domingo, 21 de noviembre de 2010

Luis García Berlanga / El Último Emperador Austrohúngaro


El negro corazón de un país ingrato

Por Alex de la Iglesia

Me despierta un número largo, de esos que te dan miedo. Me dan miedo porque sé qué significa. Sé que cuando aparece un número muy largo en mi móvil me llaman de una televisión o una radio, y cuando las llamadas se suceden una tras otra, es que algo terrible ha ocurrido. “¿Qué puedes decirme de la muerte de Luis García Berlanga?” La noticia suena como un disparo en mis oídos. “Algo rápido, dos frases.” Es para las noticias. La crueldad suele ser muy sincera. Pensar algo con sentido, resumir una vida en dos frases. Surgen en mi cabeza todos los momentos personales vividos junto al Maestro, con mayúsculas, y se me hace un nudo en la garganta. En fracciones de segundo pasan delante de mis ojos imágenes de sus películas, de su obra inabarcable. ¿Me están pidiendo de verdad que resuma a Berlanga en dos frases? ¿Es una broma? ¿Cómo les explico que Berlanga es más importante para mí que Dreyer, que Ford? ¿Cómo les explico que Plácido cambió mi vida? ¿Cómo me puedo acercar, tan sólo aproximar a una idea que refleje la tormenta de imágenes y sentimientos que me están haciendo llorar? “¿Cómo era? Decían que era peculiar.” ¿Peculiar? No puedo evitar ofenderme. “Por favor, ¿puedes elegir otra palabra mejor que ‘peculiar’ a la hora de elaborar tu pregunta?” Berlanga metió un puño en mi corazón y lo arrancó de cuajo, mientras con la otra mano me hacía burla. Y yo me reía, y lloraba, en el cineclub de la universidad, y no sabía que esa película, Plácido, me acompañaría en sueños toda la vida. Los rostros de sus actores, José Luis López Vázquez, Manuel Alexandre y tantos otros, serían mi familia para siempre. Berlanga y Buñuel son el alma de un país cruel que trata a sus genios de “peculiares”, el corazón sangriento y negro de un país ingrato que nunca aprenderá a amar a sus hijos lo suficiente, a devolverles el valor incalculable de su aporte artístico.

Berlanga supo amar y odiar y reír y rodar con la fuerza asombrosa de un hombre libre, pese a la dictadura, a la intransigencia y la supuesta inteligencia de algunos. Berlanga se encuentra en el Olimpo de los grandes, no de este país, del mundo entero.

La mejor película que se ha rodado nunca, El verdugo, define los límites del discurso acerca de la condición humana. Y lo hace con el lenguaje de los dioses, con la Divina Comedia, con el ácido corrosivo de la sonrisa demoníaca y tierna. Nos devuelve la verdad más negra con un abrazo, el negro corazón que nos fue arrebatado se nos entrega envuelto en ternura. Nadie en la historia del cine ha llegado tan lejos en talento y tan cerca de nuestras almas malheridas. Luis Buñuel es el único que puede mirarle frente a frente. Nadie tan grande como Berlanga.


Domingo, 21 de noviembre de 2010

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-6623-2010-11-21.html



Luis García Berlanga
(Junio 12 1921, Valencia, España - Noviembre 13 2010, Madrid, España)/"Plácido" (1961)

La Perla del Once / Legendario Bar de Buenos Aires



El mítico Bar “La Perla” lanza un ciclo sobre Rock Nacional


La Perla, emblemático bar enclavado a metros de Plaza Miserere y en cuyo baño Tanguito y Litto Nebbia dieron forma al himno fundante del rock argentino “La Balsa”, lanzará mañana su primer ciclo formal dedicado al género que lo tuvo como sede a mediados de los 60.

Cuenta la leyenda que Nebbia y José Alberto Iglesias (verdadero nombre de Tanguito) compusieron en la madrugada del 2 de mayo de 1967 en el baño de caballeros de La Perla la canción que de alguna manera lanzó el rock argentino.

“La Balsa” fue grabada por Los Gatos, banda liderada por Litto, el 19 de junio de ese año y se publicó el 3 de julio para rápidamente superar los 250.000 discos vendidos con los que desató un furor por rock en español que más tarde se expandiría a toda Iberoamérica.

Rodolfo García, quien fue baterista de Almendra, Aquelarre y Tantor y ostenta una vasta experiencia como organizador de ciclos musicales, es el programador de este legendario espacio que, advirtió, “debe servir para evocar pero también para darle lugar a músicos de las generaciones siguientes”.

Para el músico, “el rock argentino ha llegado para quedarse y sigue teniendo muchas cosas para decir, más allá de los aportes comerciales que sacrificaron cierto espíritu creativo de aquella época. Pero igual sigo viendo esa llamita que de alguna manera nos iluminó hace más de 40 años”, describió.

Desde esa percepción, García comentó a Telam que “aspiro a que La Perla entregue un marco bueno y cuidado que se instale como un punto de reunión pero que sea distinto al de aquel momento”.

En el mismo sentido, el instrumentista indicó que “no queremos que La Perla sea una especie de Cueva (otra sede del primer rock local), sino que el sonido vaya más hacia lo acústico y que allí los músicos se encuentren y a apreciar lo que hacen sus colegas”.


El lanzamiento del programa musical en el bar sito en la intersección de las avenidas Jujuy y Rivadavia, tendrá lugar mañana a las 19 y será el puntapié de una grilla en la que aparecen, entre otros, Manal Javier Martínez, Alejandro del Prado, Claudia Puyó, Alejandro Medina y la Medinight Band, Miguel Cantilo y Ricardo Soulé.

“A partir de que me convocaron -apuntó García-, me hice una listita y me puse en contacto con todo el mundo y a la mayoría le sorprendió poder recuperar este espacio que, en su primera programación, tiene predominio de los músicos de aquel momento o cercanos a aquel momento inicial”.

Viajando hacia esos años que lo tuvieron como protagonista, Rodolfo subrayó que “muchos de los fundadores del rock estuvieron en La Perla y amanecían en ese lugar”.

Desde lo personal aportó que “La Perla no era un lugar que frecuentaba especialmente. Lo que ocurrió en los albores del rock argentino es que se generaban distintos focos creativos. Nosotros (por los Almedra) estábamos en Belgrano y Núñez sin saber que en La Perla había otros en la misma sintonía o que en La Plata también empujaban los de La Cofradía de la Flor Solar”.

“Diría que nos fuimos dando cuenta de la existencia de estos lugares donde circulaban personas, músicas y proyectos a partir de los primeros conciertos que pudimos dar en pequeñas salas del centro”, evocó al repasar las vivencias asumidas por la notable banda que compartía con Luis Alberto Spinetta, Edelmiro Molinari y Emilio Del Güercio.

Más cerca en el tiempo, confió que “periódicamente me reúno con un grupo de amigos en una parrillita que hay sobre la avenida Jujuy y pasando por La Perla había notado que había una ambientación diferente con fotos de Tanguito y de Los Beatniks y aunque me preguntaba el por qué de ese cambio, nunca pensé que se daría tan pronto y que me iban a llamar para impulsarlo”.
Esta nueva tarea de García no le impedirá continuar desarrollando su actividad como programador musical en el Espacio Cultural Nuestros Hijos (Ecunhi) donde actualmente los jueves impulsa el ciclo Escenario Blues, dedicado a bandas y solistas amateurs.

La grilla inicial del programa rockero en La Perla se desarrollará los viernes y sábados a las 21.30, comenzando el viernes 26 con Manal Javier Martínez y un día después con Alejandro del Prado En diciembre, las fechas confirmadas tienen a Manal Javier Martínez (viernes 3), Claudia Puyó (sábado 4), Alejandro Medina y la Medinight Band (viernes 10 y 17), Miguel Cantilo (sábado 11) y Ricardo Soulé (sábado 18).

http://www.telam.com.ar/vernota.php?tipo=N&idPub=204126&id=387642&dis=1&sec=1

La Perla del Once - Génesis del Rock

Jimi Hendrix/Vintage Epiphone FT79 For Sale


Subastan la guitarra Epiphone FT79 que perteneció a Jimi Hendrix


Saldrá a la venta el próximo 15 de diciembre en Londres y se espera que alcance los 141.400 euros

EFE / LONDRES
Día 17/11/2010 - 18.11h


Una guitarra acústica que perteneció al legendario Jimi Hendrix se pondrá a la venta el próximo 15 de diciembre en la casa de subastas Bonhams de Londres. Se espera que la guitarra alcance un precio que oscile entre las 80.000 y 120.000 libras (entre 94.260 y 141.400 euros o entre 127.000 y 190.000 dólares).

Hendrix (Seattle, EE.UU., 1942-1970), considerado el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos, compró esta guitarra de segunda mano, modelo Epiphone FT79, por 25 dólares (18,5 euros) en Nueva York durante su primera gira por los Estados Unidos.

