Alfredo "Tape" Rubín / El Nuevo Testamento del Tango Argentino

Alfredo "Tape" Rubín: El Nuevo Testamento del Tango Argentino


Jueves 08 de Mayo de 2008

Bar típico en el barrio de Almagro. Alfredo Tape Rubín husmea por la vidriera buscando alguna historia, un gesto o una situación de la vida urbana que lo inspire para un tango futuro. Así nacieron muchos de los tangos, valses, milongas y canciones que le dieron notoriedad en el ambiente milonguero y entre sus pares de la nueva generación. "Siento que tengo más reconocimiento entre los colegas. El hecho de que la Fernández Fierro toque los temas míos; Osvaldo, del Bar de Roberto, los ponga en su repertorio, o Nelly Omar tenga ganas de grabar un tema es muy gratificante como autor. Mi deuda todavía es que los conozca el público en general, para que el proyecto se mantenga, y que la rueda de estos nuevos tangos funcione."

-Sin embargo, muchos de tus tangos se hicieron conocidos.

-La verdad es que mejor no enterarse. Salgán decía: "Cuando yo compongo nunca pienso que esto va a salir de estas cuatro paredes". Yo le creo. Mejor seguir manteniendo esa inconsciencia de agregar palabras y música al tango. Tengo 46 años y tiré mucho al tacho de basura.

El Tape Rubín comenzó a engrosar el nuevo repertorio de tangos hace más de una década, cuando casi nadie se animaba a hacerlo. Sus composiciones tienen el aroma de los tangos clásicos, con una prosa profunda y actual, que plasmó a través de sus diferentes trabajos con El Cuarteto Almagro, con el que grabó Hemisferios (2001), y posteriormente con Las Guitarras de Puente Alsina, con las que editó hace cuatro años el celebrado Reina Noche (2004). El músico y finísimo cantor sigue produciendo una nueva hornada de tangos que verá la luz muy pronto en el CD Lujo Total . "El disco ya está maduro y estábamos con ganas de salir con un repertorio nuevo. La gente que nos sigue también está esperando más tangos nuestros, porque es lo que nos diferencia de otras propuestas", dice el cantautor.

-¿Tenés mucha producción?

-Fácil no es. No sale un tango por día. En general aprendí a componer primero la música. Eso me surgió a partir de un escrito de Discépolo que decía que primero era mejor escribir la melodía de la canción, porque eso le daba otro vuelo a la obra. La música tiene una irregularidad que la estructura de los octosílabos no te permite.

-¿Sentís que aportaste una impronta actual?

-Sí, pero no es algo deliberado. Para los músicos de esta generación, cuando apenas levantás la cabeza te das cuenta de que no estás viviendo en los cuarenta. También es verdad que hay cosas que son inmanentes en la energía de este lugar y no cambiaron con el tiempo.

-Vos tenés un pasado rockero.

-En este disco hay una especie de tango rock que viene de cuando tenía una banda en el 87. Yo creo que es parte del sustrato que tengo en mi trabajo. En aquel momento mi acercamiento al tango era como el que tienen algunos pibes de hoy. Cuando me entré a meter me di cuenta de que eso era una chantada. El sentimiento está muy bien, pero tenés que aprender a tocar el estilo, porque si no sos un improvisado. El tango siempre tuvo un estándar de calidad. Es un valor en sí mismo, tanto del bailarín como del letrista, el músico y el arreglador. Ojo: por un lado, si ves a un músico que tiene técnica y no transmite nada nuevo es un embole. Por otro, si ves un pibe muy expresivo pero no tiene idea lo que está haciendo, no me cierra.

-¿Cómo ves el panorama?

-Ahora todo es para el turismo. El tango está alquilado y a las órdenes del euro. Es como el chiste del Chino Laborde cuando sale a la milonga del CAFF y pregunta: "¿Hay argentinos en la sala?". El tango no es para los porteños. Para mí, es un lujo total hacer mis tangos y, encima, que me escuchen.

http://www.lanacion.com.ar/1010514-el-tango-esta-alquilado-al-turismo

Cuarteto Almagro - Francanapa - Hemisferios (2001)

Alfredo "Tape" Rubin y Las Guitarras de Puente Alsina -  Embrujado - 

Reina Noche (2004)

Alfredo "Tape" Rubin y Las Guitarras de Puente Alsina - Viejo Rey - 

Reina Noche (2004)

Alfredo "Tape" Rubin y Las Guitarras de Puente Alsina -  Por Miedo de Fracasar - 

Lujo Total (2009)

Sunny Murray / The Last Of The Mohicans

Sunny Murray, batería iconoclasta del jazz

El músico fue una rareza incluso en el amplio mundo del 'free jazz'

Por Chema Martínez
9 DIC 2017

Para algunos, fue un genio. Para otros, un farsante. Para la mayoría, un misterio. Batería de jazz, iconoclasta entre los iconoclastas, Sunny Murray, nacido James Marcellus Arthur Murray (Oklahoma, 1936), falleció el viernes, 8 de diciembre, a los 81 u 82 años, dependiendo de la fuente. El músico se hallaba recogido en un asilo, en las afueras de París. La noticia, dada a conocer por un portavoz de Eremite Records, sello para el cual grababa sus discos, no especifica las causas del fallecimiento.

El comportamiento errático del jazzista dentro y fuera de escena engrandeció la leyenda que terminaría por devorar a la persona, confiriéndole a los márgenes de los márgenes. Incluso dentro del free jazz, Murray fue una rareza. “Vamos a dejarnos de historias”, le confesaba el saxofonista Steve Potts al crítico portugués José Duarte, “ese tipo no es capaz de mantener el tempo durante cuatro compases seguidos. Sencillamente, no sabe tocar”. No era el único en opinar de semejante modo.

Por un tiempo, el nombre de Murray aparecería en los medios de comunicación junto al del también batería Denardo Coleman, el “delincuente musical” precoz de The Empty Foxhole y Ornette at 12: “nadie entendía que hacía Denardo con su padre”, me contaba el pianista Misha Mengelberg, recodando aquellos años, “así como nadie se explicaba que había visto Cecil Taylor en ese Sunny no-sé-qué”. Es muy posible que tampoco lo supiera el, por entonces, batería de bebop recién llegado de provincias. Murray, confesó más tarde, se movía por inercia en el efervescente mundo musical de la Gran Manzana. Hasta que le vino la iluminación.

“A poco de empezar a tocar con Cecil Taylor me di cuenta de que su música requería algo más que un batería llevando el ritmo”. Son los años de gloria del baterista junto a su peculiar vecino de loft en el Nueva York sin flores en el pelo y con Panteras Negras en las calles de los años sesenta. Los años de gloria del free jazz, el “nuevo jazz”… Cecil Taylor abriría a Murray los caminos de la abstracción que el baterista se encargaría de desarrollar en sus subsiguientes apariciones junto a Albert Ayler –Spiritual unity- y como líder, en sus discos para el sello ESP (Extra Sensory Perception). En 1968, trasladaría su residencia a París para regresar puntualmente a los Estados Unidos. Murray va a contactar con algunos de los nuevos valores del jazz más free -David Murray, Evan Parker- antes de regresar a Europa, esta vez de forma definitiva, mediados los noventa.

