miércoles, 14 de marzo de 2012

The Mars Volta / `Noctourniquet`


Lanzará The Mars Volta su sexto disco de estudio `Noctourniquet`

La banda estadunidense de rock The Mars Volta lanzará el 27 de marzo próximo su sexto disco de estudio titulado `Noctourniquet`, del que se desprende como carta de presentación el tema `The Malkin Jewel`

4/Mar/2012 - 19:22

Notimex.- Tras dos años de no lanzar álbum, la agrupación da a conocer su nuevo material con el cual pretende mantenerse vigente en el gusto del público seguidor del rock progresivo, que caracteriza a la banda.

El grupo ha logrado consolidarse como uno de los favoritos gracias a álbumes como "De-Loused In The Comatorium", "Frances The Mute", "Amputechture", "The Bedlam In Goliath" y "Octahedron".

Definido por la disquera Warner Music como un álbum épico e inesperado, la banda ofrece en "Noctourniquet" 13 temas en los cuales explora territorios sonoros anteriormente experimentados durante sus 20 años de carrera artística.

Lo que destaca en esta ocasión es la diversidad étnica del proyecto, combinada con el talento de Omar Rodríguez en la producción, quien guía a The Mars Volta en su trabajo más refinado y contundente a la fecha, tanto que se espera un material que pretende ser de los álbumes experimentales más desafiantes y satisfactorios del 2012.

El espectro musical-emocional y las texturas concebidas y creadas por Omar Rodríguez López en "Noctourniquet", explota desde el tema inicial "The Whip Hand", pasa por el amenazador "The Malkin Jewel" y viaja a través de un disco melódicamente hipnótico y con tintes ambientales; estilos notables en el track "In Absentia".

Como en trabajos anteriores, las letras de Cedric Bixler-Zavala trazan una jornada narrativa con un protagonismo particular y distintivo a la parte musical.

En esta ocasión, las letras son inspiradas por elementos disparatados que incluyen estrellas de rock británicas de los 80, "La cossa Nostra", al némesis de Súperman en las historietas, "Solomon Grundy" y personajes de la mítica griega.

La nueva placa de The Mars Volta fue grabada por la alineación actual de la banda estadunidense, integrada por Omar Rodríguez López, Cedric Bixler-Zavala, Juan Alderete de la Peña, Marcel Rodríguez López y Deantoni Parks.

http://www.info7.com.mx/a/noticia/319741/normal/esp_home/24



The Malkin Jewel - The Mars Volta - Noctourniquet - © 2012 WMG

lunes, 12 de marzo de 2012

Rowland Stuart Howard / Australian´s Underground Hero

Autoluminiscent: Un documental sobre la vida de Rowland S. Howard

22 de Febrero de 2012 -

Por Fernando del Río

Munster Records anuncia la distribución del documental Autoluminiscent a partir del 7 de marzo de 2012, en el que se rinde tributo a la figura del guitarrista Rowland Stuart Howard, fallecido hace tres años.

Será distribuído directamente en formato DVD y no parece que vaya a poder ser visionado, de momento, en ninguna sala de cine. El film se ha hecho hace poco con el premio del público en el Festival Internacional de Melbourne y cuenta, entre otros, con la participación de figuras como: Nick Cave, Thurston Moore, Lydia Lunch, Bobby Gillespie o Henry Rollins.

Sin duda, una buena oportunidad de poner en su sitio a este genio, a menudo olvidado, culpable de dos de las formaciones más interesantes de Australia; The Birthday Party (junto a Nick Cave) y Crime & The City Solution.

http://muzikalia.com/noticias_leer.php/14125/documental-sobre-la-vida-de-rowland-stuart-howard




Autoluminescent - Rowland S. Howard (Trailer) (2011)



Rowland Stuart Howard: Amazing Post-Punk Fender Jaguar



Rowland Stuart Howard fue un reconocido e influyente músico y compositor australiano compañero de banda de Nick Cave y Mick Harvey en los años 70, tanto en Boys Next Door como en The Birthday Party, también formó parte de los imprescindibles Crime and the City Solution y de These Immortal Souls, con quien editó tres trabajos en las décadas de los 80 y 90. Falleció a causa de una enfermedad a los 50 años el 30 de diciembre de 2009.



Rowland Stuart Howard - "Dead Radio" - "Teenage Snuff Film" (1999)

domingo, 11 de marzo de 2012

Moebius / The Greatest Visionary in the Comic Art Planet


El artista de culto 'Moebius' muere en París

Fallece Jean Giraud, uno de los máximos exponentes del mundo del cómic

París, 10 de Marzo de 2012.

El artista francés Jean Giraud ha fallecido a la edad de 73 años en París, tras sufrir una larga enfermedad. El mundo del cómic pierde así a uno de sus más ilustres embajadores que desde la década de los 70 y los 80 consiguió revolucionar las historietas de ciencia ficción.

Giraud, al que se le conocía con el pseudónimo de 'Moebius', fue creador de 'El teniente Blueberry', 'Rebelión en la granja', 'El garaje hermético', 'El Incal' o 'Venecia Celeste' entre otros muchos títulos.



Un pionero que trascendió la viñeta

11 Marzo 2012

Por Antoni Guiral (periodista/ divulgador de cómics)

Habría que retrotraerse a los años treinta del siglo XX para encontrar otro referente vital para la historieta de grafismo realista. Entonces, las tiras de prensa de Alex Raymond, Hal Foster y Milton Caniff, con su impronta entre naturalista y expresionista, marcaron la estética del cómic a varias generaciones de historietistas de todo el mundo. Jean Giraud, dual en su apuesta gráfica, genera junto a Hugo Pratt y Alberto Breccia una senda que, a partir de cierto momento, se bifurca para abrir nuevas tendencias. En su trayectoria como Gir, aprende el oficio con Jijé (Joseph Gillain), partiendo de un concepto naturalista del trazo para, acreedor de una sólida base de dibujo, desarrollar en Blueberry (junto al guionista Jean-Michel Charlier) un realismo detallista que transmite verosimilitud a sus personajes y escenarios. Gir no sólo concibe una brillante técnica de texturas evocadoras; elabora un proceso narrativo inteligente en su sencillez ayudado por una muy bien delimitada puesta en escena. Pero Giraud es un creador inquieto que, en su interior, lleva agazapado a su otro “yo” artístico. Si con Blueberry rompe moldes en cuanto a la historieta de género juvenil se refiere, reconvirtiéndola en la esencia del antihéroe para adultos, la conciencia de que el cómic es, también, un medio expresivo para la experimentación y la génesis de menajes más elaborados, abre el camino a Moebius.

Tras firmar algunas historietas como Moebius desde 1963, en 1975 aprovecha la coyuntura que le ofrece la aparición de una revista de la que es cofundador, Métal Hurlant, para con la fantasía y la ciencia ficción como referentes abrir nuevos caminos a la ética y la estética de los cómics. Con su consolidada base realista sintetiza, por un lado, el trazo y reelabora su grafismo en una compleja y detallista técnica que sorprende por sublime, espectacular y evocadora. Rompe con la apuesta de planteamiento, nudo y desenlace en obras como El garaje hermético de Jerry Cornelius, que desarrolla durante tres años en Métal Hurlant sin guion previo, abriendo su mente a la experimentación y aplicando la escritura y el dibujo automático, generando así la que será obra referencial de una parte de las nuevas generaciones de profesionales del cómic. Al mismo tiempo, abre la caja de Pandora para una historieta existencial, en la que el tiempo y el espacio se conjugan para generar realidades alternativas. Este camino iniciático continúa en una parte de la obra que realizará junto al cineasta, escritor y psicomago Alejandro Jodorowsky como guionista. En El Incal, la simbología del tarot se une al descubrimiento por parte de Moebius de las enseñanzas de Carlos Castañeda, lo que le lleva a una condensación de la línea hasta su efecto más puro y diáfano, al tiempo que crea imágenes simbólicas que se convertirán en uno de sus registros preferentes.

Su alegórica y enriquecedora apuesta visual sobrepasará las viñetas para llegar al cine, donde revolucionará el diseño de producción en películas de Ridley Scott, Luc Besson o George Lucas, facilitando que su impronta estética llegue también al terreno de la publicidad y de los videojuegos. Moebius continuará evolucionando, respondiendo a las inquietudes del autor en su constante búsqueda personal, aplicando en su trabajo sus preguntas y respuestas vitales, al tiempo que seguirá ilustrando los álbumes de Blueberry, que tras el fallecimiento de Jean-Michel Charlier continuará en solitario o con otros dibujantes. En su última obra, Inside Moebius, publicada en seis tomos entre 2004 y 2010, aplicará una especie de psicoanálisis, partiendo del cambio que supuso en su concepción artística el abandono del consumo de marihuana. Heterónimo de sí mismo, Moebius interactuará aquí con sus personajes, estableciendo un diálogo dramático en ocasiones, surrealista en otros, que cierra uno de los legados más brillantes de la historieta mundial.

