jueves, 17 de mayo de 2012

Charley Patton / Mississippi Delta Blues Cornerstone



Charlie Patton y su descubridor

La historia del guitarrista analfabeto, de temperamento violento y provocativo, que el empeño de un empresario y de los coleccionistas rescataron del olvido.

Escenarios Música 11/05/12
Por Fernando Goin

La historia de Charlie Patton remite a la de Henry Columbus Speir, nacido en Newton County, Mississippi el 6 de octubre de 1895. Después de servir en la marina en los tiempos de la Primera Guerra Mundial se mudó a Nueva Orleans, donde trabajó para la Victor Talking Machine Company haciendo Victrolas. Esto le dio la idea de abrir, con el tiempo, su propia tienda de música para lo cual, luego de pedir prestado cierto dinero, se mudó a Jackson, Mississippi, lugar en donde finalmente operó su negocio. Corría el año 1925 y con cierta astucia Speir se ubicó en el 225 de la calle North Farish en el corazón del distrito negro de Jackson. Intentaba proveer al mercado negro, que en ese momento representaba casi el 90% de la población de Jackson. La venta de Victrolas y discos 78’s ya estaba generando randes dividendos y eso entusiasmó a Speir quien, guiado por una misteriosa intuición decidió buscar músicos callejeros y números varios para grabarlos. En 1926 Speir instaló un pequeño estudio en el primer piso de su tienda en donde grababa en acetatos de metal demos con los nuevos artistas que encontraba. Esta actividad le brindó un gran impulso a su negocio, ya que se corrió la voz y muchos blues singers aparecían allí ofreciendo su música con la esperanza de ser grabados. Luego enviaba estos demos a las grandes compañías grabadoras como Victor, Columbia, Okeh, Paramount, Vocalion y Gennett en calidad de intermediario para tratar de promover su propio negocio.

Speir viajó intensamente por todo el sur en busca de nuevas figuras durante estos años, yendo desde Nueva Orleáns hasta Memphis a través del extenso río Mississippi. El primer artista de blues que Speir encontró fue William Harris en las afueras de Jackson en el año 1927. En ese mismo año también descubrió a Ishmon Bracey y a Tommy Johnson. Dos años después, a Charlie Patton y, ya en 1931, a Skip James.

Descubridor de talentos

Desde 1929 a 1932 Paramount Records fue la principal compañía a la que Speir envió sus talentos musicales. Con excepción de algunas grabaciones realizadas en el legendario King Edgard Hotel de Jackson en 1930, la mayoría de las sesiones de grabación se dieron lugar en remotos sitios como Chicago y Nueva York. Allí, en una de las habitaciones del King Edgard Hotel la compañía Okeh había instalado un estudio portátil, realizando en 1930 más de 100 masters de diferentes artistas. Algunos de éstos artistas fueron los Mississippi Sheiks, Bo Bo Carter, Charlie McCoy, Slim Duckett, Pig Norwood, Elder Curry y Mississippi Coleman Bracey, entre otros. Charlie Patton fue sin duda su descubrimiento más significativo.

Un músico excepcional

Charlie Patton nació en abril de 1891 en Heron Place, lugar ubicado entre Bolton y Edwards, en el estado de Mississippi. En 1900 su familia se muda a la plantación Dockery en el condado de Sunflower. En 1905 conoce a una banjoista de nombre Roxie Gibson. Ese encuentro provoca en él una particular inquietud y es así que aprende a tocar la guitarra. Corre el año 1908 y Patton ya ejecuta “If You Take My Woman” en afinación spanish . Esa melodía está asociada instrumentalmente con “I Will Turn Your Money Green”, que Furry Lewis grabara en 1928 y, más atrás aún, con “Norfolk Blues”, la pieza de Ressee Duprree de 1924. También hay rastros en “Trunk Busted Suitcase Full Of Holes”, de Jaybird Coleman, de 1928. Dichos ejemplos conservan la misma línea melódica en cantantes de diferentes regiones, dato que sugiere su popularidad.

La forma en que Patton acentuaba ese blues provocaba en los parroquianos de los House-frolics (sitios dentro de las plantaciones donde se bailaba y bebía) sensaciones que ningún otro blues singer pudo igualar. El vigor con que cantaba lo convertía en un verdadero innovador del género, sumando a esto sus movimientos desprejuiciados sobre los “escenarios” de aquel entonces.

Hacia 1910 su repertorio incluye varios títulos que grabaría nueve años más tarde. Entre ellos destaco “Pony Blues”, “Mississippi Bo Weavil Blues” y “Down the Dirt Road”. La acentuación de “Pony Blues” ha sido considerada como la más compleja de todas las danzas del repertorio tradicional de blues .

Patton no sabía leer ni escribir y pasaba la mayor parte del tiempo vagabundeando sin rumbo fijo. Son House recuerda su temperamento violento y provocativo.

En el área de la plantación Dockery el único posible rival profesional de Patton tal vez haya sido Willie Brown. Se dice que viajaban intensamente a través del condado tocando juntos en numerosas ocasiones y sus presentaciones eran un verdadero duelo entre grandes.

En 1919 Patton se hace redactar una carta de presentación dirigida a H. C. Speir, quien viaja a Dockery para conocer tal vez a su mayor descubrimiento en la historia del blues del Delta de Mississippi. Semanas más tarde Speir dispone una sesión de grabación en la ciudad de Richmond, Indiana y es así como el viernes 14 de junio de 1929 Patton registra 14 títulos para el sello Paramount.

Speir queda absolutamente impresionado por el efecto que causan esas grabaciones y comienza a viajar más seguido a Dockery.
En octubre del mismo año se arregla un nuevo encuentro en Grafton, Wisconsin y con una diferencia de días Patton graba esta vez 24 títulos acompañado ocasionalmente por el violinista Henry Sims.

De esas sesiones rescatamos el nivel más alto de expresión en Charlie Patton. Temas como el “Pea Vine Special”, “Tom Rushen” y “Screamin´and Hollerin´Blues” ponen de manifiesto la genialidad de este artista.

Sus grabaciones más exitosas en términos de venta fueron el ya citado “Pony Blues” y “High Water Everywhere”. En esta última, Patton relata las terribles inundaciones de la primera década del siglo XX, que azotaron las tierras bajas del Delta del Mississippi. Es a través de esa implacable poesía que describe un fenómeno social que afectó a casi toda la población de esta región.



Charley Patton - Mississippi BoWeavil Blues (1929)


Los últimos años

En 1930 se casa con Bertha Lee Jones. Con ella graba cuatro caras para el sello Vocalion en 1934, dos blues y dos spirituals . Estas grabaciones ponen de manifiesto el increíble sentido estético de Patton como guitarrista acompañando a una vigorosa y rústica cantante como Bertha Lee.

Las últimas sesiones de Patton para el sello Vocalion no tuvieron la misma repercusión. La sombra de los años de la Depresión aún estaban presentes, lo que había disminuido considerablemente el nivel de ventas de las pequeñas empresas grabadoras.

Charlie Patton muere de un ataque al corazón, en la plantación Heathman Dedham, el 28 de abril de 1934. Parecía destinado a sobrevivir sólo en el recuerdo de sus amigos y vecinos.

Sin embargo, a principios de la década del sesenta, algunos impetuosos coleccionistas recopilaron su obra en diferentes Long Plays y es gracias a ellos que Charlie Patton llegó hasta nosotros.



Charley Patton - A Spoonful Blues (1929)

viernes, 11 de mayo de 2012

Pat Metheny / A New Album Debut With Pat Metheny Unity Band


Pat Metheny Unity Band: Debut Album Confirmed For Release 

Monday, 30 April 2012 16:02
– Stephen Graham

Jazzwise can reveal the upcoming release of the debut album by the brand new Pat Metheny Unity Band. To be released in time for the summer tour, when European dates include the Barbican in London on 8 July, Unity Band is to be released on Nonesuch Records, who Metheny has a long relationship with, and follows on from last year’s Grammy winning solo album What’s It All About.

The Unity Band brings in some hot new talent chiefly Thelonious Monk Prize-winning bassist Ben Williams whose Concord records debut State of Art came out last year. Williams impressed at the London Jazz Festival in 2010 with Terence Blanchard’s storming band of the day and joins the great guitarist along with another new recruit in star saxophonist Chris Potter, recently in formidable form with his own band during Jazzwise To The Power Of 15 at Ronnie Scott's.

The Unity Band is completed by Metheny’s long time trio drummer Antonio Sánchez. Tracks are the initially quiet acoustic guitar-oriented opener ‘New Year’ decanting into a wonderful Potter ballad line; the Celtic rock infused ‘Roofdogs’; ‘Come and See’ opening with a big Pikasso guitar strum and unfolding into some Coltranian runs from Potter; ‘This Belongs To You’; ‘Leaving Town’; ‘Interval Waltz’; the fragile sounding ‘Signals (Orchestrion Sketch)'; big ballad ‘Then and Now’ and rousing closer ‘Breakdealer’.  

jueves, 10 de mayo de 2012

North Sea Jazz Festival Ahoy Rotterdam Netherlands 6, 7 & 8 July 2012

North Sea Jazz Festival 2012 Rotterdam Netherlands 6, 7 & 8 July.

