Malcolm Young / Malcolm Leaves AC/DC

AC/DC's Malcolm Young reportedly in care for ill health in Sydney.

61-year-old AC/DC guitarist and founding member Malcolm Young has retired from the band and is being cared for at a nursing facility in Sydney.

September 26, 2014

Senior Music Writer: Bernard Zuel

It may be that dementia is claiming another giant, this time a musical one.

AC/DC co-founder, guitarist and songwriter Malcolm Young, whose retirement from the band was announced on Wednesday, has been moved into full-time care in a nursing home facility in Sydney's eastern suburbs specialising in dementia, sources connected to the Young family have said.

The home is understood to be Lulworth House in Elizabeth Bay, the same facility that is home to Gough Whitlam and, until his recent death, Neville Wran, who was afflicted with dementia in his last years.

The Young family connection said: "If you were in the room with [Malcolm Young] and walked out, then came back in one minute later, he wouldn't remember who you are. He has a complete loss of short-term memory. His wife, Linda, has put him in full-time care."

Both AC/DC's record company, Sony, and their label, publisher and home for more than 40 years, Albert Music, were approached for comment.

While the announcement of Young's retirement from AC/DC, the band he formed and helped turn into the biggest Australian rock act of all time, has been inevitable for some months, it hasn't lessened the disappointment. Nor the sense of an era ending.

AC/DC have sold more than 200 million albums, feature at or near the top of highest grossing tour lists whenever they play live and were the standard bearers for Australian music years before the likes of INXS, Kylie Minogue or 5 Seconds of Summer.

The sound of pub rock, the defining mainstream sound of Australian music in the 1970s and '80s, could be said to have emerged from the stages and the studios AC/DC inhabited.

Young, the 61-year-old rhythm guitarist and solid centre of the songs behind his flamboyant, lead guitarist younger brother, Angus, officially resigned his position in AC/DC months after returning to Australia from Europe where he had been living.

The first official word on what was assumed to be a serious and debilitating, but still undisclosed, illness, was in April when it was confirmed that Young would not be participating in the recording of the next AC/DC album, which will be called Rock Or Bust and is due out in late November.

In his place during the recording sessions in a Vancouver studio has been his nephew, Steve.

In an announcement from the band's management this week, it was revealed that Steve will join Angus Young, frontman Brian Johnson and drummer Phil Rudd on stage when the band embarks on another massive world tour in 2015.

http://www.smh.com.au/

AC/DC - Let There Be Rock (Malcolm Young Rhythm Guitar Track)

Get Well Soon, Malcolm!

Kenny Wheeler / One of the Great Musical Innovators of Contemporary Jazz

Kenny Wheeler, un ‘Jazzman’ entre la melancolía y el caos

Su trayectoria, compleja y en ocasiones contradictoria, convirtió al trompetista canadiense en uno de los músicos más personales de la historia del género.

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ 21 SEP 2014 - 22:45 CEST

La suya ha sido una nueva crónica de una muerte anunciada. Kenny Wheeler, estrella del jazz británico, falleció el pasado jueves a los 84 años en el asilo cercano a Londres, donde tenía establecida su residencia. Su delicada situación personal y financiera había movilizado la solidaridad del mundo del jazz, que entre otras cosas organizó diversos conciertos benéficos en su Canadá natal. Trompetista, fliscornista, compositor y arreglista, una de las voces más personales e idiosincrásicas que ha dado el jazz en su historia, contaba 84 años de edad.

Kenneth Vincent John Wheeler había nacido en 1930 en la ciudad de Toronto. Cornetista desde los 12 años, estudió composición con John Weinzweig, uno de los pioneros del serialismo al norte de los Grandes Lagos. En 1952, y ante la imposibilidad de obtener el visado para viajar a Estados Unidos, emigró al Reino Unido en la compañía de su amigo de instituto y reconocido crítico musical Gene Lees: “La idea era que íbamos a formar un dúo, él tocando y yo cantando”, recordaba el segundo. “Al final, él fue un éxito y yo fui despedido”.

