John Lennon / "LENNONYC" The Inmigrant Song

"LENNONYC" un documental que sigue los últimos años del ex-Beatle en New York City

REUTERS, REUTERS, Última actualización: 28/09/2010

Por Ellen Wulfhorst
(Editado en español por Ricardo Figueroa)


NUEVA YORK (Reuters) - Tanto se ha dicho acerca de The Beatles que el director Michael Epstein sabía que tenía que hacer algo distinto en su documental sobre John Lennon, que fue estrenado la semana pasada en el Festival de Cine de Nueva York.

El filme, "LENNONYC", narra la década que pasó el ex-Beatle en Estados Unidos como un immigrante que viaja al país y la importancia que tuvo la ciudad de Nueva York para el músico y su esposa, Yoko Ono.

Usando cintas de audio inéditas y tomas realizadas durante las sesiones de las grabaciones de estudio, la película sigue la vida de Lennon desde su traslado a Greenwich Village en 1971 hasta su asesinato a las afueras de su edificio en el Upper West Side en 1980.

Para Lennon, Nueva York significó un escape del Reino Unido, donde sentía que los medios eran duros con él y Ono, afirma la película. Nueva York le dio la libertad para vivir una vida común, poder comer afuera o caminar en su adorado Central Park sin el fastidio de los admiradores o la prensa.

"La de John es una historia de inmigración", dijo Epstein en una presentación a la prensa. "Sirve como un 'recordatorio' de lo que significa venir a Estados Unidos, especialmente en mitad del debate público sobre la inmigración ilegal", agregó.

El documental sigue las actividades contra la guerra de Lennon, los esfuerzos del Gobierno estadounidense para deportarlo, los lanzamientos de sus discos "Mind Games" y "Double Fantasy" y su famoso "fin de semana perdido", donde dejó su hogar y bebió sin control.

Lennon eventualmente encontró paz cuando dejó la música para criar a su hijo Sean, afirmó Epstein.

"Es en ese calmo y doméstico lugar donde él construye su propia familia, donde encuentra su redención", añadió.

Sean Lennon tenía cinco años cuando su padre fue asesinado por Mark David Chapman, cuyo nombre no aparece en el filme.

Chapman está cumpliendo una condena de 20 años a cadena perpetua en prisión y hace poco se le negó por sexta vez la libertad condicional.

"LENNONYC" fue producido parcialmente por la serie de la televisión pública American Masters y será transmitido el 22 de noviembre en Estados Unidos. Además será presentado en Central Park, en una exhibición gratuita el 9 de octubre, en el que hubiese sido el cumpleaños 70 de Lennon.

Entre los entrevistados en el documental salen Ono, los miembros de Elephant's Memory que tocaban junto a Lennon y su esposa, el músico Elton John, el presentador Dick Cavett y el fotógrafo Bob Gruen, quien tomó algunas de las imágenes más icónicas de Lennon.

No hay entrevistas con los Beatles sobrevivientes Paul McCartney o Ringo Starr, ni con los hijos de Lennon, Julian y Sean. Entevistas tales como una con McCartney habrían llevado al filme hacia la relación entre Lennon y McCartney, dijo Epstein, agregando: "quiero que esto sea sobre John".


http://entretenimiento.prodigy.msn.com/peliculas/articulo.aspx?cp-documentid=25755727

"LENNONYC" John Lennon Documentary By Michael Epstein

John Lennon / "Gimme Some Truth"

El 70º aniversario del nacimiento de John Lennon se celebrará con un concierto benéfico

Por el escenario del Beacon Theater de Nueva York pasarán, entre otros, Jackson Browne, Patti Smith, Cyndi Lauper, Aimee Mann y Shelby Lynne. A principios de octubre se iniciará la campaña “Gimme Some Truth”.

Texto: Juan Rebenaque

Las celebraciones del que hubiese sido el 70 cumpleaños de John Lennon (9 de octubre) incluirán un concierto benéfico que tendrá lugar en el Beacon Theater de Nueva York, el 12 de noviembre.
Entre los artistas que rendirán homenaje al antiguo componente de The Beatles estarán Jackson Browne, Patti Smith, Cyndi Lauper, Aimee Mann y Shelby Lynne. La recaudación se destinará a la Playing for Change Foundation.

Este concierto es uno de los eventos con los que se conmemorará el septuagésimo aniversario del nacimiento de Lennon en todo el mundo.

Su viuda, Yoko Ono, pasará el 9 de octubre en Islandia, dónde inaugurará la Imagine Peace Tower en la isla de Videy, situada frente a la costa de Reykjavik.

El grupo de Ono, We Are Plastic Ono Band, también planea conciertos de homenaje, en los que participarán Lady Gaga e Iggy Pop, en Los Angeles, los días 1 y 2 de octubre.

Además, ocho de los álbumes clásicos de John Lennon en solitario y otras grabaciones destacables, han sido remasterizadas a partir de las mezclas originales como parte de una iniciativa de revisión del catálogo completo para conmemorar el 70 aniversario del nacimiento del ex-beatle.

Supervisada por Yoko Ono, la campaña “Gimme Some Truth” se lanzará el 4 de octubre (el 5 de octubre en Norteamérica) con la publicación en todo el mundo de ocho álbumes de estudio remasterizados y varios títulos recién recopilados.

“Double Fantasy”, el disco ganador del premio Grammy de 1980 en la categoría de Álbum del Año, se presentará en una versión nuevamente remezclada, despojada de artificio (“Stripped Down”) y producida por Yoko Ono junto a Jack Douglas, coproductores de la mezcla original con John Lennon. Esta nueva versión del álbum llega en una edición ampliada en formato de 2 CD's y en formato digital emparejando y vinculando la nueva versión con la mezcla original de Lennon, remasterizada.

Entre las nuevas colecciones incluidas en esta campaña están:

Una compilación de éxitos en dos ediciones titulada “Power To The People: The Hits”.Un conjunto de 4 CD's con discos temáticos titulado “Gimme Some Truth”.Una caja en edición de lujo de coleccionista con 11 CD's con los álbumes remasterizados, rarezas y singles no incluidos en los discos, titulado “The John Lennon Signature Box”.

Todos los discos y colecciones remasterizadas estarán disponibles en CD y en formato de descarga digital que se pueden adquirir a través de los principales proveedores de servicios digitales.

Los álbumes han sido digitalmente remasterizados a partir de las mezclas y grabaciones originales de Lennon por Yoko Ono y un equipo de ingenieros de sonido dirigidos por Allan Rouse, en los estudios Abbey Road de EMI Music en Londres, y por George Marino, en los estudios Avatar en Nueva York. Todos los títulos remasterizados se presentan en digipak con réplicas exactas del arte original de las portadas y libretos con fotos y hoja interior con textos a cargo del notable periodista musical británico Paul Du Noyer. Los álbumes que se reeditan son:

“John Lennon/Plastic Ono Band” (1970)“Imagine” (1971)“Some Time In New York City” (1972)“Mind Games” (1973)“Walls and Bridges” (1974)“Rock ‘n’ Roll” (1975)“Double Fantasy Stripped Down” (2010)/”Double Fantasy” (1980)“Milk and Honey” (1984)

“Power To The People: The Hits” estará disponible en formato de disco con 15 temas y en formato digital, y también como Edición Experiencia con contenidos adicionales. Ambas versiones vendrán presentadas en CD con carpetas digipak incluyendo libretos con notas interiores escritas para la ocasión por Du Noyer.

“Gimme Some Truth”, que vendrá presentado en formato de estuche con fotos (rarezas) y notas interiores escritas a propósito por el respetado periodista musical americano y escritor Anthony DeCurtis, presenta 72 grabaciones en solitario de Lennon en cuatro CD's temáticos:

“Roots” (Raíces): las raíces e influencias rock ‘n’ roll de John Lennon


“Working Class Hero” (Héroe de clase trabajadora): las canciones socio-políticas de John Lennon

“Woman” (Mujer): las canciones de amor de John Lennon

“Borrowed Time” (Tiempo prestado): las canciones de John Lennon sobre la vida.