The coming edition of North Sea Jazz in Rotterdam promises to be exciting. There is musical and entertainment at North Sea Jazz Festival 2012 Rotterdam. The highly popular event fills up the famous events venue Ahoy in Rotterdam and creates the tunes for you this coming on July 6th, 7th and 8th 2012.

North Sea Jazz Festival was founded back in in 1976 and its very first edition was held in The Hague. It had 6 venues, 300 artists – of which many jazz legends- and about 9000 visitors. Ever since, this festival has grown into one of the bigger international jazz events and has moved to Ahoy Rotterdam which is bigger and more modern. The numbers have gone up to 15 venues, approximately 1300 artists and more than 65.000 thousand visitors.

North Sea Jazz Festival 2012 Rotterdam is jazz event that is known all over the world for its variety of music ranging from Traditional New Orleans Jazz, Swing, Free Jazz, Hip-Hop, Avant-garde Jazz, Blues, Fusion, World Music, Soul and much more.

All in all, the North Sea Jazz Festival 2012 Rotterdam is a 3 day festival where the past, present and future of jazz music are presented, all in one of the big and famous jazz festival.

North Sea Jazz Festival Ahoy Rotterdam Netherlands 2012

Van Morrison • D'Angelo • Tony Bennett • Lenny Kravitz • Ahmad Jamal • Michael Kiwanuka • Joshua Redman • Pat Metheny Unity Band • Gregory Porter • Ron Carter • Robert Glasper Experiment • Trijntje Oosterhuis • Melody Gardot • James Morrison • Jill Scott • Caro Emerald • George Benson • Rufus Wainwright and His Band • David Murray Blues Big Band feat. Macy Gray • The Kyteman Orchestra • Hugh Laurie • Amos Lee • Wayne Shorter Quartet • Michel Camilo • Aloe Blacc • Gretchen Parlato • Lianne La Havas • McCoy Tyner Trio with Ravi Coltrane • José James • Esperanza Spalding • Fourplay • Joe Bonamassa and more.


North Sea Jazz Festival  6, 7 & 8 July 2012 Rotterdam Netherlands

miércoles, 9 de mayo de 2012

Caloi / Troesma de la Historieta Popular Argentina



Caloi: Historietista Fundamental e Inevitable

Uno de los "próceres" de la historieta argentina, nos dejó ayer a los 63 años. Dibujantes locales lo recuerdan. Su última visita a la provincia. El genial legado.

Miércoles, 09 de mayo de 2012

La noticia fría dice que el humorista y dibujante argentino Carlos Loiseau, conocido como Caloi, creador del legendario Clemente, entre otros personajes de historieta, murió en Buenos Aires este martes a los 63 años, informaron amigos y familiares.

La realidad es que hoy, sin el genio de Caloi, sin la mirada redonda de Clemente, sin la poesía de sus cuadros, el de hoy es un mundo algo más triste.

Desde 1973, año de su creación, y hasta este martes, se publicó en el diario Clarín la tira de Clemente, un narigón amarillo que según definición de su propio autor era "una especie de porteño" pero con fuerte arraigo en todo el país.

Creador y conductor del ciclo televisivo "Caloi en su tinta", dedicado a la divulgación de cortometrajes de animación e historietas, el dibujante estaba internado en el Instituto del Diagnóstico de Buenos Aires, donde falleció.

"Las personas como Caloi no son esas personas que se mueren, son más eternas. Era maravilloso trabajar con él, era un compinche", dijo el compositor y bandoneonista Rodolfo Mederos, autor de la música de "Anima Buenos Aires", un largometraje de animación dirigido por Caloi y estrenado el jueves pasado.

Caloi, conocido en varios países latinoamericanos, había sido declarado "Personalidad destacada de la cultura" en 2004 y Ciudadano Ilustre de Buenos Aires cinco años más tarde, mientras que Clemente recibió la distinción de "Patrimonio cultural de la ciudad" otorgado por la Legislatura (parlamento comunal).

Nacido el 9 de noviembre de 1948 en la provincia de Salta, Caloi difundió sus primeros trabajos en 1966 en la revista de humor Tía Vicenta, que se editaba en Córdoba.

Entre 1976 y 1982 publicó una página semanal de humor sobre temas deportivos en la mítica revista "El Gráfico" y en 1987 realizó una muestra de su obra denominada "20 años no es nada", que fue visitada por unas 110.000 personas.

Clemente, su más conocido personaje, nació 1973 como una suerte de pájaro a rayas amarillas y negras que no podía volar, mascota del conductor de tranvías de la tira "Bartolo, el maquinista".

Con el tiempo Clemente perdería el pico y pasaría a ser el protagonista casi exclusivo de la tira, alimentándose de aceitunas y con sus críticas ironías sobre la sociedad, un amante del fútbol, y de "la Mulatona", la exuberante morena que era su compañera.

En 1982, el personaje llegó a la televisión con una animación que representaba a decenas de Clementes como hinchas de los distintos países que participaban en el Mundial de España, y en particular creó a su entrañable "hincha de Camerún", un Clemente negro que alentaba al equipo africano.

Este mismo martes, desde la tira diaria que durante décadas apareció en la contraportada del diario Clarín, el propio Clemente se refiere a la muerte, como un guiño del autor sobre lo que ya sabía que se avecinaba.

El fallecimiento de Caloi "era una noticia prevista", dijo la prima del dibujante, Silvia Gurfein.

Desde 1968, Caloi publicó unos 40 libros y participó de varias campañas publicitarias como creativo y director.

"El Negro", como lo llamaban sus amigos, vio sus trabajos reproducidos en Alemania, Bélgica, Bolivia, Brasil, Colombia, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Puerto Rico, Uruguay y Venezuela, entre otros países.

Recibió además numerosos galardones, como el "Datero D'Argentino", del Salone Internazionale Umorismo San Remo (1994), y el "Unión de Naciones Europeas" en Bordighera (1994), en Italia; el primer premio “Asociación de Ingenieros de Alcida”, de España y el primer premio del Salón de Humor del diario “Yomiuri Shinbum” de Tokio, Japón (1984).

Un gran difusor de la animación como arte

Su programa “Caloi en su tinta” comenzó en 1990 en Canal 7 de Buenos Aires. Durante diez años, sin interrupciones este artista mostró cómo la historieta hace arte y cómo el arte es, a veces, parte de una historieta.

Los premios no demoraron en llegar. En el 2003 recibió el Martín Fierro. Sin embargo su máximo galardón fue el cariño de la gente que supo sintonizarlo.

“Para la presentación de cada película se producen animaciones y efectos especiales y Caloi da información sobre los directores y sus técnicas relacionando cada trabajo por contenido y estética con otras formas de las artes plásticas, como pintura, escultura, fotografía, diseño gráfico, humor e historieta”, detallaba el portal de este programa.

En 1999 y el 2001 el artista y su equipo sacó el programa de la TV y lo llevó a la calle. Un ciclo que contó con una inmensa pantalla inflable donde se exhibían las obras más significativas.



Penguin Cafe Orchestra - Caloi en su tinta - (A.K.A Telephone And Rubber Band) Gracias Negro!

martes, 8 de mayo de 2012

Sergio Mihanovich / Figura Fundamental del Jazz Argentino


Cuando el amor era todo lo que teníamos

Cantante con un fraseo delicado y exacto, pianista con un fantástico manejo de la armonía y letrista de gusto exquisito, Mihanovich fue el único autor argentino de “standards” interpretados por Bill Evans, Gerry Mulligan y Jim Hall, entre otros grandes.

Martes, 8 de mayo de 2012

Por Diego Fischerman

Alcanzaría con un bolero perfecto como “Amor o decepción”. O con la extraordinaria “Sometime Ago” que, entre otros, grabaron Bill Evans, Art Farmer y Bob Brookmeyer junto a Stan Getz. Pero el talento de Sergio Mihanovich, que ayer murió en Buenos Aires casi en secreto –como había vivido–, iba aún más allá. Cantante con un fraseo delicado y exacto, pianista con un fantástico manejo de la armonía y letrista de gusto exquisito, Mihanovich es ni más ni menos que el único autor argentino que figura en el Real Book, esa especie de enciclopedia apócrifa en la que el jazz incluye todo aquello que considera un “standard”.