Durante un tiempo, su figura permanecerá sumida en la sombra. Todo son rumores. Hay quien le ha creído ver trabajando como lavaplatos en un restaurante del centro de la ciudad y quien asegura que el músico pasa sus días en un parque, mirando al infinito. Se dice que se haya acogido a un establecimiento de reposo, donde pasa sus noches. Fue necesario esperar al cambio de década para que Murray retomara su actividad, bien que de forma un tanto precaria.

En 2009, actuó en la sala Jazzroom de Barcelona, junto con sus habituales Tony Bevan, a los saxos, y Jon Edwards, al contrabajo. La audiencia, escasa, no se mostró muy receptiva ante lo que el crítico de la página Web Tomajazz describió como “un concierto accidentado” tras de que el artista sufriera lo que parecía “una especie de lipotimia”. Tres años más tarde, Murray visitaría Lisboa para actuar en la Fundación Gulbenkian, con resultado parecido. “Un concierto de Sunny Murray”, escribía uno con tan fausto motivo, “puede resultar una experiencia desconcertante en grado sumo”, con el jazzista entrando y saliendo a placer, dejando las cosas a medio terminar, o a medio empezar, y la audiencia sin saber muy bien qué papel tomar, si tomárselo a broma o organizar un nuevo San Quintín. Uno, aunque tarde, terminó por entender: no era él, éramos nosotros, incapaces de acceder a la lógica interna de una expresión artística diferente en forma y fondo. Sencillamente, no estábamos preparados para lo que se nos vino encima. Una cosa está clara: si ha existido un creador honesto y consecuente en el jazz más allá de las apariencias, ese ha sido Sunny Murray.

https://elpais.com/cultura/2017/12/09/actualidad/1512824024_964956.html

Sunny Murray & Albert Ayler - Black Art - Sonny's Time Now (1965)

Sunny Murray Trio 

Douglas Vinci / Masoch: El Camino del Perro

El Artista Inevitable: Masoch, el camino del perro

Por Emiliano Basile

Masoch, el camino del perro (2017) cuenta la vida y obra de multifacético artista Carlos Masoch. Surgido de la movida under de la década del ochenta, este personaje tan extravagante como atractivo, es recordado por su trabajo en Radio Bangkok como el Reverendo Douglas Vinci, entre otra infinidad de producciones artistas, en la que se destaca su incasable labor como pintor.

El documental de Pablo Doudchitzky busca homenajear a Masoch, amigo de añares a quien “admira como artista además de tenerle un profundo afecto”. En este trabajo vemos la obra plástica del Masoch, como también infinidad de material de archivo grabado en un precario VHS. La movida del rock, cemento como catedral de entonces, los músicos y personajes que emergían de aquellos suburbios, se reflejan en su obra pero sobre todo en su particular personalidad.

“Su capacidad de pintar lo supera, está en su naturaleza” comenta Doudchitzky en una entrevista a este medio, y no está desacertado. Se lo ve relatar al artista de Chacarita su propio documental desde anécdotas de su infancia, sus momentos de inspiración y su modo de ver el mundo. Entre el humor y la bohemia deambula este relato.

Masoch, el camino del perro trata de abordar la capacidad creadora de Carlos Rogelio Mazzochi, alias Carlos Masoch, alias Douglas Vinci, también creador de tapas de discos y logos de bandas. Pero también, este proyecto busca acercarse al dolor y la melancolía de su obra en un introspectivo viaje a la selva misionera, paisaje posible detrás de sus pinturas. En esa búsqueda en un estético retrato aparece el autor detrás de la obra; un camino fragmentado, desprolijo y emotivo en el que Masoch se encuentra con él mismo.

http://www.escribiendocine.com/critica/0004043-el-artista-inevitable/

Masoch, el camino del perro (2017) (Trailer)

Carlos Masoch (Artista Plástico) y Douglas Vinci (Actor y Animador Radial) nacieron en el porteñisimo barrio de la Chacarita bajo el nombre de Carlos Rogelio Mazzochi. Carlos Douglas Vinci Masoch es entonces un artista de toda la vida. Pinta (obsesivamente) desde que es un niño, ha diseñado tapas de discos y revistas, logos de bandas y radios y justamente como hombre de radio supo darle vida a Radio Bangkok en aquel legendario elenco que conformaron junto con Lalo Mir allá por los 80. El Camino del Perro es un documental que cuenta por boca de él mismo quien es Masoch.

http://www.todaslascriticas.com.ar/pelicula/masoch-el-camino-del-perro

Marcel Duchamp / Buenos Aires 1918

Todo lo que veo es mío

Entre 1918 y 1919 Marcel Duchamp pasó una temporada en Buenos Aires, ciudad en la que el ocio se le hizo carne. Todo lo que veo es mío, que llega a la cartelera argentina, se centra en esos días enigmáticos que el artista francés pasó a orillas del Río de la Plata.

Por Manuel Álvarez -

Sábado 09 de Diciembre de 2017

La dupla que integran Mariano Galperín y Román Podolsky dirige Todo lo que veo es mío, una apuesta bella y audaz en el cine argentino. Filmada en blanco y negro y repleta de imágenes poéticas, la película es un homenaje hermoso a Marcel Duchamp y su estadía en Buenos Aires.

Tomando las cartas que el propio Duchamp (Michel Noher) envió a sus amigos desde la capital argentina, el filme ficcionaliza y reconstruye esos días enigmáticos y muy poco conocidos en la ciudad junto a Yvonne Chastel (Malena Sanchez), su pareja. Durante esos días en Buenos Aires, un espejismo de las capitales europeas, el ocio, la bohemia y, sobre todo, la imaginación, cobran vida. Son días en los que pareciera que el artista francés se dedica a no hacer nada, cuando a cada paso está creando en su cabeza. Al verlo jugar al ajedrez, bailar tango, travestirse o gozar en un menage a trois, el espectador entiende la inspiración del artista y se mete de lleno en su proceso creativo.

Con una fotografía impecable, la película privilegia lo visual, como si la cámara fuera los ojos de Duchamp. Por que todo lo que vemos es suyo, ahí está el logro de los directores: captar la mirada contemplativa del artista. Un artista que privilegió la vida creativa antes que el arte, que convirtió su vida en una obra de arte. Así, el filme logra con creces retratar, aunque sea en un período corto y casi olvidado, esa obra de arte.

http://www.zonadeobras.com/apuestas/2017/12/09/mariano-galperin-roman-podolsky-todo-lo-que-veo-es-mio/

Todo lo que veo es mío - Trailer (2017)

Todo lo que veo es mío: Duchamp, esa extraña visita

Por Fernando López
Jueves 07 de Diciembre de 2017

Habrá quien quiera interpretar Todo lo que veo es mío" como una suerte de biopic, interpretación más que arriesgada si se tiene en cuenta que el objeto de la temeraria aventura es nada menos que Marcel Duchamp, figura revolucionaria y trascendente del arte de este siglo que echó por tierra todas las barreras entre las obras de arte y los objetos de la vida cotidiana. El film explora uno de los costados menos conocidos de la vida del artista: su intempestiva visita a Buenos Aires, destino remoto y del que poco sabía y al que llegó desde Nueva York junto a su amiga Yvonne Chastel. Si el fantasma de la contienda lo había empujado tres años antes lejos de París, ahora elegía una ciudad todavís más remota.