Se trata de la guitarra que Hendrix -famoso por romper guitarras en pleno escenario- conservó durante más tiempo, más de tres años, y con ella pasó semanas grabando, realizando 'jam-sessions' y actuando durante esa gira que pasó por Nueva York, Washington y Los Ángeles. Kathy Etchingham, la que fue novia de Hendrix, aseguró que el músico utilizó esta guitarra acústica para componer la mayoría de sus temas que creó en los años que vivió en la capital británica.

"La usaba constantemente porque a Jimi le salía la música por cada poro de su piel. Un minuto estaba desayunando y al siguiente cogía la guitarra y tocada las notas que le rondaban por la cabeza", recuerda su novia. Hendrix se sentía tan unido a ese instrumento que incluso se lo llevaba al baño, según afirmaba el que fue su representante, Chas Chandler.

El músico fue grabado tocando con esta guitarra el tema "Hound Dog" de Elvis y en la fiesta posterior a su legendario concierto en el Royal Albert Hall de Londres, el 18 de febrero de 1969.

En marzo de 1970, Hendrix regaló a un amigo esta guitarra, que se utilizo después en numerosas grabaciones con otros artistas como Dusty Springfield, Walker Brothers, Blue Mink, Paul McCartney y David Bowie.

http://www.abc.es/20101117/cultura-musica/guitarra-hendrix-201011171645.html

Jimi Hendrix -"Hound Dog"- ( And his Epiphone FT79)

Sergio Martínez / 2010 Knock-Out Of The Year!


Sergio Martínez, Campeón Peso Mediano dejó K.O. a Paul Williams en el segundo asalto y retuvo el título.

El púgil argentino envió a Williams a la lona del cuadrilátero cuando se llevaba 1:10 minutos del segundo asalto de la pelea revancha programada a 12 Rounds ·


EFE 21/11/10

El púgil argentino Sergio "Maravilla" Martínez, con un gancho de izquierda demoledor, dejó fuera de combate en el segundo asalto al estadounidense Paul Williams para retener el título de campeón del peso mediano, versión Consejo Mundial de Boxeo (CMB).

Martínez, de 35 años, envió a Williams a la lona del cuadrilátero cuando se llevaba 1:10 minutos del segundo asalto de la pelea revancha programada a 12 y que se celebró en el Boardwalk Hall, de Atlantic City (Nueva Jersey). El púgil argentino hizo honor a su apodo de "Maravilla" porque logró sin discusión el fuera de combate más espectacular del año que lo convierte en uno de los máximos aspirantes a ser el boxeador del 2010.

Martínez, que hacía su primera defensa del título que le ganó al estadounidense Kelly Pavlik, el pasado abril, no dio ninguna opción a Williams, que en diciembre del 2009 le había ganado por decisión dividida en 12 asaltos. Un resultado que no gustó a Martínez porque pensó que por lo menos la pelea tendría que haber sido declarado combate nulo.

Esta vez, Martínez, que dejó su foja en 46-2-2, 25 triunfos por la vía rápida, despejó todas las dudas que es el gran campeón para colocarse a la altura de las figuras como el filipino Manny Pacquiao y el estadounidense Floyd Mayweather Jr.

Martínez, que ya en el primer asalto había entrado en la guardia de Williams, con mayor altura y brazos largos, nada más salir en el segundo confirmó que traía dinamita en su mano izquierda y lo destrozó con un golpe seco y demoledor al rostro del púgil estadounidense. Williams, que se quedó con marca de 39-2-0 y 27 triunfos conseguidos por la vía rápida, necesitó durante varios minutos de sus cuidadores para recuperarse, aunque siempre estuvo consciente en la lona del cuadrilátero.




Un futuro de lo más prometedor

El futuro de Martínez puede ser brillante si alguna de las grandes estrellas como Pacquiao y Mayweather Jr. quieren enfrentarse a él, algo que de momento no será posible después de ver el efecto destructor que tienen sus puños.


Precisamente, Williams no quería en principio aceptar la pelea revancha con Martínez, y sólo lo hizo después que Pacquiao y Mayweather Jr. tampoco quisieron enfrentarse a él por ser un púgil más alto y de mayor envergadura que ellos. Martínez no tuvo ningún inconveniente en enfrentarse y confirmó que es uno de los grandes púgiles que hay actualmente en el mundo del boxeo

http://www.marca.com/2010/11/21/mas_deportes/otros_deportes/

Williams Vs Martinez-Highlights -WBC Middleweight Title- 2010 Atlantic City (NJ)

sábado, 20 de noviembre de 2010

Ozzy Osbourne / En Argentina Marzo 2011


Ozzy Osbourne se presentará en la Argentina

Ozzy Osbourne vuelve la Argentina en 2011. La leyenda mundial del heavy metal confirmó que se presentará el próximo 26/3 en el estadio Racing Club en el marco de la gira promocional de su último álbum Scream, según informa este viernes el sitio rollingstone.com.ar.

La gira sudamericana seguirá por Chile, y el cierre será en Brasil con shows en San Pablo, Brasilia, Rio de Janeiro y Belo Horizonte.

"Cuando estuve de gira presentando el álbum Black Rain en 2007 y 2008, los shows en Sudamérica fueron los mejores del todo el tour. El público es maravilloso y me siento realmente excitado de volver nuevamente. De hecho, todos los shows en vivo de mi próximo documental son de Sudamérica", dijo el veterano rockero quien empezó su carrera nada menos que en la histórica Black Sabbath.

A los 61 años (cumplirá 62 el 3 de diciembre), el cantante está embarcado en una gira de un año y medio de duración por todo el mundo. Ya pasó por Inglaterra, Rusia, Italia, Francia, Dinamarca, Suecia, Grecia, Finlandia, Noruega, Alemania, Rumania, Hungría y los Estados Unidos.

La última vez que el Príncipe de las Tinieblas estuvo en nuestro país fue en el marco del Quilmes Rock 2008. Anteriormente se presentó en 1995 en los estadios de Ferro y Obras Sanitarias.

viernes, 19 de noviembre de 2010

Patti Smith/Won The National Book Award 2010


Patti Smith recibe el premio nacional de literatura de EEUU por "Just Kids"

18-11-2010 / 20:00


Nueva York, 18 nov (EFE).- La cantante Patti Smith ha ganado el National Book Award 2010, el premio nacional de la literatura de Estados Unidos, en la categoría de no ficción por "Just Kids", unas memorias en las que relata su amistad con el fotógrafo Robert Mapplethorpe.

Así lo detalla hoy esa organización en su página web, en la que explica que la cantautora de 63 años, nacida en Chicago (Illinois), se emocionó anoche al aceptar el premio durante una ceremonia en la que Tom Wolfe también recibió una Medalla por su distinguida contribución a las letras estadounidenses.

La obra de Smith, publicada por Ecco, un sello de HarperCollins, supone la primera aventura de la cantautora en el mundo de la prosa y con ella ofrece una mirada personal de la vida bohemia del Nueva York de finales de los sesenta, una época que describe a través de su relación de amistad con Mapplethorpe.

Con esta "honesta y conmovedora historia de juventud y amistad, Smith da a 'Just Kids' la misma calidad lírica que predomina en el resto de su formidable trabajo, desde su influyente álbum 'Horses' hasta sus obras de arte visual y poemas", afirma hoy la organización en su página web.

"Soñaba con tener un libro propio, con escribir uno que pudiera poner en mi estantería", dijo la rockera en su discurso de aceptación, según el diario "New York Times".

Smith aprovechó la intervención para pedir a su audiencia que, independientemente de los avances tecnológicos, "no abandone el libro" y agregó que "no hay nada en nuestro mundo material más bello que el libro".

En "Just Kids", la polifacética artista retrocede hasta julio de 1967, cuando en San Francisco se celebraba el primer "verano del amor" y ella, con apenas 20 años, decidió mudarse a Nueva York en busca de algo distinto.

Allí conoció a Mapplethorpe, que años después le pidió que plasmara sobre el papel aquellos años de experimentación con el arte y con la ciudad de Nueva York como telón de fondo.

Tras la muerte del fotógrafo, que perdió la batalla contra el sida en 1989, la conocida como "madrina del punk" comenzó a trabajar para cumplir su promesa y creó una romántica obra adornada por un compendio de fotografías, esquemas y dibujos de los dos protagonistas.


Entre otros premiados de este año destacan Jaimy Gordon, que ganó en la categoría de ficción con "Lord of Misrule", en la que también competían Peter Carey (con "Parrot and Olivier in America"), Nicole Krauss ("Great House"), Lionel Shriver ("So Much for That") y Karen Tei Yamashita ("I Hotel").

En la categoría de poesía el premiado de este año fue Terrance Hayes con "Lighthead", mientras que la ganadora a mejor libro de literatura infantil, Kathryn Erskine, explica con "Mockingbird" que "el mundo está lleno de color".


La lista de uno de los principales premios literarios anuales de Estados Unidos incluyó a 13 mujeres entre los 20 finalistas, lo que convierte a esta 61 edición en la que más nominaciones femeninas se han emitido.