Bill Evans, Michel Petrucciani, Gerry Mulligan, Joe Pass y Jim Hall tocaron sus temas. Joao Gilberto cantó algún otro. Una vez, John Lewis, el genial pianista del Modern Jazz Quartet, lo contrató para que fuera su letrista. Y hubo quienes, desconcertados por su apellido, al presentar su famoso “Sometime Ago”, lo atribuían a “un gran autor checo” o, con un poco más de tino, “yugoslavo”. Pero Sergio Mihanovich, descendiente de un croata y una serbia –“el primer milagro”, diría a este diario–, grabó un primer disco con su trío –Jorge López Ruiz en contrabajo y Pichi Mazzei en batería– más el Gato Barbieri en saxo y Jim Hall en guitarra. “El había llegado con el grupo de Ella Fitzgerald y se quedó unos días más para grabar conmigo. Hoy ese disco no existe. A mí me quedaba una sola copia, se lo di a mi sobrina Sandra para que lo copiara y me lo perdió”, contaba con la clase de tolerancia bienhumorada del que se sabe capaz de haberlo perdido él mismo, no una sino varias veces.

Parte de la bohemia –y de esa época en que, en el Jamaica, coexistía su grupo con el dúo de Salgán y De Lío y, en el 676, tocaba Piazzolla y se juntaban los músicos de jazz a escucharlo–, Sergio Mihanovich compuso “Sometime Ago” en Estados Unidos, donde vivió varios años, a principios de 1963, en la misma época en que escribía música para jingles de juguetes, encargadas por un productor mexicano que más tarde produciría los films de Torre Nilsson. Mihanovich hizo también la música para una película casi desconocida de este director, Los traidores de San Angel. Pero su obra maestra, en materia de música para cine, fue la banda de sonido de Los jóvenes viejos, dirigida por Rodolfo Kuhn (que se publicó en disco, en la década de 1960), donde tocaba un joven Gato Barbieri y que fue reeditada por Sony hace cinco años, en un CD que incluía también su disco Buenos Aires Jazz –ambos registros tenían arreglos de Oscar López Ruiz–.

Los primeros pasos de Mihanovich fueron mientras estaba terminando de hacer el servicio militar. “Habíamos decidido formar un trío con los hermanos López Ruiz, Oscar en guitarra y Jorge en contrabajo, y presentarnos en boliches. Y tuvimos suerte; justo la noche en que debutamos en Jamaica, que estaba cerca del Hotel Plaza, se llenó de norteamericanos. Y yo conocía todo un repertorio de canciones viejas por mi padre, que tenía un cuarteto vocal con las hermanas de mamá, que se llamaba Los Blackbirds. Así que todo lo que nos pedían, nosotros lo tocábamos. Nos habían contratado para una noche y nos quedamos dos años. El lugar se convirtió en un centro del jazz, se juntaban allí todos los músicos, nos escuchábamos y aprendíamos unos de otros. Y a pesar de que los estilos eran distintos, no había rivalidades. Barbieri no tocaba como yo ni como López Ruiz, pero podíamos tocar juntos sin ningún problema. Eso no volvió a repetirse. Había lugares más lindos, pero Jamaica tenía una magia especial”, recordaba. Su primera canción –que nunca dejó de cantar– se llamaba “I’m Sure That I Know” y la había creado a los 13 años, en homenaje a Doris Day. Ignoraba cómo fue que “Sometime Ago”, un vals que parece hecho a la medida de Bill Evans, llegó al pianista. Pero lo cierto es que éste lo grabó y que a Mihanovich esta le parecía la mejor entre las más de setenta versiones registradas por una lista que incluye también a Herbie Hancock, Fred Hersch, June Christy, Lee Konitz, Steve Kuhn y George Shearing, además de su sobrina Sandra, que la incluyó en el disco Todo brilla, de 1992. “Hubo otras canciones mejores”, decía, sin embargo. Su letra favorita era la que hizo para un tema de Jorge Calandrelli, ‘When Love Was All We Had’ (‘Cuando el amor era todo lo que teníamos’). Tony Bennett la grabó en Art of Excellence. “Es mi mejor letra y creo que me salió bien porque estaba separándome de mi mujer”, bromeaba –o no– Sergio Mihanovich.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-25151-2012-05-08.html

Bill Evans - Sometime Ago - From: You Must Believe In Spring (1977) (Released 1981) Bill Evans (Piano) Eddie Gomez (Double Bass) Elliott Zigmund (Drums) Composition : Sergio Mihanovich

viernes, 4 de mayo de 2012

Adam Yauch / Beastie Boys MCA, A Son of Brooklyn New York, Has Died



Beastie Boys, comunicado sobre la muerte de Adam Yauch

Por JNSP | 04 May 12, 22:39

Beastie Boys han colgado un comunicado en su web oficial confirmando la muerte de Adam Yauch, que esta tarde (mediodía en Estados Unidos) avanzaban algunos medios. El comunicado resume la carrera de Adam Yauch, desde su lado artístico al más activista y termina recordando a su familia.

“Con gran tristeza confirmamos que el músico, rapero, activista y director Adam “MCA” Yauch, miembro fundador de Beastie Boys, de la Fundación Milarepa, que produjo conciertos benéficos por la libertad del Tibet, así como de la compañía de producción de cine y distribuidora Oscilloscope Laboratories; murió en la ciudad donde nació, Nueva York, esta mañana después de una lucha de casi tres años contra el cáncer. Tenía 47 años.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, Yauch aprendió por su cuenta a tocar el bajo en el instituto, formando una banda en su 17º cumpleaños que más tarde se convertiría en lo que el mundo conocería como Beastie Boys.

Junto a sus compañeros Michael “Mike D” Diamond y Adam “Ad-Rock” Horovitz, con Beastie Boys vendería más de 40 millones de discos, publicaría cuatro discos que llegarían al número 1 (incluyendo el primer disco de hip-hop de la historia en llegar a la cima del Billboard 200, el primer álbum del grupo, ‘Licensed To Ill’, de 1986), ganaría tres Grammys y el premio MTV a toda una carrera en la vanguardia. El pasado mes Beastie Boys fueron inducidos en el Rock & Amp; Roll Hall of Fame, con Diamond y Horovitz leyendo un discurso de aceptación del premio en nombre de Yauch, que no pudo asistir.

Además de contribuir a tantos álbumes históricos de Beastie Boys, como ‘Paul’s Boutique’, ‘Check Your Head’, ‘Ill Communication’ y ‘Hello Nasty’, entre otros, Yauch fue fundador de Milarepa, una organización benéfica dedicada a promover el activismo y la preocupación por las injusticias perpetradas en el Tibet por el gobierno ocupacional chino y las fuerzas militares. En 1996, Milarepa produjo el primer concierto por la libertad del Tibet en el Golden Gate Park de San Francisco, al que asistieron 100.000 personas, logrando que fuera el mayor concierto benéfico en Estados Unidos desde el Live Aid de 1985. La serie de Conciertos por la Libertad del Tibet continuaría dando lugar a algunos de los conciertos benéficos más significativos del mundo durante una década en Nueva York, Washington, Tokio, Sydney, Amsterdam, Taipei y otras ciudades.

En los tiempos del 11-S, Milarepa organizó “Neoyorquinos Contra la Violencia”, un acto benéfico encabezado por Beastie Boys en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, cediendo los beneficios al Fondo de Mujeres que han sufrido Catástrofes en Nueva York y a la Asociación de Nuevos Americanos de Nueva York, fundada tras el 11-S para nuevos americanos, ambas escogidas por su dificultad para obtener ayuda de otras fuentes.

Con el alias Nathanial Hörnblower, Yauch dirigió vídeos de Beastie Boys tan míticos como ‘So Whatcha Want’, ‘Intergalactic’, ‘Body Movin’ y ‘Ch-Check It Out’. Con su propio nombre, Yauch dirigió el pasado año ‘Fight For Your Right Revisited’, una versión más larga de ‘Make Some Noise’ del disco de Beastie Boys ‘Hot Sauce Committee Part Two’, con Elijah Wood, Danny McBride y Seth Rogen como los Beastie Boys de 1986, labrándose un camino a lo largo de media hora de cameos y desventuras antes de poner en guardia a Jack Black, Will Ferrell y John C. Reilly como los Beastie Boys del futuro.

La pasión y el talento de Yauch para el cine le llevó a fundar Oscilloscope Laboratories, donde en 2008 publicó su debut como director, el documental de baloncesto ‘Gunnin’ For That #1 Spot’. Desde entonces se ha convertido en un gigante de la distribución independiente en vídeo, con un catálogo con tantos títulos ilustres como ‘Wendy y Lucy’ de Kelly Reichardt, ‘The Messenger’ de Oren Moverman, ‘Exit Through The Gift Shop‘ de Banksy, ‘Tell Them Anything You Want: A Portrait Of Maurice Sendak’ de Lance Bangs y Spike Jonze y muchas otras.

Yauch deja a su mujer Dechen, su hija Tenzin Losel y también a sus padres Frances y Noel Yauch”.

http://jenesaispop.com/2012/05/04/comunicado-oficial-de-beastie-boys-sobre-la-muerte-de-adam/


Beastie Boys - Off the Grid - The Mix Up (2007) - Adam "MCA" Yauch (RIP)

jueves, 3 de mayo de 2012

Adrián Iaies / Melancolía


Anatomía de la melancolía

El pianista, compositor y productor propone un disco claro y profundo, bien acompañado por Mariano Loiácono, Pepei Taveira y Ezequiel Dutil.