"Los Estados Unidos habían entrado en guerra en 1917", le contaba a Pierre Cabanne cincuenta años más tarde, "y yo, que me había ido de Francia por falta de militarismo o, si se quiere, de patriotismo, me enfrentaba a un patriotismo peor, el patriotismo norteamericano". Lo que buscaba Duchamp, como le explicaba a su amigo Crotti, era "cortar enteramente con esa parte del mundo". Y era esta vez una aventura pensada hasta en sus menores detalles: tendría una duración establecida de exactamente "27 días + 2 años". Días de paseos por una Buenos Aires bien lejos del centro de las vanguardias artísticas en la que Duchamp jugó mucho al ajedrez. Que según él "tiene toda la belleza del arte y mucho más, ya que "no puede ser comercializado: es más puro que el arte".

http://www.lanacion.com.ar/2089065-todo-lo-que-veo-es-mio-duchamp-esa-extrana-visita

Neil Young + Promise Of The Real / The Visitor

El legendario músico canadiense Neil Young publica un nuevo álbum.


Los Ángeles. Dic. 1 2017 

El legendario músico canadiense Neil Young lanzó un nuevo álbum titulado The Visitor, puesto en circulación por la compañía discográfica Reprise Records.

La placa, grabada con la banda Promise of The Real, junto a la que ya registró los discos The Monsanto Years (2015) y Earth (2016), incluye 10 temas entre ellos Fly By Night Deal, Almost Always, Stand Tall, Change of Heart, Carnival, y Forever.

Considerado actualmente como uno de los artistas más influyentes de su generación, Young inició su carrera musical en Canadá en 1960, donde integró diversas bandas.

Años después se traslada a Estados Unidos y emprende su carrera en solitario, que abarca casi cuarenta álbumes de estudio y diferentes géneros musicales entre los que sobresale el rock y hard rock.

Ingresó en el Salón de la Fama del Rock & Roll como integrante de Buffalo Springfield, Crazy Horse y artista en solitario, descrito como uno de los mejores compositores e intérpretes de Rock & Roll.

http://prensa-latina.cu/index.php?o=rn&id=135719&SEO=musico-canadiense-neil-young-publica-nuevo-album

Neil Young + Promise Of The Real - Already Great - The Visitor (2017)

Felipe Contepomi / World Rugby Hall of Fame

Felipe Contepomi es el tercer argentino en llegar al Hall de la Fama de la World Rugby.

El máximo goleador de los Pumas comparte ese galardón con Agustín Pichot y Hugo Porta

Viernes, 10 de Noviembre de 2017

Felipe Contepomi ingresó hoy al Hall de la Fama de la World Rugby, el premio que reciben los jugadores más importantes en la historia de este deporte. Se convirtió así en el tercer argentino en conseguir este lauro, detrás de Agustín Pichot, con quien compartió varios planteles, y Hugo Porta.

Contepomi es hoy el máximo goleador en la historia de Los Pumas con 651 puntos -en segundo lugar está Hugo Porta (590)- y además el rugbier con más presencias, con un total de 87.

En 2011, Agustín Pichot ingresó en el Hall de la Fama, en aquel entonces de la IRB (hoy World Rugby). El ex medio scrum y Capitán de Los Pumas recibió ese premio no sólo por su trabajo dentro de la cancha, sino por si gestión dirigencial, una vez retirado, para Los Pumas.

Pichot jugó cuatro mundiales con la camiseta argentina y anotó 60 puntos en toda su carrera. El Primer Mundial en el que participó fue en 1995, en Sudáfrica, con una rápida eliminación. Luego intervino en 1999, cuando Los Pumas lograron superar la fase de grupos con aquel histórico triunfo ante Irlanda, pero cayeron en cuartos de final ante Francia. Jugó en 2003 y cargó con la frustración de la eliminación en la fase de grupos, pero cuatro años después, en Francia 2007, fue figura y capitán de aquel inolvidable seleccionado que finalizó tercero, la mejor posición histórica en Mundiales.

Aquel torneo fue el final de Pichot como jugador de Los Pumas. En total vistió la camiseta argentina en 71 partidos. Fue Capitán 30 veces y así está en el cuarto puesto de la tabla histórica.

Hugo Porta fue el primer argentino en ingresar al Hall de la Fama de la World Rugby. Hoy con 66 años, fue premiado en 2008. El ex jugador de Banco Nación es considerado el mejor jugador en la historia de Los Pumas. Porta, dueño de una patada infalible, debutó con Los Pumas a los 20 años. Fue, hasta Contepomi, el jugador con más puntos en el seleccionado.

Con sólo un Mundial encima (el primero que se organizó, en 1987), Porta jugó con Los Pumas hasta los 39 años. Entre varias historias, una de las más recordadas fue aquel partido ante Nueva Zelanda, el único empate que consiguieron en la historia -el resto fueron todas derrotas- donde el número 10 marcó los 21 tantos del seleccionado.

http://www.lanacion.com.ar/2081164-felipe-contepomi-es-el-tercer-argentino-en-llegar-al-hall-de-la-fama-de-la-world-rugby

Felipe Contepomi: World Rugby Hall of Fame

Joan Miró / Miró: La Experiencia de Mirar en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

Miró y su eterna vuelta a Mont Roig en 50 obras.

"Es la tierra, la tierra es más fuerte que yo en Mont Roig, es la fuerza la que me nutre", así Joan Miró describe cómo ese pequeño pueblo de Tarragona se convirtió en el centro de referencia de toda su obra.

Miércoles 08 de Noviembre de 2017 • 00:26

Por Mariana Arias

Nacido en Barcelona en 1893, París le dio a Joan la posibilidad de formarse intelectualmente y de relacionarse con las corrientes artísticas de vanguardia, desde el futurismo y el cubismo hasta el surrealismo. Sin embargo, siempre volvió a Mont Roig, donde vivía en comunión con la naturaleza y donde tomó conciencia de la idea de primitivismo.

Buenos Aires lo recibe alojando una muestra que nos lleva hacia un Miró depurado. Los trabajos de la exposición, que estará en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta el 25 de febrero, fueron compuestos a lo largo del último periodo de su vida, entre 1963 y 1981, cuando emprendió una revisión de su lenguaje plástico. Así, las obras reflejan un sentido profundo de introspección. 50 trabajos: pinturas, esculturas y dibujos exhibidos en un diálogo fluido de diferentes dimensiones que componen una especie de melodía poética. Un universo conceptual dominado por la analogía.

Miró reivindica el arte como extensión de la vida, su relación mítica mantenida con la tierra, el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos de uso diario y necesarios para el hombre transmiten su búsqueda constante por eludir el academicismo y lograr una obra legítima que no fuera incluida en ningún movimiento. Llegó a decir: "Ninguna escuela, nin-gún artista me interesa, ninguno. Sólo lo anónimo, lo que sale del esfuerzo inconsciente de la masa".