De hecho, el cómic ha contraído una deuda perenne con Moebius, que descubrió a este medio de comunicación senderos originales que han permitido a muchos profesionales la exploración de nuevas vías de expresión.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/10/actualidad/1331400593_865548.html



Trance-Forme - Mœbius science et philosophie en quête de l'origine du monde...(Christian Buffet) (Universcience 2011)




Moebius: "Mi mente es un caos"


Entrevista publicada en El Peródico el 8 de Noviembre de 2009

Sábado, 10 de marzo del 2012

Con 70 años, el autor dibuja a sí mismo en pugna con sus personajes en la primera entrega de 'Inside Moebius' (Norma)

Gemma Tramullas / Barcelona

--Este libro se le ocurrió a usted o a su psicólogo?
--Ja, ja, ja. A mí, a mí. Un día decidí que ya era hora de dejar de fumar marihuana. No es que fuera un adicto, porque no me costó dejarla, pero la consumía para trabajar y ya tengo una edad. Sin los efectos de la hierba, empecé a dibujar un diario íntimo de forma automática, sin pensar, sin hacer bocetos revios. Cuando llevaba un par de páginas me dibujé a mí mismo y luego aparecieron mis personajes: el Teniente Blueberry, el Metabarón, el extraterrestre Arzak...

--Cuando era joven se creía un profeta, incluso pasó tiempo en una secta; luego vendió millones de cómics y le llamaban el Papa de la historieta, y en este libro el personaje de Moebius es nada menos que Dios. Ya no se puede subir más alto.
--No, después de Dios no hay nada. Ja, ja, ja. Mi personaje en Inside Moebius incluso puede volar. El problema es que, cuanto más arriba sube, más dura es la caída.

--Y usted se siente muy arriba?
--Solo cuando hablo con un periodista. No quiero ni contarle cómo me siento cuando me levanto por la mañana.

--Se dibuja a sí mismo con 70 años y también cuando era joven.
--Y cuando tenía 8 años! ¿Ve esta viñeta en la que unos niños juegan con canicas en la calle? ¡Ese soy yo! Verme a mí mismo desde fuera ha sido una experiencia muy profunda y emocionalmente perturbadora.

--La acción transcurre, como en muchos otros álbumes suyos, en el desierto. ¿Aún le influye aquella iniciación juvenil a las drogas en el desierto de México?
--Allí experimenté por primera vez con el inconsciente y eso sigue alimentando mi obra, sí. Pero más allá de eso, el desierto se ha convertido en el hilo conductor de mi trabajo. Mi mente es un caos y el desierto es lo único que pone orden en ese caos.

--Uno de los personajes del libro dice: «El atentado de las torres gemelas supera cualquier historia de ciencia ficción».
--Y es verdad. En el sentido de que estamos hablando de miles de muertos, de seres humanos de verdad. Del 11-S no se puede hacer una abstracción, por eso hice aparecer a Bin Laden en el desierto, donde sostiene un debate con el Metabarón y Arzak.

--Este es uno de los fragmentos más divertidos del cómic.
--El humor nos sirve para distanciarnos de una realidad que, de otra forma, sería insoportable.

--La idea de castigar a Bin Laden a tener cuerpo de mujer de por vida es genial. Para él, es el peor castigo.
--Por eso va siempre tapado de pies a cabeza, como si llevara un burka. Pero ponerse en el lugar del otro puede ser su única salvación, y la nuestra.

--De niño empezó a dibujar compulsivamente para combatir la soledad. ¿Ya no puede dejar de hacerlo?
--Solo lo dejaré cuando me muera.

--Volverá con otra historieta de Blueberry? En el libro, el teniente hasta le apunta con un revólver para que le escriba un guión.
--Él es quizá mi preferido. Quizá vuelva con él. Ganas no me faltan.

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/moebius-mente-caos-periodico-08-11-2009-1523702




Moebius - Sur l'Étoile "Le Monde d'Edena" ( Stel and Atan flying to an unknown world, a 'Garden of Eden somewhere in another galaxy') Music by Tangerine Dream, 'Hyperborea'

sábado, 10 de marzo de 2012

Andrew Hill / Black Fire © Blue Note, 1963

Andrew Hill : Black Fire © Blue Note, 1963

Por Ricardo Arribas

Black Fire es la segunda grabación de Andrew Hill a su nombre y la primera para Blue Note, el sello que lo acogería en tres etapas diferentes entre 1963 y su prematuro fallecimiento en 2006. En su interior encontramos música asombrosamente madura y acabada, a través de la cuál Hill desdibujó por completo los límites entre postbop y avant-garde, bailoteando vigorosamente sobre ellos y proponiendo una alternativa rica y fecunda que le permitió expresar en toda su riqueza la amalgama de sensaciones que ansiaba transmitir.



La música de Black Fire puede atemorizar un tanto por su fogosa seriedad, por su intensidad rabiosa, por el férreo nervio que la dirige. Sería una pena darle la espalda antes de haberla catado: toda esa fuerza incontenible no agrede al oyente, tan solo le es transmitida para arrastrarle con ella en un carrusel emocional deslumbrante, irresistible, que le sacude las entrañas y le deja renovado, despierto y relajado.


Para Black Fire Hill contó con un magnífico cuarteto en cuyo seno no cabían distingos entre front line y sección rítmica: los cuatro músicos comparten el centro del escenario y contribuyen por igual a levantar y propulsar la música del pianista. Joe Henderson transmite en todo momento la habitual sensación de seriedad, de foco, de rotunda concentración, aunque le encontramos en esta ocasión algo más avant garde que de costumbre; Roy Haynes está desatado, seco, cortante, incansable; Hill utiliza armonías muy anguladas que hacen pensar inmediatamente en un Monk revolucionado, y percute poderosamente al pulsarlas dando pie a un pianismo entrecortado que se materializa a través de miríadas de abigarrados racimos de notas; Richard Davis sostiene el conjunto sobre construcciones constantemente cambiantes pero perfectamente sólidas en un sorprendente ejercicio de imaginación y sobriedad.


Los músicos tocan con una actitud que los acerca al free, pero la aplican a composiciones cuidadosamente compuestas, sostenidas sobre robustos armazones estructurales que no impiden a Hill desplazamientos armónicos espléndidamente expresivos. Es inútil destacar un tema sobre otro en una grabación tan esencial como estas, pero cabe resaltar la urgencia implacable de Pumpkin, la melodía engañosamente alegre de Black Fire o las ominosas pero hermosas atmósferas creadas por Subterfuge y Cantarnos.

Black Fire es un disco que no deja muchas salidas, está herméticamente cerrado sobre sí mismo y parece contener en su interior algo que pugna por salir sin llegar a conseguirlo, algo tan poderoso que basta el nítido reflejo que percibimos para conmovernos irremisiblemente.

Black Fire es una obra maestra de la obra de Andrew Hill, del jazz de los años sesenta y, qué diablos, del jazz a secas.

http://www.jazzitis.com/web/content/black-fire


Andrew Hill (Piano), Joe Henderson (Saxo Tenor), Richard Davis (Bajo), Roy Haynes (Batería). Grabado el 8 de Noviembre de 1963. Van Gelder Studios, New Jersey.



Pumpkin - Andrew Hill - Album:Black Fire (1963)

viernes, 9 de marzo de 2012

U2 / "The Joshua Tree" 25th Anniversary

25 años de 'The Joshua Tree', el advenimiento del rock mesiánico

Viernes 09/03/2012
José Fajardo Madrid

El 9 de marzo de 1987 salió a la venta 'The Joshua Tree', el disco que catapultaría a U2 al Olimpo del rock de estadios. Han pasado 25 años y muchos todavía hoy celebran aquella grabación como el advenimiento de una nueva era. La mezcla imposible entre éxito masivo y experimentación. El rock mesiánico. "La última megabanda" ('The New York Times' dixit). A la hora de hablar de Bono y sus chicos no hay término medio: o grandioso o patético. ¿Es para tanto?

El origen

Tres factores fueron determinantes en el resultado final del álbum. Uno: la gira 'A conspiracy of hope', una suerte de cruzada solidaria organizada por Amnistía Internacional en junio de 1986 en Estados Unidos en la que participaron Sting, Bryan Adams, Peter Gabriel y U2, entre otros. Bono descubrió las luces y sombras del ‘sueño americano’ y se apresuró a retratar en su música "la desolación y la codicia de la nación de Ronald Reagan". Dos: la muerte accidental de Greg Carroll, el asistente personal del cantante, que despertaría su vena más lacrimógena. Y tres: un viaje junto a su esposa por Nicaragua y El Salvador, detonante de su cruzada en defensa de los desfavorecidos. La pareja de productores Brian Eno y Daniel Lanois (que ya habían trabajado con el grupo en su anterior álbum, 'The unforgettable fire') se centró en exprimir el poderío teatralizado de la voz de Bono y los loquísimos solos del guitarrista The Edge.

Hitos de una época

"Dicen que nos tomamos demasiado en serio. Es cierto, mejor dicho, nos tomamos nuestra música en serio". Incapaz de sacudirse ese halo de trascendencia que le acompañó desde sus comienzos en 1976, Bono no escatimó a la hora de citar los referentes culturales que enriquecieron su quinto disco. Desde la obra literaria de Norman Mailer, Flannery O’Connor y Raymond Carver hasta las canciones de Bob Dylan, Bruce Springsteen y Lou Reed. ¿El resultado? Letras que denuncian la represión de las dictaduras latinoamericanas ('Mothers of the disapeared'), acordes impregnados de iconografía cristiana ('With or without you', 'I still haven’t found what I’m looking for'), un retrato de las huelgas de mineros británicos en los 80 ('Red Hill Mining Town') e incluso otro sobre la adicción a la heroína ('Running to stand still'). ¿La respuesta del público y la crítica? Número uno en 20 países, dos premios Grammy y 25 millones de copias despachadas. Incluso la influyente revista 'Time' les reservó su portada en 1987. Bono (voz, guitarra), The Edge (guitarra), Larry Mullen (bajo) y Adam Clayton (batería) parecían superhéroes ante una minúscula imagen del líder soviético Mijáil Gorbachov.

