se extendió por mucho tiempo más.

Después de aquel período de su carrera, que el saxofonista definió como "estar en la Universidad", Parker junto Pee Wee Ellis, saxo, y Fred Wesley, trombón, todos de la sección de vientos de la banda de James Brown, forman "Maceo & all the King´s men" y lanzan su primer disco "Doing own things" (1970), seguido por "Funky Music Machine" (1975) y "Us People".

Más adelante, Parker trabaja con el cantante y compositor estadounidense George Clinton, que en los años ´70 enciende la llama del funk y expande la tradición afroamericana.

Transcurrido un tiempo, Parker presenta en 1989 "For all the king´men" y, coincide la crítica internacional, da el salto cualitativo que lo consagra como solista con "Roots Revisited" en 1990, al que le siguen "Mo`Roots" (1991) y "Life on Planet Groove" (1992).

Entre sus últimos discos, se encuentran "Made by Maceo" (2003), "School´s In!" (2005) y "Roots & Grooves" (2007), que presenta en su regreso a la Argentina. (Télam).-

http://www.rionegro.com.ar/diario/rn/nota.aspx?idart=427290&idcat=9523&tipo=2

Maceo Parker- Advanced Funk-"Roots & Grooves"



miércoles, 11 de agosto de 2010

Lou Reed / Berlín, A Sad Song


'Berlín': Cabaret sórdido al lado del muro

Lou Reed recibe la carta de libertad de la multinacional RCA, después del "desastre" del álbum: en el juicio contra el artista, el mismo álbum, su contenido, fue esgrimido como una prueba más.
Por David R. Santoro

Visto con la perspectiva que nos dan los muchos años transcurridos desde la aparición de 'Berlín', en octubre de 1973, el hecho nos parece inaudito, aunque el tiempo, ese juez implacable, suele dejar todo en su lugar. Lou Reed recibe la carta de libertad de la multinacional RCA, después del "desastre" del álbum: en el juicio contra el artista, el mismo álbum, su contenido, fue esgrimido como una prueba más. Este disparate morboso no contentó a nadie. Lou Reed, el artista insobornable, lo vio siempre como un proyecto fallido, su obra más ambiciosa a medio gas. Por otro lado, RCA creyó que capitalizaría el nuevo proyecto del neoyorquino, cuyo potencial comercial ya había atisbado en el álbum 'Transformer', publicado un año antes, y que contenía el mayor éxito que se haya podido arrancar de su discografía, la inmortal '(Take a) Walk on the wild side'. Si con 'Berlín' el éxito comercial había quedado prácticamente a nivel cero, el creativo, a pesar de lo declarado por ambas partes, depara las más altas cotas de arte y amplía el abanico de posibilidades expresivas y temáticas del rock'n'roll, legitimando de forma definitiva la decadencia y la miseria como objeto estético.

'Berlín', la canción, abre el disco con olor a humo, como una banda sonora de la bohemia despreocupada. Bohemia sita en garitos de mala muerte donde la protagonista de la siguiente canción, 'Lady Day' (sobrenombre de Billie Holliday), corría a cantar sus dolores entre compases de jazz. El retrato de los hombres poderosos en 'Men of good fortune' abre paso al definitivo leit motiv del álbum, la historia de Jim y Caroline, o el purgatorio de dos almas en pena luchando contra la vida y contra sus propias debilidades. No llegó a convertirse en un álbum conceptual, pero en el resto del listado de canciones podemos seguir la historia de esta pareja realmente desafortunada. El mismo tono de la voz de Reed es lacónico, críptico, de una tristeza hermética que no deja asomar del todo sus razones. Quizá parte de esta tristeza se liberara a través de las historias tremebundas que ambos personajes vivieron en la ciudad dividida por el muro.

El llanto de los niños en 'The kids' te hiela la sangre ("Se han llevado a sus niños / porque decían que no era una buena madre. / Se llevan a sus hijos / por todo lo que oyeron que había hecho / porque se lo estaba haciendo con hermanos y hermanas, / el sargento negro del Ejército del Aire no fue el primero"). La belleza estremecedora e hiriente de 'Caroline says II' es el canto afligido, pero sublime, de un animal herido de muerte por una puya que ya no sabría cómo arrancarse de las entrañas, si es que aún lo deseara ("Caroline dice / mientras se levanta del suelo / ¿por qué me pegas? / no es nada divertido. / Caroline dice / mientras maquilla sus ojos / -Deberías aprender más de ti mismo, / no pensar solamente en ti. / Pero ella no tiene miedo a morir, / todos sus amigos la llaman Alaska, / cuando toma anfetas ellos se ríen y le preguntan / qué tiene en la cabeza." ). La infidelidad, los malos amigos o las drogas asoman también por otros resquicios del disco. Hay una cierta épica, algo contenida, que viste, magníficamente, los versos de 'Berlin'. Un aderezo, que de tan perfecto llega, a la postre, a resultar necesario, insustituible. No imaginamos, no queremos imaginar 'Berlín' de otra manera.

Reed declaró durante las sesiones de grabación que "es sólo una historia realista sobre la gente que vive en los setenta, que existen, que no están especialmente locos o que son unos degenerados. Esto ocurre con la gente todo el tiempo, no sólo en Berlín, sino en sitios como Ohio". Efectivamente, la naturaleza de las personas que da lugar a este tipo de historias no tiene una localización geográfica concreta. Como tampoco temporal: ¿acaso no puede ocurrir esto en los noventa, o en el nuevo milenio?