La caja “John Lennon Signature Box” es una colección en formato de lujo con 11 CD's y en formato digital que contiene los ocho álbumes remasterizados, un disco de rarezas y grabaciones hasta la fecha inéditas, y un EP de los singles de Lennon no incluidos en los álbumes. Los CD's se presentarán en digipak dentro de una caja de lujo conteniendo una edición limitada de coleccionista de dibujos y arte de John Lennon y un libro de tapa dura con fotos poco vistas, diseños artísticos, collages, poesía y notas interiores escritas a propósito por DeCurtis.

Este año, John Lennon ha sido el protagonista del filme biográfico de Sam Taylor-Wood, "Nowhere Boy", y del documental "Lennon NYC".

John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980 ante las puertas de su residencia en el edificio Dakota, frente al Central Park de Nueva York. Su asesino, Mark David Chapman, que ahora tiene 55 años, fue condenado a una pena de entre veinte años y cadena perpetua por asesinato en segundo grado.

http://zm.nu/detalle.php?base=zmnews&lay=cgi&form=detalle&tok4=notici&tok5=Noticias&id=23188

"Gimme Some Truth" by John Lennon

Keith Moon / Born To Be Wild Loon

Keith Moon figura entre los mejores bateristas de la historia

07 de Septiembre de 2010 • 10:17


El músico Keith Moon, considerado uno de los mejores bateristas de rock and roll y afamado integrante del grupo inglés The Who, cumplió este 7 septiembre 32 años de fallecido.

El artista ganó reputación no sólo por su ejecución instrumental, sino también con sus hábitos destructivos en hoteles, casa de sus amigos e incluso en su propia vivienda; llegó incluso a arrojar muebles desde ventanas altas y destrozó cañerías con petardos.

Moon fue comparado con el personaje de los Muppets, Animal, un baterista enloquecido que es tan salvaje que debe ser encadenado a su instrumento musical durante sus conciertos.

Por diversos hechos, Moon se vio atrapado en una mala reputación de vida excéntrica y disipada, frecuentemente obligado a superar sus excesos o por lo menos mantenerse al nivel que de él se esperaba.

Su uso y abuso del licor y las drogas eventualmente comenzaron a minar su talento como baterista en los últimos meses de su vida, hecho del cual, reconoció en alguna ocasión, era consciente.

Keith John Moon, denominado el mayor "arrasa hoteles" de la historia de este género musical, quien además destrozaba su batería después de cada concierto, nació el 23 de agosto de 1947 en Wembley, Reino Unido.

El salvaje y original baterista de The Who, banda que fundó en Londres, Inglaterra en 1964, junto a Pete Townshend, Roger Daltrey y John Entwistle se convirtió en un mito debido a su forma de vida y excesos.

El grupo comenzó su trayectoria cuando descubrió las estridentes guitarras eléctricas y el rock, por lo que no tardó en tener un bajo y unos amplificadores, con el que imitó a The Shadows que tenía éxito con temas instrumentales.

En esa época, conoció al que iba a convertirse en la voz solista del grupo, Roger Daltrey, quien contaba con un pasado escolar bastante turbulento, fue así que nació un grupo llamado The Detours.

En 1964 cambió su nombre por el de High Numbers. Posteriormente, entró en el grupo uno de los mejores percusionistas que ha tenido el rock, Keith Moon, quien había pertenecido a una banda de música surf llamada The Beach Combers.

Keith se presentó a las pruebas vestido de color naranja, el pelo de punta y además durante su solo destrozó la batería, con lo que fue rápidamente captado por el grupo.

Después el grupo cambio de nombre por el que sería el definitivo The Who, en el que las pautas musicales tenían un lado más agresivo y duro con claras influencias de rhythm and blues. En poco tiempo todos los jóvenes de Londres ya los conocían.

El tema "I can"t explain" fue un éxito y les proporcionó su primer contrato discográfico, después de actuar en el programa de televisión "Ready steady, go!", toda vez que consiguió colocar la canción entre las 40 primeras de las listas de popularidad.

En otoño de 1965, el grupo editó el que sería el himno del movimiento mod "My generation", que en unas cuantas semanas llegó a colocarse en el puesto número dos de los más vendidos.

En diciembre de 1965, publicó su primer álbum "My generation", que llegó al quinto puesto en las listas de éxitos; en marzo de 1966 lanzó al mercado el single "Substitute", que llegó al número 10 en las listas.
A finales de aquel año, The Who era tan conocido en los estados de la unión que su tema "I can see for miles" fue su primer disco en entrar el número 10 de las listas de ventas.

Tras los álbumes "The Who sell out" (1967) y "Magic bus" (1968), Pete Townshend comenzó a trabajar en la que sería su mejor obra hasta el momento, la ópera rock "Tommy", la primera conceptual del rock editada en 1969, la cual se convirtió en un clásico.


http://www.terra.com.co/musica/articulo/html/mus26229-keith-moon-figura-entre-los-mejores-bateristas-de-la-historia.htm

Baba O'Riley -The Who - Keith Moon Tribute

John Henry Bonham / El Hijo del Trueno

30 años sin el motor del Zeppelin

Viernes, 24 septiembre 2010, 18:21
Por Enrique Bernaola

Hace 30 años, un sábado como éste, nos dejó el que es, personalmente, el mejor batería de todos los tiempos en la historia de la música. El gran John Bonham moría víctima de una borrachera que dejó una dura resaca en los más nostálgicos fans de Led Zeppelin. Ésta es su historia...

John Henry ‘Bonzo’ Bonham nació un 31 de mayo de 1948 en la localidad inglesa de Redditch. Desde sus más tiernos años, el pequeño John comenzó a interesarse por la percusión destrozando cajas de café, pero no sería hasta que cumplió los 14 cuando tuvo su primera batería.

Era en ese momento cuando su carrera daba sus primeros pasos. Tras tocar con varias bandas locales, se une finalmente a una de blues llamada Crawling King Snakes, donde conocería a un tal Robert Plant. Ninguno de los dos sabía entonces que su unión cambiaría el curso de la historia del rock.

Bonham pronto se hizo famoso por su extrema dureza a la hora de tocar la batería, lo que hizo que su talento no fuera apreciado por dueños de estudios, como uno de Birmingham que le dijo que así jamás llegaría a ningún lado. Años más tarde, el propio Bonham envió a la persona en cuestión una nota que rezaba: “Thanks for the career advice”, junto con un disco de oro de Led Zeppelin.

Su estrellato llegó cuando conoció en 1968, y gracias a su amigo Plant, a Jimmy Page y a John Paul Jones. Es en ese momento cuando nace Led Zeppelin con un Bonham que se convertiría en una pieza clave de su sonido. Sus solos de batería podían alargarse hasta la media hora y, a menudo, terminaba sus recitales tocando con las manos.

Con la que es una de las bandas más importantes en la historia del rock, Bonham grabó un total de ocho álbumes de estudio, en los que el éxito siempre fue una constante. Y gran parte de culpa fue de ‘Bonzo’, que cambió la manera de tocar la batería de la época, acostumbrada a ritmos más cercanos al blues y el jazz. Él imprimió otra forma más agresiva, con menos melodía y un ritmo tan aplastante y demoledor como frenético en su manejo con las baquetas.

Pero el destino le guardó un triste final. El 25 de septiembre de 1980, el tambor de su corazón dejó de sonar, víctima de una gran borrachera. Bonham se dirigía a unos ensayos para preparar una inminente gira por Estados Unidos y por el camino se iba parando en diferentes pubs para beber vodka.

Después se dirigió a la casa que Jimmy Page tenía a las orillas del Lago Ness, la misteriosa Boleskine House, donde siguió bebiendo. Se dice que se llegó a tomar unos 40 vodkas en apenas 12 horas, lo que le provocó un desmayo, con lo que sus compañeros de fiesta le acostaron en la cama. Al día siguiente, el bajista, John Paul Jones, se lo encontró en la cama sin pulso. Había muerto después de tragarse su propio vómito.