En 1967, el saxofonista y director de orquesta John Dankworth encargó a Wheeler la música de un nuevo álbum basado en el personaje de Don Quijote: “Era la oportunidad que tanto había estado buscando”, recordaba el trompetista. Dos años más tarde, grabaría su primer álbum como líder, Windmill tilter, acompañado por Dankworth y su orquesta: “Para entonces había progresado mucho, pero aún así seguía siendo un trompetista de bebop que no era capaz de tocar bebop”. Lo que ocurrió a continuación forma parte de la leyenda. El desubicado jazzista canadiense acudió cierto día al Little Theater Club a escuchar a un grupo de jóvenes jazzistas británicos: “Escuché a aquellos tipos tocando lo que llamaban free jazz y en ese mismo momento lo odié”. Sin embargo, regresó al club, aunque sin saber por qué, y, en una de sus visitas fue invitado a participar en la fiesta: “Fue algo grande. No sé si me gustaba, pero sentí que era algo terapéutico”.

Integrado, aunque con reparos, en la escena free londinense, en 1971 pasó a formar parte del cuarteto del multiinstumentista Anthony Braxton. “Con Kenny no podías dar nada por supuesto”, recordaba la cantante Norma Winstone. “Nunca sabías cuál iba a ser su siguiente paso”. Poco a poco, su estilo fue deslizándose del free ortodoxo a una “interpretación estilizada”, según expresión del historiador del jazz Joachim Berendt: “En toda la historia del jazz”, ha escrito Gene Lees, “no hay una carrera que se haya desarrollado más despacio que la suya”.

1975 sería el año de su estreno discográfico con ECM Records. A través de sus grabaciones con Azimuth junto a Norma Winstone y el pianista John Taylor y sus propios discos, Wheeler contribuyó a la formación del libro de estilo del sello en su búsqueda del “sonido más bello después del silencio”. Su primer disco como líder, Gnu high, le reunirá con lo mejorcito de entre los artistas de la casa: Keith Jarrett, al piano; Jack DeJohnette, a la batería; y Dave Holland, al contrabajo. Wheeler fue miembro del cuarteto del contrabajista entre 1983 y 1989.

La Royal Academy of Music dedicó al trompetista en 2013 una gran exposición retrospectiva con el título Master of Melancholy Chaos, haciendo referencia al un tanto contradictorio universo musical del creador: “Todo lo que hago”, había declarado el homenajeado para la BBC, “contiene un toque de melancolía y un toque de caos. Escribo canciones tristes y luego consigo los músicos indicados para destruirlas”. Las pasadas navidades, Wheeler entró por última vez en los estudios de grabación Abbey Road para registrar el que iba a ser su primer disco para ECM tras varios años grabando para otras compañías. La publicación del mismo, aún sin nombre, está prevista para los primeros meses de 2015.

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/09/21/actualidad/1411332301_525293.html

Kenny Wheeler - Kind Folk - Angel Song (1997) 

Kenny Wheeler, Lee Konitz, Bill Frisell & Dave Holland

Nick Cave / “Songwriting is about counterpoint. Counterpoint is the key” 20,000 Days on Earth

20,000 Days On Earth dredges the drama and depth of Nick Cave


20,000 Days On Earth
Director: Iain Forsyth, Jane Pollard

By Jason Heller  Sep 16, 2014 12:00 AM

Nick Cave is known first and foremost as a singer-songwriter—mainly in the transgressive post-punk band The Birthday Party and the brooding, mysterious ensemble Nick Cave And The Bad Seeds—but he’s also worked in prose and film. One thing that ties all his projects together is a grainy, cinematic quality, which is partly the reason why 20,000 Days On Earth works so beautifully. The documentary, directed by Iain Forsyth and Jane Pollard, only barely lapses into the standard, talking-head testimonial that’s become the default setting for rock docs. The rest of the film attempts to match, through shadowy nuance and verité-style perspective, the starkness and intensity of Cave’s work, regardless of what medium it takes on. And at that, it almost entirely succeeds.

