Rory Gallagher / Rory Gallagher, Deuce, Live! In Europe, Blueprint, Tatoo & Irish Tour 74

Rory Gallagher, tatuado por el blues

Publicado el 30 marzo 2012 por Matías Uribe

Aunque en su día fue Polydor la propietaria, es Sony la que ahora está reeditando en vinilo y cedé los primeros discos en solitario de Rory Gallagher, uno de los grandes guitarristas del rock, aunque su nombre no figure con letras de oro en el ‘partenón’ de los dioses de la guitarra. No le faltaron méritos: tenía tanta o más técnica que el mismísimo Eric Clapton, era un profundo conocedor y estudioso del blues negro, tocó al lado de los Rolling Stones, que se lo quisieron llevar como sustituto de Mick Taylor, hizo muy buenas migas con Jerry Lee Lewis, tocó con su admirado Muddy Waters, le hizo sombra a Cream, tocando en trío, y, lo más importante, con su Fender Stratocaster Sunburst, que compró a los quince años, desarrolló una carrera discográfica de primera, sacando al escenario sudor y sabiduría a chorros.

Así que un buen pretexto, el de la reedición de estos discos, para reivindicar el magisterio musical de este irlandés sencillo y apocado en privado pero toda una fiera desbocada sobre las tablas, un tipo que, con su camisas de leñador y su bondadosa sonrisa, nunca quiso entrar en el circuito ‘mainstream’ ni hacer cabriolas raras para ponerse a la altura de modas y tiempos, incluso en la caprichosa década de los ochenta, en la que siguió fiel a su evangelio del blues-rock y a su estética mientras el colorín, los cardados y las hombreras acaparaban el escaparate musical. Seguramente que por ello, su música, basada en el blues, pero con ramificaciones hacia el jazz, el folk irlandés, el rock hendrixiano, el honky-tonk, el cajun, el blues rural, la balada pop…, sigue tan vigente e intacta como entonces.

No es una exageración afirmar que fue un niño prodigio. De crío se pasaba las horas moviendo el dial de la radio en Cork, a la búsqueda de canciones impactantes –uups, esto me suena, uno cometió el mismo pecado de infancia-, hasta que una noche, a través de la emisora de una Base americana instalada en Alemania, escuchó a Muddy Waters. Con nueve años quedó tan tocado que casi fue como una iluminación sauliana. La compra de una guitarra y enrolarse al poco, con pantalones cortos, en una orquesta de baile marcó su camino definitivo. A Waters lo colocó en un altar, de manera que cuando llegó el día que pudo conocerlo y tocar a su lado en aquel maravilloso álbum de maestro y discípulos británicos denominado ‘The London Sessions’ (1971), continuación del realizado antes con músicos americanos bajo el título de ‘Father & Sons’ (1969), fue como recibir la santificación. Él mismo contaba que acudía como una bala cada noche al estudio y que luego llevaba a Muddy al hotel en un destartalado coche que guardó como reliquia durante toda su vida.

La reedición no toca la etapa previa a su carrera en solitario, es decir la de Taste, aunque no hubiera estado mal: de los dos discos de estudio que grabó, el segundo, ‘On The Boards’ es toda una gema de rock progresivo biseando a Cream y, en cierto modo, el germen de su posterior discografía. La redición se inicia con ‘Rory Gallagher’ (1971), todavía sin la solidez futura, pero con detalles como sus intervenciones no solo en la guitarra acústica y eléctrica sino también en el saxo, que ya usó en Taste, y la armónica. Era un superdotado para los instrumentos, dominando a la perfección técnicas como el ‘bottleneck’. En ‘Blueprint’, un excelente disco, en el que lo mismo aflora el blues eléctrico que el acústico al modo Leadbelly, se le escucha sacando el sonido de Harrison en la balada beatleniana ‘If I Had A Reason’ mientras que en ‘Going My Hometown’, de ‘Live In Europe’, se le verá ¡con la mandolina! derramando sudor y en ‘Used To Be’, del álbum ‘Deuce’, coqueteando con la guitarra flamenca.

‘Deuce’ (1971) y ‘Tattoo’ (1973) fueron dos de sus mejores discos de estudio, aunque curiosamente, los dos álbumes de directo publicados en el 72 y el 74, esto es, ‘Live! In Europe’ y ‘Iris Tour 74’, fueron los que le valieron la gloria y el reconocimiento del público amante del rock y del blues. Hasta Bob Dylan cayó prendado. Una anécdota sin desperdicio: una noche, a finales de los 70, tras un concierto del irlandés, Dylan, embozado en un gorro, se fue al camerino a saludarlo. Al no conocerlo ni darse a conocer, el hermano de Rory, su manager, lo echó con cajas destempladas, mas, cuando le informaron de que se trataba del mismo Dylan, salió corriendo detrás de él hasta que lo alcanzó, le pidió disculpas y lo llevó ante Gallagher. Ambos departieron durante buen rato sobre blues y guitarras e incluso de grabar una pieza tradicional irlandesa que él había adaptado en ‘Live! In Europe’.

Hasta su sexto disco, el magistral ‘Irish Tour’, llega la reedición hasta ahora. No sé si continuará, pero, de todas formas, si no conoces las aventuras musicales del irlandés, te aconsejo que sigas profundizando en su discografía posterior. Es una mina de blues, rock y hard-rock. Gallagher, de vida privada austera y de trato muy cordial y educado, no llegó nunca a casarse y ni tan siquiera se le conocen, según su biógrafo, Dan Muise, novias algunas, solo el amor platónico por Catherine Deneuve, lo que le llevó a estudiar francés. Su vida eran la guitarra, el blues… y el alcohol. Por culpa de este útimo, con un hígado transplantado que se negó a funcionar, murió, en 1995, con 47 años. Bono dijo que fue uno de los diez mejores guitarristas de toda la historia, y aún amplió demasiado la plantilla.

http://blogs.heraldo.es/lavozdemiamo/?p=4715

Rory Gallagher - For The Last Time - "Rory Gallagher" (1971)



Rory Gallagher - In Your Town - "Deuce" (1971)

Rory Gallagher - What in the World - "Live! In Europe" (1972)

Rory Gallagher - Walk on Hot Coals - "Blueprint" (1973)



Rory Gallagher - A Million Miles Away - "Tatoo" (1973)



Rory Gallagher - Too Much Alcohol - "Irish Tour 74" (1974)

Charlie Parker / Bird is on the Wing

Perseguidores

Jueves, 29 de marzo de 2012

Por Mario Goloboff (Escritor, docente universitario)

Casi todos sabemos hoy que la figura de Johnny Carter, el protagonista de aquel cuento memorable que se llamó “El perseguidor”, está tomada de lo que en vida fue el saxo alto Charlie Parker, uno de los grandes que rompieron con el swing, iniciaron el bebop y empezaron a “introducir en sus interpretaciones efectos armónicos y melódicos propios de la música clásica y moderna europeas” (Hugues Panassié). Sólo algunos saben o recuerdan que aquel nombre y aquel apellido inventados son una mezcla y cruce de otras dos estrellas anteriores del jazz, saxos extraordinarios también: Johnny Hodges y Benny Carter. Nadie conoce, sin embargo, qué buscaba, qué perseguía Julio Cortázar con tamaña empresa como fue la de escribir ese relato. Que haya elegido a un jazzista, dadas sus conocidas inquietudes, de las más precoces en los tempranos cuarenta en Buenos Aires, parece natural. “La música le gustaba mucho (cuenta su hermana menor, Memé). Ahí había un piano, y todos los días, desde chiquitos, desde que llegamos a Banfield, la orden era tantos minutos por reloj. Después él lo dejó, pero seguía tocando. Se sentaba al piano... Los negros de allá, de Norteamérica, le gustaban. Los tangos, esas cosas nuestras, no le gustaban. Al final se dio vuelta.”

Tampoco es un hecho nuevo que haya explayado en este cuento sus preocupaciones sobre la transmisión de una experiencia estética a otra, de un lenguaje significativo o simbólico a otro. Hay muchos textos en los que trata de describir la música o la pintura o de hacer ver con el lenguaje lo que no alcanza a verse en una fotografía, de sentir u oír una escultura o un fragmento de “I’m coming Virginia”. Sería, pues, revelador saber por qué la vida de este músico. Una vida por fuera o por arriba de lo real, que efectivamente fue en los bordes, en los límites, entre “el lado de acá” y “el lado de allá...”.

Se conocen dos buenas biografías de Parker: la de Robert Reisner, Bird. The Legend of Charlie Parker (1962), y la de Ross Russell, Bird Lives! (1973). Gracias a ellas y a otros documentos puede saberse que el cuento deforma poco su aventura vital, salvo lo que adecua, para que la anécdota funcione como leíble y admisible, verosímil. De aquellos antecedentes se puede recoger que Parker tuvo una infancia paupérrima, que su padre fue apuñalado por una prostituta, que siempre hubo deudas e hipotecas durante su crianza, que ésta fue muy corta y que a los 16 años se casó con una muchacha de 19 (Rebecca Ruffin). Casi inmediatamente tuvo su primer hijo (León) y su primer divorcio. En el ’43 se casó con Geraldine Scott y en el ’48 con Doris Sydnor, en Tijuana. Finalmente, en el ’50 comenzó a vivir con Chan Richardson, con quien tuvo dos hijos, Pree y Charles.