La ceremonia de los premios, en la que se entregó a los galardonados una estatua de bronce y un cheque de 10.000 dólares a cada uno, fue presentada por el humorista Andy Borowitz en el restaurante Cipriani Wall Street de Nueva York. EFE


http://www.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=595328


Patti Smith on Robert Mapplethorpe (Just Kids Book)

Jim Morrison / Inocente 40 Años Después?



En pos de un perdón al líder de The Doors


The New York Times Dave Itzkoff


Fue una típica escaramuza de los 60, que enfrentó a una inconformista estrella del rock y sus seguidores contra los defensores de un comportamiento "aceptable", contracultura contra `mainstream`, Jim Morrison contra Anita Bryant.

Ahora el gobernador de Florida dice que busca poner fin al tema, concediendo un indulto póstumo a las dos condenas que Morrison, el líder de The Doors, recibió por mal comportamiento en un concierto en Miami en 1969.

La posibilidad del perdón trae recuerdos del contexto socialmente polarizado que condujo al arresto y juicio del cantante, así como un persistente sentido de que las llamas culturales encendidas entonces no se han extinguido totalmente.


"La batalla de entonces se sigue peleando ahora", dice Ray Manzarek, antiguo tecladista de The Doors. "Es la batalla que estamos peleando".

El tiempo no ha disminuido las pasiones de los simpatizantes y fanáticos de The Doors, que han llevado a cabo una cruzada de cuatro décadas para revertir las condenas de Morrison, incluyendo una por exhibición obscena en el escenario aquella noche en Miami. Para ellos es tanto una cuestión de justicia como de protesta cultural. El caso subsiste no sólo porque ellos piensan que los cargos contra Morrison fueron tramposos, sino también porque creen que fue usado para desacreditar al movimiento contracultural que apoyaban.

REVISIÓN. El gobernador de Florida, Charlie Crist, un republicano convertido en independiente que acaba de perder una postulación al Senado, y cuyo período en el cargo expira en enero, parece compartir el punto de vista cuando explica por qué someterá el nombre de Morrison a una comisión de clemencia.

"Cuanto más leo sobre el caso y más me informo", dijo Crist en una entrevista concedida el jueves, "más me convenzo de que se cometió una injusticia aquí".

Del otro lado la pasión ha disminuido, pero un sabor agrio permanece. La rabia que una vez los llevó a las barricadas se ha transformado en un resentimiento impaciente en torno a la noción de que el destino de una difunta estrella del rock continúa resonando cuarenta años después.

La pelea empezó el 1º de marzo de 1969, cuando The Doors presentó un escandaloso concierto en el Miami`s Dinner Key Auditorium. Un drogado Morrison tropezó a través de canciones como Light my fire y Break on through (To the other side), se burló del público, y amenazó con exhibirse antes de que sus seguidores inundaran el escenario. Un periódico afirmó que el cantante había simulado una masturbación durante su actuación, el concierto fue investigado por un equipo de la fiscalía, y se emitieron seis órdenes de arresto contra Morrison, incluyendo una por el cargo de "comportamiento lascivo y lujurioso".

Como consecuencia del escándalo, otros conciertos inmediatos de The Doors fueron cancelados. El 23 de marzo, en el Orange Bowl, tuvo lugar un Rally por la Decencia organizado por estudiantes locales de secundaria, en el que treinta mil adolescentes y adultos se reunieron para actuaciones y discursos sobre la virtud a cargo de Jackie Gleason, Anita Bryant y los Lettermen (el presidente Nixon envió una carta a los organizadores encomiando su "admirable iniciativa").

Morrison, entretanto, fue juzgado en Miami en 1970 y condenado por cargos de inconducta, profanidad y exposición indecente. Se le impuso una multa de quinientos dólares y fue sentenciado a seis meses de cárcel, pero nunca los cumplió. El caso estaba siendo apelado cuando murió en París en 1971, con 27 años.


POLÉMICAS. Ese desenlace nunca convenció a muchos seguidores de The Doors, que dicen que Morrison no fue juzgado por sus iguales (todos los integrantes del jurado eran mayores de cuarenta), que el veredicto que lo declaró inocente del cargo de embriaguez pero culpable de actos provocados por ella es contradictorio, y que ninguna de las fotos presentadas como evidencia demuestra que haya cometido exhibición indecente.


http://www.elpais.com.uy/101119/pespec-529656/novedades/en-pos-de-un-perdon-al-lider-de-the-doorsAñadir imagen

The Doors - Riders on the Storm

jueves, 18 de noviembre de 2010

Joe Strummer / Red Punk For Working Class


Larga vida a Joe


Existen grabaciones fundamentales en la discoteca de todo aficionado a la música a las que se vuelve cada cierto tiempo. En la mía, una de ellas es London Caling, un disco de 1979 que, al igual que el primer día, sigue transmitiendo vitalidad, ganas de vivir y argumentos.

Paula Castillejos
Viernes 22 de octubre de 2010.


El grupo que lo firmaba era The Clash y su cantante, Joe Strummer (1952-2002). Unos pocos años después de su muerte Julien Temple, amigo suyo, realizó un documental que, además de un recorrido por las distintas bandas en las que estuvo, es una biografía del cantante y un homenaje a su figura.

La película, que sigue una cronología lineal, arranca desde su nacimiento, con un padre diplomático, izquierdista concienciado que, con su continuo viajar, le inculcó el internacionalismo; pasa por sus años de internado, su devoción por Woody Guthrie; sus primeros trabajos (en una fábrica de alfombras, en otra de caucho, de sepulturero) mientras estudia en la Escuela de Artes; la muerte de su hermano, con apenas 20 años, por sobredosis de pastillas; sus primeras formaciones (The Vultures); su primer instrumento (un ukelele); sus primeras novias; sus amigos; para llegar a los años de su primera juventud en los que vive, como un “acto político responsable”, en casas ocupadas.


Por entonces –estamos en 1974 y Joe Strummer tiene 22 años– monta su primer grupo importante, The 101’ers, y acondiciona un local en el que actuaban regularmente, un local autogestionado, sin intermediarios, siguiendo al pie de la letra el “hazlo tú mismo”, precepto ético del punk. Los 101’ers llegaron a compartir cartel con los Sex Pistols, quienes con su estilo y, sobre todo, con su actitud, le indicaron el camino a seguir.


En 1976 entra a formar parte de The Clash. Un año después publicarán un disco clásico que, con música que destila rabia juvenil y letras que animan a la revuelta social, denunciaba la explotación laboral, el desempleo, el sistema político, el racismo, la brutalidad policial, las injusticias cotidianas, y se rebelaba contra el aburrimiento burgués, los ejércitos, el servicio militar y todo tipo de autoridad. Los siguientes años los pasarán dando conciertos, sacando discos tan grandes como London Calling o Sandinista –en honor a la revolución nicaragüense–, con los que evoluciona musicalmente, más allá del punk, en una particular mezcla de estilos como el rock & roll, el hip hop y los sonidos jamaicanos. En los primeros ‘80 les llegó el triunfo masivo en EE UU, y el éxito (y las concesiones que conlleva) les sobrepasó hasta el punto de llevarles a cometer muchos errores. Ahí, en un final indigno para su trayectoria, tuvo su origen la semilla que provocaría la disolución del grupo, en otoño del ‘85.


A partir de entonces, Joe tuvo un período de desorientación, de soledad y de frustración, en el que va de un lado para otro, tratando de encontrarse. Luego, ya recuperado, destacará como compositor de bandas sonoras, intérprete en películas (Mistery Train de Jim Jarmusch); guitarrista con The Pogues; locutor de radio en la BBC; con su grupo Joe y Los Mescaleros; en conciertos benéficos a favor de trabajadores en huelga... Episodios mucho menos conocidos pero igual de importantes que forman parte de la leyenda de un mito que fue el líder de The Clash, un grupo inolvidable que nos contagió la idea de que el rock puede ser un instrumento más con el que luchar contra el sistema.



Joe Strummer - The Future is Unwritten (Trailer)



Los Clash, rebeldes con causa




A veces, el rock and roll y la política han compartido camarote. El grupo inglés fue uno de los abanderados de esta tendencia

26/10/2010 - 14.29h
Por Manuel de la Fuente



Más a menudo de lo que se cree, la política y el rock and roll han viajado en el mismo barco y en muchas ocasiones el viaje ha llegado a buen y fructífero puerto. Elvis no tenía la más remota idea de política, pero con su expresividad radical y rebelde hacía política. Rebelión no es igual que revolución, pero se le parece.

Luego vinieron Dylan, Joan Baez, Phil Ochs, los street fighting man (los luchadores de la calle) de los Rolling Stones, un vaquero rojo como Steve Earle, o las cercanas apuestas políticas de gente como Bruce Springsteen. Numerosas veces el rock and roll ha sido bandera, a veces con conocimiento total de causa, a veces como el Charlot de Tiempos modernos que se pone sin querer a la cabeza de la manifestación.