Iconografía para epatar

El reputado artista Anton Corbijn realizó una sesión fotográfica en blanco y negro del cuarteto que pasaría a la Historia. Aquellos cuatro irlandeses de clase media baja aparecían en medio del desierto estadounidense, como trovadores de una nueva fe en un mundo sediento de líderes. Tampoco fue casual la elección de Joshua Tree, un majestuoso e inhóspito parque nacional de California, donde acuden algunos jóvenes a tener experiencias alucinógenas y algunos músicos a encontrar la inspiración. Un símbolo perfecto para aglutinar las poesías automáticas de Bono (se ha dicho que aquel disco lo compuso a la manera de los poetas de la generación 'beat', anotando las ideas que iban invadiendo su mente) y esa inconfundible mezcla de rock musculoso con pasajes de folk y blues.

Su influencia en la cultura popular

No cabe duda de que la monstruosa máquina de rock que es hoy U2 nunca hubiera existido de no ser por 'The Joshua Tree'. Posiblemente, Bono nunca hubiera jugado con Obama (o tantos otros líderes políticos) a salvar el mundo, no hubiera aparecido en 'Los Simpsons', ni siquiera en 'Muchachada Nui'. Pero lo cierto es que U2 sigue siendo, le pese a quien le pese, quizá el único grupo guitarrero capaz de movilizar una maquinaria tan potente. No hay más que ver sus últimas giras (ese grotesco espectáculo megalómano que es el 'Tour 360' que llevó al Camp Nou en 2009) o el continuo debate sobre su sucesor (¿Radiohead? ¿Coldplay?). Algo distinto sería hablar de los riesgos creativos que la banda ha asumido en estos últimos 25 años... Pero ésa es otra historia.

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/03/09/cultura/1331290124.html


U2 The Joshua Tree - Anton Corbijn Movie (No Audio)
When Corbijn took the band into the desert to shoot an album cover, he also shot some home movie footage.

jueves, 8 de marzo de 2012

Krzysztof Penderecki & Jonny Greenwood / Convey the noise and chaos of our time



Jonny Greenwood de Radiohead lanza un álbum clásico con el compositor y director de orquesta polaco Krzysztof Penderecki.

07 Mar 2012, 20:08

Jonny Greenwood de Radiohead ha tenido la oportunidad de grabar un disco con uno de sus héroes musicales, el polaco Krzysztof Penderecki. En realidad, el trabajo conjunto consiste en un juego, en el que Greenwood responde con música a las propuestas del maestro. El disco lo conforman dos piezas compuestas por Penderecki, ‘Threnody for The Victims Of Hiroshima’, de 1960, y ‘Polymorphia’, de 1961. Las propuestas de Greenwood son en respuesta a las del compositor.

Inspirada por la primera de ellas "Threnody For The Victims Of Hiroshima" llega ‘Popcorn Superhet Receiver’, mientras ’48 Responses Polymorphia’ hace lo propio con la segunda “Polymorphia”. El disco resultante del experimento se puede escuchar en la web de NPR.

“Threnody For The Victims Of Hiroshima”

“Popcorn Superhet Receiver: Part 1”
“Popcorn Superhet Receiver: Part 2 A”
“Popcorn Superhet Receiver: Part 2 B”
“Popcorn Superhet Receiver: Part 3”

“Polymorphia”

“48 Responses To Polymorphia: Es ist Genug”
“48 Responses To Polymorphia: Ranj”
“48 Responses To Polymorphia: Overtones”
“48 Responses To Polymorphia: Scan”
“48 Responses To Polymorphia: Baton Sparks”
“48 Responses To Polymorphia: Three Oak Leaves”
“48 Responses To Polymorphia: Overhang”
“48 Responses To Polymorphia: Bridge”
“48 Responses To Polymorphia: Pacay Tree”



Jonny Greenwood & Krzysztof Penderecki - Live Concert AUKSO Chamber Orchestra directed by Marek Mos (2011)

miércoles, 7 de marzo de 2012

Ahmad Jamal / Blue Moon -The New York Session

El piano de Ahmad Jamal estrena sello

Pablo Sanz Publicado el 10/02/2012

Tras seis décadas de impecable ejercicio artístico, el protegido de Miles Davis presenta Blue Moon, primer reclamo de una nueva factoría discográfica, Jazz Village, que llega a las estanterías de la mano de Harmonia Mundi.


Amaos los unos a los otros, o aún mejor, amad a Jamal. Algo así vino a decir Miles Davis cuando señaló a esta leyenda del jazz entre sus creadores favoritos, y cuando colocó su piano entre sus altares musicales más admirados. Hasta entonces, efectivamente, Ahmad Jamal (Pittsburgh, 1930) no había generado una gran expectación dentro de la comunidad jazzística, pero la confesión del genial trompetista acabó por situarle en todas las enciclopedias. Ahora, el pianista sirve de primer reclamo de Jazz Village, nuevo sello del catálogo de Harmonia Mundi.

La relación de Jamal con el mercado discográfico francés viene de largo, como de largo viene la evolución de Harmonia Mundi hacia culturas musicales con raíces eminentemente populares. A nadie se le escapa que esta nueva aventura editorial y comercial se inicia en uno de los peores escenarios económicos, pero quizás sea este propio contexto el que ha suscitado la creación de Jazz Village. “Somos muy conscientes del riesgo que corremos”, comenta el directivo y productor de Harmonia Mundi Christian Girardin. “Cada vez hay más música a nuestro alcance, el público asiste más a los conciertos y... siempre hay un tema de jazz sonando en el aire”.

Esta decidida apuesta por el jazz se manifiesta generosamente con el fichaje de Ahmad Jamal, un hombre que revolucionó las esencias del formato de trío y las nuevas sonoridades que el género estaba llamado a tratar en su modernidad. Su concepción minimalista de la composición, su dramática manera de intelectualizar el sentimiento del blues y su hábil empleo de los espacios y los silencios le han convertido en un ciudadano extraño dentro de la gran ciudad del jazz contemporáneo. Claro, que él nació y creció en los mismos barrios que otros ilustres del género como Erroll Garner, Ray Brown o Art Blakey, lo que le debió de marcar de por vida.

Calidad a lo Miles Davis

Su nuevo álbum lleva por título genérico Blue Moon, el inmortal tema de Rodgers & Hart, y se compone de otros tantos clásicos ajenos, como el Woody'n You, de Gillespie, o propios, como su famoso Autumn Rain. Acompaña al maestro un trío rítmico de altos vuelos, el contrabajista Reginald Veal y los bateristas y percusionistas Manolo Badrena y Herlin Riley, que completan un sonido que Miles Davis hubiera aprobado con nota destacada: “Miles, sin ninguna duda, cambió el punto de vista de mucha gente sobre la música, y en concreto sobre la mía”, asegura el pianista. “Es normal, pero un hombre no depende de otro hombre para existir, incluso si la consideración del uno por el otro puede ser una ayuda apreciable, como fue mi caso”.

Aunque se prodiga poco por nuestro país, Ahmad Jamal cuenta con su propia legión de admiradores, que han seguido con especial atención sus recientes aventuras junto al vibrafonista Gary Burton o el saxofonista George Coleman. En el verano de 2008 el Festival de Jazz de San Sebastián le concedió su máxima distinción, el Donostiako Jazzaldia, en reconocimiento a su fecunda y fértil trayectoria jazzística.

Al lanzamiento de Blue Moon le seguirá en marzo el nuevo álbum de la cantante franco-camerunesa Sandra Nkaké, Nothing for Granted, con su híbrida apuesta de jazz, rock y soul. Más adelante será el momento de los pianistas Roberto Fonseca y Monty Alexander, más lo último del trompetista Raynald Colom (además de nuevo registro, Jazz Village colocará en el mercado la reedición de su obra Evocación); nombres propios, todos ellos, de una memoria jazzística que a partir de este mes formarán parte de una nueva historia discográfica que nace entre aspiraciones heroicas.

http://www.elcultural.es/version_papel/ESCENARIOS/30531/El_piano_de_Ahmad_Jamal_estrena_sello


Blue Moon - Ahmad Jamal / Blue Moon - The New York Session (2012)

domingo, 4 de marzo de 2012

Brian De Palma / Scarface metáfora del capitalismo


“Es una metáfora del mundo capitalista”

Brian De Palma habla de Scarface, que se reestrena el próximo jueves. Aborrecida en su momento por la crítica de su país, fervorosamente reivindicada en Francia y adoptada más tarde como objeto de culto por la cultura gangsta, muchos ven en Scarface una de las cimas del realizador de Carrie y Doble de cuerpo.

Domingo, 4 de marzo de 2012

Por Samuel Blumemfeld y Laurent Vachaud
( Tomado del libro Brian De Palma. Entretiens (Calmann-Levy, 2001).
Traducción y adaptación: Horacio Bernades.