Así se despedía el ‘oso’, como le apodaban algunos, a la edad de 32 años y dejando un legado impresionante que ha servido de inspiración e influencia en infinidad de baterías hasta nuestros días. 30 años sin el motor de un Zeppelin que en 2007 volvió a volar con su hijo Jason Bonham al timón de la batería, en una reunión que posiblemente nunca se repita.

http://www.tiramillas.net/blogs/unblogged/2010/09/24/30-anos-sin-el-motor-del-zeppelin.html

Led Zeppelin - Moby Dick (Bonzo Drum Solo) (Live at Royal Albert Hall 1970)

Ray Davies / ‘See My Friends’ New Album

‘See My Friends’, lo nuevo de Ray Davies

Vía Music News

Ray Davies está por presentar una nueva compilación de sus éxitos con los Kinks, a lado de una atractiva lista de músicos. Después de unas semanas, sabemos que el material de 14 temas llevará el nombre de See My Friends y se estrenará el 1o de noviembre.

También se dio a conocer el tracklist con los nombres con los que contó cada una de sus canciones. En la lista se incluyen a Paloma Faith, Jackson Browne, Black Francis de los Pixies, Spoon y Metallica (con quienes Davies interpretó uno de sus temas más conocidos, You Really Got Me).

Sobre el material, el músico dijo en entrevista que el proyecto surgió como un accidente, cuando grabó una nueva versión de 'Till The End Of The Day a lado de Alex Chilton, en el verano del 2009.

El tracklist que parece tendrá excelentes resultados:

-Better Things, Ray Davies & Bruce Springsteen

-Celluloid Heroes, Ray Davies, Jon Bon Jovi & Richie Sambora

-Days/This Time Tomorrow, Ray Davies & Mumford & SonsLong

-Way From Home, Ray Davies, Lucinda Williams & The 88

-You Really Got Me, Ray Davies & Metallica

-Lola, Ray Davies & Paloma Faith

-Waterloo Sunset, Ray Davies & Jackson Browne

-'Til The End of The Day, Ray Davies, Alex Chilton & The 88

-Dead End Street, Ray Davies & Amy Macdonald

-See My Friends, Ray Davies & Spoon

-This Is Where I Belong - Ray Davies & Black Francis

-David Watts, Ray Davies & The 88

-Tired Of Waiting, Ray Davies & Gary Lightbody

-All Day And All Of The Night/Destroyer, Ray Davies & Billy Corgan

http://www.sopitas.com/site/77544-see-my-friends-lo-nuevo-de-ray-davies/

Ray Davies & Metallica - All Day & All Of The Night -Madison Square Garden (2009)

Wynton Marsalis & The Lincoln Center Jazz Orchestra / En La Habana Cuba

Wynton Marsalis y Orquesta del Lincoln Center en Cuba

(AFP) –

LA HABANA — El trompetista estadounidense Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz del Lincoln Center de Nueva York ofrecerán cuatro conciertos en octubre en La Habana, en los que participará el pianista y compositor cubano Chucho Valdés, informó este jueves una fuente oficial.
Marsalis, jazzista de fama mundial desde los años 80, y la Orquesta del Lincoln Center, que dirige, se presentarán el 5, 6, 7 y 9 de octubre en el céntrico teatro Mella, precisó el Instituto Cubano de la Música (ICM), citado por el diario oficial Granma.

En sus actuaciones Marsalis, "toda una leyenda desde los tiempos de Miles Davis (trompetista y compositor norteamericano)", contará con la colaboración de Chucho Valdés, de 68 años, ganador de siete premios Grammy y con quien "sostiene una añeja relación basada en la admiración mutua", añadió.

El ICM destacó que el trompetista y sus colegas ofrecerán, además de los cuatro conciertos, una clase magistral para profesores y estudiantes, y visitarán centros de enseñanza artística en La Habana.

Granma destacó que Marsalis, de 49 años, es un músico "todoterreno" que "transita con la misma pasión e idéntica solvencia por la llamada música clásica y la experimentación sonora".

La trayectoria de Marsalis le ha valido el cargo de Mensajero de Paz del secretario general de la ONU Koffi Annan y embajador cultural del Departamento de Estado de Estados Unidos.

Wynton Marsalis & The Lincoln Center Jazz Orchestra- Jazz Open Stuttgart

Arthur Schopenhauer / 150º Aniversario

Filósofo para esta época


Se cumple hoy el 150º aniversario de su muerte

LUIS FERNANDO MORENO CLAROS 18/09/2010

El 21 de septiembre de 1860 fallecía en Fráncfort del Meno el filósofo alemán Arthur Schopenhauer (Dánzig, 1788). Murió de repente, como siempre deseó.

Filosofía. El 21 de septiembre de 1860 fallecía en Fráncfort del Meno el filósofo alemán Arthur Schopenhauer (Dánzig, 1788). Murió de repente, como siempre deseó. Era un hombrecillo bajo y corpulento, de cabeza grande, enormes patillas blancas y cara de pocos amigos. Caminaba con paso vigoroso, y aún a sus setenta años gozaba de excelente salud: comía mucho, se bañaba en agua fría incluso en invierno, y sus mejores pensamientos se le ocurrían al aire libre. Siempre lo acompañaba su perrito Atma, al que apreciaba más que a cualquier ser humano; por eso cuando hacía travesuras lo insultaba llamándolo "hombre". Cuantos se cruzaban con aquel estirado personaje lo miraban con irónico respeto, pues sabían que era un sabio internacional. A su casa llegaban visitas de todo el mundo aunque sólo fuera para verlo unos minutos. Le apodaban El Buda de Fráncfort, pues al "Iluminado" remitía su doctrina filosófica. En 1818 Schopenhauer publicó El mundo como voluntad y representación, una extensa y genial obra ignorada hasta tres decenios después. Tras publicar otra gran obra: Parerga y paralipómena (1851), le sonrió la fama: sus libros se convirtieron en los mayores éxitos de ventas de finales del siglo XIX. Alemania se sumía entonces en una crisis existencial, el idealismo romántico quedaba atrás y la Revolución de 1848 había fracasado, de ahí que reinase por doquier un craso pragmatismo realista, interesado y burgués.

Aquí llegó Schopenhauer, con una metafísica que pretendía explicar la mísera y negra existencia humana. Este mundo no es hermoso -afirmaba-, sino el peor de los posibles. Y proseguía: Dios no existe, lo suplanta un demonio malévolo que convierte nuestras vidas en infiernos, consumidas entre el dolor y el aburrimiento. Y ello se debe a que la esencia más íntima de cada ser consiste en una voluntad bruta y ciega, en un deseo insaciable que nos obliga a buscar sin cesar nuevos placeres y diversiones que nunca nos colman; y encima nos acosan plagas, guerras y catástrofes naturales. De manera que la vida es un penal en el que cumplimos condena y del que sólo salimos con la muerte. Nada hay nuevo bajo el sol: el ser humano es un malvado depredador, cuya necedad lo torna incapaz de seguir la luz de la razón, que podría aportarle alguna mejoría. La filosofía teórica de Schopenhauer proponía una solución también teórica para superar la crisis absoluta de la vida: hay que renegar de la existencia y rechazar la perpetuación del dolor: no reproducir, no actuar. Asimismo, predicaba la piedad universal y la no violencia: abstenerse de dañar a los demás seres vivos, nuestros hermanos en esencia y encadenados en nuestra misma mazmorra. Junto a sus enseñanzas teóricas, Schopenhauer divulgó un "arte de vivir" de carácter más práctico, que sedujo a sus lectores. Con él quería enseñarles "si no a ser felices, al menos, a ser menos desdichados". El gélido filósofo argumentaba que la persona cabal no apetecerá la felicidad, que no existe; esperará poco de la vida y nada de sus congéneres. Lo idóneo para ella será la comodidad consigo misma y con el entorno: ahorros en el banco y mucha riqueza interior. Esposa e hijos son una carga; los amigos, o nos traicionan o son pesados a los que hay que soportar. El amor es un subterfugio con el que nos engatusa la naturaleza para propagar la especie. Queda el cultivo de la cultura y el arte, pero hay que resguardarse de los pedantes que las ostentan como profesión. En suma, Schopenhauer gruñía y se quejaba de todo cual sabelotodo regodeándose en el abismo, pero a salvo en su cómodo rinconcito. Su acritud gustó tanto en aquella Alemania deprimida como más adelante en Europa. Y también hoy goza de buena salud en nuestro país, donde cualquiera lanza críticas asesinas desde una enorme pasividad.