Magnífica descendencia


Pero pocas veces este matrimonio ha tenido tan magnífica descendencia como en ese grupo anarco-rockero que fueron los Clash. Les tocó vivir tiempos duros (su mayor actividad coincidió con los gobiernos de Margaret Thatcher, la conservadora Dama de Hierro) y ellos respondieron con una actitud musical y política orgullosa y decidida. La banda de Joe Strummer y Mick Jones grabó varios discos de primerísima categoría (sobre todo London Calling, su obra maestra) y, a pesar de su contundencia ideológica, fueron una banda que colocó varios singles en las listas: White riot, London calling, The guns of Brixton, Rock the Casbah, Should stay or should I go, Spanish bombs, Hitsville UK... lo que no impedía que en alguna actuación, el tal Strummer apareciera con una camiseta de las Brigadas Rojas, o una insignia de la Fracción del Ejército Rojo, o que uno de sus discos se titulara Sandinista.


Años después, Strummer dijo que eran los principios del grupo y sólo lo hacía para llamar la atención. Y con lo que verdaderamente llamaron esa atención fue con su música, rock and roll callejero y dinamitero, que incorporaba reggae, ska, folk, garaje y punk, mucho punk. El grupo sobrevivió durante una década, pero sus canciones han resistido fantásticamente el paso del tiempo, políticas al margen. De hecho, sigue siendo una banda que milita en la Champions del Rock and Roll.Las banderas pueden acabar malheridas sobre el polvo, pero las canciones de los Clash seguirán ondeando a los cuatro vientos durante años y años.


http://www.abc.es/20101026/cultura-musica/clash-rebeldes-causa-201010261319.html

The Clash "Should I Stay or Should I Go?"




Se prepara una película sobre Joe Strummer




Wed, 17 Nov, 2010
Escrito por Flashman

The Clash son sin duda uno de los grupos más importante de la historia, así que no es de extrañar que su líder Joe Strummer, desde su muerte en 2002, haya sido objeto de un par de documentales, “Joe Strummer: The Future is Unwritten” de Julien Temple y “Strummerville” de Don Letts. Sin embargo, el cine no se había fijado en la mítica figura del músico inglés, has que Film4 se ha puesto manos a la obra.

El título provisional de la película es “Joe Public”, y el responsable del guión será Paul Viragh, autor de la biografía de Ian Dury “Sex & Drugs & Rock & Roll”. En varios medios británicos, este dato se ha recibido como una mala noticia ya que la obra sobre Dury no tuvo muy buenas críticas (aunque hay quien culpa a su director Mat Whitecross.


Veremos en qué queda todo, pero lo cierto es que el proyecto no es nada sencillo. Strummer no sólo fue el líder de los Clash y músico en solitario, sino que también tuvo otras inquietudes artísticas (cine con Jim Jarmusch, Alex Cox y Aki Kaurismaki) y sobre todo, un compromiso político muy intenso.

http://www.surferrosa.es/2010/11/17/se-prepara-una-pelicula-sobre-joe-strummer/


Joe Strummer & The Mescaleros - Redemption Song

miércoles, 17 de noviembre de 2010

Nils Petter Molvaer / Open Mind - Eclectic Sound



"Estoy más interesado en la verdad que en el sentimiento"

Interesado en el reciclaje de todos los sonidos que le apasionan, el compositor afirma que su estilo tan inconfundible es resultado de una "mente abierta"

P. T. / Granada Actualizado 12.11.2010

El trompetista, compositor y productor noruego Nils Petter Molvaer es, por muchas razones, una de las figuras más importantes del jazz contemporáneo. Su música es ya absolutamente inconfundible, de tal forma que bastan sólo unos segundos para reconocerle en ella.

"Cuando yo era muy joven", recuerda, "mi padre me dio un fonógrafo con tres discos: uno de Louis Armstrong, otro de Billie Holliday y otro que no recuerdo bien... Los escuchaba todo el tiempo, así que aprendí a cantar Summertime antes de ir al jardín de infancia". Su padre, músico también, tocaba el clarinete y el saxofón y un día le preguntó qué instrumento quería tocar. Molvaer contestó: "la trompeta".

Así "de sencillo" fue como comenzó en el jazz. A lo largo del tiempo, sin embargo, su estilo ha bebido de tantos como le gustan, conectando y combinando sonidos tan diversos como jazz, ambient, house, electrónica, breakbeat, así como elementos del hip-hop, el rock o el pop. "No crecí tocando estándares de jazz, empecé con el Miles Davis de Bitches Brew y de Agharta. Me encanta pensar que la música que hago está de alguna manera vinculada a la parte de la tradición del jazz, pero no ocurre porque yo empecé escuchando a Herb Alpert & The Tijuana Brass y cuando oí a Miles Davis, con 11 o 12 años, estaba más interesado en las cosas del rock, como Led Zeppelin, Black Sabbath, Hendrix y los primeros Chicago que me gustaban mucho. Más tarde aprendí a escuchar el jazz tradicional y atender sus normas, y lo disfruto, pero no es lo mío". Lo suyo es algo así como un "reciclaje de sonidos". Si encuentra algo que le gusta, dice, "aunque sea un error, trato de usarlo".

Basta con tener una "mente abierta. Lo que me atrajo no fue la combinación de acústica y electrónica. Muchas personas me han llevado gradualmente a la música electrónica. Por supuesto, el que más me influyó fue Jon Hassell. En los años 80 y principios de los 90, me mudé lentamente hacia la escena electrónica de jam sessions con DJs. En ese momento escuché a Björk o a Roni Size. Quería tener una mente abierta tanto como fuese posible. Mi banda favorita del electrojazz ahora es el grupo noruego Supersilent, del trompetista Arve Henriksen".

Sus influencias se mueven entre muy diversos músicos como Jon Hassell, "por supuesto", pero también nombres que van de Neil Young a Monolake, Carl Craig y la techno escena de Detroit, Bill Evans, Miles Davis, John Coltrane, Archie Shepp…". Sin embargo, afirma que fue Jan Garbarek y esa generación "quienes nos abrieron la puerta, lo que esta gente hizo en los años 70 y 80 fue el comienzo de un enfoque muy nuestro, de aquí, de Noruega, luego Jon Christensen, Bugge o yo llegamos para continuarlo en una aproximación al jazz distinta del americano".
Explica el músico que Noruega es un país ideal para experimentar por no estar tan conectado a la corriente principal de jazz como Suecia y Dinamarca. Gente como Jan Garbarek, Terje Rypdal, Jon Christensen y Arild Andersen con Manfred Eicher de ECM Records "marcaron un camino distinto".

Para él, sus canciones son como postales que permiten a la gente saber "dónde estoy, el estado de ánimo en que estoy y qué estoy haciendo". Crear una pieza "es un poco como cocinar, dice Nils Petter, si me gusta un ingrediente, siempre trato de hacer uso de ella otra vez, en nuevas formas y nuevas combinaciones. Ocasionalmente también tengo la melodía en mi cabeza. Yo escribo y toco el piano y, a continuación aparecen los elementos rítmicos que van con él".

Molvaer siempre trabaja "buscando la precisión y la claridad emocional". Por eso tiene la intención de hacer que los próximos años sean tan innovadores y productivos como los que sucedieron al lanzamiento de Khmer . Seguirá tan visual como siempre. "Lo que sí sé, explica, "es que tengo la impresión de que lo que hago es cada vez más puro y más claro. Es una búsqueda continua. Estoy más interesado en la verdad que en el sentimiento. Sin embargo, espero que haya un largo camino que recorrer antes de llegar a cualquier tipo de conclusión a este respecto".

Nils Petter Molvaer - Trip - Solid Ether (2000)

martes, 16 de noviembre de 2010

Chester Arthur Burnett/ Inmortal "Howlin' Wolf" (The Wolf Howling Eternally)


Howlin’ Wolf, cien años aullando blues


El 10 de junio de 1910 nacía Chester Arthur Burnett, conocido como Howlin’ Wolf, una de las voces más potentes del blues y del rock

Kepa Arbizu-TerceraInformación 13-06-2010

Si uno se toma la molestia de investigar temas popularizados por grupos como The Doors, “Back door man”, o The Rolling Stones, “Little red rooster”, descubrirá que no son ellos los compositores y no sólo eso, sino que han sido interpretados en su momento por un cantante llamado Howlin’ Wolf.

Nacido hace 100 años (10 de junio de 1910) en Mississippi con el nombre de Chester Arthur Burnett, su vida sigue por los mismos derroteros que la de mucha gente de raza negra de la época. Crece en el seno de una familia de plantadores de algodón y trabaja en esos menesteres durante muchos años. Cercano a su granja trabaja otro bluesman mítico, Charley Patton, que sería su primer maestro y principal influencia en esa época. De él aprende las primeras lecciones para el manejo de la guitarra. Howlin’ Wolf, sin abandonar su trabajo, se dedica a recorrer el Delta acompañado de diferentes músicos como Robert Johnson, Robert Lockwood Jr. o Sonny Boy Williamson. Este último le enseñaría la técnica de la harmónica.