Desde su viejo primer saxo, hecho en París en 1898, “que no sonaba a nada”, compró, obtuvo en préstamo, perdió, rompió y empeñó unos cuantos más. Después de su muerte, mucha gente anduvo buscando “el alto” en el que habría tocado. “Parecía la búsqueda del Santo Grial” (Reisner). En la primavera del ’46, tiempos en que estaba grabando con Miles Davis, Dodo Marmarosa, Arv Garrison, Roy Porter, sus grandes legados: “Moose the mooche”, “A Night in Tunisia”, “Ornithology” (explotando el apodo de Parker), después de una pelea conyugal, inconvenientes profesionales y una ingestión suficiente de alcohol y droga, incendia la pieza del hotel Civic de Los Angeles y sale corriendo desnudo por los pasillos, ignorado por los bomberos pero advertido por los policías que, de un cachiporrazo, lo voltean y esposan. Al cabo de varios días, un juez sensible y permeable, Stanley Mosk, atendió a sus amigos y decidió sacarlo de la sala de psicóticos y depresivos peligrosos derivados por la cárcel y enviarlo confinado a Camarillo, institución modelo para el tratamiento y rehabilitación de casos extremos.

Sale rehecho, pero al poco tiempo recae en las llegadas tarde a las grabaciones, las faltas sin aviso, el presentarse tan borracho o tan drogado que no puede tocar, y hasta la falta de trabajo porque pocos querían hacerse cargo de él. De su primera visita a París en 1950, viniendo de una gira en Suecia, se recuerda que dejó famosamente colgado un concierto establecido por Charles Delaunay (editor en 1938 de la primera discografía mundial del jazz y director de la revista francesa Jazz Hot), volviéndose a Nueva York porque extrañaba. Melody Maker, de Londres, tituló en tapa: “La increíble historia de Charlie Parker en París”.

De su último pasaje, y de sus andanzas urbanas y musicales, registró Le Monde en 1953: “No hay nada que hacer. Ni el match Rocky Marciano-Joe Walcott, título mundial en juego, retransmitido por la tele, ganado (¡ay!) por Marciano. Ni Gillespie, que no paró de entrar y salir todo el tiempo de los camarines para estar al tanto (había apostado fuerte) /.../ Parker había olvidado su bello Selmer en mi bemol. A la tarde, en una boutique de la ciudad, le habían alquilado un Grafton de plástico blanco. De todas formas, esa noche él habría podido tocar en un secador de pelo”. Los resultados del agitado concierto (“una gracia animal /.../ una transmutación de tensiones, de miserias y de la locura en estado puro”): “Walcott cobró 250 mil dólares por su K.O. Marciano, 166 mil más menudencias por haberlo batido. Mingus, 150 dólares (contrabajo), Max (Roach), 150 (batería), Dizzy, 450 (trompeta), 200 dólares, menos la location del Grafton, para Parker, que había pedido 100 mil; 500 para el pianista (Bud Powell) quien no les vio ni el color”.

“La paráfrasis de Bird es más compleja (que la de Armstrong), a veces hasta misteriosa. El arte de Parker se parece al del ilusionista que hace desaparecer un objeto y, por momentos, con gran despliegue de pases, lo restituye con la rapidez de un relámpago” (Lucien Malson). Desbordado, arbitrario, tiránico; a veces, tierno y angelical, siempre inigualable, era adicto desde casi niño y había probado todo: nuez moscada, benzedrina, anfetaminas, heroína, morfina, marihuana y, en bebidas, el vino, el whisky, la ginebra. Por unos gramos de heroína llegó a firmar contratos más que leoninos. Empeñaba la ropa, el saxo (suyo o ajeno); en materia sexual, su promiscuidad era famosa y muy aprovechada. Terminó conociendo a la baronesa Rothschild, en cuyo lujoso piso de la Quinta Avenida (que habían convertido en punto de encuentro del jazz neoyorquino) falleció de un ataque masivo el 12 de marzo de 1955. Como ciertamente se encontraba sin documentos, el médico que hizo el certificado de defunción asentó entre 50 y 60 años de edad. Tenía, en verdad, 34. Su poeta preferido fue siempre Omar Khayyam, de cuyas Rubaiyat Bird solía recitar alguna estrofa de memoria: “Ven, llena la copa, y en el fuego de la primavera / arroja lejos tu ropa invernal del arrepentimiento; / el pájaro del tiempo tiene ahora poco espacio / para volar, y el ave vuela sobre el ala”.

http://www.pagina12.com.ar/diario/contratapa/13-190660-2012-03-29.html

Bebop - Charlie Parker

Alan Courtis / La Expansiva Teoría Libertaria de Courtis

La revolución productiva

En los años ’90, Alan Courtis tuvo cierta notoriedad como miembro de Reynolds, la banda que tenía un integrante con síndrome de Down. Pero desde entonces –y desde antes también– nunca dejó de hacer música a un ritmo casi inimaginable: el año pasado, por ejemplo, editó dieciséis discos. Y hay más curiosidades: esos discos no se consiguen en Argentina, pero sí en Dinamarca, Francia, Perú o Malasia, algunos de los países que editan a Courtis, solo o en sus colaboraciones con Lee Ranaldo, Jim O’Rourke o Tabata Mitsuru. Y esos discos, además, vienen con un packaging único, de los que ya no se hacen.

Domingo, 25 de marzo de 2012

Por Santiago Rial Ungaro

Estamos en el barrio de Montserrat, en el departamento de Alan Courtis, probablemente el músico de su generación más editado internacionalmente... y más desconocido en su propio país. A nuestro alrededor, decenas, cientos de vinilos, cassettes y cd’s, uno más atractivo que el otro, envuelven desde sus “packagings” músicas inclasificables. Siempre sorprendentes, siempre explorando nuevas ideas y experimentando nuevos sonidos, la música de Courtis fluye por todo el mundo: el año pasado editó 16 discos, y su música se edita periódicamente en Alemania, Francia, Inglaterra, Holanda, Bélgica, Austria, Noruega, Dinamarca, Perú, Chile, Ucrania, Malasia, Hong Kong, Japón... Ahora mismo está en el interior del país: “No sé por qué terminé haciendo esta música. Quizás es porque es una música muy personal, en la que casi no hay reglas. Cualquiera puede hacerla”, comenta distraído. Pero aunque su curiosa discografía puede ser inspiradora para cualquiera que haga música poco convencional, la verdad es que no a cualquiera se le ocurre grabar un disco con una guitarra sin cuerdas, o usando el sonido de cinta de cassettes vírgenes, o editar periódicamente en vivo encuentros con otros músicos como los japoneses Tabata Mitsuru, Seichi Yamamoto o Yoshimi PWe (ex miembros de los geniales The Bordemos), Lee Ranaldo (Sonic Youth), o Jim O’Rourke, y que también cuenta con bandas (como los franceses de L’autopsie a révele que la mort etait due a la’ autopsie, con los que editaron un cassette en vivo con forma de ataúd verde) y artistas desparramados por el planeta siempre dispuestos a aprovechar cada encuentro con Alan para hacer música. Lona Records en Hong Kong; Doufu Records en China; Young Girls Records en Bélgica; Quasipop en Ucrania; Beer Records en Eslovenia; Lattajjaa en Finlandia. ¿De dónde salieron estos contactos? Dice Alan: “Creo que el trabajo de uno lo exige un poco. Uno también elige cuáles son las condiciones. Y para mí la prioridad es que salga”. El discurso, la teoría de Courtis como artista es igual de libertaria y expansiva que su práctica musical, bastante conectada espiritual y formalmente con el free jazz, por cierto. “Yo particularmente soy un acérrimo defensor del objeto, no porque esté en contra de lo digital, sino porque me parece que tiene cierta mística. Genera una práctica distinta abrir una carpeta que ponerse a escuchar un disco. Los discos son como una especie de sucursales nómades de estados mentales. Vos lo hacés, pero después la gente también les pone cierta carga”. Alan es un colaboracionista de la música free, aunque no es sólo eso: también es un compositor contemporáneo (chequear su obra para ensamble de diarios que tocó el año pasado la Apatt Orchestra en el Sefton Park de Liverpool)

A su manera, Alan Courtis es un súper rockero: progresivo, industrial, punk y clásico, ya que su formación musical es clásica. Desde su época con Reynolds, la obra musical de Courtis y su “súper creatividad”, siempre tuvieron en cuenta el vacío desde donde surge el sonido: no es casual que el disco más “conocido” de Courtis sea el primero de Reynolds. “Sí, en el ’95 hicimos nuestra obra ‘conceptual’, que era una cosa honda: ‘bueno, si no se puede hacer un disco hagamos un disco sin disco’”. Cuando se abría el packaging de Gordura Vegetal Hidrogenada, en el lugar donde iba el CD, se leía: “Este disco se acaba de desmaterializar hace 5 segundos”. El disco (primer disco “desmaterializado” editado en el país) estuvo a pocos votos de salir elegido como “disco del año” por el Suplemento No. Claro que por entonces Alan ya andaba por ahí editando su música en cassette: “Para mí son fundamentales. A finales de los ’80 y a principios de los ’90 ya existía una red internacional alrededor de las ediciones de cassette. Yo agarré ese último período pre Internet. Recién en 1999 me compré una computadora que tenía para grabar CDR: antes todo lo edité en ese formato”. Aunque reconozca a La Pesada (en especial la operita Tontos) y la obra de Juan Carlos Paz como influencias, Courtis es un producto de los ’80: “Yo toqué en el Parakultural en Balcarce, y también en el 90 cuando lo reabrieron en Chacabuco, con Nuégado de Serpientes. En esa época iba a ver a bandas industriales, bandas punk, a Uno X Uno, Sentimiento Incontrolable”. Desde entonces, su dinámica productiva nunca cambió: “Yo en general hago el disco y paso a otra cosa. Y hay discos que tardan 5 años en salir editados. Yo los mando, mando la música y la gráfica y después ya paso a otra cosa. Otros que no me llegan por lo mal que anda el correo. Yo mis discos los hago la mayoría de las veces acá, y sigo usando la portaestudio”, dice y señala su vieja y fiel portaestudio. Ahora: ¿cómo se puede hacer para escuchar sus cassettes? “Sí, la realidad es que no todos pueden escucharlo, lo mismo con los vinilos. ¿Que el cassette suena mal? Eso depende de lo que vos quieras hacer. Para algunas producciones te puedo entender que digan que les comen un poco los agudos. Pero para un cierto tipo de música más arriesgada funciona bien. Igual, la paradoja es que en la era máxima de la ‘tecnologización’ de toda la sociedad, lo que ves es que hay muchísima gente que termina escuchando un MP3 recontra comprimido, por los parlantitos de la compu. La gente hoy en día escucha música peor que nunca. ¡Un buen equipo con cassette suena mucho mejor que eso! ”