Gredos publicó este año una soberbia edición de su obra capital, y Herder celebra el 150º aniversario de su muerte con dos notables novedades: una monografía imprescindible firmada por Volker Spierling y el inédito Senilia. Spierling es acaso el mejor conocedor actual de Schopenhauer. En cuanto a los Senilia, Volpi y Ziegler restauraron con sumo detalle anotaciones inéditas que el maestro dejó en sus cuadernos de notas, los cajones de sastre de sus obras. Son anotaciones de un filósofo ya mayor que siempre pareció un viejo, por eso Nietzsche afirmó que la filosofía de Schopenhauer es "para los jóvenes". En efecto, lo leímos con fruición en la juventud y lo contemplamos con recelo en la madurez. Y es que, al evocar las desgracias de la existencia, Schopenhauer parece acertar con sus juicios radicales; sin embargo, algo nos dice que se equivoca. Hay que leer sus reflexiones en épocas críticas para dejar que su frío escalpelo nos destroce; pero si de verdad estamos sanos, su sesudo realismo nos obligará a reaccionar recuperando otra vez nuestras ilusiones.


http://www.elpais.com/articulo/portada/Filosofo/epoca/elpepuculbab/20100918elpbabpor_7/Tes

Bill Frisell / The Mike Disfarmer Legacy

Bill Frisell le pone sonido a Disfarmer

¿Es necesario encasillar a Bill Frisell?… ¿O podemos decir que es su música aborda los géneros, los encanta, los hipnotiza y los despoja?… Uno no puede menos que sacarse el sombrero ante uno de los cultores, en su caso a través de la guitarra, de una máxima invalorable en la música: menos es más… Casi tres décadas, lleva Frisell, editando discos que exploran, que toman riesgos, que educan… En su más reciente obra, Frisell se tomó el trabajo de ponerle música a modo de homenaje a Mike Disfarmer, fotógrafo especialista en retratos, que capturó con su cámara los momentos de miles de personas en la Norteamérica rural de finales de los años 30 y principios de los 40… Frisell no sólo tomó las fotografías (impactantes per se), sino que llegó hasta Heber Springs, Arkansas (de donde Disfarmer era oriundo) y se internó en un viaje a un lado y al otro del Río Mississippi para respirar la Norteamérica rural que plasmó Disfarmer y de paso encontrarse con una personalidad fascinante: la de un hombre huraño, introvertido, que dormía en su propio estudio de fotografía donde fue hallado muerto, solo y cubierto de ratas y rodeado de comida enlatada…

Frisell quedó maravillado con la historia y la obra de este hombre, y se propuso traducir los sonidos de la mente de Disfarmer cuando observaba por la lente de su cámara… Juntó a un cuarteto ad hoc: el contrabajista Viktor Krauss (Tom Waits, Bèla Fleck, entre otros), Greg Leisz (especialista en steel guitar y mandolina ha tocado con infinidad de artistas: de Joni Mitchell a Beck; de Smashing Pumpkins a Brian Wilson) y su habitual compañera de viaje, la violinista Jenny Scheinman… Disfarmer, tal como se llama el disco, contiene 70 minutos de música diseminados en 26 piezas instrumentales, en las que uno puede captar el dolor, el hastío y hasta cierto misterio de la vida tan asombrosa como enigmática de un hombre cuya obra hoy se exhibe en los grandes centros de arte, pero que en su momento apenas significaba una costumbre rutinaria… Entre las piezas y viñetas propias, Frisell cuela significativas versiones: That’s Alright Mama, de Arthur Big Boy Crudup (blusero nacido en Mississippi y formado en Chicago), Lovesick Blues, de Cliff Friend e Irving Mills, y I Can’t Help It (If I’m Still In Love With You), de Hank Williams…

http://blogs.lanacion.com.ar/el-amplificador/lanzamientos/frisell/

Bill Frisell - Disfarmer Project

Syd Barrett / "An Introduction To Syd Barrett"

Syd Barrett y Pink Floyd, juntos en un álbum recopilatorio

"An Introduction To Syd Barrett" se publicará el próximo mes e incluirá un instrumental inédito hasta ahora.

El 4 de octubre se pondrá a la venta "An Introduction To Syd Barrett", la primera compilación conjunta de canciones de Pink Floyd y Syd Barrett.

David Gilmour, que trabajó en los dos álbumes en solitario de Syd Barrett, "The Madcap Laughs" y "Barrett", es el productor ejecutivo de este recopilatorio.

Cinco de sus canciones han sido remezcladas: "Octopus", "She Took A Long Look", "Dominoes", "Here I Go" (con David Gilmour tocando el bajo) y "Matilda Mother" (ésta última es de Pink Floyd).

Una de las curiosidades de "An Introduction To Syd Barrett" es la inclusión de una pieza instrumental de veinte minutos e inédita hasta ahora, "Rhamadan". Producida por Peter Jenner, se rumorea que cuenta con la participación de Steve Peregrine Took, de Tyrannosaurus Rex.

Nacido, en 1946, en Cambridge (Inglaterra), Roger Keith 'Syd' Barrett fue el compositor, guitarrista y cantante original de Pink Floyd. Barrett formó el grupo a mediados de los años 60 junto al batería Nick Mason, el bajista Roger Waters y el teclista Richard Wright. Abandonó la banda en abril de 1968, unos meses después de que llegara David Gilmour. Sufrió diabetes durante años y falleció, en su casa de Cambridge, el 7 de julio de 2006, a causa de un cáncer de páncreas.

http://zm.nu/detalle.php?base=zmnews&lay=cgi&form=detalle&tok4=notici&tok5=Noticias&id=23146

Matilda Mother - Syd Barrett & Pink Floyd - 1967

John Legend & The Roots/ Unstaged By Spike Lee

Spike Lee dirige a John Legend

MADRID, 15 Sep. (EUROPA PRESS)

El cineasta se encargará de dirigir la grabación en directo del concierto de John Legend and The Roots, que tendrá lugar el 23 de septiembre en Nueva York. El evento podrá verse en streaming en Youtube.

American Express acaba de anunciar que John Legend and The Roots actuarán el 23 de septiembre a las 15:00 hora española en Terminal 5, de Nueva York, en el marco de Unstaged: An Original Series from American Express. El director de cine Spike Lee dirigirá este evento, el segundo de la serie Unstaged después del protagonizado por Arcade Fire, impulsado por American Express junto a VEVO y YouTube.

Este concierto, que se anuncia con invitados especiales, se podrá ver en streaming en www.youtube.com/johnlegendvevo y coincide con la publicación el 21 de septiembre de Wake Up!, el nuevo álbum de John Legend and The Roots. "Estoy encantado de aportar mi visión para reflejar la música extraordinaria de John Legend and The Roots dentro de esta colaboración tan peculiar", ha declarado Spike Lee.

Wake Up! es un álbum de versiones en el que John Legend and The Roots recrean canciones emblemáticas de los años 60 y 70 unidas por la conciencia y el compromiso. El disco lanza un mensaje de cambio, esperanza y activismo y su canción Shine (original de John Legend) sonará en el filme documental Waiting for Superman, del director David Guggenheim.

Unstaged: An Original Series from American Express presenta novedades interactivas: la audiencia puede elegir su cámara y controlar la visualización, puede votar su canción favorita, y puede enviar directamente sus preguntas a John Legend and The Roots a través de Twitter, que tendrán la posibilidad de ser contestadas antes del concierto.