Cave got his start in the ’70s in an Australian new-wave band called The Boys Next Door; when that group morphed into the harder, weirder The Birthday Party and relocated to England in 1980, it flared up and then promptly imploded. Cave hit the ground running with The Bad Seeds in 1983. That group continues to this day, occasionally taking a break for Cave to indulge in a sleazier, more rock-centric persona as the frontman of his side project, Grinderman. He’s also a novelist, a composer for film and theater, a screenplay writer (of The Proposition and Lawless), and an occasional bit actor. One element runs through all of his endeavors: a majestic, gothic grit that borders on the perversely biblical.

20,000 Days On Earth hits on the major points of Cave’s life and career, and it shrouds itself in a sympathetically murky aura. To its credit, though, the film doesn’t feel tied to any kind of chronological narrative or journalistic agenda; instead it flows like smoke. And even when others poke their heads in to deliver anecdotes—like Bad Seed Warren Ellis, who gruffly, crudely tells a story about seeing Jerry Lee Lewis in concert—they bounce off Cave as if they’re in the strangest buddy movie of all time.

The film is not without its drawbacks. At times, Cave’s omnipresent voice-over verges on self-indulgence, and his pretentious typewriter-troubadour role feels thin after a while. But the voice behind that voice-over is so commanding and compelling. Scenes of Cave undergoing some sort of staged psychoanalysis seems silly at first—that is, until he opens up with some truly fascinating insight into his family life, his sex life, and above all, his creative process. “The more I write, the more detailed and elaborate the world becomes,” he explains, but that arrogance is charismatically offset by lighter scenes, including one where Cave, elder statesman of the underworld, sits down at the piano to play a Lionel Richie song.

“Songwriting is about counterpoint. Counterpoint is the key,” Cave expounds, and that’s precisely what Forsyth and Pollard do in the film through their juxtaposition of the mundane and the profound—and of the myth-building and the myth-poking. Those who have ever dreamed of seeing Cave stare at his own bloodshot eyeballs in a bathroom mirror (and all that might symbolize) won’t be disappointed—but neither will those who follow him with slightly less cultish zeal, or even just mild curiosity. 20,000 Days On Earth doesn’t try to be a journalistic, comprehensive study of its subject—but with so much texture and atmosphere on tap, it doesn’t need to.

http://www.avclub.com/review/20000-days-earth-dredges-drama-and-depth-nick-cave-209198

20,000 Days on Earth - Official Trailer

Gustavo Cerati / "El León Dejó De Luchar"

Tras cuatro años en coma, murió el músico argentino Gustavo Cerati.


Por Associated Press
Publicado: 04/09/2014 13:08 EDT 

Buenos Aires (AP) — Tras pasar más de cuatro años en coma luego de sufrir un accidente cerebrovascular, el músico argentino Gustavo Cerati, alma de la legendaria banda de rock Soda Stereo, murió el jueves. Tenía 55 años.

Cerati, un talentoso y versátil compositor, encabezó uno de los más importantes grupos de rock de Iberoamérica en las décadas de los 80 y 90 con aclamados temas como "Signos", "Persiana americana" y "Cuando pase el temblor".

Tras la disolución en 1997 de la agrupación que formó junto a Charly Alberti y Héctor "Zeta" Bosio, tuvo una exitosa carrera como solista y productor.

Cerati nació el 11 de agosto de 1959 en Buenos Aires y desde los nueve años sintió una inclinación por la música.

De niño formó un trío con el cual se presentaba en fiestas particulares y llegó a dirigir el coro de una iglesia. Muchas de las melodías que grabó en las canciones de Soda Stereo nacieron durante su niñez, explicó alguna vez en entrevistas.

Mientras cursaba la carrera de publicidad en la Universidad de El Salvador de Buenos Aires, Cerati conoció a Bosio, futuro bajista de Soda Stereo. Ambos intercambiaban discos de The Police, XTC y Elvis Costello y, junto con Alberti, formaron Soda Stereo en 1982.