En "Miró, La experiencia de mirar" se presenta la obra de uno de los artistas más importantes del SXX con trabajos que pertenecen a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de España. La curaduría de Carmen Fernández Aparicio, con gran sensibilidad, puso en diálogo las esculturas con pinturas y dibujos y le dio nueva luz a las creaciones de Joan Miró para contemplar su universo artístico en un gesto que abre la posibilidad de interrogarnos por el acto mismo de mirar.

Una síntesis del alma del artista se acerca con sus palabras. Poesía, silencio y espiritualidad zen abren el alma de un genio sin igual y dice así."Que mi obra salga de un modo natural, como el canto del pájaro, o la música de Mozart, pero largamente meditada y trabajada por dentro".

http://www.lanacion.com.ar/2080128-miro-y-su-eterna-vuelta-a-mont-roig-en-50-obras

Miró: La Experiencia de Mirar 

Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (Montaje MNBA)

Leo Messi / Emblema del Barça 2021

Messi renovó con el Barça hasta 2021

Sábado 25 de Noviembre de 2017

El astro argentino Lionel Messi firmó un nuevo contrato con el Barcelona, de España, que lo liga a la entidad catalana hasta el 30 de junio 2021, fijándose una cláusula de rescisión de 700 millones de euros, según lo informa la página oficial del club.

Messi suma 14 temporadas en Barcelona (llegará a las 17 al culminar esta nueva unión contractual) tras haber arribado al club en 2000, con sólo 13 años, procedente de las divisiones inferiores de Newell 's Old Boys. 

El rosarino fue progresando de frenética manera por todas las categorías de la Masía y, antes de llegar al primer equipo, pasó por el Infantil A, el Cadete B, el Cadete A, Juvenil A, el Barça C y el Barça B. 

Con sólo 16 años, en 2004, debutó en un amistoso ante el Oporto de Portugal, aunque fue la temporada siguiente cuando llegó su debut oficial, en Montjuïc y contra el Espanyol, con sólo 17 años. 

A partir de aquí, la trayectoria de Messi continuó creciendo cada vez más logrando más protagonismo en el primer equipo con el paso de las temporadas, hasta convertirse en el mejor futbolista de la historia.

No hay prácticamente ningún registro, premio o título que no haya conquistado Messi. El crack azulgrana ha ganado nada menos que ocho Ligas, cuatro Ligas de Campeones, cinco Copas del Rey, siete Supercopas de España, tres Supercopas de Europa y tres Mundiales de Clubes. En total, 30 títulos, igualado con Andrés Iniesta como el jugador con más títulos de la historia del Club.

Además, en cuanto a premios individuales, suma cinco Balones de Oro, cuatro como máximo anotados de la liga, cuatro Botines de Oro -el último recibido ayer de manos de su compañero y amigo Luis Suárez- entre otros.

Con la camiseta del Barça, Messi anotó 523 goles en 602 partidos y es el máximo goleador de la historia del Club, así como el máximo goleador de la historia de la Liga Española.

http://www.ambito.com/904504-messi-renovo-su-contrato-con-el-barcelona-hasta-2021

Leo Messi - Emblema del Barça 2021

Leo Messi / Messi's 4th Golden Shoe

Messi recibe su Cuarta Bota de Oro

El argentino la ha recogido este viernes en la Antiga Fàbrica Damm de Barcelona. Ha estado arropado por varios compañeros y por el presidente del FC Barcelona Josep Maria Bartomeu.

24/11/2017

Por David salinas

Leo Messi ha recibido este viernes a las 14.05 horas su cuarta Bota de Oro en una emotiva gala celebrada en la Antiga Fàbrica Damm de Barcelona. El delantero argentino del Barça añade una nueva fecha, 24 de noviembre de 2017, y una nueva foto a su extensa colección de logros y méritos alcanzados a lo largo de una exitosa y única carrera.

El futbolista del FC Barcelona se hizo acreedor a la Bota de Oro 2016-17 después de anotar 37 goles (74 puntos) en la últimoa Liga, una marca que le valió su cuarto Trofeo Pichichi. Esta temporada también domina la clasificación de máximos realizadores con 12 dianas y, de volver a ganarlo, igualaría con cinco Pichichis a Di Stéfano, Quini y Hugo Sánchez. Y quedaría a uno del histórico Zarra (6).

Messi sucede en el palmarés de la Bota de Oro a su compañero de equipo Luis Suárez, que ganó la edición 2015-16 con 40 goles (80 puntos). Messi, por otra parte, iguala a Cristiano Ronaldo en el ranking con cuatro trofeos. El argentino los consiguió en 2009-10 (34 goles), 2011-12 (50 -récord-) y 2012-13 (46).

El crack estuvo acompañado por su esposa Antonela y su hijo Tiago varios compañeros de su equipo  Iniesta, Luis Suárez y Busquets). También por el presidente del FC Barcelona, Josep Maria Bartomeu. Otros representantes de la Junta Directiva que no se perdieron el acto fueron los vicepresidentes Jordi Mestre y Manel Arroyo.

Como de costumbre, Messi ofrecerá la Bota de Oro que le han entregado este viernes a la afición azulgrana, como ha hecho en las anteriores ocasiones. El '10' nunca se olvida de compartir sus éxitos personales con quienes están a su lado: staff, directiva, compañeros y afición. El ofrecimiento podría tener lugar el sábado 2 de diciembre, con ocasión del Barça-Celta de Liga en el Camp Nou (13 h).

http://www.sport.es/es/noticias/barca/messi-recibe-cuarta-bota-oro-6446624

 Messi's 4th Golden Shoe - Bota de Oro 2016/2017

FC Barcelona & C. A. San Lorenzo de Almagro / Reunión Cumbre Azulgrana en Barcelona

"La Masía es la Meca del fútbol formativo"

El presidente Josep Maria Bartomeu se reúne con Matías Lammens, presidente de San Lorenzo de Almagro para visitar la Ciudad Deportiva Joan Gamper y la Residencia Masía para conocer su funcionamiento.

WWW.FCBARCELONA.ES - 17/11/2017 | 19:30

Matías Lammens, presidente de San Lorenzo de Almagro desde el año 2012, visitó ayer la Ciudad Deportiva Joan Gamper y la Residencia Masía - Centro de Formación Oriol Tort para conocer de primera mano el fútbol formativo del FC Barcelona, tanto masculino como femenino , así como el funcionamiento de los equipos formativos de las cuatro secciones profesionales ya que su club también apuesta en Buenos Aires por el baloncesto, el fútbol sala, el hockey patines o el voleibol, entre otros deportes. Lammens, abogado de 37 años que llevó a San Lorenzo de Almagro a ganar su única Copa Libertadores en 2014 ante el Club Nacional de Paraguay, se reunió en la Residencia Masía con el presidente Josep Maria Bartomeu y el director del programa masía 360, Carles Folguera.