Con motivo de este concierto, los fans también podrán realizar prepedidos del nuevo álbum de John Legend and The Roots visitando iTunes y recibir detalles de este evento, como adelanto de los invitados especiales y otras sorpresas, a través de American Express en Twitter. Además, visitando www.youtube.com/johnlegendvevo se accederá a una invitación especial de John Legend para ver el concierto en streaming.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-spike-lee-dirige-john-legend-20100915154650.html

John Legend & The Roots -"Hard Times" From Wake Up! (Studio Performance)

Bill Evans / Sensibilidad, Lirísmo y Tragédia

Bill Evans, 30 años del suicidio más largo de la historia

Por: Alfonso-Cardenal 15 Sep 2010

Pocos pianistas han influido tanto en la historia del jazz como el mítico Bill Evans. Hoy se cumplen 30 años de la muerte del músico por una hemorragia provocada por su adicción a la heroína y a la cocaína. A su muerte Evans era una leyenda, en sus inicios no, apenas vendió un millar de copias de su primer trabajo a mediados de los años 50 cuando abandonó el ejército. En su carrera, el piano de Evans acompañó a los más grandes músicos de jazz. Formó parte de la histórica grabación de “Kind of Blue” de Miles Davis en la que fue coautor de tres de las cinco canciones que perfilarían el nuevo rumbo del jazz. Davis no fue el único en contar con sus teclas, Evans era un fijo en los estudios y giras de los más grandes como Chet Baker, con él compartió varios trabajos, también con gente como Art Farmer o Charles Mingus. En 1958 recibió el premio al Pianista Revelación del año, tenía 29 años y un brillante futuro por delante.

En los años sesenta conoció la heroína y tomó los mismos pasos hacia los mismos errores que Charlie Parker, Chet Baker o muchos otros genios musicales de la época. Estuvo enganchado durante años y cuando consiguió superar su adición al opio entró de lleno en la nueva droga de la siguiente época, la cocaína. Por ello Evans siempre tuvo poco dinero a pesar de su éxito y notables problemas de salud. Cuando murió uno de sus amigos definió la vida del pianista como “el suicidio más largo de la historia”. Su música, en cambio, no se vio tan perjudicada por sus problemas personales y la gran mayoría de sus composiciones de los años sesenta y setenta alcanzan un nivel legendario en formato de trío.

http://lacomunidad.cadenaser.com/sofa-sonoro/2010/9/15/bill-evans-30-anos-del-suicidio-mas-largo-la-historia

Bill Evans - Waltz For Debby

La fuerza del destino: Bill Evans

El impacto que ha ejercido, ejerce y ejercerá la obra de Bill Evans (1929-1980) a través del tiempo, es imparable e indetenible. Su muy personal lenguaje armónico, sus largas líneas melódicas, su fraseo asimétrico y su acompañamiento de acordes sin fundamentales, han definido e influenciado a toda una generación de pianistas los últimos treinta años, entre los más destacados, Chick Corea, Keith Jarrett, Herbie Hancock y Brad Meldhau. En las manos de Bill Evans, un tema standard se convertía en la versión definitiva de ese tema, como por ejemplo, Someday My Prince Will Come, el tema de amor del primer largometraje de dibujos animados de Walt Disney, Blancanieves y los Siete Enanos, la cual interpretó en innumerables ocasiones.

Siendo un artista que se dedicó por entero a la ejecución del piano (y de los teclados), su influencia va mucho más allá de la esfera que abarca a los ejecutantes de las blancas y las negras. Bill Evans es uno de los músicos más importantes de toda la historia del jazz —aunque podríamos decir también, del siglo XX—, que no sólo innovó y enriqueció el vocabulario del piano sino también el concepto y el lenguaje del clásico trío de jazz, donde cada instrumento se erige con una dimensión y un discurso propios, y no sólo como mero acompañante.

Luego de haber colaborado por espacio de ocho meses con el sexteto de Miles Davis a finales de los años cincuenta, el cual aportó, entre tantas obras maestras, el mítico y canónico álbum Kind of Blue, el cual es considerado el álbum más vendido de toda la historia del jazz, Evans se dedicó, como líder, a desarrollar, junto al contrabajista Scott LaFaro y al baterista Paul Motian, lo que sería una carrera insuperable, en cuanto al trío se refiere. Luego de la trágica muerte de LaFaro, Evans mantuvo toda una suerte de tríos a lo largo de los años, salpicando su discografía aquí y allá como solista. En su último gran trío lo acompañaron Marc Johnson en el contrabajo y Joe LaBarbera en la batería.

De todo el legado artístico que Evans nos dejó, sería interminable enumerar una lista en este espacio, aunque me atrevo a recomendar uno de mis preferidos: You Must Believe In Spring (Warner Bros, 1980 – Grabado en 1977). Muy personalmente, opino que este no es un disco de jazz, sino más bien, un disco de poesía hecha música.

Para finalizar esta breve nota sobre uno de mis más grandes gurús, me permito citar su punto de vista estético, al referirse a la obra de William Blake (1757-1827), poeta, pintor y místico inglés:

“Es casi un poeta popular, pues alcanza elevadas cotas artísticas gracias precisamente a su sencillez. Las cosas sencillas, lo esencial, son las importantes, pero a veces las expresamos de un modo terriblemente complejo. Lo mismo sucede en el terreno musical con la técnica. Intentas dar voz a una emoción sencilla como el amor, el entusiasmo o la tristeza, y suele ocurrir que la técnica entorpece esta labor, que acaba por convertirse en un fin en sí misma cuando no debería ser más que el canal que permite la comunicación entre las ideas y los sentimientos. El gran artista siempre sabe llegar al quid de la cuestión, y posee una técnica tan natural que es imperceptible. Nunca me he topado con grandes dificultades, y eso me preocupa. Espero no acabe convirtiéndose en un estorbo.”

Sobre el romanticismo en la música:

“Si quieres que el resultado sea realmente extraordinario, hay que mezclar disciplina y libertad con mucho tiento, y hacerlo creativamente. Creo que toda la música es romántica, pero me molesta que ese romanticismo haga que la música suene sensiblera. Sin embargo, quien sabe combinar romanticismo y una cierta disciplina alcanza una belleza insuperable.”

Finalmente, Eddie Gómez, uno de sus contrabajistas predilectos y compañero por once años de Evans, dijo:

“No pedía nada extraordinario: que subieras al escenario y dieras el ciento diez por ciento, que no te reprimieras y que, de vez en cuando, asumieras algún riesgo. No se cansó de repetirme que debía olvidarme del legado del difunto Scott LaFaro y que tenía que ser yo mismo. Bill era un tipo expresivo, directo, amable, majestuoso e inteligente, siempre estaba dispuesto a echarte una mano. Su meta era hacer una música que aunara pasión e intelecto, una música que te llegara al corazón.”

http://musicarrillo.wordpress.com/2010/05/21/la-fuerza-del-destino-bill-evans/

Bill Evans-My Foolish Heart

Kent Nagano / Goodbye München

'Que el ritmo no suponga una esclavitud'

Rosalía Sánchez Berlín
Miércoles 15/09/2010 17:49 horas

Kent Nagano director americano llega al auditorio con mejor acústica de Europa, la Philharmonie de Berlín; su melena está seca a pesar de la intensa lluvia. "Deberían hacer como yo y venir en taxi", bromea con los músicos de su orquesta, la Bayerische Staatsorchester, con la que actuó anoche en Berlín. Su contrato en Munich termina en 2013, pero Kent Nagano no ha querido renovarlo. ¿Por qué?

"Las situación actual en Munich es muy compleja no es posible explicarla con unas cuantas frases, y menos en una pausa entre ensayo y ensayo. Sólo diré que cuando uno acepta la responsabilidad de dirigir una orquesta, adquiere también una responsabilidad con la tradición que representa y necesariamente debe tomar las decisiones con una exquisita prudencia", responde el director. Nagano no parece enfocar sus perspectivas hacia EEUU después de haber dirigido varias de las orquestas más prestigiosas de Francia, Inglaterra y Alemania: "Europa es la cuna de la tradición musical y, desde 1983, es mi casa. Y cuando digo mi casa quiero decir mi hogar. Pero ahora no estoy haciendo planes, sino concentrado en los tres años de trabajo por delante en Munich, en los que me esperan proyectos muy importantes".

En el ensayo general, la 'Séptima' de Bruckner y la 'Metamorfosis' de Strauss. Nagano corrige una y otra vez el ritmo con el que los músicos siguen la partitura, casi de forma obsesiva, una actitud que el directoe explica apasionadamente: "¡Un ritmo en el tiempo es algo muy distinto a un ritmo para bailar! Olivier Messiaen ha escrito varias veces sobre este fenómeno. El ritmo es concebible sólo como un pulso, pero jamás debemos entenderlo como una especie de esclavitud. Debemos más bien relacionarlo con el ritmo de vida, con el ritmo de la respiración, ambos son flexibles. El ritmo es la respiración de la música. El ciclo de la vida y la muerte, la tensión y la relajación, esas son las bases del ritmo, un movimiento que fluye a través de las piezas de Stravinsky, Strauss y Berio, audible en un contexto".