Por Santiago Giordano 02/05/2012 00:00

Incluida entre los desvaríos distinguidos de nuestro tiempo, la melancolía puede ser el umbral de un fascinante universo simbólico, sostenido entre el aura mítica de sus orígenes y el encanto de sus sucesivos exégetas. Melancolía se llama el nuevo disco de Adrián Iaies, un trabajo que lejos de lo que la cosmogonía griega consideraba una patología terrible y funesta -cuyas derivaciones podían llevar a la locura-, es un producto del spleen, por usar un término del siglo XIX, o de la saudade, más cerca. O más cerca aún, una muestra clara de esa dulce tristeza ciudadana pincelada de nostalgia que predispone a la meditación y es capaz de impulsar intuiciones profundas.

En Melancolía Iaies reafirma un estilo que es mucho más que la acción jazzística de reverdecer standars de aquí y de allá. Al frente del trío afirmado en Esa sonrisa es un santo remedio (2009), con Pepi Taveira en batería y Ezequiel Dutil en contrabajo, el pianista se hace preguntas con temas propios e indaga sobre la tradición y sus posibilidades con páginas de otros. El gusto por la claridad melódica que caracteriza la música de Iaies se sublima con la participación de Mariano Loiácono, en trompeta y fluguelhorn.

Taveira colorea con notable buen gusto y sensibilidad, Dutil marca con precisión, Loiácono alterna timbres con bella expresividad. Nada se mueve de sí mismo porque sí, sino en dosis de swing, en un lenguaje pianístico elaborado en su introspección y en los bien ajustados códigos del trío. Y, cuando aparece, en la cálida voz "cantante" del bronce.

Tres momentos del pianista y arreglador Billy Strayhorn -que puestos al inicio al medio y al final son como el chasis del disco-, y una reflexión personal sobre Tommy Flanagan, otro pianista de referencia para Iaies, dialogan con otras composiciones de Iaies como Waltz for Beatriz (Sarlo), Ese terciopelo y Maia, además de un blues a partir del tango Fuimos, acaso variaciones sobre el tema de la melancolía. Lo más swingueado del disco resulta lo más melancólico: una versión del Himno a Sarmiento, tema con interesantes pliegues melódicos que Iaies desarrolla con mano maestra. El final, con la versión en piano solo de Lotus Blossom, la balada de Strayhorn, es casi la explicación de todo lo que se escuchó antes.

http://vos.lavoz.com.ar/discos/anatomia-melancolia


Melancolía - Adrián Iaies (Piano), Mariano Loiácono (Trompeta), Pepi Taveira (Batería), Ezequiel Dutil (Contrabajo)

martes, 1 de mayo de 2012

Louis Armstrong / "Red Beans and Rice-ly Yours: Satchmo at the National Press Club"


Publican una de las últimas grabaciones de Louis Armstrong

Publicado el viernes, 04.27.12
Por Brett Zongker
The Associated Press

Washington -- Los admiradores del grande del jazz Louis Armstrong podrán escuchar una de las últimas veces que el difunto músico tocó la trompeta.

Una grabación de Armstrong tocando en vivo en el Club Nacional de Prensa en Washington en enero de 1971 fue presentada el viernes en el mismo recinto.

El nuevo álbum se titula "Red Beans and Rice-ly Yours: Satchmo at the National Press Club".

Amy Louviere, quien tenía 11 años cuando Armstrong tocó para la celebración de investidura de su padre, Vernon Louviere, como presidente del club, recordó que el público estaba extasiada cuando el músico sacó su trompeta hace 41 años.

"Capturó a la audiencia", dijo. "Estaban encantados".

En perspectiva, la actuación fue una forma de despedirse. Fue la última grabación que se hizo de Armstrong en vivo con la idea de que se tocara después. Sus presentaciones subsecuentes fueron participaciones rápidas en televisión con Dick Cavett y Johnny Carson.

Había tenido problemas de salud por años tras un paro cardiaco y problemas renales. Armstrong se quedó en casa reposando gran parte de 1969 y 1970, según Ricky Riccardi, el archivista del Museo Casa Louis Armstrong en Nueva York y autor de "What a Wonderful World: The Magic of Louis Armstrong's Later Years".

Pero se sentía suficientemente fuerte para retomar su carrera con algunas presentaciones breves en Las Vegas y después en Washington. Ahí fue donde sorprendió al público, que incluía a políticos como Hale Boggs y George Romney, al tocar melodías como "Hello Dolly" y "Boy From New Orleans".

Armstrong murió menos de seis meses después, el 6 de julio de 1971.

"Le encantaba presentarse ante el público", dijo Riccardi. "Había estado fuera de los escenarios tanto tiempo que creo que apreciaba cada oportunidad que tenía de estar frente al público si se sentía suficientemente bien".

Su actuación en Washington sonó perfecta, incluso mejor que algunas del año anterior, dijo Riccardi. Y el público sabía que era un momento especial.

"Para mí es un pequeño testamento de Armstrong y la conexión con su público ... Este es nuestro último vistazo a Louis en el escenario, haciendo lo que sabía hacer mejor", agregó.

La grabación de la que surgió el nuevo CD viene de una edición limitada de 300 LPs en vinilo creada para aquellos que asistieron a la ceremonia del club, que con el tiempo quedó en el olvido.

"Nos pareció mal la idea de que sólo 300 personas ... hayan escuchado la grabación y el concierto y que nadie más la escuchara por 40 años", dijo William McCarren, el director del club de prensa que encontró uno de los LPs todavía con su envoltorio, lo que le llevó a pensar en una nueva edición.

El disco fue lanzado por el sello Smithsonian Folkway Recordings en CD y de manera digital, tras colaborar con el club y la Fundación Louis Armstrong. Incluye 30 de las recetas de Luisiana favoritas de Armstrong, que fueron servidas en el club cuando se presentó.


Louis Amstrong - Washington's National Press Club (1971) (CBS News)

lunes, 30 de abril de 2012

UNESCO / International Jazz Day : April 30th


UNESCO: Día Internacional del Jazz el 30 de Abril

En noviembre de 2011, durante la Conferencia General de la UNESCO, la comunidad internacional proclamó el 30 de abril como el Día Internacional del Jazz. Esta jornada tiene como objetivo sensibilizar al público general sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y como motor para la paz, la unidad, el diálogo y el refuerzo de la cooperación entre pueblos. Gobiernos, organizaciones de la sociedad civil, instituciones educativas y ciudadanos particulares ya implicados en la promoción de la música jazz aprovecharán esta oportunidad para fomentar la idea de que no se trata tan sólo de un estilo de música, sino de que el jazz contribuye también a la construcción de sociedades más inclusivas.

El jazz rompe barreras y crea oportunidades para la comprensión mutua y la tolerancia.
El jazz eje de la libertad de expresión.
El jazz es un símbolo de unidad y paz.
El jazz reduce tensiones entre individuos, grupos y comunidades.
El jazz fomenta la igualdad de género.
El jazz refuerza el papel que juega la juventud en el cambio social.
El jazz promueve la innovación artística, la improvisación, nuevas formas de expresión y la integración de músicas tradicionales en las formas musicales modernas.
El jazz estimula el diálogo intercultural y facilita la integración de jóvenes provenientes de medios marginados

http://www.unesco.org/new/es/unesco/

UNESCO - International Jazz Day : April 30th

viernes, 27 de abril de 2012

Tato Bores / El Actor Cómico de la Nación



Recordando a Tato Bores a 85 años de su natalicio

Hoy, 27 de abril, se cumplen 85 años del nacimiento del gran Tato Bores, conocido como el “actor cómico de la nación”
  
27.04.2012

Mauricio Borezstein, popularmente conocido como Tato Bores, creador de incontables programas de humor político y uno de los “fiscales” más ingeniosos de la televisión vernácula durante décadas, nació en Buenos Aires el 27 de abril de 1927. Hoy se cumplen 85 años de su nacimiento. El actor reconocido popularmente por sus monólogos falleció el 11 de enero de 1996.

Si bien antes había incurrido en el cine y el teatro de revistas, Tato fue una figura televisiva fundamental de los domingos por la noche desde principios de la década del sesenta, con su peluca estrafalaria, sus grandes anteojos y su habano, siempre ironizando inteligentemente acerca de la realidad política de la Argentina.

Lo distintivo fue su imparable verborragia, a lo largo de su carrera tuvo libretistas de la talla de Landrú, además de César Bruto, Aldo Cammarota, Jordán de la Cazuela, Juan Carlos Mesa y en sus últimos años Santiago Varela, concitaba la atención –y el recelo– de políticos y funcionarios de turno.