Algo curioso: a pesar el apoyo y la amistad de músicos de Sonic Youth, The Boredoms, Damo Suzuki (Can), Eddie Prevost (de AMM) o de Acid Mother Temple y de muchísimos otros para ir descubriendo, Alan siguió siempre viviendo en Buenos Aires, aunque, por ahora, solo lo editó el sello Om Discos: “Nunca me pareció una opción irme. Yo veo que la mayoría de los que se van termina volviendo. También vi mucha gente que vive afuera y vi cómo viven, y creo que quizás a veces van detrás de una ilusión que no sé si es tan real. Además hoy en día hay otras posibilidades: yo el año pasado toqué 4 o 5 veces desde acá. Toco para Suecia, pero desde Internet, desde mi casa. Para mí lo más importante es producir la música, que la música circule y generar proyectos. Y desde acá siempre lo pude hacer”.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7810-2012-03-25.html

Alan Courtis' “In-Formed Music” by a.P.A.t.T. Orchestra - “Musical Settings on the Earth” - Sefton Park Bandstand - Liverpool - England - June 5 2011

Cecil Taylor / César Aira & El Marinero Turco

El free jazz según el Marinero Turco

El Marinero Turco, un célebre dibujante rosarino que emergió en la Fierro de los 80, interpreta gráficamente un cuento de Aira inspirado en el pianista Cecil Taylor.

21.03.2012 18:32
Por Humphrey Inzillo

En 1988, César Aira escribió uno de sus cuentos más célebres, Cecil Taylor, inspirado en los difíciles comienzos de ese músico de free jazz estadounidense. Fue publicado sólo en algunas antologías, y luego descatalogado hasta finales del año pasado, cuando la editorial Mansalva lo relanzó en una edición que se transforma en un tesoro para los amantes del jazz y la literatura gracias a las ilustraciones ad hoc de El Marinero Turco.

Las ilustraciones para Cecil Taylor no son su primera aproximación gráfica al universo simbólico del jazz de este dibujante rosarino, que a partir de sus publicaciones en la revista Fierro de los años 80 se transformó en uno de los héroes del cómic local. De hecho, en el número 18 (abril de 2008) de la segunda etapa de la revista Fierro, y como parte de su serie "Historias de la vida real", publicó siete páginas maravillosas inspiradas en textos de Javier Coma y otros autores, desmitificando la falsa rivalidad entre Coleman Hawkins y Lester Young.

El Marinero Turco es fanático del jazz (además de artista plástico es saxofonista) y reconoce en el gran Lester Young a su ídolo máximo. Pero la música de Lester poco tiene que ver con la revolución que a mediados de los años 50 comenzó el pianista Cecil Taylor. "Yo no había escuchado nada de su música, hasta que comencé a investigarlo para ilustrar el libro", confiesa el dibujante. "Me encantó su historia y lo convencido que estaba de su música, a pesar de cagarse de hambre. Cuando lo escuché, me gustó más de lo que me hubiera imaginado".

Para la portada, El Marinero Turco realizó un óleo en colores que abarca las solapas y la contratapa de la edición, con pincelazos cargados, plenos de intensidad y dramatismo, con guiños al volumen de Vincent Van Gogh y la atmosfera oscura de Henri de Toulouse-Lautrec. En el interior, veinte viñetas en blanco y negro, que le otorgan una interesante dinámica a la lectura. El estilo del Marinero tiene influencias de Hugo Pratt y una trama que remite a la técnica del grabado y a expresionistas como el noruego Edvard Munch.

La fascinación anacrónica que recorre la obra del rosarino (que ha publicado trabajos sobre la Ley Seca, la tauromaquia y el mago Houdini, entre otras temáticas) es una de sus obsesiones: "Los artistas que trato de copiar y que consumo vienen, en su gran mayoría, van de la década del 30 al 60. Hay una inocencia y una inteligencia en el cine y toda la producción cultural de esa época, que me provocan una mirada romántica de esos años. Me fascinan, los idealizo y los idolatro".

http://www.rollingstone.com.ar/1458475-el-free-jazz-segun-el-marinero-turco

Cecil Taylor - Free Improvisation #3 by Ron Mann's (1981)

Charles Bukowski / Ausencia del héroe: Relatos y ensayos inéditos (1946-1992)

Revelan textos inéditos de Charles Bukowski

19 Marzo, 2012 - 20:55

Credito:Vicente Gutiérrez / El Economista

De archivos, de amigos y de viejos periódicos, el editor David Calonne rescató diferentes artículos del escritor Charles Bukowski para publicarlos en el 2010 en el libro Absence of the Hero. Uncollected Stories and Essays. Ahora, gracias a la editorial Anagrama llega la versión en español de Ausencia del héroe. Relatos y ensayos inéditos (1946-1992).

Esta poderosa antología que rescata los primeros cuentos que publicó Bukowski en revistas así como textos perdidos y en algunos casos inéditos, que van directo a las tripas del lector.

El libro es una invitación a un viaje por la vida del escritor y sus batallas literarias; el nacimiento de Henry Chinaski (su álter ego) placeres, traumas, y ofrece grandes crónicas de sus infames recitales públicos, donde, borracho, como simpre estaba, leía poesía, con lo que ganaba unos dólares para seguir viviendo.

Imposible definir a Bukowski más que como “un viejo muy cabrón”. Sus textos durante años han revelado lo peor y lo mejor del ser humano, embriagados de ese humor corrosivo que sólo puede tener un escritor que ha vívido la inmundicia de las calles, el sexo sucio, y las trampas literarias.

Leer a Bukowski va mucho más allá de devorar textos ligeros de un viejo borracho y caliente, pues era un observador de fenómenos como la literatura, el amor, la sociedad, la infancia o el sexo, y los describió sin cuidarse de a quién pudiera ofender.

Y va encuerando todo lo que sucede a su alrededor, como si se tratara de una de sus prostitutas baratas y, por momentos, Bukowski no puede más que ofrecer su lado más humano.

“Soñé durante toda mi vida con ser escritor y ahora los demonios me tiene acorralado”, escribe en una de tantas confesiones.

Ausencia del héroe. Relatos y ensayos inéditos es un libro imprescindible para quien ha seguido al escritor y para el nuevo lector…, el inicio de un romance masoquista con uno de los escritores más irreverentes, sucios y brillantes de la literatura.

http://eleconomista.com.mx/entretenimiento/2012/03/19/revelan-textos-ineditos-charles-bukowski

Ausencia del héroe: relatos y ensayos inéditos (1946-1992) de Charles Bukowski

Mariana para Blog de Libros 06/02/2012

Si por algo se caracterizó Charles Bukowski, además de por su irreverente prosa, fue por ser prolífico: habiendo publicado más de cincuenta libros en vida, todavía muchos de sus relatos y artículos importantes continúan dispersos o inéditos. Ausencia del héroe es una importante antología de esta obra diseminada, gran parte de la cual se hallaba oculta desde hacía décadas.

Ausencia del héroe brinda al lector de Bukowski un viaje contracultural por las batallas literarias de los cincuenta, la agitación psicodélica de los sesenta, los placeres narcisistas de los setenta y la distopía reaganista de los ochenta, comenzando por los primeros cuentos que el autor publicó en revistas a fines de la década de 1940. Bukowski ofrece crónicas de sus infames recitales públicos, reseñas de su propia obra, jocosas entregas de su columna en la prensa, «Relatos de un viejo indecente», y una serie de joyas literarias que acaban de ser descubiertas y que en su momento no llegaron a publicarse. Pero en este libro también nos encontramos con el otro Bukowski: un crítico literario astuto, si bien bastante excéntrico. Desde su propio «Manifiesto» hasta sus idiosincrásicas valoraciones de Allen Ginsberg, Robert Creeley, LeRoi Jones y Louis Zukofsky, Ausencia del héroe revela al intelectual velado por la áspera apariencia y es una importante contribución al canon de Bukowski.