Nagano reconoce que vive inmerso en una búsqueda personal a través de la obra de Pierre Boulez: "Lo considero uno de los compositores más importantes; en Montreal hago todo un ciclo de nueve obras de Boulez. Es imprescindible mantener estas obras en cartel. Y lo mejor de todo es que, a sus 85 años, todavía podemos esperar de él grandes cosas. Se mantiene muy fresco y joven. La inteligencia y la sensibilidad no tienen nada que ver con la edad física". Sabe de qué habla, porque a Kent Nagano (California, 1951) comienzan a pesarle las ides y venidas en avión: "El avión no es precisamente un amigo de la creatividad. Hay que tener cuidado de no este tipo de excitación, pero en fin... La distracción es la definición de la existencia".

Para terminar, Nagano se atreve con el reto de definir, en unas pocas palabras, lo que él entiende por 'sonido alemán': "Bien, estudié la mayoría del repertorio alemán clásico en California y he de decir que el contexto hace mucho. Sólo cuando he vuelto a estudiar todas esas obras aquí han cobrado su verdadero significado y mi perspectiva sobre ellas ha cambiado radicalmente. La lengua, por ejemplo, juega un papel muy importante en la representación del repertorio alemán. Lo natural, la naturaleza, recibe en la música alemana, un tratamiento como en ninguna otra música, muy especial. Muy real y al mismo tiempo muy teatral".

http://www.elmundo.es/elmundo/2010/09/15/cultura/1284545751.html

Frank Zappa Sinister Footwear, 3rd Movement by Kent Nagano (The Berkeley Symphony)

Primus & Mike Patton Zu Quartet / Festival Tribulaciones 2010 Buenos Aires

Primus en Argentina: El mejor cierre de 2010

El trío de rock alternativo estadounidense Primus y el cantante Mike Patton con su grupo Zu Cuartet, ly también íder de Faith No More, actuaran en diciembre en Buenos Aires en el marco del Festival Tribulaciones 2010

El evento, que se realizará el 3 de diciembre en el estadio cubierto de Argentinos Juniors, ubicado en la calle Gutenberg 350, homenajea al ciclo Tribulaciones, encargado de difundir el jazz, la musica alternativa y la world music.

Primus está integrado por el talentoso bajista Les Claypool, Larry Lalonde en guitarras y Jay Lane en batería, y su estilo es inclasificable e irreverente.

Luego de recorrer la escena under de California, Primus cobró notoriedad con sus álbumes "Sailing the Seas of Cheese" y "Pork Soda", con los que ganaron discos de oro y platino y nominaciones en los Grammy.

Sus influencias musicales conducen a Frank Zappa, Pink Floyd, King Crimson y The Residents y su estilo se podría clasificar como rock alternativo, metal alternativo, funk metal, metal progresivo hasta thrash funk.

Primus- Lacquer Head -Live

Por su parte, en su tercera visita a la Argentina el ecléctico Mike Patton, líder de Faith No More, mostrara su delirante repertorio solista con el trío italiano ZU integrado por Luca Mai en saxo alto y barítono; Massimo Pupillo en bajo y Jacopo Battaglia en batería.

Patton que tocará la guitarra y se encargará de todo un arsenal de ruidos, interpretará canciones de sus grupos solistas como el rock extremo de Fantomas, Tomahawk, Mr. Bungle, el hip hop de Pipping Tom y sus versiones de canciones italianas en Mondo Cane.

En el Patton Zu Quartet, se fusionan la increíble voz y la creatividad de Mike Patton con la improvisación y el virtuosismo de Zu, con matices que van desde el rock, jazz, punk y el avant-garde.

Primus en Argentina junto a Patton Zu Quartet, la banda de Mike Patton, líder de Faith no More - Viernes 3 de Diciembre en Buenos Aires Estadio Cubierto Malvinas Argentinas - Gutemberg 350, La Paternal.

http://www.26noticias.com.ar/primus-en-argentina-el-mejor-cierre-de-2010-117409.html

Mike Patton Zu Quartet - Carbon

Indio Solari & Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado

La presentación del Indio Solari, se realizará en Tandil: Será su único concierto en 2010

Domingo, 12 de Septiembre de 2010 13:50

La sierra demostrará su lado ricotero. Carlos Alberto Solari, más conocido como el Indio Solari, dará su único concierto de 2010 el 13 de noviembre, en el Hipódromo de Tandil, donde se espera la llegada d eunos 80.000 fans. Se trata nada más y nada menos que del ícono del rock argentino que supo cosechar éxitos como “frontman” de los Redonditos de Ricota, y ahora como solista.

Las entradas ya se encuentran a la venta en distintos puntos del país, las que tienen un único valor de 120 pesos. Además, se organizan tours que llevarán a los fans en micros hasta el Hipódromo tandilense. Para prevenir plagios con los tickets, el mismo cuenta con un sticker y un código electrónico que será leído con equipos ópticos en la entrada del Hipódromo.

El manager del cantante, Julio Sáez, aseguró a los medios que la capacidad del lugar hace que no se agoten las entradas, y recomendó no pagar sobreprecios en reventas.

Desde hace varios años, el entrerriano se dedica a su carrera como solista, con pocos shows pero multitudinarios e inolvidables para todos los ricoteros.

En esta oportunidad, se presentará junto a su banda, “Los fundamentalistas del aire acondicionado”. La ciudad se prepara para una nueva noche junto al frontman de los Redondos. Su último show en Tandil fue en 2008.

En la actualidad, Solari prepara su nuevo material, que sería lanzado entre fines de éste año y principios del 2011. El año que viene, el astro presentará este nuevo material con una gira nacional que prevé recorrer varias ciudades. (Fuente: El Retrato Hoy)

http://elrecado.net/cultura/

Y Mientras tanto el Sol se Muere - Indio Solari y Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado -

Miles Davis / Biografía Definitiva por Ian Carr

Un genio que no conoció la nostalgia

Aunque resulte imposible abarcar en un libro a todos los Davis posibles, incluso si se dispone de 672 páginas, el trompetista y crítico musical británico es pródigo y tenaz para trazar el retrato profundo de un músico voraz y un hombre quisquilloso.


Lunes, 6 de septiembre de 2010
Por Santiago Giordano

Puso en práctica y protagonizó varias vidas, cada una con su respectiva muerte. La primera vez, nació en 1926 en Illinois, en una familia negra de clase media alta, y recibió el mismo nombre que su padre había recibido de su abuelo. De su madre heredó los ojos grandes y luminosos y los rasgos delicados, además de la primera y elemental idea de música, que en su casa se limitaba al repertorio académico. Después, el bop, el cool, el modalismo, las fusiones que desde el rock lo llevaron al centro del punk y a las orillas del pop, fueron algunos de los expedientes que le sirvieron para reencarnarse periódicamente en alguna revolución que abría nuevas posibilidades para el jazz. Insensible a cualquier forma de añoranza de sí mismo, Miles Dewey Davis III, Miles Davis, trompetista, compositor, director, fue una de las personalidades más intensas de la música del siglo XX.

El buen gusto para elegir camisas y autos; su relación con las mujeres, las drogas, los blancos, los críticos, los productores, la fama; los músicos a los que se acercó y los que se le acercaron –nombres con los que se podría formar una completa enciclopedia del jazz moderno– y una prodigiosa capacidad de hablar poco y putear mucho, también formaron parte de ese carisma caprichoso que a la hora de ser retratado se presta a numerosas posibilidades de enfoque. Porque, claro, no se lo puede separar del contexto de un pedazo de siglo XX caracterizado por necesidad de originalidad y emociones fuertes, entre los contrastes y los cambios vertiginosos de una modernidad rampante. En varias de esas vidas, fue el músico de jazz más famoso: una celebridad que, construida con elementos de lo extravagante, lo social, lo político y lo cultural, llegó a ser más que el que corrió varias veces la frontera de lo que se podía incluir en nombre del jazz. Tal vez por eso, cualquier intento biográfico sobre Miles Davis, además de parecer fatalmente incompleto, incuba aspiraciones legítimas a resultar atractivo.