El recurso de terminar un álbum más o menos amargo con un medio tiempo más amable que aporte contraste y esperanza es desechado drásticamente: 'Sad song' cierra el disco con un definitivo sabor a derrota, con Jim proclamando su indiferencia ante el suicidio de su compañera.

Lou Reed nunca había sonado así. Nunca más lo haría. Un elenco de músicos profesionales, facilitados por el generoso presupuesto de una compañía que accede a invertir frotándose las manos. Steve Winwood o muchos otros de semejante currículum arreglaron y orquestaron el disco, creando una rara avis dentro de su propia discografía. Desde luego hubo otros experimentos radicales, aunque los resultados de un 'Metal Machine Music' (1975), una boutade con coartada experimental, disten abismalmente de los resultados de 'Berlín'.

Lou Reed se convierte en el narrador nihilista que cuenta desde la distancia, utilizando la primera persona sólo en contadas ocasiones y casi siempre en frases tipo "and me, I just don´t care at all" ("y a mí, no me importa en absoluto"), obviando siempre los juicios de valor incluso ante los comportamientos más cuestionables de sus protagonistas.

La tragedia y la expresión artística, por la propia naturaleza de ambas, han caminado de la mano desde la noche de los tiempos, aquélla en la que el hombre sintió por vez primera la necesidad de contar historias. Con esta melancólica compañera, el arte nos ha dado algunos de sus frutos más agridulces, pero tan necesarios como imperecederos.

'Berlín', el álbum de Lou Reed, es sólo un eslabón de esa cuasi infinita cadena de historias, quizá nada más. Y nada menos.

http://www.buscamusica.es/contenido.php?id=39

Lou Reed - Berlín (1973)

martes, 10 de agosto de 2010

Dave Brubeck & Wynton Marsalis / 2010 CareFusion Newport Jazz Festival

Brubeck es agasajado por otro grande del jazz

Martes 10 de agosto, 2010

11:03 AM Rhode Island.- El legendario intérprete y compositor de jazz Dave Brubeck cumple 90 años el 6 de diciembre. Pero las celebraciones por su cumpleaños comenzaron más temprano, durante la clausura del Festival de Jazz CareFusion de Newport.

Mientras el quinteto de Wynton Marsalis tocaba "Cumpleaños feliz" con ritmo de Nueva Orleáns, el productor y fundador del festival George Wein invitó al público a cantarle al afamado pianista.

Brubeck fue uno de los últimos en actuar en el festival, después de Herbie Hancock, Chick Corea, Ahmad Jamal y Chris Botti en el Parque Estatal de Fort Adams, publicó AP.

Wein hizo un esfuerzo especial para que tocara este año con la banda de Marsalis con motivo de su cumpleaños. Brubeck ha tocado en Newport en más ocasiones que ningún otro artista, comenzando en 1955, el segundo año del festival.

"Fue un momento muy emotivo porque Wynton siempre tiene tanto respeto por los músicos mayores", dijo Wein en una entrevista entre bambalinas tras el concierto del domingo.

"Y Dave tenía miedo de tocar con Wynton. Dijo, 'El es un genio, ¨puedo tocar con él?' Le dije, 'Vamos, Dave, puedes tocar con quien sea, ¨de qué estás hablando?"'.

Marsalis dijo que no dudó en aceptar la invitación de Wein para tocar con Brubeck. "Le dije, 'Todos adoramos a Dave así que será un honor para nosotros tocar con él. Y fue un honor".

La primera vez que los dos astros del jazz tocaron juntos fue en el festival de Newport del 2005, cuando Marsalis se unió al cuarteto de Brubeck, y este año Brubeck le devolvió el favor.

Al presentar a Brubeck, Marsalis le dijo al público que el pianista era más que una leyenda del jazz, "un hombre que ha representado la misma esencia de la grandeza estadounidense". Con Brubeck en el teclado, la banda de Marsalis tocó apropiadamente la composición para piano "Blues For Newport", que debutó en el festival en 1971. Brubeck y Marsalis entonces interpretaron un tierno dueto de trompeta y piano en la balada "These Foolish Things".

Brubeck expresó sus sentimientos musicalmente tocando una versión solista de su obra "Thank You", la composición inspirada en Chopin que escribió y dedicó al pueblo polaco al final de su gira de 1958 patrocinada por el Departamento de Estado por la Polonia comunista en plena Guerra Fría. El espectáculo terminó con Brubeck y la banda de Marsalis tocando una versión entusiasta del tema de la banda de Duke Elllington "Take the 'A' Train".

"Wynton tocó tan maravillosamente y todos los muchachos de su banda", expresó Brubeck después del recital. "Fue algo lindo y aprecio todo lo que hicieron".

Luego de su presentación, Brubeck y Marsalis pasaron un tiempo saludando y respondieron preguntas de decenas de miembros de bandas de jazz de la escuela media de Kipp Amp en Brooklyn, quienes asistieron al festival gracias a Jazz'd 4 Life, una organización sin fines de lucro fundada por la hija de Brubeck, Catherine.

http://www.eluniversal.com/2010/08/10/cul_ava_brubeck-es-agasajado_10A4318813.shtml
Newport Jazz Festival 2010 -Wyntyon Marsalis & Dave Brubeck