El grupo se creó justo un año antes de que Argentina saliera de los oscuros años de su última dictadura militar. Basado en el new wave y el punk, el sonido de Soda Stereo reflejaba el renovado optimismo de la época.

En agosto de 1984 la banda grabó su primero de siete álbumes de estudio, entre ellos "Signos", que fue platino en Argentina y doble platino en Chile y "Doble Vida", cuyos célebres temas "Lo que sangra (la cúpula)" y "Corazón delator" consagraron al grupo como uno de los más sólidos de habla hispana.

Soda Stereo hizo varias giras por América Latina y en 1989 realizó la primera presentación de una banda de rock en español en Estados Unidos, con un espectáculo en Los Ángeles para el cual se agotaron las entradas.

Tras 15 años juntos, el grupo anunció su separación en 1997 citando "diferentes desentendimientos personales y musicales". Para despedirse, la banda realizó una gira latinoamericana que terminó ante más de 70.000 personas en Buenos Aires.

Cerati siguió con los trabajos en solitario que había comenzado mientras la banda seguía viva. También colaboró con una amplia gama de artistas.

Por casi una década experimentó con distintos sonidos, entre ellos la electrónica, la música de orquesta y el hip hop, buscando distanciarse de las ideas musicales de Soda Stereo, según explicó en una entrevista con The Associated Press.

Con su disco "Ahí vamos" en 2006 retomó el sonido rockero de la época de Soda Stereo.

"Pasado el tiempo, ya no preocupa recuperar ciertas esencias sonoras que me resultan familiares y todo convive, todo lo que he hecho es parte de mí, es parte de lo mismo", dijo el músico a AP.

El disco le supuso la obtención de siete premios Gardel de la música argentina, un auténtico récord.

Cerati también tuvo éxito con los aspectos más técnicos de la música. Ganó el Grammy como productor del disco de Shakira "Fijación oral Vol.1" en 2007. La banda de sonido que editó para la película "+ Bien" fue nominada a mejor álbum instrumental pop para los Latin Grammy en 2001.

En 2007 Soda Stereo hizo realidad el sueño de sus fanáticos al juntarse para una gira que comenzó en el estadio River Plate de Buenos Aires, donde se habían despedido de su público 10 años antes.

"Yo dije que nos íbamos a volver a juntar cuando no estuviéramos demasiado patéticos y todavía no lo estamos", dijo Cerati cuando habló de ese reencuentro. El cantante explicó que quería que sus dos hijos vieran tocar en vivo a Soda Stereo.

Más de un millón de personas asistieron a los conciertos celebrados en distintas ciudades latinoamericanas, después de lo cual los tres músicos siguieron sus caminos por separado.

El último trabajo de Cerati como solista, "Fuerza natural", salió al mercado en 2009.

El disco es "una sucesión de historias rodeadas por la magia del folk, la vibración del pop, el poderío del rock, la manipulación electrónica, el color de la psicodelia y la calidez de los sonidos acústicos", destacó la página de internet del artista.

El disco tuvo un éxito instantáneo. A menos de una semana de su lanzamiento, encabezaba las listas de ventas en Argentina, México, Colombia y Chile.

En abril de 2010, durante un descanso en su gira internacional "Fuerza natural", Cerati dijo a AP que aún buscaba expandir sus límites como artista. Afirmó que su creatividad seguía fluyendo.

"Tengo períodos cuando me siento a hacer algo así como gimnasia creativa para sacar ideas y también tengo momentos en los que necesito tiempo para regenerarme", expresó.

Menos de un mes más tarde, el 16 de mayo, se desvaneció al final de un concierto en Caracas. Había sufrido un accidente cerebrovascular.

El 7 de junio fue trasladado a Buenos Aires, donde permaneció en coma hasta el jueves.

http://voces.huffingtonpost.com/2014/09/04/gustavo-cerati-muere-muerte_n_5766850.html

Soda Stereo - Té para tres (MTv Unplugged) (1996)