Tato comenzó su carrera junto a Pepe Iglesias, “El Zorro”, en Radio Splendid, al mismo tiempo que pisaba por primera vez los escenarios junto a Fanny Navarro en el teatro Maipo. Desde finales de la década del cuarenta, brilló en el teatro de revistas con su humor político inyectado de sutilezas y alejado de la chabacanería de algunos de sus colegas.

Su mayor popularidad llegó con “Tato siempre en domingo” (1962), en permanente peligro de las censuras oficiales, y luego con “Dígale sí a Tato”, “Déle crédito a Tato”, “Tato vs. Tato” y “Tato por ciento”. Uno de los últimos programas que llevó adelante –y con los que deleitó al gran público– fue “Good Show”, de 1993, un programa de sketches y chistes políticos que, según él mismo retrató, “marcó un antes y un después en la televisión”.

A 85 años de su nacimiento el público argentino lo recuerda con nostalgia y respeto, convirtiendolo sin dudas en uno de los más grandes referentes de la televisión y del humor político inteligente y sagaz, un gran actor y monologuista tan inigualable como insustituible.

 
Tato Bores & Astor Piazzolla - La Argentina de Tato

jueves, 26 de abril de 2012

Ubaldo De Lío / Guitarra Histórica del Tango Argentino

El tango de luto por Ubaldo De Lío

Creativo. El fallecido guitarrista estuvo largamente asociado a la figura de Horacio Salgán

Miércoles 25.04.2012, 08:13 hs l Montevideo, Uruguay

Por Guillermo Zapiola

A los 83 años falleció en Buenos Aires el guitarrista Ubaldo De Lío, uno de los más importantes referentes del tango en la Argentina, con una trayectoria de casi siete décadas.

Nacido en Buenos Aires el 11 de marzo de 1929, De Lío se recibió a los trece años en un Instituto Musical estatal, y poco después estaba trabajando en forma profesional. A los quince integraba ya el elenco estable de Radio Belgrano.

Literalmente, "los acompañó a todos" (solía bromear con que "Gardel y Razzano se me escaparon por un pelito"). La lista de cantantes con los que trabajó incluye a Corsini, Óscar Alonso, Santiago Devin, Nelly Omar, Azucena Maizani, Mercedes Simone y Hugo del Carril. También actuó a las órdenes de Aníbal Troilo, y a comienzos de los cincuenta creó un quinteto de jazz cuyo pianista fue un veinteañero Lalo Schifrin.

Sin embargo, lo más recordado de su aporte es su sociedad con Horacio Salgán, con quien formó un mítico dúo a fines de los cincuenta. El encuentro fue casi casual. Unos amigos de De Lío tocaban el bongó y la tumbadora con un guitarrista cubano en un boliche de 25 de Mayo y Viamonte, el New Inn, famoso (o infame) por sus frecuentes grescas entre marineros. El cubano decidió volver a su país, y le pidieron a De Lío que lo reemplazara. En algún reportaje, el guitarrista ha contado sus dudas, porque nunca había tocado ese tipo de música. Pasó un par de años y Juan Manuel Martínez, el dueño del New Inn, abrió otro en Paraguay y San Martín, el Jamaica. Allí actuaban Salgán y Ciriaco Ortiz, y allí nació el dúo en 1957.

La sociedad de Salgán y De Lío, duró medio siglo, aunque con alguna variante con el paso del tiempo. Al comenzar los años sesenta se incorporaron al dúo Pedro Laurenz, Enrique Mario Francini y Rafael Ferro, convirtiéndolo en el Quinteto Real.

Realizaron giras por diversos países, escribieron piezas como El vals y tú y Aquellos tangos camperos, y fueron admirados por Ella Fitzgerald (quien los respaldó para que grabaran en los Estados Unidos), Arturo Rubinstein, Igor Stravinsky, Daniel Barenboim y otros.

De Lío solía señalar que había "un sentir muy parejo" entre él y Salgán, aunque "Horacio siempre me sorprende con alguna cosita nueva, manda algo que antes no hacía, recrea". También reconocía no saber exactamente quiénes lo habían influido con el instrumento, aunque destacaba su amistad con Roberto Grela ("No obstante, creo que lo que hago es original", agregaba). Tocó con Grela, acompañando al cantor Néstor Feria, y en 1952 acabó recomendándolo a Troilo, que buscaba un guitarrista y lo quería a él (De Lío).

En ese momento De Lío actuaba en el Tibidabo y tenía mucho trabajo, mientras su amigo estaba más bien desempleado. De ese modo, Grela acabó trabajando para "Pichuco", y con el paso del tiempo, él y De Lío se convertirían en los dos nombres más importantes de la guitarra tanguera argentina. En 1969, De Lío integró también un cuarteto con Troilo.

Horacio Salgán & Ubaldo De Lío

domingo, 22 de abril de 2012

Daniel Johnston / Space Ducks Soundtrack _ Eternal Yip Eye Records

Daniel Johnston: «Tocar es divertido, pero a veces me da miedo»

Miércoles, 18 de abril del 2012
Por Nando Cruz - Barcelona

Desde los 80, Daniel Johnston goza de un insólito prestigio por sus grabaciones caseras de pureza casi infantil. Inocente e impulsivo, sus problemas mentales nunca restaron expresividad a este compositor y dibujante de 51 años eternamente amateur. Comunicarse con él no siempre es sencillo. Menos aún, si es por teléfono.

-¡Hola Daniel! Soy un periodista de España. ¿Estoy llamando demasiado pronto? ¿Qué hora es en Tejas?
-¡Hola, cómo estás! No, aquí deben de ser las tres o las cuatro de la tarde.

-Ah, bien. ¿A qué hora se levanta?
-Me quedo despierto hasta muy tarde viendo películas y dibujando cómics. E intento tocar música durante el día. ¿Sabes? Tengo que estar orgulloso de tener finalmente mi casa. Ahora puedo componer canciones todo el día así que debo aprovechar esta bendición. Es lo más divertido.

-¿¡Tiene una casa para usted solo!?
-Sí, justo al lado de la de mi padre. Y toda es para mí y mi gato Spunky.

-Veo que le sigue gustando mucho ver películas por la noche...
-¡Oh, sí! Como mínimo veo una película cada día. Es divertido.

-¿Siempre ve las mismas o le gusta también ver películas nuevas?
-¡Oh, sí! Mmm... Esto... Debo irme.

-¿Cómo? ¡No, no cuelgue!
-Llámame otro día, ¿vale?

-Daniel, ¿sabe? Tengo unas cuantas preguntas más y... Por favor...
-Vaaale. Deja que me siente (risas).

-¿Le gusta ir de gira por Europa?
-Es divertido, pero no me gusta cruzar el océano. Hay que coger trenes, aviones, llegar a la hora a los sitios...

-Seguro que le gusta ver que en cada ciudad hay gente que le aplaude.
-¡El público enloquece! Y eso que ahora no toco demasiado bien. Es divertido, pero a veces me da miedo.

-¿Por qué?
-A veces me hacen cantar canciones que... Intenté irme del escenario, pero mi hermano me agarró del brazo y me subió para que la cantase.

-¿A qué canción se refiere?
-Mmm... ¿Sabes? He dicho cosas en canciones que... Cosas sobre Satán... Luego salió el documental El diablo y Daniel Johnston y... ¡No me gusta ver mi nombre junto al del diablo!

-En su último disco, Is and always was (2009), habla de su enfermedad en pasado. ¿Ya se siente bien?
-Ahora ya no tengo razones para estar triste. Me voy a dormir y me olvido de todo. Los antidepresivos me van muy bien. Y al tener una casa, es como si tuviese una casa en el cielo.

-Daniel, le noto muy orgulloso con su nueva casa. Explíqueme cómo es.
-Está todo en una planta baja. Tengo lavadora, un garaje donde he montado el estudio para tocar, muchas habitaciones donde guardo vídeos y cómics y otra con una mesa de dibujo. ¡Y tres lavabos! Tres lavabos son muchos, así que convertí uno en la habitación de los cómics underground.

-¡Me está dando envidia!
-¡Solo es una casa! La conseguimos por 6.000 dólares. No sé cómo, pero me costó igual que el dentista. Me sacó todos los dientes y me cobró 6.000 dólares. Ahora no tengo dientes.

-¿Tiene alguna canción nueva?
-Sí. Tengo muchas medio terminadas, pero siempre cambio la letra. Lo importante es estar ocupado. Mientras esté ocupado todo irá bien. Sí.

-Una pregunta más, Daniel. Hábleme del cómic que ha publicado.
-Se llama Space ducks. Los patos del espacio son un ejército con un armamento espacial muy avanzado. Viajan más allá del más allá hasta un planeta con un gran letrero de neón: ¡el planeta de Satán! Allí hay una guerra y destruyen el mundo satánico. Eso es... Y tengo más ideas...

-¿Ah, sí? ¿Cuáles?
-¡Eh, muchas gracias por llamarme! ¡Cuídate! ¡Adiós!