Años después se alistaría en el ejército para luchar en la II Guerra Mundial. A la vuelta continúa con sus laborales del campo pero ya inicia sus primeros pasos serios en la música, gracias a su labor de disc jockey y acompañado de una banda, en la que se encuentran nombres que serán importantes en el mundo del blues (James Cotton, Junior Parker, Willie Johnson entre otros), participando en una emisora de radio.

Durante ese tiempo se cruza en su vida Sam Phillips, descubridor de Elvis Presley y Johnny Cash, que por aquel entonces poseía un estudio de grabación con el que buscaba talentos para venderlos a sellos discográficos. Ese es el inicio de la relación entre el cantante y Chess, sello discográfico con el que trabajará desde entonces y el motivo por el que se traslada a Chicago.


A la hora de realizar estas grabaciones se rodeará de su banda habitual, a la que se unirá su, a partir de entonces, mano derecha, el guitarrista Hubert Sumlin. Su sonido se vuelve más eléctrico, lo que le hará encuadrarse en el estilo de Chicago, a pesar de llegar a la ciudad de manera tardía. Precisamente será otro compañero de sello, Muddy Waters, el que rivalizará con él por ser el dominador de dicha escuela y también por las canciones que creaba Willie Dixon, que trabajará para ambos intentando distribuir equitativamente sus composiciones.


Howlin' Wolf - How Many More Years



Es cierto que Howlin’ Wolf no pasará a la historia por su pericia con la guitarra ni con la harmónica, pero si lo hará desde luego por su forma de cantar. Su apelativo nace precisamente por su forma de interpretar, que incluía ocasionalmente aullidos, y por una personalidad solitaria y misteriosa. Todo ello lo supo manejar creando su propia figura, a lo que ayudaba su complexión física con casi 150 kilos y dos metros de altura, e interpretando blues de una forma primitiva, perfectamente elaborada, consiguiendo una de las puestas en escena más imponentes y con una forma arrebatadora de transmitir.

Así queda expuesto en temas como “Spoonful”, “I ain’t superstitious”, “The red rooster”, “Shake for me”, “Back door man” o “Wang dang doodle”. Aunque todas las mencionadas son composiciones ajenas también triunfó con algunas propias, “Moanin’ at midnight”, “Smokestack lightning”,“I asked for water (She gave me gasoline), “Killing floor”...

Muchas bandas que en los sesenta empezaban a despuntar, caso de The Animals o The Rolling Stones, veneraban al cantante y veían en él un ejemplo a seguir. Tal y como le sucedió a muchos músicos de blues, cuando en esa década empezó a decrecer el éxito del género musical, es el público blanco y sus festivales los que lo revitalizan. Así, el American Blues Folk Festival le llevó por Europa de gira y consiguió expandir su figura llegando a nuevas generaciones.

Son estas circunstancias las que hacen posible que Howlin’ Wolf siguiera grabando discos. Destaca el realizado en los primeros setenta, denominado "London Sessions". Un supergrupo formado por seguidores y admiradores entre los que se encuentran Eric Clapton, Steve Winwood, Ringo Star y buena parte de The Rolling Stones, le sirven de banda de acompañamiento en sus míticos temas. También haría un acercamiento al rock setentero y psicodélico por medio de “This is Howlin’ Wolf’s new album”.

Es en el año 1976 aquejado de un cáncer cuando fallece. Si bien su nombre no tiene el prestigio popular de otros, B.B. King o John Lee Hooker, su influencia en el blues y en la música posterior es capital, debido en buena parte a su portentosa voz y a la fuerza desbordante con que interpretaba.

http://www.tercerainformacion.es/spip.php?article16011

Howlin' Wolf - Smokestack Lightning

lunes, 15 de noviembre de 2010

Indio Solari & Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado / Tandil, Un Infierno Encantador


El Cacique del Rock

El ex ricotero se presentó en el Hipódromo de Tandil, ante más de 80 mil personas. Con un fuerte operativo de seguridad, la fiesta del músico conmovió a la ciudad serrana. Solari repasó sus discos solistas e interpretó covers de bandas históricas. Una velada inolvidable.

15 NOV 2010 10:23h

Unas 80 mil personas provenientes de distintos puntos del país disfrutaron anteanoche de la única presentación del año del rockero argentino Indio Solari, que se concretó en el Hipódromo de Tandil.

La ciudad de unos 130 mil habitantes llevaba más de un par de semanas preparándose para uno de los eventos del año, la actuación del ex vocalista de los Redonditos de Ricota. Acompañado por su banda, Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, Solari armó un repertorio de covers de bandas históricas argentinas como “Jugo de tomate frío”, de Manal, y “Post-Crucifixión”, de Pescado Rabioso, sumado a dos versiones de canciones inéditas de Patricio Rey como “Un tal Brigitte Bardot” y “El regreso de Mao”.

En “el concierto del año”, el Indio dispuso de una parafernalia infernal con pantallas de alta definición en el escenario, otras en el centro del campo y cinco veces más sonido respecto de su última visita, en julio de 2008. Solari sorprendió a todos cuando abrió el show con los acordes de “Jugo de tomate frío”, al que pegó el tema inédito de los Redondos “Un tal Brigitte Bardot”. Mientras que “Post-crucifixión” fue compaginada con “Vamos las bandas”.

La misa pagana que tiene al cantante como ícono y referente ideológico-espiritual, una vez más, dejó extasiadas a miles de almas ricoteras que terminaron la noche a puro pogo con el clásico “Jí, jí,jí”. Recorrieron kilómetros de rutas para asistir al único show del artista en 2010. Y después de atravesar regiones de campos sembrados y otras de pastizales, tuvieron premio. Una costumbre que se remonta a los tiempos de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, la banda que logró que estas peregrinaciones se conviertan en una metáfora de libertad para sus fieles. El grueso del público llegó a primera hora del sábado, pero los tandilenses se acostumbraron desde el jueves a una postal poco común: chicas y chicos caminando por las calles con la remera del ídolo. Muchos de los visitantes acamparon en las afueras del predio, en la plaza frente a la terminal de micros o en las afueras de la ciudad. Las 7 mil camas “hoteleras” fueron reservadas con anticipación y ya no quedaba nada disponible.


Solari repasó los temas de “El tesoro de los inocentes” y “Porco Rex”. Y, apoyado en la contundencia de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, también le sacó lustre a clásicos ricoteros para otro ritual histórico.

http://www.larazon.com.ar/show/Cacique-Rock_0_186300066.html




El Indio Solari: el último héroe del rock and roll argentino



A Carlos el Indio Solari desde hace unos años lo conoce todo el mundo, todo el mundo vivió una anécdota con él, tuvo algún trato, alguna dedicatoria, le hizo alguna entrevista. Como los millones que estuvieron en Woodstock. Este cronista que lo conoció en una fiesta de ricota en La Plata, promediando los ochenta, pueda dar fe de su sentido del humor negro, de su desprecio por la abnegación declamada, y de la falsa humildad (la humildad del blog). Solari reventó Tandil, es el último de una estirpe en vías de extinción.

14-11-2010
Pablo E. Chacón


Era una noche de septiembre u octubre, era 1985, éramos muchos, éramos muchos que íbamos y veníamos y nos preparábamos para ver el tercer episodio de "Horizontes verticales", una película que el tiempo está convirtiendo en libro (o en la leyenda de un libro). La película la dirigía Guillermo Beilinson, el hermano de Skay, el Indio todavía era amigo del Mufercho, las platenses, algunas platenses, amaban a los marplatenses, nunca supe por qué, la noche estaba cálida, el Indio estaba en paz, el resto, más o menos. Pero todavía no se había muerto nadie.

Conversamos un rato, sobre Vonnegut, Mailer, después tragos y más tragos y después el cine. Lo vi un par de veces más. Eso fue todo. Nunca lo adoré. Siempre me interesó. Solari detesta la demagogia. Celebro que haya tocado solo, sin rémoras de cartón que se pelean por vía del twitter. Al Indio no lo van a poder usar jamás. Que quiera saludar a las Madres de Plaza de Mayo o a la presidenta de la Nación, son gestos de caballero. Y a brillar, mi amor.

Fueron 80 mil los que se acercaron a bailar con el último héroe que le queda al rock and roll argentino. Fue en Tandil, y no hubo proselitismo previo, ni entrevistas, ni nada. El Indio detesta a los periodistas. Y lo bien que hace. El Indio es un músico, un poeta, no es un justiciero, no es un policía, no sale en Ñ, en Adn. Al Indio le gusta Nueva York. ¿A quién no le gusta Nueva York? ¿Brad Melhdau? Seguro. Pero antes Tom Verlaine.

Solari se enciende cuando se apaga la estrella lobotomizada de Charly Garcia, nuestro otrora Prince, al cuidado de una gorda nutricionista y de Darío Lopérfido. Festeja a Javier Martínez y a Luis Alberto Spinetta, a Manal y a Pescado Rabioso.