Charles Bukowski nació en Adernach en 1920. Su infancia y adolescencia transcurrieron en un entorno familiar y social violento, hecho que marcaría el devenir de su posterior producción literaria. Fue la pieza fundamental de la que se vino en llamar generación beat. Su vida fue tan radical como las historias narradas en sus propias obras. Preso de diversas adicciones, su literatura, casi autobiográfica, es fiel reflejo de su lucha contra el aburguesamiento. Gracias a su realismo sin filtros, y su humor ácido, ha sido una influencia para diversos escritores de generaciones posteriores.

http://www.blogdelibros.com/ausencia-del-heroe-relatos-y-ensayos-ineditos-1946-1992-de-charles-bukowski/

Charles Bukowski - Confesion

Jello Biafra / Tonight - Jello Against The Corporate Cartoon McNews - Tonight

Jello Biafra : “Debemos poner a la gente a reírse de las corporaciones”

Pasaron varios años desde la explosión que significó Dead Kennedys, pero Biafra no ha perdido el filo. Y, según cuenta, aprendió algunas cosas sobre el arte de no dejarse atraer “por cadenas como CNN, que te torna cada vez más estúpido si la ves”.

Viernes, 23 de marzo de 2012

Por Ana Asseo de Choch

Su disco más reciente, The Audacity of Hype, lo encuentra girando con su actual banda, The Guantanamo School of Medicine. Desde sus letras, todo en Jello Biafra es rebelión y cuestionamiento. “No puedo creer que la mayoría de la gente con la que hablé en Buenos Aires no conoce la Patagonia”, se lamenta. “¿Cómo es posible que no haya trenes recorriendo todo el país?” Parece estar más informado sobre la Argentina que más de un habitante local. “Aún no pudimos hacer lo mismo que ustedes, metiendo presa a gente como Videla. Y el problema es que muchos de nuestros políticos, como Ron Paul, se esconden detrás de leyes para legalizar las drogas o sacar las tropas de Afganistán, y los jóvenes los encuentran tan cool. Y en verdad, son tan racistas como el National Front europeo, y tienen a Obama y los suyos muertos de miedo.” Se define como un viejo anarquista que hoy comulga con gran parte de las ideas socialistas. Esta noche a las 21, en Niceto (Niceto Vega 5510), los porteños tendrán la posibilidad no sólo de ver a Jello Biafra and the GSM explotando en vivo, sino también de pensar si quieren empezar a formar parte de este glorioso estado de insurrección.

–¿Imaginan los estadounidenses a Sudamérica como una selva atestada de enfermedades mortales?

–Odio decirlo, pero puede que tenga razón, porque las noticias están tan censuradas en mi país que incluso cadenas como la CNN, que la gente aún cree que es una buena cadena de noticias, en realidad te torna cada vez más estúpido si la ves. Yo ahora la llamo “Corporate Cartoon McNews” (“Dibujo Animado Corporativo MacNoticias”). Algo que viene sucediendo durante los últimos treinta años, como mínimo, es que todo tipo de cadenas fue adquirida por grandes corporaciones, que entonces obtienen el control editorial sobre los contenidos, en pos de dirigirlos hacia su propio rédito económico. Pero también, cuando estas corporaciones de medios arrancaron, su actitud fue “No vamos a gastar plata en un departamento de noticias de calidad que haga profundas investigaciones. Sólo queremos hacer dinero”. Entonces, una de las cosas que hicieron fue cerrar todos los departamentos de noticias extranjeras, por lo que hay cada vez menos y menos reportes llegando de otros países... excepto si hay un terremoto, una guerra o algo así. Así que la mayor parte de los norteamericanos no tiene mucha idea acerca de nada de ningún otro país. Y, a su vez, el sistema educativo se tornó tan malo, porque justamente es ese mismo tipo de gente ocupándose de los presupuestos educativos, que muchos no ubican Argentina ni Sudamérica en el mapa; ni hablemos de que ubiquen sus estados. Y no bromeo.

–¿Es votar hoy, en Estados Unidos, casi una forma de insurrección?

–Me gustan muchos tipos de protesta. Creo en una insurrección en las calles, no violenta. En insurrección en los padrones. Y, también, en insurrección en cómo gastamos la plata. Yo no como en McDonald’s desde hace 30 años. Trato de darle la menor cantidad posible de dinero a los predadores corporativos globales, a las grandes cadenas de supermercados; cosas así. Nadie puede hacerlo en un 100%, excepto que se quiera ir a vivir a la selva y no hablar con nadie nunca más. Pero creo que es importante prestar atención, incluso si lo único que tenés son dibujitos animados que se mueven por la plata, es muy importante controlar quién es el intendente, quién el gobernador, quién lleva adelante la escuela, la universidad; quién va a decidir si usará el presupuesto en hacer una cancha de golf para los ricos en vez de techo para los pobres. Y qué es más importante: construir un estadio de fútbol o construir sistemas de trenes.

–Tomar conciencia...

–Tenés que parar y pensar: “A ver, la plata se junta con los impuestos. ¿Quién está a cargo de invertir esa plata?” Mucho dinero se queda en los gobiernos, que son tan corruptos que no la reinvierten en la gente. Incluso tenemos el referéndum, que permite votar por leyes específicas, por sí o por no, en determinado estado o ciudad. Pero tan poca gente presta atención a las competencias locales y a esos referendos, que cuando gente como yo participa tenemos muchas más posibilidades de meter buena gente y buenas leyes. Si no nos presentamos, no podemos lograr buenas leyes como marihuana medicinal, casamiento gay y demás. En cambio, triunfan leyes anti-inmigración, leyes del tipo “pasar el resto de tu vida en la cárcel por robarte una caja de cerveza”, leyes antidrogas terribles, etcétera. Es fundamental prestar atención a estas cosas. Yo dejé de votar por años, porque estaba harto del mismo juego de “elegí qué corrupto republicano querés”. Pero gente como Frank Zappa me metió de nuevo en eso, diciendo “No; prestá atención a las elecciones locales. Podemos hacer una diferencia, y no vamos a lograr nunca más estar arriba si no empezamos desde abajo”.

–¿Cómo se enfrenta el control de información e identidad?

–Creo que parte de la forma de rebelarse es, como individuo, enseñar alfabetismo de medios (media literacy) a cada uno que conozcas. La gente no debería graduarse de la escuela sin tener antes una clase de alfabetismo de medios, que hoy no tienen. Los padres necesitan enseñarles a los hijos, los chicos a sus padres, y todos necesitan enseñarles a sus amigos. Si lo único que sale de la TV es bosta, y lo mismo sale en Internet y en los diarios, planteáselo a otra gente. Ponelos a reír de todo eso junto a vos. Y una vez que esa revolución explote, la gente nunca va a volver a creer en los medios corporativos. En mi familia, si algo como la maldita guerra de Vietnam aparecía en la tele –ese tipo de imágenes que hoy ya no se muestran–, nos dejaban verlo. No decían “Pobrecitos, saquemos eso”. Se nos planteaba a mí y a mi hermana el tema de la guerra y su significado, desde que éramos muy chiquitos.

–Le despertaron la conciencia.

–Yo ya tenía opiniones formadas sobre racismo, guerra, brutalidad policíaca, corrupción, ambientalismo; de todo. Y además, mi padre se volvía loco de bronca o se mataba de risa cuando aparecían las propagandas. Y después, siempre me decía cosas como “Mirá, hijo; ¿ves esa mujer saltando, que trata de venderte un jabón para la ropa? En realidad no está excitada por el jabón. Es sólo una actriz; la contrató una corporación para venderte ese jabón y probablemente ni debe ser buen jabón”. Así que enseguida apliqué el detector de bosta frente a la escuela, frente a las noticias; incluso frente a mis padres, que no se esperaban que también los cuestionara a ellos, pero ahora nos llevamos bien. Pero me hizo una mejor persona. Y estoy muy agradecido por eso. A eso me refiero con “alfabetismo de medios”: cada cual debería ayudar al resto a desarrollar cada vez mejores detectores de bosta.

–Viene a la Argentina con una nueva banda, ¿qué tal suena?

–Con los dos guitarristas (Ralph Spight y Kimo Ball) es muy bueno ver cómo no hay competencia. Ralph (el de pelo corto), que es el que por lo general tiene la guitarra de blues, o la Les Paul, fue quien sugirió traer a Kimo, el otro guitarrista, desde el principio. Sabía que yo quería dos guitarras, y él quería a Kimo a toda costa. Así que Kimo dice que él y Ralph tienen una relación telepática, porque son tan amigos y tocaron tantas veces juntos. Andrew Weiss sigue en el bajo y tenemos un nuevo baterista: Paul Della Pelle, que viene de la escena del hardcore punk y perteneció a míticas bandas. Seguramente esta noche toquemos algunas canciones de los Dead Kennedys, pero como ya estuvimos en Buenos Aires, calculo que tocaremos más canciones de la GSM.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-24689-2012-03-23.html

Jello Biafra And The Guantanamo School Of Medicine - New Feudalism - The Audacity of Hype (2009)



Jello Biafra and The Guantanamo School of Medicine - Dot Com Monte Carlo - Enhanced Methods of Questioning (2011)

The Doors / "L.A. Woman" A Brand-New Official Video 2012

The Doors y un nuevo video para "L.A. Woman"

A 40 años de la edición de "L.A. Woman", la banda lanzó un nuevo video del tema protagonizado por mujeres de Los Ángeles y por skaters

En 2011 se cumplieron 40 años de la edición de L.A. Woman, último álbum de estudio de la banda de Los Ángeles liderada entonces por Jim Morrison. Manzarek y Krieger anunciaron que debido a este acontecimiento, justamente 2011 sería "The Year of The Doors"

Así es y como parte de las celebraciones que comenzaron en noviembre del año que pasó, The Doors acaba de lanzar un nuevo videoclip para el track que dio nombre al álbum, el nuevo video está protagonizado por Kenny Anderson, Alex Olson y Braydon Szafranski, tres profesionales del skateboard que recorren las calles de la ciudad de Los Angeles desde Venice Beach hasta Hollywood, pasando por puntos históricos de la ciudad californiana que vió nacer a la mítica banda.