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/daniel-johnston-tocar-divertido-pero-veces-miedo-1676021

 
Daniel Johnston - Fake Records of Rock and Roll - Is and always was (2009)


 
Daniel Johnston - Sense of Humor  - Space Ducks Soundtrack (2012)

Space Ducks Soundtrack : Space Ducks: An Infinite Comic Book of Musical Greatness


Daniel Johnston regresa y lo hace musicalizando un cómic de su autoría, ya que como sabemos, el cantautor de 51 años tiende a destacar en distintas disciplinas artísticas.

Space ducks: Soundtrack es la banda sonora del cómic Space ducks: An infinite comic book of musical greatness, una bizarra novela gráfica que incorpora dibujos de patos vestidos de astronoauta y que inspiró incluso un juego para Ipad.

“Los patos del espacio son un ejército con un armamento espacial muy avanzado. Viajan más allá del más allá hasta un planeta con un gran letrero de neón: ¡el planeta de Satán! Allí hay una guerra y destruyen el mundo satánico. Eso es…”, explicó Johnston, el disco es editado por Eternal Yip Eye, discográfica creada por Johnston y participan en la grabación Unknown Mortal Orchestra, Eleanor Friedberger, Deer Tick, Fruit Bats y Lavender Diamond

Daniel Johnston - Space Ducks Theme Song - Space Ducks Soundtrack (2012)

jueves, 19 de abril de 2012

Quentin Tarantino / 'Django Unchained'

El 'western' sureño de Quentin Tarantino

'Django Unchained', protagonizado por Leonardo DiCaprio y Jamie Foxx, relata la historia de un esclavo que lucha por recuperar a su mujer en Misisipi

PÚBLICO.ES / AGENCIAS Madrid 16/04/2012

Un fondo rojo sangre. Una cadena. Dos hombres armados. Sin título. Así es el primer cartel oficial de Django Unchained, el esperadísimo western de Quentin Tarantino, que estará protagonizado por Leonardo DiCaprio y Jamie Foxx.

Django Unchained relata la historia de un esclavo (Foxx) que logra liberarse de su señor y queda bajo la protección de un cazarecompensas centroeuropeo, un papel que es para Christoph Waltz, el oscarizado coronel nazi de Malditos Bastardos.

Entrenado el noble arte del asesinato por este alemán, el esclavo buscará liberar a su mujer (Kerry Washington), presa todavía de Calvin Candie, el terrible y despiadado señor de una plantación en el Misisipi que estará interpretado por DiCaprio y que regenta un club, el Candyland, donde sus esclavas son obligadas a prostituirse.

El villano de la película de Tarantino tiene a sus órdenes a un mayordomo de confianza, Stephen, el personaje al que dará vida Samuel L. Jackson, y a Ace Woody su ejecutor y mano derecha, un papel que iba a ser para Kevin Costner pero que finalmente interpretará Kurt Russell. El estreno de Django Unchained, que actualmente se encuentra en pleno rodaje, no está previsto hasta finales de año, informa EP.

http://www.publico.es/culturas/429728/el-western-sureno-de-quentin-tarantino


Django Unchained Official Teaser Poster

lunes, 16 de abril de 2012

John Coltrane / House 1511 North 33rd Street - Philadelphia Pennsylvania

Amantes del jazz por rescate de la casa de John Coltrane

Publicado el viernes, 04.13.12
The Associated Press

Filadelfia.- Los amantes del jazz y las autoridades culturales de Filadelfia promueven una campaña de recaudación de fondos para salvar la casa de John Coltrane.

Preservar esa joya nacional es parte de una misión mayor para recuperar el patrimonio jazzístico de la ciudad y apoyar la escena musical actual.


El célebre saxofonista, famoso por su álbum "A Love Supreme", vivió en una casa duplex en el barrio Strawberry Mansion de 1952 a 1958.

Una organización no lucrativa es la propietaria actual del inmueble y trabaja con un grupo conservacionista para rehabilitarla. Piden 50.000 dólares para reparaciones inmediatas y estabilización.

Las autoridades de la ciudad reunieron a más de 100 jazzistas locales para que se tomaran un retrato en la casa el viernes.

Filadelfia se jacta de ser casa de grandes del jazz como Coltrane, Billie Holiday, Stan Getz, Dizzy Gillespie, McCoy Tyner y Grover Washington Jr.

http://www.elnuevoherald.com/2012/04/13/1177570/amantes-del-jazz-por-rescate-de.html


Trane House - 1511 North 33rd Street, Philadelphia, Pennsylvania - Apr. 13, 2012.

jueves, 12 de abril de 2012

Herbie Hancock / Personal Chronicle of a Great Jazz Pianist

El pianista y compositor Herbie Hancock escribirá sus memorias

El prestigioso músico de jazz Herbie Hancock revelará detalles de su carrera y de su vida personal en una autobiografía que se publicará en el otoño de 2014, según anunció el martes Viking Press.

Herbie Hancock, de 71 años, referente y pionero del jazz , ganador de 14 premios Grammy y un Oscar durante sus 50 años de carrera, y muchos de sus temas convertidos en clásicos de la música.

"Hay pocos artistas en cualquier género que hayan tenido una carrera tan rica e influyente como el señor Hancock, y sus memorias prometen ser no sólo el registro de una vida y una carrera extraordinarias sino una crónica singular de uno de los periodos más fértiles en el desarrollo del jazz", declaró Clare Ferraro, presidenta de Viking Press.

El pianista y compositor Herbert Jeffrey Hancock nacido en Chicago, fue descubierto por el gran trompetista y educador Donald Byrd y saltó a la fama durante la década del 60 tocando con otro gran referente del jazz, el mítico Miles Davis siendo parte de la formación de su "segundo gran quinteto", además compuso clásicos como "Watermelon Man", Chameleon" y "Cantaloupe Island".

Hancock es actualmente embajador de la Organización Cultural, Científica y Educativa de Naciones Unidas (UNESCO), dedicado eliminar fronteras por medio de la música y fomentar la alfabetización y creatividad entre los jóvenes de todo el mundo.

http://www.que.es/cultura/201204110602-musico-jazz-herbie-hancock-escribira-reut.html?anker_1

martes, 10 de abril de 2012

Don Alberto Merlo / Maestro Notable de la Cultura Argentina

El canto del sur perdió la guía de Alberto Merlo

10 de Abril - 11:15hs

Alberto Merlo, músico, compositor y guitarrista argentino que realizó un notable aporte al canto surero, falleció en la madrugada de este martes en Mar del Plata a los 81 años.

El autor de gemas como “La Vuelta de Obligado”, “Cuando la tarde agoniza”, “Pion de fierro” y “Noche y camino” no pudo superar una neurocirugía practicada días atrás que lo dejó en estado de coma.

Los restos del creador que hace años venía peleando contra el Alzheimer, serán velados desde las 15 en la ciudad de Mar del Plata, donde se encontraba radicado, y serán cremados para luego esparcir sus cenizas en Colonia Bossi, departamento San Cristóbal, en la provincia de Santa Fe, informó a Télam su hija Ana María.


En su trayectoria de 50 años de carrera, fue autor de reconocidas piezas del cancionero popular fogonero entre las que también se cuentan "Pa`Dolores" y "Rincon de López", junto a su versión personal del clásico de Atahualpa Yupanqui, "Milonga del peón de campo".

En su haber tiene los recordados discos "Semblanza sureña", "De la brasa a un costao", "El lunar de mi tropilla", "Me gusta cantar y canto", "Renovando éxitos", "Deja que silben los vientos", "La Vuelta de Obligado", "Pa` mi la cosa es ansi", "Aquí canta un argentino", "Al galope por el llano", "Galopando sin apuro", "Le canto al sur", "Paisano" y "El señor del sur".

Merlo participó, además, de una serie de álbumes titulados "Canto surero", que compartió junto a Argentino Luna, Suma Paz y Víctor Velázquez, y otro titulado "Jineteando", con el inolvidable conductor Miguel Franco, responsable del programa radial de los 60, "Un alto en la huella".

Una palabra calificada para despedir al artista fallecido hoy a las 2 es la del cantautor Omar Moreno Palacios, quien consternado por la noticia, lo definió como a alguien que “izó con dignidad la bandera del canto surero”.


En comunicación con Télam, Moreno Palacios recordó que "a Alberto lo conocí por el año 63 en la Peña de Fanny y fue el poeta Osvaldo Andino Alvarez, con quien hicimos alguna vez el programa de televisión `Las Historias de No Sé Dónde`, el que lo bautizó `el Señor del Sur`”.

"Antes de partir para la última edición del festival Cosquín -comentó- hablé con Coca, la mujer de Alberto, quien me informó que no estaba bien y que no había vuelta, pero uno siempre uno tiene una esperanza, que hoy se nos terminó".