"Hemos aprovechado nuestra presencia en Barcelona para visitar la Masía, para ver cómo trabajan, y la verdad es que hemos quedado muy sorprendidos. Sabíamos que era una marca registrada a nivel mundial en la formación de jugadores, pero hoy hemos comprobado que la formación va más allá del deporte y que la educación y el nivel humano es fundamental", ha explicado el presidente Lammens antes de añadir que "la Masía, a nivel de juveniles, es para el fútbol argentino la Meca, es lo que nosotros admiramos, lo que queremos ser, lo que ambicionamos todos los clubes argentinos". Tanto el presidente del San Lorenzo de Almagro como Josep Maria Bartomeu se intercambiaron una camiseta de sus respectivos equipos como regalo institucional.

https://www.fcbarcelona.es/club/noticias/2017-2018/-la-masia-es-la-meca-del-futbol-formativo-



Encuentro Azulgrana

En su viaje a Barcelona, Matías Lammens se reunió e intercambió camisetas con Josep Maria Bartomeu, Presidente culé, y también recorrió La Masía junto a Carles Folguera Felip, su Director.

17.Noviembre.2017 16.47
Institucionales - Visita Presidencial

Matías Lammens estuvo desde el lunes hasta el viernes en Barcelona, donde llevó adelante una agenda que incluyó reuniones con Josep Maria Bartomeu, Presidente del Barcelona, y Carles Folguera Felip, Director de La Masía, para luego hacer un recorrido por las instalaciones de la cuna de la cantera culé. "Ya todo el mundo sabe que La Masía es una marca registrada a nivel mundial en la formación de jugadores, pero estando acá hemos comprobado que la formación va más allá del deporte, y que la educación y el nivel humano es fundamental, algo en lo que también hacemos hincapié en San Lorenzo. Esta visita nos sirve para seguir aprendiendo y mejorando en el camino formativo no sólo de los juveniles que sueñan con ser futbolistas profesionales sino también en el crecimiento y el desarrollo de los más de 3.000 deportistas federados que todos los días practican diversas disciplinas en nuestra Ciudad Deportiva ", comentó Lammens, quien intercambió las camisetas azulgranas con Bartomeu.

Además, durante su estadía en la Ciudad Condal, el Presidente del Ciclón visitó la Smart City Expo y compartió encuentros con reconocidos urbanistas y arquitectos, con quienes conversó sobre las posibilidades que ofrece la construcción del nuevo estadio en Boedo. Finalmente, tuvo reuniones con abogados especializados en transparencia en el deporte, a los que les explicó el funcionamiento de CASLA Transparente, el portal de datos abiertos del Club Atlético San Lorenzo de Almagro, institución deportiva pionera en la materia.

http://www.sanlorenzo.com.ar/club/noticias/1510948066_encuentro-azulgrana

Pte. Matías Lammens (CASLA) Pte. Josep Maria Bartomeu (FCB) - Residencia La Masía

Eric Clapton / Life in 12 Bars

Clapton cuenta su vida en imágenes

El documental Life in 12 Bars recorre su obra, sus tragedias y adicciones

Martes 12 de Septiembre de 2017
Por Marcelo Stiletano (Fragmento)

Toronto.- Parte del cine de alto perfil internacional que veremos durante los próximos meses en la Argentina ocupó el primer plano en el pico de convocatoria y de presencias estelares del gigantesco TIFF 2017, el festival que durante diez días al año convierte esta ciudad canadiense en la capital cinematográfica del planeta.

También resultó muy destacada en las últimas horas la presencia de Eric Clapton, cuyo documental autobiográfico (Life in 12 Bars) tuvo aquí su estreno mundial. Al término de la primera proyección para el público, cerrada anteanoche con una ovación de pie a sala llena de más de 300 personas, Clapton hizo un extenso y especial agradecimiento a Gustavo Santaolalla, autor de la música original.

Mucho más precisa resultó la mirada documental de la experimentada productora Lili Fini Zanuck sobre la apasionante y compleja vida de Eric Clapton, que a los 72 años decidió contar su historia a corazón abierto y sin usar metáforas o eufemismos para contar su larga adicción a las drogas y al alcohol y la tragedia de la muerte de su hijo Connor, que cayó al vacío cuando tenía cuatro años desde una ventana abierta en el piso 53 de un edificio de Manhattan. Ese hecho, según cuenta Clapton, fue el disparador de una recuperación que hoy lo encuentra en feliz matrimonio, con tres hijas y un compromiso muy fuerte de ayuda a quienes sufren las adicciones por las que pasó. No es raro que algunos músicos reconozcan sus excesos en este tipo de documentales, pero lo atípico aquí es cómo Clapton acepta exponerse a través de imágenes y películas caseras que lo muestran bebiendo o aspirando cocaína.

La película recorre la vida del artista de manera cronológica y convencional, elude los testimonios frente a cámara (sólo se escuchan voces en off) de colegas y amigos, recorre todas las etapas musicales del prodigioso guitarrista, además de dedicarle un capítulo muy extenso a la obsesiva relación que mantuvo con Patty Boyd, la mujer de su amigo George Harrison. "Aunque fue muy duro de contar y de ver, tenía que hacerlo de esta manera, con una exposición completa, sin ocultar nada", dijo Clapton tras la función de anteanoche. Allí, sin mediar pregunta alguna, agradeció el "extraordinario e increíble" aporte musical que hizo al documental Gustavo Santaolalla, autor e intérprete de la música incidental que acompaña sobre todo los tramos más emotivos. Dijo que quiso sumarlo al proyecto a partir del recuerdo de su trabajo como autor de la música de películas como Babel y Biutiful ("la mejor que vi en mi vida", señaló Clapton). "Ahora Gustavo y yo somos grandes amigos", completó.

http://www.lanacion.com.ar/2061894-clapton-cuenta-su-vida-en-imagenes-descarnadas

Eric Clapton: Life in 12 Bars (2017) | Official Trailer |

Malcolm Young / El Motor Ha Dejado De Rugir

Malcolm Young: Mastermind of AC/DC

For 32 years we stood side by side on stage.

I am saddened by the passing of my friend Malcolm Young, I can’t believe he’s gone.

We had such great times on the road.

I was always aware that he was a genius on guitar, his riffs have become legend, as has he.

I send out my love and sympathy to his wife Linda, his children Cara and Ross, and Angus, who will all be devastated…. as we all are.

He has left a legacy that I don’t think many can match.

He never liked the celebrity side of fame, he was too humble for that.

He was the man who created AC/DC because he said “there was no Rock,n,Roll” out there.

I am proud to have known him and call him a friend, and I’m going to miss him so much.

I salute you, Malcolm Young.

– Brian Johnson, November 2017

http://brianjohnsonracing.com/

Malcolm Young  (January 6 1953 – November 18 2017)

We salute you; Malcolm!

Rodrigo de la Serna & El Yotivenco / Estilos Criollos

Rodrigo de la Serna y El Yotivenco presentan Estilos Criollos

El grupo de música criolla El Yotivenco, que se formó en 2005 a partir de la inquietud de un grupo de músicos y amigos, ha realizado varias giras nacionales e internacionales y editó un disco. La formación cuenta con Rodrigo de la Serna, actor multipremiado de la escena argentina e internacional, y los guitarristas Juan Pablo Díaz Hermelo, Blas Alberti y Fabio Bramuglia.