Solari no dice cuídense, chicos, y los manda a la guerra, no lee textos en el museo Larreta, no pisa la Buenos Aires de Macri, duda del mate después de la coca. Solari tiene la piel dura. Se paró solo, se la bancó, está cerca de la libertad, no brilla como un diamante loco ni habla estupideces de barrio chico. Disfrutemos de ser contemporáneos de este tipo: no habrá otro igual.

Indio Solari & Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado - El Arte del Buen Comer - Tandil 2010

sábado, 13 de noviembre de 2010

Peter Brötzmann / 42 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona


El Vendaval de Chicago

Peter Brötzmann y su banda de improvisadores ofrecieron un concierto de altísimo voltaje

Martes, 9 de noviembre del 2010

La idea es simple. Se sube al escenario y se tocar lo que salga en ese momento. Y de ahí, hacia dónde y hasta cuándo, ya se verá. La idea es simple, sí. Pero llevarla a la práctica con la intensidad, la expresividad y la riqueza de ideas del Chicago Tentet + 1 que lidera Peter Brötzmann está al alcance de muy pocos.

El veterano saxofonista alemán, uno de los padres de la música improvisada, se presentó el domingo en Luz de Gas, de la mano Festival de Jazz de Barcelona, con una banda de muchos quilates. Por calidad y por cantidad: entre los 11 músicos del Tentet + 1 están algunos de los mejores improvisadores del norte de Europa y de Estados Unidos.

Trece años juntos les han dado una compenetración fuera de lo común. Desde el aullido que abrió el concierto, con el grupo entero al unísono, hasta el bufido final de Brötzmann, la banda trenzó pasajes musicales muy distintos entre sí con una naturalidad asombrosa. De una orgía de gritos pasaban a conversaciones a varias bandas, a veces plácidas, a ratos frenéticas como un guión firmado por Groucho Marx. Un ritmo obstinado propuesto desde una de las dos baterías se convertía en un coro que era tan hijo de los aquelarres free de John Coltrane como del soul de Otis Redding.

Del caos nacía, lenta, lo que parecía una marcha fúnebre dislocada. La música era siempre o un murmullo o un grito. Y nunca se quedó demasiado tiempo quieta: con un gesto sutil o un golpe de autoridad, según el músico y el momento, alguien arrastraba a la banda hacia otro lugar. La idea es simple, pero en manos de Brötzmann y su grupo, también es muy poderosa.


Peter Brötzmann Chicago Tentet + 1 – Live in Denmark (2009)

viernes, 12 de noviembre de 2010

Marcos Madrigal / Adiós al Maestro!


Quejas de bandoneón

12/11/10


Adiós a Marcos Madrigal. El músico murió a los 93 años. Fue maestro de maestros.


Ayer se conoció la noticia de la muerte del bandoneonista Marcos Madrigal, hace exactamente una semana, a los 93 años. Se había mantenido activo hasta no mucho tiempo atrás, entregando los secretos del instrumento a los jóvenes que se acercaban a su modesta casa del barrio de Saavedra; activo y silencioso, podría agregarse, algo retirado del mundo o de proyectos como El Café de Los Maestros (“No me llaman, no sé... tal vez porque saben que no me gusta ir a ningún lado).

Su bandoneón había sonado en la primera formación de Osvaldo Pugliese, en la efímera orquesta de 1936, y un año más tarde en el trío que creó Horacio Salgán para acompañar a Carmen Duval. Y además de la orquesta de Salgán, también las de Lomuto, Vardaro, De Caro, Gobbi y Fresedo lo contaron en sus filas.

En su última entrevista, en febrero de 2007, el músico evocaba aquellas primeras experiencias orquestales: “Pugliese escribía unos fraseos difíciles, no desde el punto de vista técnico sino expresivo. El tuvo la paciencia de enseñarme; no tocaba el bandoneón, pero sabía lo que quería del instrumento. Con Salgán tuve que estudiar como loco y aprendí muchísimo. Fuimos muy amigos.” Maestro de maestros -José Libertella y Ernesto Baffa fueron algunos de sus discípulos-, Madrigal creó un método propio de bandoneón editado por Ricordi en dos volúmenes, que gozó del reconocimiento de su admiradísimo Roberto Di Filippo.

Su relación con la música empezó a los nueve o diez años. “Mi padre siempre tuvo almacén o restaurante y en cierta época estábamos en la calle Estados Unidos. Enfrente había una empresa y el chofer tocaba el bandoneón. Se llamaba Fernando. Tocaba muy bien, delicadamente, como me gusta a mí. Venía a comer a casa y mi padre le pidió que me enseñara. Pugliese y Salgán fueron grandes maestros para mí, pero Fernando fue el único que me enseñó a tocar este instrumento diabólico”.

El músico se perfeccionaría de manera autodidacta. “Después de un tiempo de lecciones, mi padre mudó el restaurante, así que tuve que empezar a buscar maestro. Pero en aquel tiempo los profesores, dentro de las academias, tenían 30 o 40 alumnos; el bandoneón era el instrumento principal y, claro, me querían enseñar lo que yo ya sabía. Entonces me decidí a estudiar solo y de esta forma pude salir del paso”.

Su repertorio no sólo abarcó el tango, sino el folclore de Latinoamérica y la música clásica, especialmente transcripciones de Julián Aguirre e Isaac Albéniz.

http://www.clarin.com/espectaculos/musica/Quejas-bandoneon_0_370763020.html

Recuerdo de Don Osvaldo Pugliese- Por Don Marcos Madrigal(Gracias Maestro!)

Rubén / El Ermitaño de Bernal



El misterio del ermitaño bonaerense

Miguel Frías, Roberto Testa y Pablo Osores lograron ingresar al mundo de Rubén, un hombre de 77 años que hace 30 no sale de su casa en Bernal y lo plasmaron en “Como bola sin manija”, un documental que este jueves llega a la sala del INCAA dedicada al género.


10/11/10 - 19:16
Por Victoria Reale



Hicieron la película con una cámara prestada, que se les rompió el último día. La encendían cuando lograban un clima íntimo. Miguel Frías, Roberto Testa y Pablo Osores, directores del documental “Como bola sin manija”, buscaron retratar el microcosmos de Rubén, un hombre de 77 años que hace casi 30 que se niega a salir de su casa de Bernal.


Sus contactos con el mundo exterior son una vecina, que le hace los mandados, y tres sobrinos. En su mundo también hay un amigo, Manija, de quien se distanció hace años y que tal vez posea la clave del misterio de la auto-reclusión de Rubén.


“Como Bola sin Manija”, que se estrena este jueves 11 de noviembre en la sala INCAA DOC del Arteplex Belgrano, es la primera película del periodista Miguel Frías y el segundo largometraje documental de Roberto Testa y Pablo Osores, que antes codirigieron “Flores de Septiembre”, un filme sobre los alumnos desaparecidos del Colegio Carlos Pellegrini.


-¿Qué rol juegan la familia y la vecina en la vida de Rubén y en la película?
-Miguel Frías: Una de las particularidades de Rubén es haber creado un microcosmos que funciona en torno a él. Elegimos los personajes gracias a los cuales el protagonista puede vivir encerrado porque lo abastecen desde todo punto de vista. La vecina le hace desde los mandados hasta las apuestas de la quiniela y el turf. Sus tres sobrinos son muy diferentes entre sí y también tienen posiciones muy diversas frente a él. Ana intenta conocerlo a través del esoterismo, Nora tiene una actitud más maternal y racional, y Nicolás siente como una carga la convivencia con Rubén. La película muestra cómo funciona este microcosmos.


-¿Qué papel juega Manija?-
MF: Ese es el personaje que marca el contrapunto dentro de la película. Él es su viejo amigo y también familiar de Rubén. Cuando lo fuimos a buscar a la ciudad de Rojas, donde vive, nos dimos cuenta de que así como tienen muchas cosas en común con Rubén, también tienen bastantes diferencias. Rubén aparece casi siempre estático y su fuerza es la palabra, en tanto Manija casi siempre está desplazándose pero es más retraído, aunque cálido.


-La película pone en evidencia los límites que les impusieron los protagonistas en algunos momentos del rodaje. ¿Qué límites se impusieron ustedes en el momento del montaje?
-Roberto Testa: Hay una decisión ética previa que compartimos los tres, que es que cuando hacés documentales trabajás con personajes, pero esos personajes son personas con las que tenés una aproximación afectiva. No queríamos caer en el grotesco. Durante el rodaje, los protagonistas nos establecieron sus límites y nosotros los respetamos. Cuando nosotros empezamos a pensar el montaje sabíamos que queríamos que se notara la presencia de la cámara, que es un elemento que modifica aquello que enfoca.

- Pablo Osores: Nuestra premisa durante la edición, fue el respeto, porque estás al límite de ridiculizar a una persona mayor y no queríamos que eso pasara.

-MF: La cámara está muy encima de los protagonistas, pero en los momentos en que hay que respetar la intimidad de ellos se aleja respetuosamente.