Entre los numerosos ensayos y biografías más o menos profundos que le dedicaron a Davis y a su música, el de Ian Carr se destaca por precisión y exhaustividad. En 1982, el trompetista y crítico musical británico escribió Miles Davis. A Critical Biography, un trabajo que enseguida se ubicó entre los más sólidos y atendibles sobre la vida y la obra del ideólogo de Kind of Blue. Tras la publicación en 1989 de la autobiografía de Miles Davis, redactada por el periodista, poeta y ensayista Quincy Troupe, y la muerte del músico –el 28 de septiembre de 1991–, Carr revisó y amplió su trabajo, y completó lo que en 1998 se publicaría como Miles Davis. The Definitive Biography. Recién en 2005 esa “biografía definitiva” aparecería traducida al castellano, publicada por Global Rhythm, que ya lanzó una segunda edición, distribuida en Argentina por la editorial Océano, disponible en las librerías a 90 pesos. A lo largo de 672 páginas –con una breve sección de fotografías–, Carr ovilla causas y efectos en una línea de tiempo. Reconstruye cronológicamente la vida de Davis y su época, expone las circunstancias que condicionaron su creatividad y la manera en que esta condicionó las circunstancias del jazz. Todo a partir de una búsqueda meticulosa, bien conducida en la narración que, sin abrumar, abunda en detalles de índole diversa.

Es la misma voz de Miles, algunas veces en disonancia con lo que él mismo expresó en su autobiografía, la que apuntala esa narración. Es el Davis que a lo largo de su vida habló en numerosas entrevistas y que Carr reconduce al presente histórico, puntualizando su sentido de “aquí y ahora” como clave útil para explicar cada momento de su historia. Down Beat, Melody Maker, Ebony, Rolling Stone y Jazz Review , entre numerosos diarios y revistas, son algunas de las fuentes. También sirven extractos de conversaciones con quienes lo conocieron –sobre todo con quienes tocaron con él–, además de pasajes de ensayos de críticos como Leonard Father, Nat Hentoff y Ross Russell, entre otros. Por supuesto, también las tapas de los discos son útil fuente de información, que Carr no deja de lado.

La biografía no sólo reconstruye al hombre y al músico rastreándolo en los archivos: también lo escucha. En esta biografía, como en la vida de Davis, la música es el motivo principal. Carr ausculta el sonido de la más imitada de las trompetas del jazz –cálido, pequeño y dúctil, en cuyo núcleo chispea un diamante inconsolable–, saca conclusiones sobre el qué y el cómo de las distintas formaciones que lideró Davis, de su relación con los músicos, los productores y los críticos. Es indicativo que de los veinticuatro capítulos que articulan la biografía, muchos lleven como título el nombre de alguno de sus discos, esos que funcionaron como sucesivos puntos de llegada para las ideas de cada uno de los Davis posibles y, al mismo tiempo, fueron el punto de partida de su impulso creativo cargado de futuro. Cada registro discográfico, además de algunos conciertos puntuales –con los personajes y las anécdotas que giraron alrededor– es descripto por Carr con precisión, swing y solvente erudición musical, alternando objetividad crítica y afectuosa admiración. La tentación de escucharlos a medida que se transita el libro se hace irresistible.

Además de un índice de nombres, la edición incluye tres apéndices. El primero propone algunos solos de Davis transcriptos por el mismo Carr. El segundo aclara algunos detalles sobre el repertorio, por ejemplo los temas en común con Frank Sinatra y el pianista Ahmad Jamal, influencias importantes para Davis. En el tercero, Carr actualiza la discografía de Davis que hasta 1980 compiló Brian Prestley, aun si deja en claro que el estudio más completo al respecto es el de Jan Lohmann. Por todo eso, aunque casi por superstición resulte difícil pensar en un Miles Davis definitivo, Carr es pródigo y tenaz para trazar el retrato profundo de un músico voraz y un hombre quisquilloso. De un genio que no conoció la nostalgia.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-19190-2010-09-06.html

Miles Davis Group - Live Electric & Brutal - (Berlín Germany 1973)

L'Hora del Jazz-Memorial Tete Montoliu

El Festival L'Hora del Jazz celebra veinte años

MERCÈ PÉREZ - Barcelona - 01/09/2010

Empezó en el barrio de Gràcia como una reunión entre amigos para dar a conocer el jazz y la música moderna que se realiza en Cataluña y poco a poco fue fidelizando espectadores. Hoy, con un público asiduo de más de 4.000 personas, el Festival L'Hora del Jazz-Memorial Tete Montoliu llega a su vigésima edición con 17 conciertos programados no solo en Barcelona, sino también en Vilafranca del Penedès. La cita empieza el viernes con un concierto especial para celebrar el aniversario en la sala Luz de Gas. Tocará la formación americana Cotton Club Big Band y un trío encabezado por Geni Barry que desembocará en una jam session.

El resto de los recitales -gratuitos el 80%-, tendrán lugar de día y de noche. Los primeros, como en ediciones anteriores, se celebrarán en la plaza de la Vila de Gràcia cada domingo de este mes al mediodía. Por allí pasarán el grupo The Fair Saints, el guitarrista Andreu Martínez y Cece Giannotti, quien llevará a cabo un repertorio intimista con canciones de pop-rock acústico. En cambio, la programación nocturna en la capital se traslada a seis clubes que ofrecen música en vivo, como el Continental Bar y el Jamboree. Además, Vilafranca del Penedès acogerá dos conciertos, los días 19 y 25, este último en el casino de la localidad.

A pesar de haber capeado la crisis, el coordinador del festival, Max Sunyer, no escatima críticas hacia la industria de la música y las instituciones: "Hace 20 años dije las mismas palabras y hoy las repito: es muy difícil hacer jazz en Cataluña". Por ello, anima a aficionados y jóvenes músicos a participar con un objetivo: que no decaiga el ritmo.

http://www.elpais.com/articulo/cataluna/Festival/L/Hora/Jazz/celebra/veinte/anos/elpepiespcat/20100901elpcat_8/Tes

L'hora del Jazz: Memorial Tete Montoliu (Plaça de la Vila 2009)

Radiohead / Výstaviště Holešovice Exhibition Hall - Praha - Czech Republic

Radiohead vuelve a regalarse

Tras lanzar en 2007 su último disco en Internet gratis, la banda británica distribuye de la misma manera un DVD con una actuación.

INÉS VILA / MADRID
Día 03/09/2010 - 10.57h

En 2007, Radiohead decidió sacar su disco «In rainbows» exclusivamente en Internet y de forma gratuita, aceptando «la voluntad» de aquellos que se lo descargaran, de tal manera que el usuario decidía qué precio pagaba. Todos creyeron que se trataba del antojo de unos locos que querían apartarse del mercado discográfico. Con lo último no iban desencaminados. Pero sí con lo primero. Tres años después, el grupo se reafirma en su iniciativa. Su nuevo lanzamiento, «Radiohead- Live in Praha» puede descargarse sin soltar un centavo desde una página web creada exclusivamente para tal efecto.

El contenido consiste en un DVD que recoge la actuación de dos horas de duración que realizó la banda el 23 de agosto de 2009 en Praga. Este «regalo» puede obtenerse en varios formatos: DVD, AVI (2,72 GB), HD Quicktime (7,23 GB), Apple Movie (3,45 GB), iPod (1,36 GB) y iPhone (968 MB), y dentro de poco hasta en versión Blu-Ray.

Pero que nadie espere una grabación profesional. El vídeo está hecho por los propios fans, que se prestaron a la iniciativa del grupo de grabar el concierto desde 50 puntos diferentes.