Para cerrar la sentida evocación, el autor de piezas como "Provincia de Buenos Aires" y "Nadie me dijo nada", afirmó que "un barco parte del puerto y de este lado hay mucha tristeza y lágrimas hasta que el barco se pierde de vista, pero del otro lado cuando se lo empieza a avistar hay lágrimas pero de alegría, ojalá Alberto reciba eso".

El joven cantor Germán Montes oriundo de la localidad bonaerense de Nahuel Rucá también resaltó la figura de Merlo y sostuvo que "se nos fue una eminencia del canto popular, un gran referente de la música del sur de la provincia de Buenos Aires y un sabio del decir".

"Su don de gente traspasó la frontera del canto y para nosotros, aquellos que venimos defendiendo también la música del sur, fue un ejemplo no sólo en lo musical, sino en lo personal, como un verdadero profesional", dijo Montes a esta agencia.

Otro cantor popular como José Ceña, apuntó a Télam que “la muerte de Merlo es una pérdida muy grande porque son estas piezas del arte que no tienen reemplazo, únicas, que nos han dejado un camino a todos los que creemos en el canto criollo".

El autor de los álbumes “Junto al sol” y “Canciones del mensajero”, comentó que "hace un rato, cuando me enteré de la noticia de la partida de Alberto me quedé reflexionando sobre su tema `Estación de vía muerta`, donde ponía la observación en la emergencia que vivió el país cuando se vaciaron los ferrocarriles y pueblos enteros del interior pasaron a ser fantasmas. Es parte de una obra que conmueve".

http://www.telam.com.ar/nota/21369/


El Último Viaje - Don Alberto Merlo : El Señor del Sur

viernes, 6 de abril de 2012

Jim Marshall / The Lord of Loud

Muere Jim Marshall, creador del altavoz más potente del rock

Los amplificadores con su apellido fueron los más utilizados por generaciones de músicos . Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pete Towshend y Jimmy Page fueron clientes habituales

Fernando Navarro Madrid 6 ABR 2012 - 12:27 CET


La estruendosa guitarra de Jimi Hendrix nunca hubiese sonado tan impactante si no hubiese sido por esa caja negra, rectangular, con un innovador sistema de circuitos para los primeros sesenta del siglo pasado. De hecho, la encarnación del rock más guitarrero y vigoroso ha pasado desde entonces por esas cajas, los célebres amplificadores Marshall, que diseñó Jim Marshall, muerto ayer a la edad de 88 años en una residencia de Londres.

Enfermo de cáncer desde hacía años, Marshall falleció tras un ataque de apoplejía, según informó uno de sus hijos a la agencia Associated Press. Nacido en Londres, empezó su carrera como baterista a finales de los cincuenta pero se ganaba el pan como profesor de música para bateristas, entre ellos Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience y Micky Waller de los Bluesbreakers de John Mayall, y como dueño de una tienda de instrumentos en Londres. Fue allí donde entró en contacto con diversos músicos, entre ellos Richie Blackmore y Pete Towshend, quien, según contó él mismo a una radio nacional estadounidense, le pidió un amplificador “más grande y ruidoso” para sus canciones con The Who.

Él, sus ayudantes y un ingeniero que contrató fabricaron varios modelos desde 1962. El primero, de 45 vatios, era muy similar al ya existente de la marca estadounidense Fender, creadora de las guitarras eléctricas más influyentes del rock. Pero la clave la hallaron con el sexto modelo, un amplificador de 100 vatios, con controles básicos en su parte superior, capaz de moldear de forma más potente las resonancias eléctricas de los acordes de las guitarras. Towshend tenía lo que buscaba para las epifanías rock de The Who, como en Won't Get Fooled Again que se sirvió de este amplificador. Y, como él, todos los grandes espadas que saldrían de la excelente escena británica de los sesenta. Eric Clapton, Jimi Hendrix y Jimmy Page, entre otros, utilizaron estos amplificadores. El rock ya tenía un altavoz en condiciones para su nueva condición eléctrica, mucho más plástica y versátil, desprovista de cualquier corsé, rebosante de energía y músculo rítmico.

A mediados de la década, estos amplificadores saltaron el charco y se convirtieron en una pieza deseada entre los músicos estadounidenses. Según contaba el propio Marshall, Roy Orbison fue el primero en hacerle un pedido en 1964 aunque, sobre todo a partir de los setenta, fue habitual ver estas famosas cajas negras en conciertos y estudios de grabación. En una conocida imagen, la banda Kiss posó rodeado de ellos mientras Slash de Guns N’Roses o Kurt Cobain de Nirvana no entendían su música sin ellos.

La marca Marshall, gracias a sus amplis, quedó asociada al rock y su negocio, aparte de prosperar espectacularmente, se convirtió en un distintivo en el mundo de la música, consiguiendo asociaciones comerciales con varios artistas. Marshall, que mantuvo la sede de la compañía en Londres a pesar de los efectos de la globalización y los consejos que recibió de ahorrarse costes fabricando sus productos en otros países, recibió el apodo de Padre del ruido. Incluso recibió condecoraciones de la Casa Real británica. Amante de los puros cubanos Montecristo y del whisky escocés, según dijo a The New York Times, Marshall contribuyó a que el rock se propagase con toda su fuerza innata. Solo basta escuchar a Jimi Hendrix, al que calificó como “el gran embajador” de su amplificador.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/04/06/actualidad/1333708034_381619.html


Jim Marshall- The Creator of the Marshall Amp



James Charles "Jim" Marshall - Feedback in tribute to Jim Marshall (Daily Mirror)

jueves, 5 de abril de 2012

The Mark Lanegan Band / Tempestuoses Lletanies Narcòtiques a l'Apolo

Mark Lanegan, alma y máquina

El cantante impactó en Apolo en su eficaz 'Blues Funeral'

Por Jordi Bianciotto - Barcelona

Fotografía Xavier Mercadé

Mark Lanegan se ha pasado los ocho últimos años compartiendo proyectos: Soulsavers, Isobel Campbell, Queens of the Stone Age, The Twilight Singers, The Gutter Twins... Cuando se ha dado cuenta, había pasado tanto tiempo sin entregar un disco propio que el resultado, Blues funeral, contagia voracidad y sabe un poco a nuevo comienzo. Guitarras turbias y cavidades místicas, sí, y también una inesperada aleación con la electrónica de tacto áspero. Uno de los más abrumadores discos de rock de lo que llevamos de año.

En su traslación al directo, el lunes en Apolo, la recién rearmada Mark Lanegan Band matizó un poco el factor electrónico pero sonó como una apisonadora desde la primera canción de la noche, The gravedigger's song, un intimidante armatoste de rock con ancestros en el krautrock y cercanías, nieto con voz arenosa del grupo alemán Kluster y los neoyorkinos Silver Apples. Tras esa agradable bienvenida, Lanegan recuperó material de otros discos en solitario; canciones de registro posgrunge más reconocible como Hit The City, la arrastrada Wedding Dress y Wish You Well, con ese rock a tumba abierta que parece evocar al espectro de The Doors con rugosidad stoner.

El Lanegan que ya tenemos el gusto de conocer, poco o nada comunicativo con el público; de pose inmóvil y concentrado, dice él, en cantar bien. Lo hizo, sí, encuadrado en una puesta en escena vagamente espectral, con sombras y luces rojas.

Guiño a Screaming Trees : El ecuador de la noche lo señalizó un rescate de Screaming Trees, el único del concierto, con Crawlspace. Una canción casi clandestina, que vio la luz en el disco de rarezas Last Words: The Final Recordings, publicado el pasado verano. Luego, un rodillo de Blues Funeral sin freno, con momentos vehementes en Quiver Syndrome (rock kamikaze con aullidos stonianos) y el canto lúgubre bailable de Ode to Sad Disco.

El Mark Lanegan de las letanías fantasmales asomó en St. Louis Elegy y la cibernética Tiny Grain of Truth, antes de un tramo final con rescates de Pendulum y Methamphetamine Blues. El Blues Funeral no superó el impacto de la versión discográfica, pero nos dejó razonablemente apabullados

http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/mark-lanegan-alma-maquina-1623008


The Mark Lanegan Band - The Gravedigger´s Song - En Viu Sala Apolo - Barcelona - Feb 02 2012

miércoles, 4 de abril de 2012

Iggy Pop / Le Chanteur Mythique et Classiques de la Chanson Française

Iggy Pop anuncia un álbum dedicado a la canción francesa

El icono del punk y el pop recreará temas de Edith Piaf, Georges Brassens y Serge Gainsbourg, además de piezas de Sinatra, The Beatles y Cole Porter, entre otros.

EFE - Martes, 3 de Abril de 2012

París - Francia.- El incombustible Iggy Pop, mítico líder de The Stooges e icono histórico del pop, publicará en mayo un álbum titulado Après, consagrado a la canción francesa con versiones de Edith Piaf, Georges Brassens o Serge Gainsbourg, entre otros.