Actualmente, el conjunto prepara su segundo disco de estudio, que apunta a un estilo totalmente criollo con una formación de cuarteto de guitarras y una voz.

Un espectáculo de música criolla argentina. Tangos, milongas, chamarritas, gatos cuyanos, rasguidos dobles y candombe, serán parte del repertorio de este grupo de música criolla argentina, formado en el 2005 entre un grupo de prestigiosos músicos y amigos. Cuentan con un disco de estudio y varias giras nacionales e internacionales.

Esta formación encabezada por Rodrigo de la Serna, prestigioso actor multipremiado de la escena argentina e internacional, nos deleita de una faceta no tan conocida por muchos como cantante y guitarrista, junto a la de excelentes músicos, Juan Pablo Diaz Hermelo, Blas Alberti y Fabio Bramuglia.

Entre las participaciones en festivales se destacan el Festival Internacional de Tango de la ciudad de Bs As compartiendo escenario junto a la orquesta típica de “Leopoldo Federico” sede Harrods (en el mismo festival se presentaron varias veces), el cierre del Campeonato Mundial de Tango, Festival de cine de Morelia (México) representando “Tetro” el film de Francis Ford Coppola, también festivales de tango en Uruguay y Brasil como también festivales de música y en teatros de las principales ciudades del país como Buenos Aires, Salta, Corrientes, Bariloche, Rosario, Santa Fe, Mendoza y Córdoba.

Hoy la banda se encuentra terminando su segundo disco de estudio el cual apunta a un estilo totalmente criollo Argentino con una formación de cuarteto de guitarras y una voz, el repertorio está apuntando a la música de las raíces argentinas.

 Rodrigo de la Serna y El Yotivenco - Teatro Astral - Estilos Criollos (2017)

El Yotivenco: Costado arrabalero de Rodrigo de la Serna

Desde hace una década, el proyecto musical capitaneado por el exitoso actor rescata las raíces de la cultura rioplatense a través del candombe, la milonga y los tangos de la escuela tradicional de Edmundo Rivero y Juan D’Arienzo.

Por Roberto Álvarez Mur - Nov 6, 2017

Cuando no dedica sus horas a la fructífera carrera actoral que, entre la pantalla grande y la chica, cosechó éxitos como la serie El Puntero o el film Inseparables, Rodrigo de la Serna pone la voz a El Yotivenco, el proyecto musical que desde hace una década encabeza junto a un grupo de músicos que reavivan la llama de la cultura rioplatense a través de géneros típicos como el candombe, la milonga y el tango tradicional y furtivo, heredado de la escuela de próceres como Edmundo Rivero o Juan D’Arienzo.

El Yotivenco, debe su nombre a la alteración que el lunfardo crea sobre la palabra “conventillo”, y que tanto se estilaba en la jerga callejera de principios de siglo, como en el glosario poético del tango.

Los orígenes de la banda se remontan al año 2005, cuando el actor decidió reunir, entre círculos de amigos y músicos experimentados, una banda que rescatara los orígenes de la música callejera argentina interpretada por sangre joven, en épocas donde el rock poseía la autoridad casi exclusiva entre las generaciones jóvenes. Tras idas y vueltas, la formación hoy se compone por los músicos Juan Pablo Díaz Hermelo, Blas Alberti y Fabio Bramuglia, completada por De la Serna en voz.

En sintonía con experiencias contemporáneas como la Orquesta Típica Fernández Fierro, Bajo Fondo y otros tantos, De la Serna y su grupo comenzaron a retomar la huella tanguera y aggiornarla a la actualidad. Mientras otras agrupaciones combinan estilos tradicionales con expresiones musicales modernas, el repertorio de El Yotivenco va directo al hueso de una estética tradicional, curtida por las guitarras criollas y los ritmos cortantes del dos por cuatro y el candombe. Lo que el propio Rodrigo de la Serna definió de su grupo como una “militancia cultural” retoma la impronta de cantores como Alfredo Zitarrosa, los ritmos típicos de Aníbal Troilo y la cadencia febril de la voz de Roberto “Polaco” Goyeneche, en quien el actor afirmó haber encontrado un referente indiscutible.

El grupo lanzó su primer trabajo discográfico este año, Estilos criollos, nombre que define sin vueltas la propuesta de la banda. El álbum incluye “Milonga Lunfarda”, canción que circula en la web, cuya presencia de guitarras al frente y la voz líder entre recitado y arenga recuerda a los mejores momentos de Rivero o de Ignacio Corsini.

Con varias giras nacionales e internacionales en su recorrido, El Yotivenco se presenta como una oportunidad ideal para explorar el costado desconocido y arrabalero de uno de los artistas más exitosos de Argentina, haciendo honor al sonido más longevo de la historia cultural rioplatense.

http://www.diariocontexto.com.ar/2017/11/06/el-yotivenco-un-costado-arrabalero-de-rodrigo-de-la-serna/

Rodrigo de la Serna y El Yotivenco - Teatro Astral - Estilos Criollos (2017)

Rodrigo de la Serna y El Yotivenco - CCK - Estilos Criollos (2017)

Buenos Aires Jazz 17 / Festival BAJ 17

Festival Internacional Buenos Aires Jazz 2017

Desde el próximo miércoles 15 de noviembre se realizará la 10° edición del Festival Internacional Buenos Aires Jazz (BAJ) que reunirá durante 5 días a más de 400 artistas locales e internacionales en 18 sedes de la Ciudad.

Jueves 09 de noviembre del 2017 05:23 pm 

Desplegar un completo panorama de la escena local, y presentar a músicos internacionales que nunca antes vinieron a nuestro país son las dos premisas que guiaron la construcción del intenso programa del BAJ 2017, que  como siempre contará con numerosos conciertos, cruces inéditos y ensambles acústicos, para recorrer el género en todas sus variantes, desde el jazz más tradicional a lo experimental y lo moderno; además de clínicas, charlas, y exhibiciones.

El contrabajista estadounidense Gary Peacock, una auténtica leyenda viviente del género será el protagonista del  concierto inaugural, junto al notable pianista Marc Copland y al baterista Joey Baron, con quienes integra desde 2015 su Now This Trio.

Peacock, con 82 años de edad, es un  referente ineludible a la hora de analizar la historia del jazz, una escena en la que a lo largo de 6 décadas ha compartido proyectos con artistas como Keith Jarrett, Albert Ayler, Miles Davis, Bill Evans, Paul Bley, Ornette Coleman y Don Cherry.

Copland, por su parte, grabó más de veinticinco álbumes en diversos formatos y participó de proyectos liderados por John Abercrombie, Billy Hart, Tom Harrell y Dave Liebman; y Joey Baron,  reconocido como un faro por su estilo único e innovador, ha  trabajado con figuras como John Zorn, Bill Frisell, Dizzy Gillespie, Laurie Anderson y Tim Berne.

Para el cierre, en tanto, el BAJ presentará  al dúo Terramondo integrado por el trompetista y fliscornista Stephane Belmondo y el pianista Jacky Terrasson,  dos de los jazzman más importantes y sobresalientes de la escena francesa del género.