-Una de las temáticas del filme es la soledad durante la vejez. ¿Cómo trabajaron para que no fuera una película oscura?
-RT: Rubén es una persona insondable, nunca sabes qué está pensando. Por momentos creés que es ingenuo pero después te das cuenta de que te está tomando el pelo. Rubén tiene un magnetismo más allá de lo que dice, porque transmite mucho con su rostro y su cuerpo, y no te deja caer en lo oscuro.


-PO: Rubén es una persona mayor que vive auto-recluído y puede parecer solitario, pero en realidad tiene mucha energía.


-MF: Por conocerlo hace 15 años, estoy convencido de que las características que se ven en la película tienen que ver con su personalidad, no tanto con la vejez. Él siempre tuvo un estilo de antihéroe, es ermitaño pero afable a la vez, con mucho sentido del humor. Nosotros no queríamos transmitir un clima oscuro, a pesar de que nuestro protagonista vive en un encierro autoimpuesto. A partir de la mitad del filme, decidimos incluir a su amigo Manija, quien quizás lo haga replantearse algunas decisiones.


http://www.revistaenie.clarin.com/escenarios/cine/misterio-ermitano-bonaerense_0_369563282.html

"Como Bola sin Manija" Trailer

Gustavo Cerati /11th Annual Latin GRAMMY® Awards



Gustavo Cerati gana tres Latin GRAMMY® Awards

Jue, 11/11/2010 - 23:20

Gustavo Cerati, internado en coma desde mayo tras sufrir un accidente cerebrovascular, recibió tres GRAMMY® Latinos en la undécima edición de esta ceremonia, que se realizó en Las Vegas y tuvo un comienzo a pura emoción, con una premiación fuera de cámara en la que artífices de "Fuerza Natural" agradecieron emocionados los trofeos.


Productores del disco Fuerza Natural, del músico argentino de 51 años, subieron a la tarima a recoger los GRAMMY® Latinos por Mejor Album de Rock, Mejor Canción de Rock por "Deja vu" -escrita e interpretada por Cerati- y el premio a Mejor Diseño de Portada.

"Esto quiero agradecerlo a Gustavo, que siempre quiso que fuésemos más lejos y más lejos en todo", dijo con voz entrecortada Roy García, director de arte del disco Fuerza Natural, quien dijo que los primeros dibujos de ese empaque lo hizo mano a mano con Cerati.

Pero, además de los galardones, a Cerati lo llenaron de elogios sus competidores en las distintas categorías. Tal el caso de la mexicana Eli Guerra, que perdió con Fuerza Natural en el rubro de diseño de portada y manifestó "que un ser superior tenía que imponerse y se merecía este premio y mucho más por su legado".


En 2006, en una ceremonia en el Madison Square Garden, Cerati ya había sido premiado por la Academia Latina. En aquella oportunidad fue reconocido por "Crimen" (Mejor canción de rock) y por "Ahí vamos" (Mejor Album de rock).

http://www.larepublica.pe/11-11-2010/cerati-gana-tres-grammys-latinos


Gustavo Cerati - Déjà Vu – (Video Clip)


Gustavo Cerati - Déjà Vu – (En Vivo)

jueves, 11 de noviembre de 2010

Harry Nilsson / Who Is Harry Nilsson?


El hombre del que todos deberían hablar

Un documental explora con lupa la vida y la música del enigmático Harry Nilsson

HELENA BELMONTE - Barcelona - 01/11/2010


En 1968, cuando le preguntaron cuál era su banda favorita, John Lennon respondió "Nilsson", que no era un grupo, sino el cantautor Harry Nilsson, que había dejado su Brooklyn natal para probar suerte en Los Ángeles. El hombre al que el mundo conoce por cantar Everybody's Talkin' en Midnight Cowboy (justamente una canción que no escribió él) fue uno de los músicos más talentosos del siglo pasado, le llegaron a llamar el beatle norteamericano por el lirismo de sus canciones y su voz dulce y celestial. Fue un luchador y un autodestructivo. Un juerguista y un marido devoto. Un hombre seguro de su talento que sin embargo, nunca quiso tocar en directo.

En el documental de John Scheinfeld Who Is Harry Nilsson? (And Why Is Everybody Talkin About Him?), sus mujeres, hijos, amigos, y colaboradores musicales responden al interrogante del título. Quién era este hombre que murió en 1993 a los 52 años y por qué deberíamos estar todos hablando de él. En el documental aparecen Yoko Ono (Lennon llegó a grabar un disco con Nilsson y se convirtió en uno de sus mejores amigos) su íntimo amigo Ringo Starr, Micky Dolenz de The Monkees, Van Dyke Parks, Terry Gilliam, Robin Williams, con quien trabajó en varias películas, o Randy Newman, cuyas canciones versionó.

Harry Edward Nilsson III nació el 15 de junio de 1941 en Brooklyn (Nueva York) y a los tres años fue abandonado por su padre. Creció con una madre alcohólica y pobre. A los quince años se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como vendedor en un teatro y luego en un banco. Siete años después, se presentó en los estudios RCA con su guitarra y su voz multioctávica y le ficharon.

Harry Nilsson - One


Luego vino el éxito, dos matrimonios rotos y farras eternas sin límite de drogas y alcohol. "Harry llamaba a tu puerta a las cuatro de la madrugada y sabías que empezaba una aventura de tres días", explica Micky Dolenz. Robin Williams dice que ni siquiera es capaz de recordarlas. "Las debo tener olvidadas en el córtex", afirma.


Nilsson era un hombre empeñado en satisfacer a sus musas, aunque le costara que le echaran de la discográfica. En 1971 publicó el que está considerado su mejor álbum Nilsson Schmilsson, (1971), que le valió un Grammy. Según el productor del álbum, Richard Perry, la que comenzaba a ser su madurez creativa se fue al garete por culpa de su impulsividad. "Venía al estudio y no me quería escuchar. Quería que todo sonara como él quería", explica Perry en la película. "Yo le dije que si quería hacer las cosas así las hiciera por su cuenta", añade.


El día que se celebró el funeral de Nilsson, en 1994, se produjo el terremoto de Northridge, y "hasta el ataúd temblaba", explica, entre risas, su última esposa, Una, con la que tuvo cinco hijos. Le enterraron en Valley Oak Memorial Park, en Los Ángeles. Junto a la tumba, George Harrison empezó a entonar una de las canciones más famosas de Nilsson, You're Breaking My Heart, una iniciativa a la que se acabaron sumando familia y amigos. La canción, cuyo estribillo dice "You're breaking my heart, you're tearing it apart, so fuck you" (me estás rompiendo el corazón, haciéndolo trizas, que te jodan, pues", sirvió de himno en una despedida poco convencional para un hombre del que vale la pena hablar.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/hombre/todos/deberian/hablar/elpepucul/20101101elpepucul_1/Tes



Who Is Harry Nilsson (And Why Is Everybody Talkin' About Him)? - Trailer

miércoles, 10 de noviembre de 2010

Paul McCartney / En Argentina “Up & Coming Tour”



McCartney abre esta noche sus conciertos en Buenos Aires

Paul McCartney, el gran artista que encarna el legado de Los Beatles, concretará hoy y mañana en el estadio Monumental de River Plate su segunda visita a la Argentina para poner en escena la gira mundial “Up and Coming Tour”.

Desde las 21, el creador que junto a John Lennon fogoneó la usina transformadora de la canción moderna a nivel planetario, promete un show de tres horas que le hará honor a una trayectoria impactante que tiene en Los Beatles y después.


Secundado por Rusty Anderson en guitarra, Brian Ray en guitarra y bajo, Paul "Wix" Wickens en teclados, guitarra y armónica y Abe Laboriel Jr . en batería, el músico nacido en Liverpool el 18 de junio de 1942 encarna un repertorio que bien puede ser considerado una síntesis de la música que cambió lo sonoridad del mundo.

El artista británico asume sin descanso ni pausas canciones de Los Beatles, de Wings, de su tránsito en solitario y también cortes del álbum “Electric Arguments”, el álbum que publicó en 2008.

De ese cancionero, se destacan inolvidables éxitos de Los Beatles como "Hey Jude", "Yesterday" y "Eleanor Rigby" y las sentidas dedicatorias para sus dos compañeros de grupo ya fallecidos: John Lennon, de quien interpretó "Give peace a chance" y de George Harrison al que tributó entonando "Something".

En el marco de esta impactante gira que el domingo estremeció a 50.000 brasileños reunidos en el estadio Beira Río de la ciudad de Porto Alegre, Paul retomará en River su vinculación en directo con el público argentino que únicamente lo disfrutó en 1993 cuando ofreció los recitales del “New World Tour”.

Hace 17 años, Mc Cartney, quien estaba acompañado en su grupo por su esposa Linda -fallecida en 1998- abrió su show en River con "Drive my car" y "Let me roll it", e incluyó gemas de todas sus épocas como "Hey Jude", "Yesterday", "Let it be", "All my loving", "Magical mistery tour", "Band on the run", "Coming up" y un puñado de canciones de "Off the ground".


