Trombone Shorty / 43 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona

Trombone Shorty abre el 43 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona

Culture

La ciudad condal acoge de nuevo este festival donde sus escenarios principales serán Palau de la Música, Luz de Gas, el Auditorio, el Teatro Coliseum donde actuarán los grandes de la música Maria Schneider Orchestra, Paolo Conte o el Pat Metheny Trío.

Ya son muchos los que han confirmado su presencia, Maria Schneider Orchestra que actuará en el Palau de la música el día 20 de octubre, Andrea Motis & Joan Chamorro Group, Enrico Rava Tribe, Umbria Jazz Barcelona, entre otros.

La gran novedad de este año es, Troy Andrews conocido como “Trombone Shorty”. Es uno de los talentos más arrolladores del jazz . Con solo 23 años, ya ha colaborado con artistas de la talla de de Ivan Neville, Norah Jones, Diana Krall y Lenny Kravitz entre muchos otros.

En septiembre, regresa a Europa para presentar su nuevo disco, For True, será el concierto-fiesta pórtico del 43 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona ( que tendra lugar en Sala Bikini, el 27 de septiembre), un estimulante preámbulo antes de toda la programación a partir del 20 de octubre.

Troy se encagará de preparar el terreno al resto de artistas invitados al Festival. La propuesta musical de Trombone Shorty, mezcla toda la energía del funk y el rock trabajando a través de una depuradísima técnica.

Además de cantar , es un excelente trombonista y magnífico trompetista , tiene la habilidad de interactuar con el público y sus compañeros de la banda. En el escenario deslumbra con su energia y encarna el lenguaje de su New Orleans natal.

Sin duda, la mejor receta para empezar el Festival Internacional de Jazz de 2011

http://www.barcelona-deluxe.com/es/cultura/

Trombone Shorty

David Honeyboy Edwards / Last of the Great Mississippi Delta Bluesman

Muere el músico de blues David 'Honeyboy' Edwards a los 96 años

Martes 30 de agosto de 2011

Chicago Illinois (Reuters) - El músico de blues ganador de un Grammy David "Honeyboy" Edwards, cuya forma de cantar emotiva y sus tiempos excéntricos cautivaron al público desde su Mississippi natal hasta Europa, ha muerto a los 96 años, dijo el martes su representante.

Edwards murió el lunes de una insuficiencia cardiaca, según el representante Michael Frank, que también tocaba la armónica en el trío de Edwards.

"Honeyboy era el cantante de blues del Delta por antonomasia", dijo Frank.

Edwards estaba entre los últimos músicos que conocieron y tocaron con el legendario 'bluesman' Robert Johnson, que murió en 1938, y en su carrera se cruzaron artistas como Charlie Patton, Big Joe Williams, Sonny Boy Williamson, Howlin' Wolf, Lightnin' Hopkins, Big Walter, Little Walter y Muddy Waters.

Edwards, que nació en 1915 en Shaw, Mississippi, ganó un premio Grammy en 2008 al mejor álbum de blues tradicional por "Last of the Great Mississippi Delta Bluesmen: Live In Dallas". En 2010 fue galardonado por toda su trayectoria.

Edwards tocaba normalmente una guitarra acústica, sentado en una silla en el escenario, aunque estaba en constante movimiento.

"Era un intérprete y músico muy emotivo y físico", afirmó Frank. "Usaba su cuerpo en sus actuaciones sobre el escenario para los efectos".

"Tenía un estilo excéntrico, con un tiempo inusual. Hacía cambios de forma impredecible. Esa era la prueba Honeyboy", agregó Frank.

Edwards, que cayó enfermo en abril, realizó su última gira por Europa en 2009, actuando en 10 conciertos en Inglaterra. En sus giras, actuaba en clubes pequeños, teatros y festivales de música.