El reciente reestreno de El Padrino resultó todo un éxito, y la consecuencia directa es el nuevo reestreno de un clásico moderno, que llegará a la cartelera porteña el jueves próximo, contando con el auspicio del canal de cable TCM. Se trata de Scarface, de Brian De Palma, que, como en el caso anterior, la distribuidora CDI presenta en copias digitales remasterizadas y con sonido Dolby Surround. Aborrecida en su momento por la crítica de su país, fervorosamente reivindicada en Europa (sobre todo en Francia), adoptada más tarde como objeto de culto por la cultura gangsta (ver aparte), muchos ven en Scarface una de las cimas del realizador de Carrie y Doble de cuerpo.

En la entrevista que sigue –incluida en el libro Brian De Palma. Entretiens–, los críticos Samuel Blumenfeld y Laurent Vachaud reconstruyen junto al autor, quince años después del estreno, la historia entera del film que se hizo famoso por una escena (la de la sierra eléctrica), una frase (“Say hello to my little friend”) y cifras record de fucks dichos por minuto, habanos consumidos, cocaína inhalada y sicarios muertos como moscas en una sola escena. En nota aparte se da cuenta de los vaivenes que sufrió la recepción de la película, desde el momento del estreno hasta hoy.

–Scarface fue su primera colaboración con Al Pacino.

–Lo conozco desde los años ’60. Siempre quise trabajar con él. Allá por 1970 tuvimos un proyecto juntos para la Warner Brothers. Se llamaba Cop-out y no prosperó. Al es un actor que se incorpora a la película con muchas ideas, con referencias que vienen del mundo del teatro. En el caso de Scarface, la referencia era Ricardo III. El mayor talento de Pacino consiste en convertir en realistas las ideas de interpretación más sutiles, e incluso las más abstractas.

–¿Cómo entró usted en el proyecto de Scarface?

–Al vio la versión original y pensó que era un personaje ideal para él. El plan original era hacer una remake al pie de la letra, ambientada en Chicago durante la Ley Seca. Pero lo de contar exactamente la misma historia a mí no me entusiasmaba, por lo cual rechacé el ofrecimiento. Hablaron con Sidney Lumet y él propuso actualizar la historia, ambientándola en la comunidad cubana de Miami durante el boom de la cocaína, a principios de los ’80. Esa idea le gustó a todo el mundo, y Oliver Stone, a quien habían contratado para escribir el guión, se fue a investigar el tema, incluyendo el circuito colombiano de la droga. Pero a Lumet el guión de Stone no le gustó nada. A Pacino y Martin Bregman, productor de la película, sí, y me lo trajeron para verlo. Me pareció excelente y di mi OK para dirigirla.

–¿Qué piensa de la Scarface original?

–No soy un gran admirador. Me parece muy bien dirigida, pero tengo mis reservas en cuanto a Paul Muni, el protagonista.

–¿Cómo fueron sus relaciones con Oliver Stone?

–El guión era demasiado largo y tuve que cortar algunas partes. Sobre todo del principio. A Oliver no le gustaron mucho esos cortes, y me lo reprochó. Cuando la película se estrenó estaba muy decepcionado, opinaba que era muy lenta. Creo que en realidad le hubiera gustado dirigirla él. Se había implicado en cuerpo y alma en la investigación, llegando incluso a arriesgar la vida. Hubo un momento en que los traficantes con los que trataba pensaron que era un agente de narcóticos infiltrado, por la cantidad de preguntas que hacía. Pero valió la pena, porque esa investigación da autenticidad a la película.

–¿Usted siempre quiso darle ese tono excesivo que tiene?

–El ambiente de Miami lo pedía. Las camisas floreadas, la personalidad de esos tipos, el negocio del narcotráfico: todo tenía que ser “más grande que la vida”. Pero eso ya estaba en el guión.

–Nos da la impresión de que fueron las películas fantásticas que usted dirigió antes de Scarface las que le allanaron el camino para lograr ese tono.

–Las películas fantásticas me permitieron tener un estilo propio. Dar con medios visuales que me permitieran contar la historia. En el caso de Scarface mi intención fue darle un tratamiento realista, única forma de que el espectador aceptara los excesos quevenían después. Por eso los títulos de crédito son sobre imáge-nes de noticieros: quería que el espectador advirtiera que partíamos de la más estricta realidad.

–En muchas de sus películas, cuando un personaje se deja llevar por sus sentimientos se inicia el camino de su perdición. En Scarface eso sucede cuando Tony Montana se niega a matar a los chicos, en la escena del auto.

–Creo que la película es una metáfora de la locura del mundo capitalista, cuando lo único que lo guía es la ambición. Cuanto más deshumanizado es el mundo, más hay que dejar de lado los sentimientos. En caso contrario, lo trituran a uno.

–Como muchos de sus personajes, Tony Montana se va endureciendo, cerrándose de a poco a cualquier emoción. También de usted se dice que es muy frío.

–El mundo del cine puede llegar a ser bastante inhumano y para sobrevivir en él hay que estar blindado. Soy consciente de esa frialdad mía de la que hablan. Es mi forma de no permitir que me afecte todo aquello que podría apartarme de mi trabajo. Así que tengo tendencia a aislarme. Durante un rodaje hay que atender tantas cosas que no se puede estar pendiente de todo el mundo.Y el ambiente de rodaje puede hacer que aflore lo peor que uno lleva adentro, si no se toman las precauciones necesarias. Así que cuando trabajo no me queda más remedio que comportarme como un monje, apartado de todo.

–La comisión de censura estadounidense estuvo a punto de calificarla con una X, reservada para el cine porno.

–“Vamos a ponerle una X”, me dijeron. Le hice unos cortes, volví a presentarla, y nada. “Seguimos pensando en ponerle una X.” Hice más cortes y la volví a presentar: otra vez lo mismo. Ahí me enteré de que lo que les molestaba era la escena en que matan a un payaso en un club nocturno. Corté ese plano, pero les seguía pareciendo que había demasiada violencia. Entonces, con Martin Bregman iniciamos una campaña de difusión sobre el tema, denunciando la censura que se avecinaba. Y volví a presentar la primera versión de todas: si igual iban a ponerle una X, que se la pusieran al menos a la versión original, y no a una amañada. Ahí conseguimos que nos pusieran una “R”, que es una calificación dura pero más benigna. Y logramos estrenar la versión que queríamos mostrar.

–En el estreno, la crítica estadounidense recibió a Scarface con un desprecio casi generalizado, que más tarde se revió. ¿Cómo la ve usted ahora?

–Creo que en su momento nadie la entendió. Me decían, como crítica, que parecía un viejo film noir de la Warner, y eso era justamente lo que a mí me gustaba de la película. Con excepción de un crítico, nadie supo juzgarla bien. Salvaban el trabajo de dirección, pero decían que estaba al servicio de un guión que no valía nada, con Pacino repitiendo su numerito de gangster. La crítica estadounidense la rechazó en bloque. Fue en Europa donde se convirtió en un éxito. Pero ya estoy acostumbrado a esta clase de cosas.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/5-24512-2012-03-04.html


Scarface (Trailer)

viernes, 2 de marzo de 2012

Horacio Salgán / Homenaje en el Teatro Colón de Buenos aires

La Orquesta de Salgán, al Colón

Una de las agrupaciones emblemáticas del tango, en el máximo templo lírico.


Miércoles 29 de febrero de 2012


Por Gabriel Plaza

"Mi padre tocó tres veces en este escenario, con su orquesta; haciendo el Oratorio Carlos Gardel con la Filarmónica; y con Ubaldo De Lío. Para él es importantísima esta recreación de su orquesta, en alguna medida porque se trata del Colón, porque estará su hijo y porque estarán sus grandes compañeros", contó César Salgán, hijo de Horacio y actual director de esta formación, en la presentación oficial del homenaje, que se realizará en el templo lírico el próximo sábado.

La orquesta, con los arreglos originales de Horacio Salgán y un repertorio supervisado por el maestro, sorprendió y emocionó en el último Festival de Tango, y ahora se vuelve a reconstruir para este concierto tributo en el Colón. "El entusiasmo al final del concierto en el festival fue tanto que alguien empezó a decir que había que hacerlo de nuevo y en el Colón. Yo pensé que era una cosa del momento. Pero acá estamos", completó el relato César Salgán, que estará al frente de una agrupación con los bandoneonistas históricos de la típica: Néstor Marconi, Ernesto Baffa, Leopoldo Federico, Julio Pane y Juan José Mosalini.

El concierto de la Orquesta de Horacio Salgán, con entradas que van de diez a sesenta pesos, significará el regreso de la música ciudadana al Teatro Colón: la última vez que sonó el tango fue con el espectáculo Café de los Maestros en 2006. "Esta es la primera experiencia con el tango y la apertura de otras actividades tangueras en el Colón que seguirán durante el año. Es verdad que cada espacio tiene su rol, pero nos parecía que una de nuestras mayores expresiones populares tenía que estar en el máximo espacio lírico", argumentó el Ministro de Cultura Lombardi

La Orquesta de Horacio Salgán parece una de las mejores elecciones posibles para este regreso del tango al primer coliseo. La formación creada por Horacio Salgán en 1944 y que duró, con intervalos, hasta 1957, fue revolucionaria por sus arreglos y el sonido que le dio al ensamble de las típicas, transformándose en ícono y referencia sonora del género.