Mientras que ahora, en su paso por Brasil, escogió "Venus and Mars", "Rock show" y "Jet" para comenzar su espectáculo, tal como había hecho en la gira de 1976, registrada en el disco triple "Wings over America".

El guitarrista y autor, en su trayectoria, también compuso música electrónica y clásica y compuso temas para películas y programas de televisión.

En su impactante producción se cuentan proyectos musicales para organizaciones benéficas y, por ello, además, ingresó en el Libro Guinness de los records mundiales como el músico y compositor más exitoso de la música contemporánea, con 60 discos de oro y ventas en torno a los 100.000.000 de copias.

La canción "Yesterday" es el tema más visitado en la historia de la música con cerca de 3.700 versiones.

Para este reencuentro, McCartney arribó a la Argentina a la 1.24 de ayer en un vuelo privado de Gulfstream, con capacidad para 16 personas, que compartió con su banda y su cuerpo de asistentes.

Bajo una leve lluvia, el intérprete inglés llegó al aeropuerto internacional de Ezeiza y en la misma pista abordó un auto que lo trasladó directamente a la quinta sita en Pilar, en el Gran Buenos Aires, mientras el resto de la comitiva ingresó formalmente al país por la terminal "A".

Los organizadores de estos recitales confirmaron que el estadio enclavado en el barrio porteño de Núñez abrirá sus puertas a las 17 y que el soporte local será el ex líder del grupo Los Piojos, Andrés Ciro, quien desatará la música con un set acústico a partir de las 19.30.


McCartney tocará a las 21 con una especial disposición tecnológica que será la sustitución del uso de combustible fósil por biodiesel para ahorrar el 75 por ciento de emisiones de dióxido de carbono


http://www.telam.com.ar/vernota.php?tipo=N&idPub=203156&id=385852&dis=1&sec=1


Paul McCartney - Live and Let Die (Live in Quebec 2008)

lunes, 8 de noviembre de 2010

Kyuss Lives! / Palm Desert Stoner Rock Group


Kyuss vuelve a reunirse, sin Josh Homme (claro).

La banda pionera del Stoner Rock, Kyuss está de vuelta. Mientras que su ex guitarrista Josh Homme sigue desempeñandose en Queens Of The Stone Age, Dessert Sessions y Them Crooked Vultures, el vocalista John García, el bajista Nick Oliveri y el baterista Brant Bjork han formado una nueva banda llamada Kyuss Lives! El guitarrista Bruno Fevery ocupará el lugar dejado por Josh Homme.

Homme quien estuvo hace un par de semanas tocando en Buenos Aires con Queens Of The Stone Age, se a pronunciado negativamente en varias oportunidades respecto de volver a reunir a la banda, lo cual considera”Una manipulación del legado” . Por lo tanto no formara parte de este nuevo proyecto. Kyuss se separó en 1997.

La gira de Kyuss Lives! constará de 25 conciertos a realizarse en 2011 con varias fechas en el viejo continente.

Kyuss Lives! European Tour 2011
March 11 - Bergen, Norway - Rökeriet
March 12 - Oslo, Norway - Rockefeller
March 13 - Stockholm, Sweden - Debaser Medis
March 15 - Hamburg, ., Germany - Docks
March 16 - Berlin, Germany - Columbia Halle
March 17 - Saarbrücken, Germany - Garage
March 18 - Basel, Switzerland - Z7
March 19 - München, Bayern, Germany - Backstage Werk
March 20 - Budapest, Hungary - Gödör
March 22 - Vienna, Austria - Arena
March 23 - Milan, Italy, - Live Club
March 24 - Frankfurt, Germany - Hugenottenhalle
March 25 - Paris, France - Elysee Montmartre
March 26 - Athens, Greece - Fuss Club
March 27 - Brussels, Belgium - AB
March 28 - Cologne, Germany - Live Music Hall
March 29 - Amsterdam, Netherlands - Paradiso
March 31 - Nottingham, ., United Kingdom - Rock City
April 1 - Wolverhampton, United Kingdom - Wulfrun Hall
April 2 - London, United Kingdom - The Forum
Kyuss - One Inch Man

domingo, 7 de noviembre de 2010

Carlos Monzón/ A 40 Años de la Hazaña de Roma




A 40 años de la gran conquista de Carlos Monzón ante Nino Benvenuti

07 de Noviembre de 2010


Se cumplen hoy 40 años de la gran victoria del santafesino Carlos Monzón ante el italiano Nino Benvenuti, uno de los principales hitos del boxeo argentino en más de un siglo.

Monzón, para muchos periodistas especializados el mejor mediano de la historia, escribió una página de gloria en el pugilismo criollo al noquear al ídolo local Nino Benvenuti y adueñarse de una corona que no abandonaría hasta su retiro en julio de 1977.

Un derechazo que llevaba la fuerza propia y la de millones de argentinos que veían la pelea por televisión, con el relato de Ulises Barrera, o la escuchaban por radio, con el color de voz de Hernán Santos Nicolini, derrumbó en el duodécimo round a Benvenuti y lanzó a la fama a un flaco morocho e ignoto, que había llegado a Roma sin que nadie lo advirtiera.

Ese 7 de noviembre de 1970, en el Palazzo dello Sport, Monzón conquistó Italia, el primer paso de lo que luego sería un reinado que se extendió a Europa y los Estados Unidos, una mezcla del glamour de Mónaco, las tardes jubilosas del Luna Park, el encanto de París y el exámen del Madison Square Garden.

Por entonces, nadie imaginaba la dimensión que iba a alcanzar Monzón salvo su notable y cotizado vencido, que tiempo después tuvo la hidalguía de decir que "subirse a un ring con él era un martirio. Era un boxeador tremendamente efectivo, que iba destruyendo a sus rivales de a poco".

Un Benvenuti que honró a su doble vencedor (también fue noqueado en la revancha en Montecarlo) al afirmar que el santafesino "era magnífico dentro del ring y un gran hombre fuera de él. Lo sufrí entre las cuerdas y disfruté de su amistad fuera del boxeo".

Poseedor de una fortaleza sin par, no sólo para golpear sino también para asimilar castigo en las escasas veces en que pudo ser conectado, Monzón marcó una época en la categoría y también en el boxeo argentino, como para ser considerado el más importante pugilista argentino de todos los tiempos.

Siempre con Amílcar Brusa en su rincón, fue campeón argentino, sudamericano y mundial, corona que defendió en 14 oportunidades, y protagonizó inolvidables duelos con grandes como Jorge Fernández, el citado Benvenuti, Emile Griffith, Jean Claude Bouttier, José "Mantequilla" Nápoles y Rodrigo Valdéz.

Como aficionado debutó el 2 de octubre de 1959 y combatió en 87 oportunidades, con 73 triunfos, 6 empates y 8 derrotas, en tanto como rentado debutó el 6 de febrero de 1963, realizó 100 peleas (15 de ellas por título mundial), con un récord de 87 victorias (59 nocauts), 3 derrotas, 9 empates y una sin decisión.

Números tan implacables como su andar frío y pensante dentro del ring, siempre en el centro del cuadrilátero para imponer su alcance de brazos y ejercer dominio psicológico sobre su rival.

Nació en la más absoluta pobreza el 7 de agosto de 1942 en el barrio La Flecha de San Javier y murió 52 años después, el 8 de enero de 1995, en un accidente automovilístico en el paraje Los Cerrillos, a pocos kilómetros de su pueblo de origen.


En esa fecha gozaba de salidas por buena conducta, tras estar en las prisiones de Batán y Las Flores, condenado por la muerte de su última pareja, Alicia Muñíz, en febrero de 1988 en Mar del Plata.


http://deportes.terra.com.ar/


Monzón Vs. Benvenuti (GKOT R12) -Nov. 07 1970 - Palazzo Dello Sport- Roma- Italia

sábado, 6 de noviembre de 2010

Tom Waits /Heavyweight Red Vinyl for Christmas


Tom Waits reedita su cuatro primeros álbumes

Los fans de Tom Waits están de suerte, ya que acaba de anunciarse que el próximo 21 de Diciembre, el cantante estadounidense reeditará, en forma de vinilos rojos de 180 gramos y por medio de Rhino Records, sus cuatro primeros álbumes: su debut Closing Time (1973), The Heart of Saturday Night (1974), Nighthawks at the Diner (1975) y Small Change (1976); todos ellos lanzados en su momento por Asylum Records.

Estos vinilos rojos, que serán lanzados en edición limitada (sólo se lanzarán 1000 copias de cada título), y estarán disponibles exclusivamente en http://www.tomwaitsstore.com/, ya están disponibles para encargarlos con antelación (aquellos que los encarguen antes del 18 de Diciembre, los tendrán en casa el 24 de Diciembre).

Así que, si alguien tenía dudas sobre qué regalar estas Navidades, aquí tiene una propuesta inmejorable con la reedición de estos cuatro trabajos del genio californiano.


Tom Waits - Invitation to the Blues - From Small Change Álbum (1976)