Aunque fue más conocido por arreglar los temas de otros artistas de blues, Edwards escribió varias canciones, incluidas "Long Tall Woman Blues", "Gamblin' Man" y "Just Like Jesse James".

http://es.reuters.com/article/entertainmentNews/idESMAE77T0XG20110830

David Honeyboy Edwards - Live in Rotterdam Netherlands

Kevin Ayers / Whatevershebringswesing

Kevin Ayers - “Whatevershebringswesing”

Por Luis Lapuente

“Junto a Ray Davies, Peter Gabriel, Syd Barrett y algún otro más, Kevin Ayers forma parte de la galería de británicos excéntricos del rock, apegados sentimentalmente a la forma de vida y la mitología de su país, pero fascinados por las culturas de otros continentes. La Inglaterra victoriana de Lewis Carroll reaparece en los ‘flashbacks’ del ácido con sus aspectos más benévolos y pintorescos”. Son palabras de Diego A. Manrique, referidas a Kevin Ayers y rescatadas del primer número (mayo 1975) de la llorada revista “Ozono”. Entonces, Kevin Ayers acababa de publicar uno de sus discos más deliciosamente menores, “Sweet deceiver” y ya contaba con un brillante pasado (fue, entre otras cosas, miembro fundador de Soft Machine) y con un espléndido catálogo que lo acreditaban como uno de los más fascinantes intérpretes británicos de principios de los setenta.

A la espera de que alguien se decida a preparar una antología como es debido de aquellos discos irrepetibles (desde “Joy of a toy” hasta el primoroso recopilatorio “Odd ditties”), habrá que empezar recomendado el que muchos consideramos su obra maestra (junto a la mencionada antología de singles y rarezas “Odd ditties”), el sensacional “Whatevershebringswsing”, tercero de una serie absolutamente obligatoria para los amantes del llamado sonido Canterbury y del rock británico diletante, perezoso, indolente y patafísico, a mayor gloria de Ray davies y Brian Eno: “Joy of a toy” (1969), “Shooting at the Moon” (1970), “Whatevershebringswsing” (1971), “Bananamour” (1973), “The confessions of Dr. Dream” (1974) y “June 1 1974″ (1974), además de sus colaterales “Odd ditties” (1976) y “Linguistic leprosy” (1974), este último acreditado a Lady June.

Muy pocos reconocen en Kevin Ayers al músico y vocalista fascinante que es, quién sabe si por su rabiosa vocación bohemia, por su irrefrenable afición etílica o por su indudable tendencia al disparate juguetón. De él se ha dicho que tiene tres clases de canciones: las que compone mientras bebe, las que compone borracho y las que compone en plena resaca.

Supongo que en “Whatevershebringswsing” (un título y una portada delirantes) se encuentra lo mejor de cada grupo. Inquietantes estampas pop con vocación de banda sonora de “Alicia en el país de las maravillas”, como ‘There is loving / Among us / There is loving’. Piezas lúgubres, recicladas de alguna escena del “Jardín de las delicias” de El Bosco, como ‘Song from the bottom of a well’. Miniaturas melódicas apenas contrapunteadas por unos coros lánguidos y unos punteos en penumbra, como la sensacional ‘Whatever she brings we sing’. Trallazos irresistibles de rock and roll hippy, en corto y por derecho, como ‘Stranger in blue suede shoes’, uno de sus temas más celebrados. Disparos de cabaret decadente y vacilón, como ‘Champagne cowboy blues’, y paisajes dulzones, como el instrumental ‘Lullaby’.

Todo un tratado de buen gusto melódico, sofisticado sentido del humor y sabiduría pop firmado por el único e inimitable Kevin Ayers.

Kevin Ayers - There is loving among us, there is living - Whatevershebringswesing (1971)

Frank Zappa / Words & Music of Frank Zappa

Frank Zappa (1940-1993)

• "Sin desviarse de la norma, el progreso es imposible".

• "El arte es hacer algo de la nada y venderlo".

• "La estupidez tiene un cierto encanto del que la ignorancia carece".

• "Lee el Kama Sutra ¿Cuánta gente murió por leer el Kama Sutra comparado con la Biblia? ¿Quién gana?"

• "El comunismo no funciona porque a la gente le encanta poseer porquerías".

• "Cuanto más aburrido es un niño, es cuando más sus padres, al mostrar a su hijo, reciben adulaciones por ser buenos padres. Porque tienen un chico domesticado como un animalito en sus casas".

• "Si tienes una vida aburrida y mediocre es por haber escuchado a tu mami, a tu papi, a tus profesores, a los curas o a algún tipo en la televisión diciéndote cómo hacer las cosas ¡Así que te lo mereces!"

• "Cienciología... Pones unas monedas y un tipo te resuelve unas cuantas de tus preguntas, y si pagas suficiente dinero te convierte en un Maestro ¿Qué diferencia tiene con las otras religiones?"