El nuevo video fue dirigido por Matt Goodman y es a la vez parte de la promoción de la reedición de L.A. Woman -el ábum- en formato de CD doble, el DVD y Blu Ray titulado Mr. Mojo Risin': The Story Of L.A. Woman.

The Doors - L.A Woman (Original video) - Álbum L.A Woman (1971) © WMG/DMC/Elektra/RHINO

Mr. Mojo Risin' - The Story Of L.A. Woman (Official Trailer)

The Doors - L.A. Woman - New Official Video (2012)

The Beatles / Yellow Submarine Restored Frame by Frame

The Beatles "Yellow Submarine" en su versión restaurada

Yellow Submarine ha sido restaurada para lanzarla a la venta el 28 de mayo por primera vez en formato de DVD y Blu-ray

Martes, 20 de Marzo de 2012

EFE

La delicadeza de la cinta original, compuesta por fotogramas dibujados a mano, obligó a los especialistas a no utilizar programas automáticos para restaurar la película, por lo que tuvieron que hacerlo manualmente fotograma por fotograma.

Londres.- La versión restaurada de la emblemática película de los Beatles "Yellow Submarine" será lanzada en formatos DVD y Blu-ray el próximo 28 de mayo, según informó hoy la discográfica fundada por el cuarteto británico, Apple Records.

El clásico filme de animación, estrenado en 1968 y protagonizado por personajes de las canciones de los Beatles, ha sido reeditado en versión digital por la compañía estadounidense Triage Motion Picture Services and Eque, responsable también de la restauración de "A Hard Day's Night".

La delicadeza de la cinta original, compuesta por fotogramas dibujados a mano, obligó a los especialistas a no utilizar programas automáticos para restaurar la película, por lo que tuvieron que hacerlo manualmente fotograma por fotograma.

La nueva versión digital, cuyo lanzamiento coincidirá con la reedición del disco con la banda sonora de la película, incluirá una amplia colección de contenidos adicionales como un documental sobre cómo se hizo la película, entrevistas con los participantes en el filme, así como dibujos originales de la historieta.

También vendrá acompañado de un ensayo sobre "Yellow Submarine" elaborado por John Lasseter, el director creativo de Pixar, donde expresa su admiración por los artistas de esta película que "abrieron el camino para el fantástico cine de animación que disfrutamos hoy en día".

Dirigida por George Dunning y escrita por Lee Minoff, Al Brodax, Jack Mendelsohn y Erich Segal, "Yellow Submarine" es una historia de animación basada en las canciones de los Beatles que, cuando salió en 1968, revolucionó el cine animado por su estética surrealista, su trama psicodélica y su producción técnica.

La banda sonora de la película, con canciones del cuarteto de Liverpool como "Eleanor Rigby", "When I'm Sixty-Four", "Lucy in the Sky With Diamonds" o "All You Need Is Love", se lanzará en CD en el Reino Unido también el 28 de mayo.

http://www.emol.com/noticias/magazine/2012/03/20/531779/la-pelicula-yellow-submarine-sera-lanzada-en-dvd-a-fines-de-mayo.html

The Beatles - Hey Bulldog - Film Yellow Submarine by George Dunning (1968)

Daniel Johnston / ‘Hi, How Are You, Spain?’

Locura y genialidad se dan la mano: ¡Nos visita Daniel Johnston!

29/02/2012 22:26

Por David Pérez Marín

Tras el último homenaje que se le ha rendido en nuestro país: ‘Coloreando a Daniel Johnston. La historia de un artista’. Una edición limitada de 170 copias, que incluye un fanzine con dibujos del norteamericano y un cassette en el que 18 bandas españolas (Odio París, The Secret Society, Los Punsetes o Las Robertas) dan su visión particular del artista. La leyenda viva Daniel Johnston, bajará la guardia y nos visitará en el mes de abril.

Cuatro son las ciudades afortunadas:

18 de abril- Madrid - La Casa Encendida

19 de abril - Barcelona - Sala Bikini

20 de abril - Valencia - El Loco

21 de abril - Valladolid - Laboratorio de las Artes

Además, en la capital están de enhorabuena: La Casa Encendida dedicará una retrospectiva a la figura de este compositor, donde se podrá recorrer sus pasiones, obsesiones y angustias vitales por medio de su arte gráfico.

Daniel Johnston ha servido de inspiración a bandas como Nirvana (Kurt Cobain alabó su trabajo y, durante bastante tiempo, lució una camiseta con la imagen de uno de sus primeros discos: ‘Hi, How Are You?’), Sonic Youth o Yo La Tengo.

Y muchos otros artistas han alabado su música y han interpretado sus canciones: Tom Waits, Wilco, The Flaming Lips, Beck, Bright Eyes, Clem Snide…

Si queréis saber más de este grande entre los grandes, desde Thriller Magazine, os recomendamos el documental de Jeff Feuerzeig ‘The Devil and Daniel Johnston’. Un retrato de la genialidad y la locura, un viaje tormentoso lleno de luz por las adicciones, la mente herida, la creatividad y el amor.

Aún no sabemos nada sobre la venta de las entradas ¡habrá que estar atentos! Este es uno de esos trenes que pasan una sola vez y, si no lo coges, te estarás arrepintiendo toda la vida…

http://www.thrillermagazine.es/2012/11955/portada/locura-y-genialidad-se-dan-la-mano-daniel-johnston-nos-visita/

Daniel Johnston - Casper The Friendly Ghost

Weather Report / "Live in Offenbach 1978"

Weather Report : “Live in Offenbach 1978” MIG/INDIGO

Texto: Gernot Dudda

Impecable directo, grabado el 29 de septiembre de 1978 en el Stadthalle de Offenbach y rescatado de los archivos del Zawinul Estate coincidiendo ahora que se cumple el 40 aniversario del nacimiento de la banda. Y tiene su morbo, porque aunque es verdad que hay otras grabaciones en vivo disponibles, el estado de gracia que aún arrastraba por aquel momento esa máquina de “afusionar” jazz con las muy ricas, variadas y creativas ideas propias (reciente en la memoria todo un hito como el álbum “Heavy Weather”) merecía un documento a su altura.

Es cierto que existía un directo de la época, el álbum “8.30”, pero grabado en California (no en Europa) y completado con temas de estudio debido a que buena parte del material de directo llegó a borrarse accidentalmente. Así que esta es la primera vez que se puede acceder a lo que era por entonces el set completo de uno de sus conciertos.

La formación es por supuesto la de gala: Joe Zawinul (teclados y sintetizadores), Wayne Shorter (saxos tenor y soprano), Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y el recién incorporado Peter Erskine a la batería (en aras de una mayor concreción estilística y sonora, el grupo había decidido no cubrir la plaza vacante de percusionista).

Pero a pesar del entusiasmo que despertaron entre el público alemán, la gente estaba un tanto mosca porque se esperaba una representación más sustanciosa de “Heavy Weather” y al final sólo hicieron tres piezas (¡pero qué piezas!: ‘Teen Town’, ‘A remark you made’, el imbatible ‘Birdland’). Sin embargo, sí recogieron hasta cuatro de su más reciente publicación, el controvertido “Mr. Gone”, un disco que no llegó a gustar a nadie por aquel entonces. Un problema menor cuando piezas de grandísimo calado como ‘Black Market’ y ‘Elegant People’ (de ese otro gran disco que fue “Black Market”) encuentran aquí versiones muy poderosas también.

El grupo tenía muy claro que la idea no era presentar un disco en concreto sino proyectar la carrera de Weather Report desde una perspectiva más global –incluyendo por supuesto sus comienzos, como ‘In a silent way’ (aquel tema de Zawinul con el que Miles Davis tituló una de sus mejores obras, con el propio Zawinul dentro) o ‘Waterfall’, trasladados aquí en versiones muy cortas a modo de “appetizers”. El objetivo era seguir reivindicándose como una sólida y disciplinada fuerza improvisatoria, aún cuando por aquí abundan los momentos de exhibición individual de sus miembros.

Este directo hace honor a la leyenda del grupo y a la propia historia personal de sus músicos, con ese incombustible Joe Zawinul alumbrando maravillas hasta el mismo día de su defunción. Nadie como ellos ha sabido manejar en el jazz una ecuación tan asombrosa como la improvisación entre sus componentes, las estructuras formales y la energía cálida de la electrónica (por supuesto analógica; Zawinul odiaba los artilugios digitales).

http://www.efeeme.com/el-disco-del-dia-weather-report/

Weather Report - Teen Town - Live In Offenbach 1978

Jack White / Blunderbuss

Jack White : “Sixteen Saltines” un nuevo adelanto de Blunderbuss

15 de Marzo de 2012

El conocido músico y productor Jack White lanza por estos días su primer álbum solista titulado Blunderbuss. El nuevo trabajo verá la luz el 24 de Abril, y será editado por Third Man Records, su propio sello discográfico.

A fines de enero pasado White presentó su primer corte “Love Interruption” , pues ahora estrenó un nuevo track titulado “Sixteen Saltines” en su versión de estudio.

Ya se pudo escuchar cómo suena en directo lo nuevo de Jack White ya que el músico actuó en Saturday Night Live y eligió ambos temas "Love Interruption" y "Sixteen Saltines" para dar una idea de cómo sonará ‘Blunderbluss’, su álbum debut en solitario.