Un crítico de Le Monde escribió sobre esta agrupación: "Las orquestas dirigidas por Salgán de los años 1944 a 1957 amplían la forma tradicional del tango, profundizan el sentido rítmico y le agregan un «toque negro», crean un nuevo tipo de tanguismo profundamente arraigado a su música, pero receptivo a Bartok, Ravel, al jazz y a la música brasileña".

La orquesta de avanzada para la época y en pleno furor bailable no fue entendida en su primer período con Rivero y tuvo mayor suerte a inicios de la década del cincuenta con cantores como Roberto Goyeneche. Esta nueva formación, que forma parte de una producción especial, cuenta con la base del Nuevo Quinteto Real formada por César Salgán en piano, Hermes Peressini en violín, Carlos Corrales en bandoneón, Esteban Falabella en guitarra y Juan Pablo Navarro en contrabajo, más un team con los mejores músicos del tango actual. El repertorio infalible: "Canaro en París", "Gallo Ciego", "Recuerdo", "La llamó silbando", "A fuego lento", entre otras gemas. El imaginario de un maestro del tango en su máxima expresión.

http://www.lanacion.com.ar/1452380-la-orquesta-de-salgan-al-colon


Horacio Salgán, acaso el mayor pianista de la historia del tango, será homenajeado mañana sábado 3 de marzo en el gran Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires por la orquesta que supo dirigir -hoy a cargo de su hijo, César-, reforzada con notables intrumentistas del género.


Horacio Salgán

jueves, 1 de marzo de 2012

Radio CAFF / 15 Tangos Contemporáneos Siglo XXI



¿Nueva edad de oro?

“Radio CAFF: Tango Siglo XXI”. Un compilado con 15 tangos contemporáneos, a cargo de varios artistas nuevos.

29.02.2012 Por Andrés Casak

Entre el primer intento de aglutinar estéticas que fue el disco La joven guardia del tango , de 1997, y el compilado que acaba de salir, Tango Siglo XXI , pasaron muchas cosas en el tango. Y una cosa que pasó fue que una generación de músicos que se acercó al género a mediados de los ‘90 –estudiando su historia, analizando sus yeites, interpretando clásicos– finalmente hizo foco en la creación de un repertorio propio.

De eso se trata el disco: curado por el violinista Federico Terranova, reúne 15 tangos nuevos escritos entre 2001 y 2011. No parece casual que el proyecto salga de la factoría CAFF (Club Atlético Fernández Fierro), idea y epicentro de los conciertos de la Orquesta Fernández Fierro, de los festivales de tango y de Radio CAFF, que se emite por la web y que destina la programación a grupos actuales, de la cual el disco funciona como una extensión lógica.

Pero, aunque el hilo conductor del disco sea claro desde el título mismo, el resultado es ciertamente ecléctico. La primera parte está traccionada por los tangos cantados, donde destaca la pluma certera y urbana con link a otros géneros, pero sin perder el pulso tanguero, de Alfredo Tape Rubín en Bluses de Boedo y Despedida . El resto es heterogeneidad pura: hay una larga distancia entre el humor border de Dema y su Orquesta Petitera en El mito , el tono oscuro de 34 puñaladas en Bombay Buenos Aires y la desolación que late en la música y letra del tango Hoy , interpretado por Rascasuelos. En cambio, el segmento de tangos instrumentales suena más uniforme, como si se pudieran establecer más puntos en común, como si los compositores conversaran entre sí. Tal vez como reflejo de un momento diferente de madurez, el repertorio sin letra funciona de modo orgánico, tiene exponentes nítidos y se recorta con sus propias influencias y mixturas. Si Piazzolla y Salgán son dos faros posibles para la nueva generación, aquí se palpa de modo claro: la huella del bandoneonista está implícita en el conjunto La Camorra ( Brasas ) y la del pianista es explícita en el homenaje de la orquesta de Agustín Guerrero ( Milonga de la Suite Salgán ). Entre los nuevos referentes, los tangos del violinista Ramiro Gallo y de la pianista Sonia Possetti, El último kurdo e Ida y vuelta , respectivamente, ponen de manifiesto la solidez compositiva que ya mostraban en sus primeros discos. El sonido contemporáneo de El Arranque en Nuevo y el ritmo poderoso de Astilleros en Chiru abren otras vertientes de búsqueda.A pesar de algunas ausencias y de lo desparejo que supone un compilado de estas características, el disco cumple con su cometido: ofrece una panorámica posible del tango en movimiento, en un saludable instante histórico donde conviven –caóticamente– el baile y la movida electrónica, el under y el for export, los acercamientos de otros géneros y la autogestión. En las anotaciones del sobre interno del disco, Federico Terranova se entusiasma y arriesga: “Estamos viviendo la segunda era de oro del tango”.

http://www.clarin.com/discos/Nueva-edad-oro_0_655134491.html

Orquesta Rascasuelos / El Genuino Arte Popular de Buenos Aires


“Hay que generar aires nuevos”

La Orquesta Rascasuelos, una potente propuesta de Tango Contemporáneo

Miércoles, 29 de febrero de 2012

Por Cristian Vitale

Limón García y Tripa Bonfiglio definen el espíritu de la agrupación, integrada por “músicos con una trayectoria dentro del tango que pasaron toda su adolescencia escuchando rock”. También integran Rascacielos, orquesta típica que recrea tangos tradicionales.

Tripa y Limón son dos personajes del under porteño vía tango. Tripa –Patricio Bonfiglio– da clases y toca el bandoneón. Arrastra una historia de lucha y resistencia, primero como parte de la Fernández Fierro y, después, de la Orquesta Típica Astillero, dos de las agrupaciones que le abrieron caminos en la selva a la nueva generación. Limón –Héctor García– canta. Es pelado y le arde la voz. Tiene un pasado de 20 años ligado al rock de Vía Varela, su banda suburbana, y cierto paso por Bersuit Vergarabat, en los tiempos de Libertinaje. A ambos los ensambló el destino y, mientras Vía Varela sellaba su fin con Si hay (2009) y Bonfiglio sumaba trabajo tras trabajo, apareció un cable a tierra: Rascasuelos. “Un grupo situado dentro del lenguaje del tango, que es el folklore de la Buenos Aires de hoy y que no es masivo, pero sí popular, porque es genuino”, sentencia y define el bandoneonista. Pasado en limpio, Rascasuelos es una orquesta de tango potente, actual, que propone composiciones propias y completa su base humana con Fulvio Giraudo, también pianista del Sexteto Mayor; Nicolás Tabbush, violín de la Filarmónica de Buenos Aires; Pablo Clavijo en violín y viola, Cristian Basto en contrabajo y el violencellista Matías Estigarribia. Una orquesta de siete que tiene un disco por grabar, otro grabado, y una gira fresca por Bélgica y Holanda, que los paseó por Amberes, Utrecht, De Doelen y Amsterdam. “Nos sirvió para cerrar el ciclo de arranque: primer disco, primera gira y consolidación: el grupo quedó fundado”, certifica Bonfiglio.

–¿Se pudrió del rock, Limón?

–Estoy un poco cansado, porque pareciera ser que hay cosas en el rock que tienden a desaparecer: la poética y la mirada social. El rock empezó a ir para otro lado y yo creo que es una cuestión lógica ¿no?... Acaba de cumplir 60 años; los mayores siguen estando y entonces se hace difícil, cuando los papás siguen marcando el camino, generar aires nuevos.

–Pero el tango es bastante más viejo...

Limón García: –Pero cumplió su ciclo. Yo, años atrás, dejé el folklore y me volqué al rock porque tenía mi mismo idioma. Necesité del rock para comunicarme con los jóvenes de mi generación... Lo popular siempre se cuela por algún lado.

Tripa Bonfiglio: –De hecho, el rock entró por la grieta que había dejado el tango ¿no?, y el tango se zambulló dentro del rock, y a la vez mi generación rockera tuvo que ir al tango, porque el rock se estaba muriendo. Lo encontramos agotado y nos apareció la necesidad de mirar la cultura propia y poder transmitir los mismos conceptos en otro lenguaje, que en definitiva es un detalle, porque el arte está por encima de un lenguaje específico. Yo no encuentro mucha diferencia de fondo entre Camarón de la Isla, Coltrane y Pugliese.

Cuesta poco detectar el olor actual en el disco debut. La placa (que volverán a mostrar el 12 de marzo en el Auditorio Kraft, Florida 681) abre con el sintomático “Hoy” y las historias restantes, moduladas por la voz áspera de Limón, trascienden crudas, ríspidas, hedonistas pero oscuras. “Siempre me pregunto qué tango estaría haciendo Troilo hoy, ¿el de aquella época en que todo era lento, se caminaba despacio, se hablaba distinto, se jugaba al fútbol a dos por hora y la mujer vivía en la casa, o el del ruido de hoy?..., digo, si vos no cambiás, y mostrás sólo el tango muerto, los pibes de 20 años salen corriendo, porque se aburren. Es como cuando se peleaban la vieja guardia con la nueva”, polemiza Limón.

–¿Qué es el tango muerto?

T. B.: –El for export.

–Ah, no el de Troilo y Pugliese...