Junto a esas figuras, en  la sección Conciertos Internacionales del BAJ se presentarán el Trío de Matthew Shipp, el dúo español de Chicuelo y Marco Mezquida, el sexteto del pianista brasileño André Marques, y el trompetista norteamericano Ralph Alessi, junto al Trío de Sergio Verdinelli, entre otras interesantes propuestas.

Para la presentación de la escena local, el otro eje del BAJ 2017, el programa ofrecerá múltiples opciones en todos los estilos de la mano de artistas consagrados y emergentes entre los que se destacan las presentaciones de Juan “Pollo” Raffo Cuarteto, Federico Álvarez & The Jazz Meeting Crew;  Jorge López Ruiz Cuarteto, además del imperdible cruce entre figuras locales e internacionales que protagonizarán Mariano Loiácono, Gary Keller, Pablo Raposo, Belén López, Sir G. Earl Grice.

Bajo el nombre Club de Jazz bajo las estrellas, además, el festival propondrá un fin de semana con  tragos y música al aire libre en el patio de La Usina, protagonizado por los conciertos del  guitarrista Baltasar Comotto (sábado 18/11 ) y la cantante del grupo Miranda Juliana Gattas (domingo 19/11), como antesala de  las tradicionales Jam, en las que este año oficiarán como maestros de ceremonia los integrantes del reconocido trío Marengo-Falcón-Varela.

La Agenda Piazzolla 25 años, que propone un abordaje diferente de la música del bandoneonista, a cargo de artistas que no suelen incluir las composiciones de Piazzolla en sus repertorios, presentará dentro de la sección proyectos especiales a la vocalista Roxana Amed para interpretar el material cantado de Piazzolla junto a un noneto dirigido por el pianista brasileño André Mehmari.

http://www.palabras.com.ar/notas/llega-una-nueva-edicion-del-festival-internacional-buenos-aires-jazz/

Buenos Aires Jazz 17

 Festival BAJ 17

Bill Frisell / A Portrait By Emma Franz

Bill Frisell: A Portrait

El guitarrista ganador de un Grammy y nativo de Seattle sale de las sombras para una exploración en capas de su vida, trabajo y proceso de colaboración, incluyendo cómo desarrolló una voz sónica única que combina jazz con folk, rock, clásica y avant garde.

Bill Frisell no es simplemente un guitarrista y compositor universalmente admirado -y muy posiblemente la persona más amable del mundo, como sugiere Emma Franz-, sino una encarnación viva de la inadecuación de las etiquetas que atribuimos a los géneros musicales. 

Viene del mundo del jazz, pero, especialmente en los últimos años, aquellos que intentan describir su producción son tan aptos para mencionar el país o la cultura americana. La música que ha germinado sus abundantemente imaginativas improvisaciones incluye el trabajo de John Lennon, Aaron Copland y Madonna; entre sus colaboradores a través de los años han estado Renee Fleming, Lucinda Williams y la Sinfonía de la BBC, que se muestran aquí en una cantidad generosa de material de ensayo para una de las composiciones de Frisell. Franz también lo visita en su casa de Bainbridge Island, llena de sus grabaciones (cuando Frisell dice que ha hecho cientos de álbumes, no es broma) y sus guitarras (cada una tiene una historia). Las cabezas parlantes aquí se entusiasman no solo con la versatilidad de Frisell sino, a la inversa, con el estilo y el sonido personal e inconfundible que aporta a todo lo que toca; su compañero guitarrista John Abercrombie quizás lo resume mejor cuando dice "Escuchas la historia de la guitarra cuando toca".

Bill Frisell es uno de los mejores guitarristas vivos, con una visión tan personal como libérrima del jazz, el folk, la improvisación y lo que se tercie. Todo feeling e intuición, la antítesis de un “guitar hero”. Este entrañable y apacible paseo por su arte y su vida deviene una oda a la creatividad, la humildad y la sed de aprendizaje.

Bill Frisell es uno de los mejores y más influyentes guitarristas vivos, con una visión tan idiosincrática como apasionada del jazz, el folk, la improvisación y lo que haga falta. Todo sentimiento e intuición, la antítesis de un guitar hero. A pesar de su extrema timidez ante la cámara y los elogios, accede a que le acompañemos en un apacible paseo por su arte, sus amigos, su colección de guitarras, su quehacer diario. Le vemos actuando en el Village Vanguard de NY donde arrancó su carrera, trabajando con la BBC Symphony Orchestra, reinterpretando olvidadas partituras de principios de los 80 y charlando con el genial dibujante Jim Woodring. Contribuyen al retrato personas cercanas como su mentor el guitarrista Jim Hall, su viejo aliado el batería Joey Baron (Naked City) y un agradecido John Zorn, cuya rompedora aleación de free jazz y punk se vio “validada” por el inconfundible toque de Frisell. De la interminable lista de artistas con los que ha colaborado (Elvis Costello, Lou Reed, Brian Eno, Manianne Faithful…), Bonnie Raitt, Paul Simon y el productor Hal Willner coinciden en señalar que cuando Frisell entra en un estudio es como si se apareciera “un ángel capaz de mejorarlo todo, de hacer aflorar belleza en todas direcciones a partir de la melodía más simple”. Una oda a la creatividad, la humildad, la sed de aprendizaje y el placer de no saber qué va a pasar.

https://www.in-edit.org/webapp/pelicula?peli_id=1657&ed_id=37

Bill Frisell: A Portrait - Director Emma Franz / 2017 

Muhal Richard Abrams / Philosophic Avant-Garde

Muere el innovador jazzista Muhal Richard Abrams.

El músico, impulsor de gran parte de la vanguardia del género desde los 60, fallece en Nueva York a los 87 años.

Por Yahvé M. de la Cavada

1 Nov. 2017 - 14:04

El legendario compositor y pianista afroamericano Muhal Richard Abrams, fundador de la AACM (Asociación para el Avance de Músicos Creativos) e impulsor de gran parte de la vanguardia jazzística desde mediados de los sesenta, falleció el 29 de octubre en Nueva York a los 87 años de edad, por causas aún por confirmar.

Además de un pianista brillante, lírico y poético, Abrams fue líder espiritual de la explosión vanguardista que vivió el jazz y la música creativa afroamericana en los años 60 y 70. Suya es una de las aproximaciones originales a la confluencia entre tradición y vanguardia que insufló nueva vida a la música negra, derribando fronteras estilísticas en pos de la denominada “Great Black Music”, y cultivando un jazz culto, intelectual y libre que aglutina toda la tradición negra, desde el blues y el ragtime hasta los albores del free jazz, sin renunciar a la influencia clásica europea.

Abrams, que también tocaba clarinete, chelo y percusión, fue un músico extremadamente polifacético, destacable tanto por su pianismo como por su amplísima visión compositora, que le convirtió en una de los grandes innovadores de la música improvisada durante décadas. Su obra abarca numerosos y variados formatos, desde el piano solo, dúos o tríos a grupos de mediana y gran escala, orquestas y big bands. Como pianista, se nutrió de su uso del silencio y la estructura, las influencias rítmicas de la tradición pianística del stride (desde James P. Johnson a Art Tatum) y otros referentes como Bud Powell para crear un estilo personal e intrincado, tan sugerente y relevante como el de coetáneos como Andrew Hill o Cecil Taylor.