A semanas del lanzamiento de Blunderbuss, el músico de Detroit hoy establecido en Nashville demuestra con "Sixteen Saltines" un White en estado puro, poderoso, eléctrico y con buena distorsión. “Sixteen Saltines” es segun parece la última antesala de un disco esperado y promisorio del talentoso guitarrista ex The Raconteurs y The Dead Weather.

Jack White - “Sixteen Saltines” - Blunderbuss (2012)

Rammellzee / The Ikonoklast Samurai

Reaparece la obra del excéntrico Rammellzee

La lucha contra la tiranía del lenguaje es constante en su obra. El artista creía que podía ordenar a las letras que se liberaran. Su obra vuelve a verse después de haber pasado un decenio en depósito.

Arte 14/03/12 - 15:48

Por Randy Kennedy - The New York Times

Durante los años 80 y 90 en algunos círculos entrelazados del mundo del arte en Nueva York, solía oírse una pregunta sotto voce: "¿Estuviste en Battle Station?" El legendario loft de TriBeCa en Manhattan donde el artista y músico Rammellzee vivió y trabajó, totalmente recluido en medio de un matorral de pinturas cósmicas, escultura plástica militarizada y trajes estilo Samurai, era como una sociedad secreta en la cual el graffiti, el hip-hop, la lingüística y la ciencia ficción se fusionaban en una extraña categoría de arte.

Rammellzee fue, sin embargo, abriendo sus puertas cada vez con menos frecuencia hasta que murió en 2010 a los 49 años de una enfermedad cardíaca.

"Llevé a George Clinton y a Bootsy Collins por primera vez a Battle Station, y salieron sintiéndose como si hubieran tenido un encuentro cercano", dijo el bajista y productor musical Bill Laswell.

Poco después de los ataques del 11 de Septiembre, el edificio que albergaba Battle Station se vendió para dar lugar a departamentos de lujo, y Rammellzee y su mujer, Carmela Zagari, se mudaron a Battery Park City. El equivalente de casi 20 años de su obra obsesiva fue a parar a un depósito.

Algunas obras están empezando a ser reflotadas. Una recreación de Battle Station estilo bunker e iluminada en negro fue una de las obras que más dieron que hablar en "Art in the Streets", una retrospectiva del graffiti que tuvo lugar el año pasado en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

El 8 de marzo, Suzanne Geiss Company, una galería en el SoHo, presentó su muestra inaugural colgando dos grupos completos de obras que Rammellzee llamó "letras de carrera", esculturas parecidas a naves espaciales que representan las letras de la A a la Z, construidas con restos de artículos de consumo como anteojos de sol, autos de juguete, paraguas baratos, biromes Bic y tapas de desodorantes de ambientes.

El único juego completo de letras de carrera, hecho con madera pintada en dorado y pedazos de muñecos Kewpie y dinosaurios de plástico, se encuentra en el museo de Arte Moderno de Nueva York, en la exposición "Printin,’" hasta el 14 de mayo.

Esta aparición de las esculturas ya ha comenzado a redefinir la fama de un artista considerado por el mundo artístico más con una curiosidad perpleja que con interés serio. ¿Era un artista hip-hop con inclinaciones hacia el arte visual? (En los años 1980, fue un famoso maestro de ceremonias y su single de 1983 con K-Rob, "Beatbop", llegó a ser un hito del hip-hop, con la tapa diseñada por Jean-Michel Basquiat, amigo y rival de Rammellzee.) ¿Fue más importante como inspirador y creador de movidas? (Aparece en varias pinturas de Basquiat, siendo la más memorable "Hollywood Africans" con anteojos que parecen antiparras. Y realizó una breve aparición que se robó la escena en la película de Jim Jarmusch de 1984 "Stranger Than Paradise").

¿O fue principalmente un artista cuyo estilo visual salvajemente excéntrico ocultaba su seriedad? (Sus primeras obras se vendieron dinámicamente durante varios años a coleccionistas europeos.

No obstante, cuando se desarmó Battle Station, sus obras pudieron acabar ignominiosamente en la calle en un remolque de camión, como recordó la señora Zagari, en tanto "los niños que miraban decían, `Mamá, mirá, están tirando todos esos juguetes’".) Con Rammellzee las respuestas nunca fueron fáciles. Su nombre faraónico, que formuló cuando era adolescente, no era un nombre, insistía, sino una ecuación matemática. El verdadero objetivo de su arte era, según decía, ilustrar la filosofía dual llamada Futurismo Gótico y Panzerismo Iconoclasta, que imaginaba un mundo en el cual las letras romanas se armarían y se liberarían, bajo su mando, de las estructuras de poder del lenguaje europeo.

"Sentía que aún hoy, controlando la lengua, se controla el discurso, se controla el poder", dijo Henry Chalfant, un cineasta y estudioso del graffiti. La creencia de Rammellzee en que sus modelos podían servir de plantillas para vehículos militares era tan profunda que llegó a temer que el gobierno lo detuviera o incorporara sus talentos por la fuerza.

Rammellzee funcionaba "alejado de la realidad terrenal presente", dijo Chalfant, pero nunca perdió contacto con esa realidad.

Una revista Artforum de 1987 captó el enigma central de Rammellzee: "La perfección de su invención conceptual nos lleva a preguntarnos si el significado es descifrable, en realidad, y si acaso sólo nuestra ignorancia la hace sonar como una incoherencia".

Como parte de su filosofía profética, Rammellzee realizó elaborados trajes enterizos, cada uno hecho a medida de 22 personajes cósmicos que él soñó y que interpretó regularmente. Desde éstos se podían disparar fuegos artificiales. Uno pesaba 68 kilogramos.

"Nadie sabía de dónde sacaba esas ideas", dijo Stephen Torton, quien fue durante un tiempo asistente de Basquiat. "Hasta el día de hoy, no sé si era una persona real".

http://www.revistaenie.clarin.com/arte/Reaparece-la-obra-del-excentrico-Rammellzee_0_663533874.html

Rammellzee - Gothic Futurist Artist

Rammellzee - Gothic Futurist Monk & Hip-Hop Pioneer

The Mars Volta / `Noctourniquet`

Lanzará The Mars Volta su sexto disco de estudio `Noctourniquet`

La banda estadunidense de rock The Mars Volta lanzará el 27 de marzo próximo su sexto disco de estudio titulado `Noctourniquet`, del que se desprende como carta de presentación el tema `The Malkin Jewel`

4/Mar/2012 - 19:22

Notimex.- Tras dos años de no lanzar álbum, la agrupación da a conocer su nuevo material con el cual pretende mantenerse vigente en el gusto del público seguidor del rock progresivo, que caracteriza a la banda.

El grupo ha logrado consolidarse como uno de los favoritos gracias a álbumes como "De-Loused In The Comatorium", "Frances The Mute", "Amputechture", "The Bedlam In Goliath" y "Octahedron".

Definido por la disquera Warner Music como un álbum épico e inesperado, la banda ofrece en "Noctourniquet" 13 temas en los cuales explora territorios sonoros anteriormente experimentados durante sus 20 años de carrera artística.

Lo que destaca en esta ocasión es la diversidad étnica del proyecto, combinada con el talento de Omar Rodríguez en la producción, quien guía a The Mars Volta en su trabajo más refinado y contundente a la fecha, tanto que se espera un material que pretende ser de los álbumes experimentales más desafiantes y satisfactorios del 2012.

El espectro musical-emocional y las texturas concebidas y creadas por Omar Rodríguez López en "Noctourniquet", explota desde el tema inicial "The Whip Hand", pasa por el amenazador "The Malkin Jewel" y viaja a través de un disco melódicamente hipnótico y con tintes ambientales; estilos notables en el track "In Absentia".

Como en trabajos anteriores, las letras de Cedric Bixler-Zavala trazan una jornada narrativa con un protagonismo particular y distintivo a la parte musical.

En esta ocasión, las letras son inspiradas por elementos disparatados que incluyen estrellas de rock británicas de los 80, "La cossa Nostra", al némesis de Súperman en las historietas, "Solomon Grundy" y personajes de la mítica griega.

La nueva placa de The Mars Volta fue grabada por la alineación actual de la banda estadunidense, integrada por Omar Rodríguez López, Cedric Bixler-Zavala, Juan Alderete de la Peña, Marcel Rodríguez López y Deantoni Parks.

http://www.info7.com.mx/a/noticia/319741/normal/esp_home/24

The Malkin Jewel - The Mars Volta - Noctourniquet - © 2012 WMG

Rowland Stuart Howard / Australian´s Underground Hero

Autoluminiscent: Un documental sobre la vida de Rowland S. Howard

22 de Febrero de 2012 -

Por Fernando del Río

Munster Records anuncia la distribución del documental Autoluminiscent a partir del 7 de marzo de 2012, en el que se rinde tributo a la figura del guitarrista Rowland Stuart Howard, fallecido hace tres años.

Será distribuído directamente en formato DVD y no parece que vaya a poder ser visionado, de momento, en ninguna sala de cine. El film se ha hecho hace poco con el premio del público en el Festival Internacional de Melbourne y cuenta, entre otros, con la participación de figuras como: Nick Cave, Thurston Moore, Lydia Lunch, Bobby Gillespie o Henry Rollins.

Sin duda, una buena oportunidad de poner en su sitio a este genio, a menudo olvidado, culpable de dos de las formaciones más interesantes de Australia; The Birthday Party (junto a Nick Cave) y Crime & The City Solution.

http://muzikalia.com/noticias_leer.php/14125/documental-sobre-la-vida-de-rowland-stuart-howard

Autoluminescent - Rowland S. Howard (Trailer) (2011)

Rowland Stuart Howard: Amazing Post-Punk Fender Jaguar



Rowland Stuart Howard fue un reconocido e influyente músico y compositor australiano compañero de banda de Nick Cave y Mick Harvey en los años 70, tanto en Boys Next Door como en The Birthday Party, también formó parte de los imprescindibles Crime and the City Solution y de These Immortal Souls, con quien editó tres trabajos en las décadas de los 80 y 90. Falleció a causa de una enfermedad a los 50 años el 30 de diciembre de 2009.