El descamisado icono del punk-rock, de 64 años, se atreverá con títulos como "La vie en Rose", de Piaf, o "Les Passantes", de Brassens, además de incluir canciones de Henri Salvador ("Syracuse") y Joe Dassin ("Et si tu n'existais pas"), informó hoy la versión francesa de "The Huffington Post".

"Estoy en un terreno desconocido, como invitado en casa de alguien", explicó el artista.

En total, cinco de las diez canciones del disco se inscriben en la tradicional chanson française. Pero las demás no son atrevimientos menores, con títulos de Frank Sinatra ("Only the Lonely"), The Beatles ("Michelle"), Cole Porter ("What Is This Thing Called Love"), Yoko Ono ("I'm Going Away Smiling") y Harry Nilsson ("Everybody's Talking").

"Los títulos anglófonos, que evocan los tormentos del amor, son estándares que había querido interpretar toda mi vida", señaló el cantante, que nunca ha escondido su idilio con Francia.

Ahora Iggy Pop ha decidido dar un paso más y salirse de su registro más habitual, marcado por canciones como "Lust for Life" o "The Passenger", que suele interpretar con vehemencia en los escenarios.

"Siempre he querido intentarlo. Estaba en París para presentar Préliminaires, mi álbum anterior, cuando un hombre me dio un CD de canciones francesas (...). Musicalmente, me permitió ir hacia algo totalmente nuevo", explicó. No en vano, Iggy Pop encontró la inspiración para su anterior disco en la novela "La Possibilité d'une île", del escritor francés Michel Houellebecq.

Aprés, en cuya portada se muestra a Iggy Pop con un largo abrigo blanco de corte gótico, solo podrá comprarse en la web vente-privé.com por 7 euros (9 dólares), a partir del 14 de mayo.

http://www.emol.com/noticias/magazine/2012/04/03/534116/iggy-pop-sorprende-al-anunciar-un-album-dedicado-a-la-cancion-francesa.html


Iggy Pop - Les Feuilles Mortes - Radio France (France Inter) Studio 105 pour la sortie de son album Préliminaire (2009)

martes, 3 de abril de 2012

Arthur Blythe / In Concert: Metamorphosis - The Grip

Arthur Blythe : In Concert: Metamorphosis - The Grip

Por Eduardo Hojman

Más allá de sus valores intrínsecos, los dos elepés incluidos en este CD de Arthur Blythe pueden considerarse una excelente ilustración del movimiento más tarde etiquetado como loft jazz, puesto que ofrece, en mayor o menor medida, todos o casi todos sus componentes: producción independiente, formación inusual, vanguardismo que coquetea con el free jazz y, claro, se grabó en un loft.

De la necesidad hacían virtud: para los músicos que venían de fuera de la ciudad, más si querían hollar los caminos abiertos por Coltrane hacia el lado de la vanguardia más free, no era fácil conseguir conciertos en una Nueva York a punto de ser arrasada por las masas conservadoras de los neorrenacentistas liderados por el inefable Wynton Marsalis. Pero, por apenas cien dólares, podían alquilar un loft, espacios que, antes de que se pusieran de moda, carecían de toda comodidad pero reemplazaban sus deficiencias con una libertad bastante amplia y orientada a los productos más arriesgados de la nueva cultura. Para los espectadores, además, acudir a una de esas actuaciones tenía algo de módica aventura, de paseo protegido por el lado salvaje. Actividad extendida por lo menos hasta los primeros años de este nuevo siglo, en un loft uno podía encontrarse con la música más avanzada del momento, departir amablemente con los nombres más brillantes de las galaxias aún inholladas, todo entre baratos vasos de vino y dulces olores de humo urbano.

Después de pasar por bandas más tradicionales en su San Diego natal y de abrazar los paradigmas musicales y probablemente políticos de agrupaciones como la UGMAA (Asociación de Músicos y Artistas Subterráneos, espejo de la más famosa AACM de Chicago), Blythe trabajó de guardia de seguridad mientras, como muchos de sus congéneres, buscaba y no encontraba algún teatro donde llevar su inusual formación. Hasta que en una fría noche de 1977 alquiló el Brook, un loft propiedad de Frank Streep, hermano de Meryl Streep, y el pianista Frank Ferrucci. Entre los músicos que convirtieron el Brook en un clásico del loft jazz estaban Charles Tyler, Wadada Leo Smith, y nuestro héroe Arthur Blythe, que hizo un concierto, el 26 de febrero, con Bob Stewart (tuba), Ahmed Abdullah (trompeta), Abdul Wadud (chelo), Muhamad Abdullah (percusión) y Steve Reid (batería). Lo que ocurrió esa noche, al menos en un nivel auditivo, está documentado en este In Concert que reúne los primeros dos discos de Blythe como líder.

Si en años posteriores Blythe circuló cómodamente por esa bolsa de gatos llamada postbop, tanto al frente de sus propias formaciones como acompañando a Jack DeJohnette o reemplazando a Julius Hemphill en el World Saxophone Quartet, en este primer disco se ubica claramente en la vanguardia airada y política promovida por la galaxia AACM y sus satélites. Con un sonido un poco desparejo, que le da un fluir chicloso y duro a su saxo alto, el disco empieza con un melódico y sutil homenaje a Sun Ra y con las melodías árabes de Lower Nile para lanzarse a la furia discordante de As of yet, un interminable dolor de muelas que en más de un sentido pone fecha de caducidad a las búsquedas experimentales de determinada vanguardia. Sin que ambos discos se diferencien en nada, todo circula más o menos por los mismos recorridos: de la dulzura a la agresividad, de la lírica al ruido.

En cierta forma, el jazz de los lofts estaba determinado por el ambiente. Mientras para los músicos era una manera de reafirmar su independencia (de la industria discográfica, del conservadurismo cultural imperante, de la solapada represión racial, de los sonidos complacientes para blancos, del racismo), para los espectadores era también una manera de experimentar en un ámbito sólo superficialmente incómodo las fuerzas liberadoras de esa independencia. Muchos de los avances logrados por el free jazz pasaron a ser elementos esenciales de toda la música posterior; otros se convirtieron en un recorrido obsesivo y en espiral en busca de la esquiva frontera entre el sonido y el ruido, entre el arte y el sinsentido. Algo de todo eso circula en este disco.

http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2166



Arthur Blythe - "As of Yet" - In Concert / Metamorphosis - The Grip (1977)

domingo, 1 de abril de 2012

Harry Crews / Southern American Literature´s Icon

Muere el escritor de culto Harry Crews

29 de marzo de 2012

El polémico autor de culto Harry Crews cuyas duras experiencias le sirvieron para escribir historias violentas del sur rural de Estados Unidos murió en Gainesville, Florida, informó su esposa. Tenía 76 años.

Harry Crews murió el miércoles en Gainesville, Florida, tras padecer una neuropatía, informó su esposa Sally Ellis Crews.

"Había estado muy enfermo", dijo a The Associated Press el jueves. "De alguna manera fue una bendición, estaba sufriendo mucho", agregó.

Crews también había sufrido en su vida accidentes de motocicleta y tenía los nervios del pie dañados, por lo que en los últimos años había tenido que usar un bastón.

A pesar de todo, su carrera continuaba activa. Un fragmento de sus memorias, próximas a publicarse, fue incluido en la revista Georgia Review y se hablaba de reeditar sus obras, muchas de las cuales dejaron de imprimirse, en versiones digitales.

No era muy famoso, pero quienes lo conocían, ya fuera a nivel personal o a través de sus libros, eran sus devotos. Era un hombre desenfrenado y honesto, que siguió la tradición de Charles Bukowski y Hunter Thompson. Escribió historias sangrientas inspiradas directamente en sus experiencias, que incluían la práctica de boxeo y karate.

"Me han roto la nariz como seis veces", dijo en una entrevista sin fecha con la revista por internet VICE.

"Por mucho tiempo no supe de qué lado de mi cara iba a quedar de un año a otro, pero me gustó boxear por mucho, mucho tiempo y me gusta el karate y me gustan los deportes sangrientos. Me gustan muchas cosas que realmente no son agradables, y que para nada son muy bonitas y que si tienes un mínimo de sentido son totalmente intolerables. Alguien que defienda la forma en la que he pasado mi vida está loco".

Crews escribió 17 novelas, incluyendo "Feast of Snakes" y "The Knockout Artist"; múltiples cuentos y novelas cortas, así como las memorias "A Childhood". Impartió talleres literarios en la Universidad de Florida de 1968 hasta su jubilación en 1997.

También le gustaba decir que si lograba escribir 500 palabras en un día era una buena jornada.

"El trabajo del escritor es desnudarse, no ocultar nada, no esquivar nada con la mirada, su trabajo es mirar a las cosas", escribió. "No parpadear, no estar avergonzado o apenado por ello, quitarse la ropa e ir a dónde está la sangre, donde está el hueso".

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Harry Crews - Your Chances of Becoming a Writer - The Rough South of Harry Crews




"Stories was everything and everything was stories" From "Searching for the Wrong-Eyed Jesus" By Andrew Douglas.