T. B.:
–Depende. Ellos también hacían tango de hoy, en su momento.

La Orquesta no subestima la historia y tiene, por tanto, otra identidad. Se llama Rascacielos y la integran los mismos músicos más un plus de fueyes y cuerdas para alcanzar status de Típica. Es la que anima hace un año la milonga Orsay de San Telmo y recrea tangos tradicionales para milongueros, covers lisos y llanos de Pugliese, D’Arienzo, Troilo y Di Sarli, entre otros. “Es el concepto opuesto a Rascasuelos. Es algo bipolar: con Rascacielos podemos hacer un laburo antropológico, seguir poniendo los pies sobre la tierra chupándole la sangre al tango muerto y mantener la milonga viva. Y además nos divierte mucho, nos cambia el aire y nos hace agarrar con más convicción nuestra música”, sostiene el Tripa y tercia Limón: “Mata porque para poder generar algo nuevo tenés que conocer bien lo viejo, ¿si no por dónde rompés?... Y esto es lo que tiene Rascasuelos: músicos con una trayectoria dentro del tango que pasaron toda su adolescencia escuchando rock. Por algún lado se tiene que filtrar eso, porque el rock y el tango tienen similitudes, ¿no?: son marginales, urbanos y perseguidos. Por mi parte, hago lo mismo que hice en todas las bandas de rock, pero con otro lenguaje. Es una necesidad física de poder expresar y decir lo que uno es y lo que sucede en tu sociedad, en tu barrio, en el amor”.

–Todo el riesgo que asume Rascasuelos se evapora en Rascacielos, sería la lectura...

T. B.:
–Y no cabe otra, porque la gente que baila por lo general no tiene mucha predisposición para bailar música nueva, e incluso para bailar tangos viejos que no conoce: son clásicos, ortodoxos y talibanes (risas).

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-24473-2012-02-29.html



Orquesta Rascasuelos - Guernica

miércoles, 29 de febrero de 2012

Pachuco Cadáver / Único Show! Teatro ND/Ateneo en Mayo

Pachuco Cadáver: Pettinato & Piccolini

Pachuco Cadáver nació en Madrid, España en 1989-1990, como un dúo formado por los argentinos Guillermo Piccolini (teclista, ex-Toreros Muertos) y Roberto Pettinato (voz y guitarra, ex-saxofonista de Sumo). Proponían una fusión musical con guiños psicodélicos (influenciados por Syd Barrett), fanfarrias sintéticas marca Residents, humor marciano, dadaísmo canterburyano (de David Allen a los primeros Soft Machine), martilleos de piano a lo John Cale, resacas de Captain Beefheart (empezando por el propio nombre de la banda) y por encima de todo un viaje sonoro a través de la iconografía pop que va de los Beatles a la new wave, pasando por las aventuras televisivas de Batman o los B-52's.

A finales de 1990 editan bajo sello Triquinoise su primer álbum llamado "3 huevos bajo tierra", que incluye una versión de "I'm The Fly" de Wire y "Sunshine Of Your Love" de Cream. Luego, Pettinato regresa a la Argentina dejando al grupo en estado de semi-congelación, sólo activo con conciertos que en aquel año 1991 dieran con la incorporación del ex-Derribos Arias, Alejo Alberdi a la guitarra y con Piccolini en voces. Finalmente, y a caballo entre los dos países, el dúo original vuelve a grabar en 1992 un segundo álbum llamado "Life in La Pampa", aún más ecléctico que el anterior. Un año más tarde Piccolini volvía también a la Argentina, al mismo tiempo que Pachuco Cadáver dejaba de existir.

http://es.wikipedia.org/






Vuelve Pachuco Cadáver


Martes 28 de Febrero del 2012

El músico y conductor Roberto Pettinato revive solo por un show a la banda que fundó con Guillermo Picolini a principios de los 90.

La noticia llegó por la cuenta de Twitter de Roberto Pettinato: "Queridos anoides: se confirma 5 de mayo en el ND Ateneo: Pachuco Cadáverrrrrrrrrrrr!!!!!! (Único Show!!!!)".

Pero quizás muchos de sus seguidores en la red social no recuerden a este grupo de culto. Pachuco Cadáver nació en Madrid en 1990 como un dúo entre el ex saxofonista de Sumo y el tecladista Guillermo Picolini. El nombre está inspirado en un tema de Captain Beefheart, artista que también marca algo del sonido del grupo: pop psicodélico y rock experimental.

En el grupo colaboraron Gillespie, Willy Crook, Adí Kontantinosky, Alejo Alberdi y Pablo Guadalupe. Duró cuatro años y editó dos discos: Life in la Pampa y 3 Huevos Bajo Tierra.

http://tn.com.ar/musica/hoy/00084207/pettinato-vuelve-con-pachuco-cadaver


Angels - Pachuco Cadaver - Tres huevos bajo tierra (1990)

martes, 28 de febrero de 2012

Sex Pistols / Never Mind The Bollocks Here’s The Sex Pistols 35th Anniversary Edition

Sex Pistols publicará una edición ampliada de 'Never Mind the Bollocks'

Con motivo del 35ª aniversario. El álbum está considerado uno de los más influyentes de todos los tiempos

Lunes, 27 de febrero del 2012

La legendaria banda de punk británica Sex Pistols sacará este año a la venta una nueva versión de su clásico Never Mind the Bollocks, un álbum que revolucionó el mundo de la música hace 35 años. Para celebrar este aniversario, la discográfica Universal ha anunciado que ha firmado un contrato con el grupo para producir una "edición ampliada y con un nuevo envoltorio" de aquel mítico Never Mind the Bollocks, here's the Sex Pistols, considerado uno de los más influyentes de todos los tiempos.

"El sueño de cualquier amante de la música es tener la oportunidad de revaluar el catálogo de Sex Pistols", dijo Karen Simmons, directiva de Universal.


A uno de sus componentes más carismáticos, Johnny Rotten, no le ha sorprendido la decisión de la discográfica. "Los Sex Pistols son los más grandes. Universal tiene ahora una sala de trofeos, la música es imitación de la naturaleza, los Sex Pistols son naturaleza, así que donen generosamente. Gracias", afirmó el artista a la revista musical New Musical Express.

Formada en 1975, la banda de punk británica alcanzó el número uno de ventas en el Reino Unido en 1977 con este álbum, controvertido por su mensaje contestatario con temas como Anarchy in the UK o God Save the Queen. Un año después, Rotten abandonó el grupo y anunció su disolución, definitiva tras la muerte por sobredosis en 1979 de uno de sus miembros más icónicos, Sid Vicious.

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/nueva-edicion-del-album-mas-emblematico-los-sex-pistols-1455601


Sex Pistols - God Save The Queen - Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols (1977)


lunes, 27 de febrero de 2012

John Zorn / Masada Quartet Tour Sudamericano 2012

John Zorn trae su Masada

El multifacético saxofonista se presenta por primera vez en Argentina junto a Masada, su grupo más emblemático en uno de los acontecimientos musicales del año. Única función, jueves 15 de marzo a las 21 en el Teatro Coliseo.

El genial saxofonista, compositor y arreglador se presentará por primera vez en Argentina. En el marco de su primera gira Sudamericana, realizará una única función en Buenos Aires junto a Masada, el grupo más emblemático de su extensa y prolífica carrera. El cuarteto está integrado por John Zorn en saxo, Dave Douglas en trompeta, Greg Cohen en contrabajo y Joey Baron en batería.

Su visita representa uno de los acontecimientos musicales más relevantes del año.

Más allá de ser un brillante saxofonista, dueño de un estilo impar llegando a notas casi inalcanzables para cualquier otro intérprete calificado, John Zorn es un compositor incansable que no deja de sorprender con obras maestras que entrega en sus variados proyectos que van desde el avantgarde, jazz, surf, hardcore, música judía, jazz metal, free jazz, contemporánea, música de cámara, conciertos para piano, soundtracks. Cada una de las facetas estilísticas está representada por un grupo que Zorn fue desarrollando desde sus comienzos en la música: Naked City, Pankiller, Cobra, Bar Kokhba, Masada, Electric Masada, The Dreamers, entre otros. En alguno de ellos sólo se encarga de la producción y dirección musical, y deja la ejecución en manos de los brillantes intérpretes que siempre tuvo a su lado y que disfrutan trabajar bajo sus órdenes: Mike Patton, John Medeski, Marc Ribot, Bill Frisell, Fred Frith, Ikue Mori, Dave Douglas, Jamie Saft, Greg Cohen, Cyro Baptista, Uri Caine, Joey Baron, etc.

Es uno de los máximos exponentes del “noise music”, un estilo collage que fusiona el free, sonidos electrónicos, efectos, voces deformadas, etc. Fue el creador de la denominada “downtown music”, un verdadero movimiento de vanguardia que tuvo sus orígenes en los oscuros clubes de jazz de Nueva York como el mítico Knitting Factory y más tarde en Tonic.

Su prestigio y reconocimiento mundial llega con la edición de “The Big Gundown: John Zorn Plays the Music of Ennio Morricone” editado en 1985 por Nonesuch.

En la década del ’90 crea su propio sello Tzadik donde lleva editados más de 200 álbumes, e incluye material original y provocativo de su autoría y de artistas que tienen su impronta creativa y de búsqueda permanente como Bill Laswell, Wadada Leo Smith, Steven Bernstein, Laurie Anderson, Lou Reed, Eyvind Kang o Dave Douglas.