Rowland Stuart Howard - "Dead Radio" - "Teenage Snuff Film" (1999)

Moebius / The Greatest Visionary in the Comic Art Planet

El artista de culto 'Moebius' muere en París

Fallece Jean Giraud, uno de los máximos exponentes del mundo del cómic

París, 10 de Marzo de 2012.

El artista francés Jean Giraud ha fallecido a la edad de 73 años en París, tras sufrir una larga enfermedad. El mundo del cómic pierde así a uno de sus más ilustres embajadores que desde la década de los 70 y los 80 consiguió revolucionar las historietas de ciencia ficción.

Giraud, al que se le conocía con el pseudónimo de 'Moebius', fue creador de 'El teniente Blueberry', 'Rebelión en la granja', 'El garaje hermético', 'El Incal' o 'Venecia Celeste' entre otros muchos títulos.



Un pionero que trascendió la viñeta

11 Marzo 2012

Por Antoni Guiral (periodista/ divulgador de cómics)

Habría que retrotraerse a los años treinta del siglo XX para encontrar otro referente vital para la historieta de grafismo realista. Entonces, las tiras de prensa de Alex Raymond, Hal Foster y Milton Caniff, con su impronta entre naturalista y expresionista, marcaron la estética del cómic a varias generaciones de historietistas de todo el mundo. Jean Giraud, dual en su apuesta gráfica, genera junto a Hugo Pratt y Alberto Breccia una senda que, a partir de cierto momento, se bifurca para abrir nuevas tendencias. En su trayectoria como Gir, aprende el oficio con Jijé (Joseph Gillain), partiendo de un concepto naturalista del trazo para, acreedor de una sólida base de dibujo, desarrollar en Blueberry (junto al guionista Jean-Michel Charlier) un realismo detallista que transmite verosimilitud a sus personajes y escenarios. Gir no sólo concibe una brillante técnica de texturas evocadoras; elabora un proceso narrativo inteligente en su sencillez ayudado por una muy bien delimitada puesta en escena. Pero Giraud es un creador inquieto que, en su interior, lleva agazapado a su otro “yo” artístico. Si con Blueberry rompe moldes en cuanto a la historieta de género juvenil se refiere, reconvirtiéndola en la esencia del antihéroe para adultos, la conciencia de que el cómic es, también, un medio expresivo para la experimentación y la génesis de menajes más elaborados, abre el camino a Moebius.

Tras firmar algunas historietas como Moebius desde 1963, en 1975 aprovecha la coyuntura que le ofrece la aparición de una revista de la que es cofundador, Métal Hurlant, para con la fantasía y la ciencia ficción como referentes abrir nuevos caminos a la ética y la estética de los cómics. Con su consolidada base realista sintetiza, por un lado, el trazo y reelabora su grafismo en una compleja y detallista técnica que sorprende por sublime, espectacular y evocadora. Rompe con la apuesta de planteamiento, nudo y desenlace en obras como El garaje hermético de Jerry Cornelius, que desarrolla durante tres años en Métal Hurlant sin guion previo, abriendo su mente a la experimentación y aplicando la escritura y el dibujo automático, generando así la que será obra referencial de una parte de las nuevas generaciones de profesionales del cómic. Al mismo tiempo, abre la caja de Pandora para una historieta existencial, en la que el tiempo y el espacio se conjugan para generar realidades alternativas. Este camino iniciático continúa en una parte de la obra que realizará junto al cineasta, escritor y psicomago Alejandro Jodorowsky como guionista. En El Incal, la simbología del tarot se une al descubrimiento por parte de Moebius de las enseñanzas de Carlos Castañeda, lo que le lleva a una condensación de la línea hasta su efecto más puro y diáfano, al tiempo que crea imágenes simbólicas que se convertirán en uno de sus registros preferentes.

Su alegórica y enriquecedora apuesta visual sobrepasará las viñetas para llegar al cine, donde revolucionará el diseño de producción en películas de Ridley Scott, Luc Besson o George Lucas, facilitando que su impronta estética llegue también al terreno de la publicidad y de los videojuegos. Moebius continuará evolucionando, respondiendo a las inquietudes del autor en su constante búsqueda personal, aplicando en su trabajo sus preguntas y respuestas vitales, al tiempo que seguirá ilustrando los álbumes de Blueberry, que tras el fallecimiento de Jean-Michel Charlier continuará en solitario o con otros dibujantes. En su última obra, Inside Moebius, publicada en seis tomos entre 2004 y 2010, aplicará una especie de psicoanálisis, partiendo del cambio que supuso en su concepción artística el abandono del consumo de marihuana. Heterónimo de sí mismo, Moebius interactuará aquí con sus personajes, estableciendo un diálogo dramático en ocasiones, surrealista en otros, que cierra uno de los legados más brillantes de la historieta mundial.

De hecho, el cómic ha contraído una deuda perenne con Moebius, que descubrió a este medio de comunicación senderos originales que han permitido a muchos profesionales la exploración de nuevas vías de expresión.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/10/actualidad/1331400593_865548.html

Trance-Forme - Mœbius science et philosophie en quête de l'origine du monde...(Christian Buffet) (Universcience 2011)

Moebius: "Mi mente es un caos"

Entrevista publicada en El Peródico el 8 de Noviembre de 2009

Sábado, 10 de marzo del 2012

Con 70 años, el autor dibuja a sí mismo en pugna con sus personajes en la primera entrega de 'Inside Moebius' (Norma)

Gemma Tramullas / Barcelona

--Este libro se le ocurrió a usted o a su psicólogo?
--Ja, ja, ja. A mí, a mí. Un día decidí que ya era hora de dejar de fumar marihuana. No es que fuera un adicto, porque no me costó dejarla, pero la consumía para trabajar y ya tengo una edad. Sin los efectos de la hierba, empecé a dibujar un diario íntimo de forma automática, sin pensar, sin hacer bocetos revios. Cuando llevaba un par de páginas me dibujé a mí mismo y luego aparecieron mis personajes: el Teniente Blueberry, el Metabarón, el extraterrestre Arzak...

--Cuando era joven se creía un profeta, incluso pasó tiempo en una secta; luego vendió millones de cómics y le llamaban el Papa de la historieta, y en este libro el personaje de Moebius es nada menos que Dios. Ya no se puede subir más alto.
--No, después de Dios no hay nada. Ja, ja, ja. Mi personaje en Inside Moebius incluso puede volar. El problema es que, cuanto más arriba sube, más dura es la caída.

--Y usted se siente muy arriba?
--Solo cuando hablo con un periodista. No quiero ni contarle cómo me siento cuando me levanto por la mañana.

--Se dibuja a sí mismo con 70 años y también cuando era joven.
--Y cuando tenía 8 años! ¿Ve esta viñeta en la que unos niños juegan con canicas en la calle? ¡Ese soy yo! Verme a mí mismo desde fuera ha sido una experiencia muy profunda y emocionalmente perturbadora.

--La acción transcurre, como en muchos otros álbumes suyos, en el desierto. ¿Aún le influye aquella iniciación juvenil a las drogas en el desierto de México?
--Allí experimenté por primera vez con el inconsciente y eso sigue alimentando mi obra, sí. Pero más allá de eso, el desierto se ha convertido en el hilo conductor de mi trabajo. Mi mente es un caos y el desierto es lo único que pone orden en ese caos.

--Uno de los personajes del libro dice: «El atentado de las torres gemelas supera cualquier historia de ciencia ficción».
--Y es verdad. En el sentido de que estamos hablando de miles de muertos, de seres humanos de verdad. Del 11-S no se puede hacer una abstracción, por eso hice aparecer a Bin Laden en el desierto, donde sostiene un debate con el Metabarón y Arzak.

--Este es uno de los fragmentos más divertidos del cómic.
--El humor nos sirve para distanciarnos de una realidad que, de otra forma, sería insoportable.

--La idea de castigar a Bin Laden a tener cuerpo de mujer de por vida es genial. Para él, es el peor castigo.
--Por eso va siempre tapado de pies a cabeza, como si llevara un burka. Pero ponerse en el lugar del otro puede ser su única salvación, y la nuestra.

--De niño empezó a dibujar compulsivamente para combatir la soledad. ¿Ya no puede dejar de hacerlo?
--Solo lo dejaré cuando me muera.

--Volverá con otra historieta de Blueberry? En el libro, el teniente hasta le apunta con un revólver para que le escriba un guión.
--Él es quizá mi preferido. Quizá vuelva con él. Ganas no me faltan.

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/moebius-mente-caos-periodico-08-11-2009-1523702

Moebius - Sur l'Étoile "Le Monde d'Edena" ( Stel and Atan flying to an unknown world, a 'Garden of Eden somewhere in another galaxy') Music by Tangerine Dream, 'Hyperborea'

Andrew Hill / Black Fire © Blue Note, 1963

Andrew Hill : Black Fire © Blue Note, 1963

Por Ricardo Arribas

Black Fire es la segunda grabación de Andrew Hill a su nombre y la primera para Blue Note, el sello que lo acogería en tres etapas diferentes entre 1963 y su prematuro fallecimiento en 2006. En su interior encontramos música asombrosamente madura y acabada, a través de la cuál Hill desdibujó por completo los límites entre postbop y avant-garde, bailoteando vigorosamente sobre ellos y proponiendo una alternativa rica y fecunda que le permitió expresar en toda su riqueza la amalgama de sensaciones que ansiaba transmitir.