• "Adán y Eva estaban en el paraíso, y el cuento de hadas dice que la serpiente "mala" convenció al hombre de comer la manzana del Árbol del Conocimiento. Y el castigo fue que Eva debería sangrar y él tendría que trabajar ¿Pero qué tenía de malo querer tener conocimiento? Por ello, el cristianismo es una religión anti-intelectual. No quieren que seas inteligente. Así que sé un estúpido imbécil y tienes el cielo ganado. Eso es el cristianismo".

• "Después de todo, Dios escribió el libro, ¡y en él dice que nos hizo a su semejanza! Asi que si somos tontos, entonces Dios es tonto. Y tal vez un poco feo..."

• "Mi consejo como padre es que, si quieres criar a un niño feliz y saludable mentalmente, aléjalo de la iglesia lo más que puedas."

• "Nunca me ha importado que treinta millones de personas puedan pensar que estoy equivocado. El número de personas que pensaban que Hitler tenía razón no prueba que estuviese en lo cierto ¿Tengo acaso que estar necesariamente equivocado sólo porque unos pocos millones de personas piensen que no tengo la razón?"

• "Algunos científicos argumentan que, debido a su abundancia, el hidrógeno es el bloque básico con el que el universo está construido. Estoy en desacuerdo. Pienso que hay mucha más estupidez que hidrógeno, y que por lo tanto la estupidez es el bloque básico con el que el universo está construido".

• "El periodismo musical consiste en gente que no sabe escribir entrevistando a gente que no sabe hablar para gente que no sabe leer".

• "Sin música para decorarlo, el tiempo es sólo un puñado de aburridos plazos límite de producción o fechas en las cuales deben pagarse las cuentas".

• "Escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura".

• "La música es físicamente la más inspiradora de todas las artes."

• "Si no lo captas, es que no tenías que captarlo."

• Entrevistadora: “¿Cómo quieres que te recuerden?" — “Yo no quiero que la gente me recuerde."

Frank Zappa - Chunga's Revenge – Trance-Fusion

FC St. Pauli / Die Pride of Hamburg

Sankt Pauli, el club del antinazismo

Alli están, los trabajadores del puerto saltando, los indigentes cantando, los gigoló abrazados a las prostitutas y unidos en un grito de gol; estudiantes universitarios, homeless, negros, extranjeros, antifacistas… Todos juntos, en un mismo recinto y participando de una fiesta inigualable. No, no es una película de Fellini, es la tribuna del Sankt Pauli, sin dudas un club muy particular.

El club pobre de una ciudad rica

En el centro de Hamburgo, muy cercano al puerto de esa ciudad (el 2do en importancia en Europa) se eleva el estadio del FC Sankt Pauli, un pequeño club cuyo mayor logro futbolístico es haberle ganado en 2002 al Bayern Munich que venia de ser Campeón Intercontinental por 2 a 1 y del cual sus hinchas se enorgullecen por ser el único estadio sin tablero electrónico en la Bundesliga y tener el número mas grande de admiradoras en toda Alemania.

Los Piratas del Norte (tal su apodo) son tan humildes como para sentir orgullo de estas pequeñeces pero a la vez tan fuerte como para enfrentarse abiertamente al nazismo, puesto que dentro del club esta prohibido todo acto nacionalista, fascista y/o nazi.

Orígenes y nacimiento del mito

El club se fundó en 1899 como un grupo informal de entusiastas del fútbol. Este equipo no jugó su primer partido hasta 1907. Oficialmente establecido el 15 de mayo de 1910, el club jugó como " St Pauli TV" hasta 1924 cuando se formó por separado un equipo de fútbol llamado FC St Pauli.

A mediados de los años 80 el St. Pauli comenzó la transición de un club tradicional en un "Kult" (club de culto). El club cambió la ubicación de sus terrenos y se mudo al muelle de St. Pauli. El centro de la vida nocturna de la ciudad y su barrio chino están allí. Casi de manera espontánea surgieron los ideales comunistas y socialistas por los que se inclina el club y la atmósfera de sus partidos. Los hinchas adoptaron el cráneo con huesos cruzados como su propio emblema no oficial. El cambio de ubicación beneficio al equipo puesto que los portuarios, las prostitutas, los marginales y algunos homeless que de vez en cuando obtenían entradas sin cargo comenzaron a apoyar al equipo del barrio y su afición creció de 1.600 a principios de 1981 a un promedio de 20.000 en la década del 90.