Masada

Su primer encuentro con la música judía se plasmó con la edición “Kristallnacht” (una representación musical de “La noche de los cristales rotos” ocurrida en Alemania en 1938 cuando los nazis atacaron los negocios y casas de la comunidad judía). Tiempo después fue uno de los fundadores y director del movimiento “Radical Jewish Culture” (Cultura Radical Judía) que preparó el camino para su nuevo proyecto: Masada, un grupo de jazz que toma como modelo el cuarteto original de Ornette Coleman.

El cuarteto acústico Masada es su obra maestra y un claro ejemplo de su búsqueda musical donde se conjugan la música judía de sus ancestros, el jazz y la improvisación. Para llevar adelante este proyecto seleccionó a músicos excepcionales que cuentan con la capacidad y el talento para integrarse en un combo imbatible dentro del jazz de los últimos tiempos. Hablamos de Dave Douglas, elegido en varias oportunidades como el mejor trompetista y músico de jazz del año, Greg Cohen, un virtuoso del contrabajo e integrante de la banda de Tom Waits, y Joey Baron, una verdadera aplanadora con su batería.

John Zorn Masada Tour Sudamericano 2012

13 de marzo – Quito – Ecuador - Teatro Nacional Sucre
14 de marzo – Santiago de Chile – Chile - Teatro Caupolicán
15 de marzo – Buenos Aires – Argentina - Teatro Coliseo
16 de marzo – Rio de Janeiro – Brasil - Teatro Tom Jobim
17 de marzo – Sao Paulo – Brasil - Teatro Joia

http://www.26noticias.com.ar/john-zorn-trae-su-masada-147743.html



Psisya - Acoustic Masada Sextet - Live in Marciac France (2008)





Haamiah - Acoustic Masada Sextet - Live in Marciac France (2008)




John Zorn Saxophone - Joey Baron - Drums - Greg Cohen - Bass - Dave Douglas - Trumpet - Uri Caine - Piano - Cyro Baptista - Percussion

domingo, 26 de febrero de 2012

Sergio Leone / Teatro San Martín del Complejo Teatral de Buenos Aires



Sergio Leone, en cinco capítulos

Martes 21 de febrero de 2012

Por Fernando López

El entrañable Eli Wallach, que cumplió en diciembre los 96, todavía debe de recordar que en los años sesenta, cuando vinieron a proponerle personificar a un cazarrecompensas en un western spaghetti que iba a filmarse en Europa, él repuso que lo de western spaghetti le sonaba tan improbable como una pizza hawaiana. Sin embargo, aceptó el papel del feo y malicioso Tuco de El bueno, el malo y el feo , probablemente porque ya sabía que del otro lado del Atlántico un romano llamado Sergio Leone estaba avanzando seriamente en la renovación de un género que hacía tiempo acusaba señales de agotamiento, y lo hacía echando una mirada irónica (y también quizá algo melancólica) sobre los estereotipos del género. Para Wallach -él mismo lo decía- ese personaje que representó al lado de Clint Eastwood y Lee Van Cleef, fue "una bendición".

Para Leone, significó la consolidación de un estilo personalísimo hecho de hipérboles, de bruscos contrastes (enormes tomas panorámicas alternadas con primerísimos primeros planos, lentas progresiones seguidas por acciones a la velocidad de la luz), largos silencios y el decisivo aporte de la música de Ennio Morricone. Lo había ido definiendo desde que -tras una larga experiencia como asistente de grandes realizadores italianos y norteamericanos (De Sica, Blasetti, Walsh, Zinnemann, Wise, Wyler), y de un debut con El coloso de Rodas (1961), donde se lo había notado indeciso entre tomar la historia en serio o echar sobre ella una mirada irónica- había ingresado en el mítico y polvoriento Oeste para encarar las dos primeras partes de su trilogía del dólar: Por un puñado de dólares (1964) y Por unos dólares más (1965). Estas dos películas fueron las que también hicieron famoso a aquel hombre sin nombre que Clint Eastwood llevó al extremo del laconismo porque (después se supo) no había un idioma que facilitara el diálogo entre él y el director. El bueno, el malo y el feo sería el paso previo a Erase una vez en el Oeste , casi una antología del western, la quintaesencia misma del spaghetti y -para muchos- la obra maestra del cineasta italiano, cuya influencia, a pesar de la relativa brevedad de su obras (sólo rodó siete títulos) se extiende hasta hoy.

El spaghetti-western pareció una moda y duró unos diez años. Pero tras su paso, el género ya no era el mismo: había perdido el optimismo, el puritanismo y el aliento nacionalista de las anteriores etapas: había sido deconstruido y estaba listo para dejar Cinecittà y los áridos paisajes españoles generalmente empleados como escenarios y volver, renovado, al verdadero Far West.

Los cuatro títulos fundamentales de aquella etapa, más Erase una vez en América , que sería el último film rodado por Leone antes de su muerte en 1989, cuando apenas había cumplido 60 años, podrán verse ahora en el breve ciclo que la Cinemateca desarrollará desde el sábado en la sala Lugones. Las copias que se verán han sido restauradas para su lanzamiento en Blu-ray, lo que resulta especialmente importante en el caso de Erase una vez en América , una obra de compleja estructura narrativa que había sido torpemente reeditada en la época de su estreno en los Estados Unidos.

http://www.lanacion.com.ar/1450287-sergio-leone-en-cinco-capitulos



Per qualche dollaro in più - For a Few Dollars More (1965) (Trailer)






Leone en la Lugones

Domingo, 26 de febrero de 2012

Sergio Leone: Cinco Clásicos Restaurados es el nombre del ciclo de cine que se está desarrollando, hasta el viernes próximo, en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). El ciclo, organizado por el Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina, está integrado por cinco largometrajes del gran director italiano, maestro del spaghetti-western, quien vuelve a la pantalla grande con sus mejores films, restaurados para su lanzamiento en Blu-ray. Hoy, a las 14.30 y 19.30, se proyectará Erase una vez en América (Once Upon a Time in America; EE.UU./Italia, 1984). El martes próximo, a las 14.30 y 19.30, se podrá ver El bueno, el malo y el feo (Il buono, il brutto, il cattivo; Italia/España/Alemania Federal, 1966, foto). El miércoles 29, a las 14.30, 18 y 21, se verá Por unos dólares más (Per qualche dollaro in più; Italia/España/Alemania Federal, 1965). El jueves 1º de marzo, a las 14.30, 17, 19.30 y 22, Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, Italia/España/Alemania Federal, 1964). Y el viernes próximo finalizará el ciclo con Erase una vez en el Oeste (C’era una volta il est, Italia/EE.UU., 1968), que se proyectará a las 14.30, 18 y 21.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-24453-2012-02-26.html


Il Buono, il brutto, il cattivo - The Good, the Bad and the Ugly (1966) (Trailer)

sábado, 25 de febrero de 2012

31ª Edició Festival de Jazz de Terrassa


El XXXI Festival de Jazz de Terrassa : 200 músicos en 30 conciertos

TERRRASSA (BARCELONA), 21 Feb. (EUROPA PRESS) -

El Festival de Jazz de Terrassa (Barcelona) dedica su XXXI edición al relevo generacional, en una apuesta por mantener viva una de las citas más importantes de Catalunya, que contará con 200 músicos y una treintena de conciertos.

Del 8 al 25 de marzo, pasarán por los diferentes escenarios del festival músicos internacionales de renombre como Jason Moran, Jeremy Pelt, Teodross Avery --que abrirá el programa de actuaciones-- y Luis Bonilla, que compartirán cartel con nombres del panorama catalán.

De hecho, la XXXI edición distinguirá al pianista Pere Ferré como Jazzterrasman, en el décimo aniversario del galardón por su dilatada carrera y afinidad con Jazz Terrassa, ya que fue quien en 1959 abriese el primero de los conciertos organizados por el club egarense.

A pesar de verse obligados a reducir un 15% el presupuesto, el Festival de Jazz de Terrassa mantendrá la calidad y algunas de sus apuestas más célebres como el Picnic Jazz, las sesiones golfas, las jam session y el Jazz Jove Non Stop.

"Hemos sido más exigentes que nunca para mantener el festival a pesar de los recortes", ha afirmado la coordinadora del evento, Susanna Carmona, quien ha avanzado que el cartel cuenta con grandes figuras del jazz negro norteamericano que vuelven a la ciudad egarense tras recibir numerosos premios.

El alcalde de Terrassa, Pere Navarro, ha defendido la importancia de este festival, sobre todo en momentos de crisis, que requieren "proteger a las personas que peor lo están pasando, pero también los instrumentos que hacen atractiva la ciudad".


Para ello, el festival, que está organizado por Jazz Terrassa y el Club de Jazz d'Amics de les Arts i Joventuts Musicals, contará con más de 269.000 euros, una treintena de conciertos y actividades complementarias como conferencias, exposiciones, proyecciones y talleres.

En esta ocasión, la cita jazzística recupera el Centre Cultural Unnim como escenario con el debut en la ciudad de René Marie y la presentación en primicia del último trabajo 'Huellas' de Jorge Pardo y su inconfundible fusión de jazz y flamenco.

Además, a esta edición se suma el festival el Teatre-Auditori de Sant Cugat del Vallès (Barcelona) con un ciclo de tres conciertos de pequeño formato en una apuesta por jóvenes talentos como Dan Tepfer, que debutará en el península con 'Golberg Variations/Variations'.