La música de Black Fire puede atemorizar un tanto por su fogosa seriedad, por su intensidad rabiosa, por el férreo nervio que la dirige. Sería una pena darle la espalda antes de haberla catado: toda esa fuerza incontenible no agrede al oyente, tan solo le es transmitida para arrastrarle con ella en un carrusel emocional deslumbrante, irresistible, que le sacude las entrañas y le deja renovado, despierto y relajado.

Para Black Fire Hill contó con un magnífico cuarteto en cuyo seno no cabían distingos entre front line y sección rítmica: los cuatro músicos comparten el centro del escenario y contribuyen por igual a levantar y propulsar la música del pianista. Joe Henderson transmite en todo momento la habitual sensación de seriedad, de foco, de rotunda concentración, aunque le encontramos en esta ocasión algo más avant garde que de costumbre; Roy Haynes está desatado, seco, cortante, incansable; Hill utiliza armonías muy anguladas que hacen pensar inmediatamente en un Monk revolucionado, y percute poderosamente al pulsarlas dando pie a un pianismo entrecortado que se materializa a través de miríadas de abigarrados racimos de notas; Richard Davis sostiene el conjunto sobre construcciones constantemente cambiantes pero perfectamente sólidas en un sorprendente ejercicio de imaginación y sobriedad.

Los músicos tocan con una actitud que los acerca al free, pero la aplican a composiciones cuidadosamente compuestas, sostenidas sobre robustos armazones estructurales que no impiden a Hill desplazamientos armónicos espléndidamente expresivos. Es inútil destacar un tema sobre otro en una grabación tan esencial como estas, pero cabe resaltar la urgencia implacable de Pumpkin, la melodía engañosamente alegre de Black Fire o las ominosas pero hermosas atmósferas creadas por Subterfuge y Cantarnos.

Black Fire es un disco que no deja muchas salidas, está herméticamente cerrado sobre sí mismo y parece contener en su interior algo que pugna por salir sin llegar a conseguirlo, algo tan poderoso que basta el nítido reflejo que percibimos para conmovernos irremisiblemente.

Black Fire es una obra maestra de la obra de Andrew Hill, del jazz de los años sesenta y, qué diablos, del jazz a secas.

http://www.jazzitis.com/web/content/black-fire

Andrew Hill (Piano), Joe Henderson (Saxo Tenor), Richard Davis (Bajo), Roy Haynes (Batería). Grabado el 8 de Noviembre de 1963. Van Gelder Studios, New Jersey.

Pumpkin - Andrew Hill - Album:Black Fire (1963)

U2 / "The Joshua Tree" 25th Anniversary

25 años de 'The Joshua Tree', el advenimiento del rock mesiánico

Viernes 09/03/2012
José Fajardo Madrid

El 9 de marzo de 1987 salió a la venta 'The Joshua Tree', el disco que catapultaría a U2 al Olimpo del rock de estadios. Han pasado 25 años y muchos todavía hoy celebran aquella grabación como el advenimiento de una nueva era. La mezcla imposible entre éxito masivo y experimentación. El rock mesiánico. "La última megabanda" ('The New York Times' dixit). A la hora de hablar de Bono y sus chicos no hay término medio: o grandioso o patético. ¿Es para tanto?

El origen

Tres factores fueron determinantes en el resultado final del álbum. Uno: la gira 'A conspiracy of hope', una suerte de cruzada solidaria organizada por Amnistía Internacional en junio de 1986 en Estados Unidos en la que participaron Sting, Bryan Adams, Peter Gabriel y U2, entre otros. Bono descubrió las luces y sombras del ‘sueño americano’ y se apresuró a retratar en su música "la desolación y la codicia de la nación de Ronald Reagan". Dos: la muerte accidental de Greg Carroll, el asistente personal del cantante, que despertaría su vena más lacrimógena. Y tres: un viaje junto a su esposa por Nicaragua y El Salvador, detonante de su cruzada en defensa de los desfavorecidos. La pareja de productores Brian Eno y Daniel Lanois (que ya habían trabajado con el grupo en su anterior álbum, 'The unforgettable fire') se centró en exprimir el poderío teatralizado de la voz de Bono y los loquísimos solos del guitarrista The Edge.

Hitos de una época

"Dicen que nos tomamos demasiado en serio. Es cierto, mejor dicho, nos tomamos nuestra música en serio". Incapaz de sacudirse ese halo de trascendencia que le acompañó desde sus comienzos en 1976, Bono no escatimó a la hora de citar los referentes culturales que enriquecieron su quinto disco. Desde la obra literaria de Norman Mailer, Flannery O’Connor y Raymond Carver hasta las canciones de Bob Dylan, Bruce Springsteen y Lou Reed. ¿El resultado? Letras que denuncian la represión de las dictaduras latinoamericanas ('Mothers of the disapeared'), acordes impregnados de iconografía cristiana ('With or without you', 'I still haven’t found what I’m looking for'), un retrato de las huelgas de mineros británicos en los 80 ('Red Hill Mining Town') e incluso otro sobre la adicción a la heroína ('Running to stand still'). ¿La respuesta del público y la crítica? Número uno en 20 países, dos premios Grammy y 25 millones de copias despachadas. Incluso la influyente revista 'Time' les reservó su portada en 1987. Bono (voz, guitarra), The Edge (guitarra), Larry Mullen (bajo) y Adam Clayton (batería) parecían superhéroes ante una minúscula imagen del líder soviético Mijáil Gorbachov.

Iconografía para epatar

El reputado artista Anton Corbijn realizó una sesión fotográfica en blanco y negro del cuarteto que pasaría a la Historia. Aquellos cuatro irlandeses de clase media baja aparecían en medio del desierto estadounidense, como trovadores de una nueva fe en un mundo sediento de líderes. Tampoco fue casual la elección de Joshua Tree, un majestuoso e inhóspito parque nacional de California, donde acuden algunos jóvenes a tener experiencias alucinógenas y algunos músicos a encontrar la inspiración. Un símbolo perfecto para aglutinar las poesías automáticas de Bono (se ha dicho que aquel disco lo compuso a la manera de los poetas de la generación 'beat', anotando las ideas que iban invadiendo su mente) y esa inconfundible mezcla de rock musculoso con pasajes de folk y blues.

Su influencia en la cultura popular

No cabe duda de que la monstruosa máquina de rock que es hoy U2 nunca hubiera existido de no ser por 'The Joshua Tree'. Posiblemente, Bono nunca hubiera jugado con Obama (o tantos otros líderes políticos) a salvar el mundo, no hubiera aparecido en 'Los Simpsons', ni siquiera en 'Muchachada Nui'. Pero lo cierto es que U2 sigue siendo, le pese a quien le pese, quizá el único grupo guitarrero capaz de movilizar una maquinaria tan potente. No hay más que ver sus últimas giras (ese grotesco espectáculo megalómano que es el 'Tour 360' que llevó al Camp Nou en 2009) o el continuo debate sobre su sucesor (¿Radiohead? ¿Coldplay?). Algo distinto sería hablar de los riesgos creativos que la banda ha asumido en estos últimos 25 años... Pero ésa es otra historia.

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/03/09/cultura/1331290124.html

U2 The Joshua Tree - Anton Corbijn Movie (No Audio)
When Corbijn took the band into the desert to shoot an album cover, he also shot some home movie footage.

Krzysztof Penderecki & Jonny Greenwood / Convey the noise and chaos of our time

Jonny Greenwood de Radiohead lanza un álbum clásico con el compositor y director de orquesta polaco Krzysztof Penderecki.

07 Mar 2012, 20:08

Jonny Greenwood de Radiohead ha tenido la oportunidad de grabar un disco con uno de sus héroes musicales, el polaco Krzysztof Penderecki. En realidad, el trabajo conjunto consiste en un juego, en el que Greenwood responde con música a las propuestas del maestro. El disco lo conforman dos piezas compuestas por Penderecki, ‘Threnody for The Victims Of Hiroshima’, de 1960, y ‘Polymorphia’, de 1961. Las propuestas de Greenwood son en respuesta a las del compositor.

Inspirada por la primera de ellas "Threnody For The Victims Of Hiroshima" llega ‘Popcorn Superhet Receiver’, mientras ’48 Responses Polymorphia’ hace lo propio con la segunda “Polymorphia”. El disco resultante del experimento se puede escuchar en la web de NPR.

“Threnody For The Victims Of Hiroshima”

“Popcorn Superhet Receiver: Part 1”
“Popcorn Superhet Receiver: Part 2 A”
“Popcorn Superhet Receiver: Part 2 B”
“Popcorn Superhet Receiver: Part 3”

“Polymorphia”

“48 Responses To Polymorphia: Es ist Genug”
“48 Responses To Polymorphia: Ranj”
“48 Responses To Polymorphia: Overtones”
“48 Responses To Polymorphia: Scan”
“48 Responses To Polymorphia: Baton Sparks”
“48 Responses To Polymorphia: Three Oak Leaves”
“48 Responses To Polymorphia: Overhang”
“48 Responses To Polymorphia: Bridge”
“48 Responses To Polymorphia: Pacay Tree”

Jonny Greenwood & Krzysztof Penderecki - Live Concert AUKSO Chamber Orchestra directed by Marek Mos (2011)