Los interesados tienen dos opciones: descargarse el DVD por Megaupload (y en breve, también por BitTorrent), o ver la actuación en YouTube. Eso sí, queda prohibido comercializar la grabación: «Está hecha por los fans para los fans». Así que «comparte y disfruta», dice Radiohead.

http://www.abc.es/20100902/cultura-musica/radiohead-201009021843.html

Radiohead - Live in Prague 2009 DVD (Trailer)

Freddie King / “The Texas Cannonball"

Freddie King

Sept. 3, 1934 - Dec. 28, 1976

Se cumplen hoy 76 años del nacimiento de Freddie King

Freddie King fue un influyente guitarrista y cantante afro-estadounidense de blues. Su madre y tío comenzaron a enseñarle a tocar la guitarra a los seis años de edad. En 1950, su familia y él emigraron de Texas al lado sur de Chicago. En 1952 se casó con Jessie Burnett.

Freddie perfeccionó su propio estilo de tocar la guitarra basado en las influencias del blues de Texas y Chicago y fue el primer músico de blues en tener una banda multirracial. Aunque fue muy conocido por grabaciones como "Have You Ever Loved A Woman" (1960) y su éxito ubicado en los Top 40 , "Hide Away" (1961), el cual primero fue grabado con Will Aiken. También se le conoce por albums, tales como, Let's Hide Away and Dance Away with Freddy King (1961) y Burglar (1974). Cuando era un adolescente de 16 años visitó clubes locales en donde escuchaba música blues ejecutada por Muddy Waters, Howlin' Wolf, T-Bone Walker, Elmore James, y Sonny Boy Williamson. King tocó con Muddy Waters, Eddie Taylor, Jimmy Rogers, Robert Lockwood, Jr. y Little Walter.

King tuvo veinte años de carrera de grabación y llegó a ser un influyente guitarrista. Inspiró a muchos músicos estadounidenses. Algunos de ellos son; Stevie Ray Vaughan, Jimmie Vaughan, Bill Freeman y Denny Campbell, y músicos británicos de los 60 que revitalizaron el blues, como Eric Clapton, Chicken Shack y Peter Green. King murió de una falla cardíaca el 28 de diciembre de 1976, a la edad de 42 años. Un testimonio de la presencia de King en el circuito de las bandas de rock estadounidenses se encuentra en la canción "We're an American Band" de Grand Funk Railroad, escrita por Don Brewer y que se basa en un incidente ocurrido a King en una gira.

Freddie King - Have You Ever Loved A Women (Live at LA California 1970)

Eric Clapton / Regresa con «Clapton»

Mano Lenta publica «Clapton»

El guitarrista regresa con un disco de versiones, con dos piezas originales, y rodeado de amigos y maestros como Steve Winwood o J. J. Cale.

Oviedo, J. B.

Eric Clapton miró en sus últimas producciones a su pasado y homenajeó a quienes influenciaron su música o de quienes tomo «prestadas» canciones que luego hizo muy célebres. Ahora hace guiños parecidos con su nuevo trabajo titulado «Clapton», que estará en la calle (en la red estará antes, se supone) el 28 de septiembre. El equipo de colaboradores es gran reserva: hay maestros del jazz, del sonido New Orleans, del pop/rock norteamericano, de la vieja guardia británica y de uno de sus grandes maestros, J. J. Cale. La lista de «ayudantes» incluye también a Sheryl Crow, Wynton Marsalis, Steve Winwood y Allen Toussaint.

Con J. J. Cale ya tuvo varios encuentros y reencuentros. Lo más próximo fue un disco editado a medias con el que Mano Lenta cumplió una de sus viejas aspiraciones: reunirse y trabajar con el músico que le proporcionó canciones y del que hizo muy populares composiciones como «After Midnight» y «Cocaine». Piezas que, con el paso del tiempo, quedaron más identificadas a Clapton que al propio J. J. Cale. Aquella aventura fue bautizada como «The Road To Escondido» e incluía temas tan de la «cuerda» de ambos como «Rider the river» o «Dancer». Además, en este disco se evoca a otros históricos de la escena y, como suele ser habitual en esta pareja, el compositor de casi todo había sido J. J. Cale. También celebró Clapton ampliamente al maestro del blues Robert Johnson en «Me and Mr.Johnson» y «Session for Robert J».

En esta nueva aventura el guitarrista británico va por un camino en el que se encuentra muy a gusto: versiones y, una vez más, navega y agradece sus influencias, la mayoría de ellas recogidas del blues norteamericano desde que estuvo al lado de John Mayall en la década de los sesenta. Por lo que en «Clapton» aparecen adaptaciones de ese género, del country, y un pequeño recorrido por el folk. Súmese un par de originales. Como explica Clapton en la información facilitada por la compañía Warner, «este disco no es lo que en un principio habíamos pensado». Y añade: «De hecho, es mejor, porque simplemente dejé que las cosas pasaran». Con esta nueva entrega, Eric Clapton completa un abanico de homenajes que le han ocupado los últimos años y que, por otra parte, lo alejaron de la escena pop (que le dio buenas ventas de discos en los años noventa) para devolverlo precisamente a su mejor versión.

http://www.lne.es/sociedad-cultura/2010/09/01/mano-lenta-publica-clapton/962077.html

Eric Clapton - Clapton on Clapton- (Interview)

Leonard Cohen / Found Bird On A Wire

Hallado un filme de Leonard Cohen perdido desde 1972

El documental retrata las intimidades de una gira del cantante

BELÉN HERNÁNDEZ - Madrid - 31/08/2010

Con una cara inexpresiva, Leonard Cohen le cuenta al público lo afortunado que se siente por no poseer los derechos de Suzanne, una de sus canciones más conocidas: "No sería justo que la hubiera escrito y que también me hiciera rico con ella". Esto es parte de Bird On A Wire. Al más puro estilo Cohen, el cantante tenía planeado retirarse después de la gira de 1972, que comenzó en Tel Aviv y finalizó en la vecina Jerusalén. Su entonces representante, Marty Machat, no quería que la que probablemente iba a ser la última oportunidad de verlo en vivo (el tiempo y la pérdida de los fondos monetarios del cantante demostraron lo contrario) se quedara en el olvido. Así que le pidió a Tony Palmer, director de cine británico, que la rodara. Irónicamente no sirvió para nada, al menos hasta ahora: han pasado más de 38 años para poder ver aquellos pedazos de realidad de un hombre una vez calificado como el mejor depresor no químico del mundo.

El hallazgo, que ha dado lugar a este documental, resultó de lo más peculiar. Mientras alguien buscaba los negativos de 200 Motels, la película que Tony Palmer rodó sobre Frank Zappa, encontraron 294 rollos de negativos pertenecientes a Bird On A Wire, que estará a la venta a partir de septiembre, y que nunca antes habían visto la luz: "Pensé que no podría volver a remasterizarlo, por el estado en el que se encontraban las cajas, pero por suerte las mezclas del sonido permanecían intactas. Lo primero que hice fue crear el sonido y después fuimos creando, de las 3.000 pequeñas partes de celuloide que se conservaban en buen estado, un puzle digital gigante. Leonard decía que cuando las cosas iban bien, la música sonaba bien. Lo mejor de esta grabación es que las canciones suenan más emocionales, más extraordinarias, incluso, que las recogidas en sus elepés", explica Tony Palmer, a través del teléfono desde su oficina en Londres.

Pero, ¿cómo pudo estar esta pieza sin ver la luz durante tanto tiempo?: "Después de hacer la primera versión de la película, se la mostramos a Leonard Cohen y pensó que sería demasiado polémica. Yo cometí el error de darles todo el material y que ellos hicieran una segunda versión que les pareciera mucho más adecuada. La hicieron, pero no gustó a nadie y cuando quisieron que yo rehiciera el trabajo, casi todos los negativos estaban destrozados y los demás perdidos".

¿Qué espera a los fans? Un chapuzón desnudo en una piscina del autor de Take this waltz, flirteos con las chicas más guapas que esperaban en la puerta del camerino; las quejas de dos espectadores que, tras los fallos de sonido del concierto en Copenhague, querían su dinero de vuelta, mientras Cohen se lo daba de su bolsillo; incluso las lágrimas del cantautor al finalizar el último concierto. "Leonard no hizo nada especial para la cámara, lo que se ve es lo que pasó".

http://www.elpais.com/articulo/revista/agosto/Hallado/filme/Cohen/perdido/1972/elpepirdv/20100831elpepirdv_6/Tes

Leonard Cohen- Bird On A Wire (Trailer)