Nacido en Chicago en septiembre de 1930, Richard Abrams no comenzó sus estudios musicales de piano hasta los 17 años, y en poco más de un año ya debutó profesionalmente en grupos locales de jazz y rhythm and blues. En 1950 comenzó a escribir arreglos para el saxofonista King Fleming y a mediados de la década se enroló en el grupo de hard-bop MJT+3 con el que grabó un álbum en 1957. Para entonces, Abrams ya era uno de los pianistas más solicitados de Chicago para tocar con grandes solistas de jazz de paso en la ciudad, como Dexter Gordon, Max Roach, Miles Davis, Sonny Rollins, Zoot Sims o su amigo Eddie Harris, con cuyo grupo gira y graba asiduamente durante los 70.

En 1961 funda la Experimental Band, formación pionera de free jazz en la que militan músicos como el propio Harris, Victor Sproles, Donald Garrett y unos jovencísimos Joseph Jarman, Roscoe Mitchell y Malachi Favors (años antes de la formación del Art Ensemble of Chicago), que sirve como caldo de cultivo para la creación de la AACM cuatro años después, de la que Abrams será el primer presidente. A partir de esa segunda mitad de los 60 se afianza la importancia de Abrams en la vanguardia afroamericana, tanto como pianista y compositor como ideólogo, organizador y líder (es entonces cuando sus colegas añadieron a su nombre la palabra arabe “Muhal”, que significa “el primero”).

Sus primeros discos dan muestra de su amplísima visión musical, en clásicos como Levels and Degrees of Light, Young At Heart/Wise In Time o Things To Come From Those Now Gone (todos ellos publicados por Delmark), obras que alterna con su colaboración para otros colegas como Anthony Braxton, Marion Brown, Chico Freeman o el Art Ensemble of Chicago.

En 1977 se instala en Nueva York y es uno de los protagonistas más influyentes de la denominada “era de los lofts”, movimiento creativo para asentar de nuevo las bases del free jazz y la improvisación afroamericana. A partir de entonces desarrolla sus múltiples proyectos y graba con regularidad en los años 80 y 90, especialmente para el sello italiano Black Saint.

Durante las últimas décadas Abrams trabajó incansablemente, tanto en su propia obra, que nunca dejó de crecer (sus últimas grabaciones para el sello Pi o su participación en Made In Chicago de Jack DeJohnette así lo atestiguan), como en su perfil de catalizador de la vanguardia jazzística, ejerciendo una enorme influencia en importantes músicos contemporáneos como Tyshawn Sorey, Vijay Iyer o Craig Taborn, entre otros.

https://elpais.com/cultura/2017/11/01/actualidad/1509552539_569807.html

Muhal Richard Abrams - Young at Heart - Young at Heart/Wise in Time (1974)

John Coltrane / Chasing Trane: The John Coltrane Documentary

Chasing Trane: Documental sobre John Coltrane

Por Ricardo Jacob

Estrenado comercialmente en abril de 2017, éste documental sobre uno de los músicos más importantes del siglo XX resulta por demás inspirador y una lección de vida.

Dirigido por John Scheinfeld (The U.S. versus John Lennon) cuenta con Denzel Washington dándole voz a los escritos del propio John Coltrane (23 de septiembre de 1936 – 17 de julio de 1967) y reúne a familiares, amigos y admiradores del saxofonista nacido en Carolina del Norte quienes dan cuenta de su vida y música.

Con animaciones basadas en las fantásticas ilustraciones realizadas por Rudy Gutierrez para el libro del 2012 “Spirit Seeker: John Coltrane’s Musical Journey” del escritor Gary Golio el documental es un cumulo de impresionantes anécdotas que sólo alguien como Coltrane pudo reunir a lo largo de su vida.

Un de éstas anécdotas es aquella sobre la semana que pasó encerrado en su estudio en el ático de su casa, incomunicado y absorto en su música. Nadie supo de él durante esos días, ni siquiera su esposa. Finalmente Coltrane bajó a su casa orgulloso y satisfecho, estaba todo ahí en papel, había completado cada nota de lo que se convertiría en su momento más alto a nivel musical: A Love Supreme.

También se cuenta sobre su adicción a la heroína, la importancia e influencia de Martin Luther King en manera de tocar y el viaje que realizó casi al final de su vida a Japón y en especial a Hiroshima además de que Wayne Shorter, Sonny Rollins e incluso Bill Clinton ofrecen palabras sobre Coltrane y su búsqueda espiritual y musical, de cómo logró transportar a todos aquellos que lo escucharon a lugares desconocidos con su saxofón.

Con Cashing Trane John Scheinfeld logró el documental definitivo sobre John Coltrane.

http://acidconga.com/blogs/sauntrakin/chasing-trane-el-documental-sobre-john-coltrane

Chasing Trane: The John Coltrane Documentary 

John Coltrane, Como Símbolo 

El documental Chasing Trane quiere ofrecer el retrato definitivo del genio.

29.03.17

Frankie Pizá

Si la música era para Charlie Parker una forma de traspasar el tiempo, una forma de salir del presente, para John Coltrane supuso un retrato espiritual de su interior, de todo lo que era.

Es justo lo que la leyenda del Jazz narra (en voz de Denzel Washington) al comienzo del trailer oficial de Chasing Trane; Coltrane llevó la interpretación y el Jazz a un punto trascendental al que nadie había llegado antes.

Tanto el Jazz espiritual que comenzó a forjarse como una identidad cultural a finales de los 60 como el Free Jazz tienen al músico de Richmond (Carolina del Norte) como uno de sus principales exponentes.

En el grueso de su carrera discográfica, y musicalmente, su estilo nunca se alejó de las vanguardias y estuvo enmarcado entre el Hard Bop y el posterior Jazz modal, destacando títulos como “Giant Steps”, por elevar a un nivel inalcanzable su estilo y sus “capas de sonido”, “Ascension” o clásicos populares como “A Love Supreme” y “Blue Train”.

Coltrane supo trasladar al sonido todos los objetivos estéticos y musicales de una era, convirtiéndose en la cabeza de un movimiento que conjugaba además religión y política; Rashied Alí se refería a él como el “supremo sacerdote de la música libre”.

Miles Davis dijo una vez: “La música de Coltrane y lo que éste tocaba durante los dos o tres últimos años de su vida representaron para muchos negros el fuego, la pasión, el odio, la ira, la rebeldía y el amor que ellos mismos sentían, sobre todo los jóvenes intelectuales y revolucionarios negros de la época”. Y concluía: “Coltrane era su símbolo, su orgullo; su hermoso, negro y revolucionario orgullo”. 

Muchos creen que el jazz murió con Coltrane en 1967, cuando contaba con tan solo 40 años; no se podía alcanzar un punto más alto y profundo.

http://www.tiumag.com/news/john-coltrane-chasing-trane-documentary-documental/

Chasing Trane: The John Coltrane Documentary 

 Chasing Trane: The John Coltrane Documentary

Chasing Trane The John Coltrane Documentary (Trailer)