Estos dos escenarios se añaden a los ya tradicionales como el Nova Jazz Cava, epicentro de la iniciativa, y numerosos espacios de la ciudad que convertirán durante 18 días a Terrassa en la capital del jazz.

http://www.europapress.es/catalunya/noticia-xxxi-festival-jazz-terrassa-sube-escenario-200-musicos-30-conciertos-20120221162137.html

jueves, 23 de febrero de 2012

Frank Zappa / Frank Zappa, Václav Havel, Absolutely Free & The Plastic People of The Universe in Praha Czech Republic


Frank Zappa y Václav Havel

20 de febrero de 2012

Por Ricardo Jacob


México D.F. (Proceso).- El 26 de mayo de 1967 salió a la venta el segundo disco de The Mothers of Invention, la banda liderada por el guitarrista y compositor Frank Zappa, titulado Absolutely Free (Absolutamente libre). Concebido como dos pequeñas suites, una por cada lado del LP e integradas por canciones interconectadas entre sí, el álbum abría con la canción Plastic People (Gente de plástico).

Sin repercusión alguna en Estados Unidos en el transcurso de un año, esa canción se convirtió en himno para una generación de jóvenes checoslovacos quienes se oponían ferozmente al régimen comunista que gobernaba en su país, y que al igual que en la Unión Soviética prohibía la entrada de música occidental a su territorio, en especial la de Zappa.

Tómate un día y camina
Ve a los nazis dirigir tu ciudad
Luego ve a casa y mírate a ti
[mismo
¿Tú crees que estamos
[cantando sobre alguien más?

Esas líneas calaron hondo en la mente de Milan Hlavsa, músico y aprendiz de carnicero, quien en septiembre de 1968 decidió formar el grupo de rock Plastic People of the Universe (Gente de plástico del universo o PPU, por sus siglas en inglés), cuya música fue considerada como subversiva, lo que los convirtió, sin querer, en líderes de la escena subterránea checa.

En 1976 varios miembros del grupo fueron arrestados y sentenciados a varios meses de prisión por “perturbar la paz de manera organizada” al participar en el 3er. Festival de la Segunda Cultura. Fue ahí que el reconocido dramaturgo Václav Havel se interesó aún más por la escena subterránea de su país.

Havel era seguidor de la música de Frank Zappa desde los años sesenta y tenía mucho en común con los PPU. Fue el encarcelamiento de los músicos lo que lo motivó a redactar la célebre Carta 77 que derivó en el nacimiento de la iniciativa civil del mismo nombre. Esa acción propició a la larga su entrada a la política y la llamada Revolución de Terciopelo en 1989.

En 1990, poco después de ser elegido presidente de Checoslovaquia, Václav Havel invitó a Frank Zappa a visitar Praga, donde fue recibido como héroe nacional pues durante años fue la figura que representaba la libertad de pensamiento, muy similar a lo que The Beatles representaba para el pueblo soviético en los 60.

El escritor ofreció a Zappa el puesto de embajador ante Occidente en Comercio, Cultura y Turismo, lo que el rockero aceptó sin titubear y en no mucho tiempo tenía varias ideas para poner en marcha inmediatamente.

Sólo semanas después del nombramiento la administración de George Bush, a través del entonces secretario de Estado James Baker, quien desvió una gira europea para reunirse con Havel, instó al mandatario checo a retirar del cargo al compositor pues no les parecía correcto que un ciudadano estadunidense sirviera al gobierno de otro país y menos a uno que le estaba pidiendo ayuda financiera. Baker fue contundente:

“Havel puede hacer negocios con Estados Unidos o puede hacer negocios con Frank Zappa.”

El gobierno checo otorgó a Zappa el cargo no oficial de agregado cultural.

Permanecieron como amigos hasta la muerte del guitarrista en diciembre de 1993, víctima de cáncer, misma enfermedad que 18 años después, el pasado 18 de diciembre, acabó con la vida de Václav Havel. El dramaturgo murió justo tres días antes del aniversario número 71 del nacimiento de Frank Zappa

http://www.proceso.com.mx/?p=298895



The Plastic People of the Universe - Czech dissident movements of 1968. This band was 'instrumental' in the anti-communist movement with an strong anti-establishment message.




Plastic People - Frank Zappa & The Mothers of Invention - Absolutely Free (1967)


miércoles, 22 de febrero de 2012

Willie King / Remembering to Willie King, much more than a great bluesman

Willie King, destacado 'bluesman' de Alabama


Luchó por mejorar las condiciones de vida de sus vecinos

Lila Pérez Gil - 15 de marzo de 2009

Willie King, músico y guitarrista estadounidense murió de un ataque al corazón en su casa de Old Memphis, en Alabama, a los 65 años, no sólo dedicó sus composiciones al blues, sino su vida entera. Y gran parte de ella aprovechó su popularidad, con un estilo que algunos aprecian como semejante al de John Lee Hooker, para luchar por mejorar las condiciones de vida de sus vecinos sureños, en especial los afroamericanos. Para él, esta población seguía manteniendo un "estilo de vida de blues", es decir, muy triste (esta palabra significa triste en inglés).

Nacido en la comunidad rural de Prairie Point (Mississippi) en 1943, se crió con sus abuelos después de que su padre, que era un músico aficionado al blues, abandonara la casa dejándolos solos a sus hermanos y a él, como se recuerda en la página web de alamablues.com, en la parte dedicada a este artista.

Con este comienzo ya de blues, lo siguiente sería el contacto con la música, y King lo tuvo fácil: su abuelo era cantante de gospel (además de jornalero) y pronto se aficionó. Él mismo se construyó a los nueve años una guitarra de una sola cuerda con un alambre y un trozo de madera, con la que practicaba en el campo o en su casa por las noches.

La vida en el sur era dura, y en 1967 King toma el camino de Chicago, pero un año después volvería a Old Memphis como vendedor ambulante. Es entonces cuando, al ver las precarias condiciones en las que vivían muchos habitantes negros, comienza a desarrollar una actividad política, y, antes de que termine la década, se une al movimiento en pro de los derechos civiles.

Mientras se embarcaba en diferentes proyectos políticos y sociales, participaba en importantes festivales de blues, actuaba en directo y grababa discos. Hasta un total de seis (Walkin' the walk, talkin' the talk; I am the blues), y un DVD en el que se recogen algunas de sus actuaciones.

Jim O'Neal, fundador del grupo Rooster Blues, quedó impresionado cuando lo vio actuar en un festival en Eutaw (Alabama): "La mezcla de su estilo musical y sus letras políticas me dejó noqueado". Siguieron en contacto durante 13 años y en ese tiempo, King se dedicó cada vez más a su comunidad, especialmente a los jóvenes, para quienes montó un programa educacional basado en la música blues.

Fundó la Rural Members Association (Asociación de Miembros Rurales, o de Campesinos), donde se daban clases de música, carpintería, tradiciones africanas y proveían de transporte, asesoría legal y otros servicios a los vecinos, a lo largo de dos décadas.

En los últimos años, patrocinaba además el Freedom Creek Festival. "Tratamos de abarcar todos los aspectos de la vida de la gente, que puedan llegar a nosotros y compartir su realidad, que se conozcan y nos conozcan", explicó Willie King, "que se levanten para tener una relación que trabaje en el desarrollo, tratando de traer la paz".

http://elpais.com/


Willie King & The Liberators - Spoonful


martes, 21 de febrero de 2012

Buddy Rich / 25th Anniversary Memorial Concert At The London Palladium


Buddy Rich : 25th Anniversary Memorial At The Palladium

El ex baterista de Cream, Ginger Baker y Dave Weckl ex Chick Corea Elektric Band se encuentran entre algunos de los maestros de la percusión que se presentarán en el Buddy Rich Memorial Concert, que se celebrará en Londres. El concierto se ha celebrado anualmente después de la muerte de Rich en 1987 y este año se llevará a cabo en el London Palladium el próximo 2 de abril.

Los conciertos conmemorativos por Buddy Rich se han realizado luego de que Rich le pidiera a su hija Cathy mantener la banda y su música en vivo para cada nueva generación. Así se instaló la idea de un concierto anual, el primero fue en el Carnegie Hall NYC en 1988. Los siguientes fueron en ciudades como Los Ángeles, Las Vegas y Boston, y la idea se convirtió en un escaparate para los artistas de jazz más importantes del momento - no todos ellos necesariamente percusionistas, en los espectáculos anteriores han ofrecido actuaciones, Mel Tormé, Joe Williams, Stan Getz, Steve Gadd, Dave Weckl, Vinnie Colaiuta o Dennis Chambers.

El concierto de este año será co-organizado por Cathy y cuentan con la Buddy Rich Big Band, junto con músicos británicos que tocaron con Buddy. Además de Ginger Baker y Dave Weckl, participarán Gregg Bissonette (últimamente con la banda de Ringo Starr), John Blackwell (Prince), Ian Paice (Deep Purple) y Elliot Henshaw.

Dave Weckl, dijo acerca de su participación en el concierto de Londres: "Cada vez que llego a rendir homenaje a uno de los más grandes músicos de nuestro instrumento, yo soy el primero en la fila para tocar con una gran Big Band, y tocando canciones de Buddy Rich, que como baterista siempre han estado entre favoritas".



Remembering Buddy Rich & His Orchestra - Mexicali Nose (Live UK 1969)