Un estudio reciente estimó que el equipo tiene aproximadamente 11 millones de admiradores en todas partes de Alemania. Hay aproximadamente 200 clubs de fans certificados, muchos de ellos fuera del pais. El mayor "fan club" fuera de Alemania y el que más a viajado a el estadio Millerntor y al barrio de St.Pauli es la Peña "El Grano" de Valladolid (España), la cual tiene previsto organizar un viaje masivo en el año 2010 con motivo del centenario del F.C. St. Pauli.

Este particular club es llamado por sus propios hincha Freudenhaus der Liga (Burdel de la Liga). Hecho que demuestra el orgullo que sienten sus seguidores por la gran cantidad de prostitutas y giggolos que asisten a sus tribunas.

Mientras toda Alemania se veía convulsionada y revolucionada por el circo que la FIFA montaba alrededor de la Copa del Mundo 2006 que se desarrollo en ese país. Los tablones del estadio del St Pauli, también estaban repletos puesto que el club fue anfitrión de la FIFI Wild Cup un torneo compuesto por selecciones nacionales "no reconocidas por la FIFA" como Groenlandia, el Tíbet y Zanzíbar. El club participó con el nombre de República de St. Pauli.

El mito del club de izquierda que se formó alrededor del Sankt Pauli no solo es alimentado por sus hinchas, sino también por sus jugadores. Hace casi tres decaes, varios de sus jugadores viajaron a Nicaragua para colaborar con la revolución sandinista.

Amplitud, integración, regocijo, humildad, orgullo, pequeños triunfos, algún que otro mal trago y mucho, mucho amor… Es todo (y vaya que no es poco) lo que puede ofrecerte este humilde club. Nunca mejor puesta la letra entonces, por que el St Pauli "es un sentimiento, no puedo parar…."

http://www.canaltrans.com/deportes/futbol1/historias/066.html

FC St. Pauli, rebeldes del norte

Nota publicada en el año 2007

Hamburgo siempre ha destilado un cierto aroma libertario, completamente ajeno a la tradicional rectitud y formalidad alemanas. Con su importante puerto marítimo (el segundo más grande de Europa tras el de Rotterdam), la ciudad hanseática siempre ha sido marco del lógico ir y venir de barcos, marineros y personajes variopintos venidos de cualquier parte del mundo, que han ido conformando históricamente el carácter abierto y desenfadado de la ciudad. Además, el intenso comercio marítimo ha sido a lo largo de los años una generosa fuente de riqueza para Hamburgo y sus gentes, ayudando a construir una ciudad elegante, moderna y cosmopolita como pocas en Alemania.

Pero paralelamente, y casi de espaldas a la versión “guapa” de Hamburgo, el distrito de Sankt Pauli ofrece una versión quizá más cruda y descarnada de las realidades de una ciudad portuaria. Creado de la nada con el nacimiento del siglo XVII para dar cobijo a todas aquellas gentes y actividades traídas o generadas por el tráfico marítimo que no eran del gusto de la refinada población de la urbe, Sankt Pauli fue modelando su propia personalidad al margen de la ciudad que le había dado vida, casi a modo de gueto. Su fama fue extendiéndose por todo el mundo, recibiendo miles y miles de visitantes (algunos tan ilustres como los embrionarios The Beatles) y dando lugar a uno de los distritos más inquietos y particulares del país germano. Y así sigue hoy, cuatro siglos después, convertido en un símbolo del desenfreno y la ausencia de normas. Como un oasis en la cuadriculada Alemania.

Como no podía ser de otra manera, un fiel reflejo de la particularidad de este singular barrio lo encontramos en su equipo de fútbol, el FC St. Pauli, un caso sin igual en toda la vieja Europa. Fundado en 1910, el St. Pauli nunca ha sido un equipo destacado en Alemania, y son contadas las ocasiones en las que ha conseguido codearse con los grandes del país. La curiosa y original camiseta marrón de los “piratas del Elba” sólo ha sido defendida en siete ocasiones en la máxima categoría del fútbol alemán, la última en la campaña 2001/02.

Pero no es por sus éxitos o por su sala de trofeos por lo que el FC St. Pauli es un equipo tan especial. Llenar tu estadio con más de 15.000 espectadores jugando en la tercera categoría del país (Regionalliga Nord) no es algo que esté al alcance de cualquier club. El Millerntor-Stadion hace tiempo que no presenta huecos de cemento en sus gradas. En su lugar, la fiel hinchada del segundo equipo de Hamburgo abarrota un animado graderío, que engalana con banderas piratas (adoptada por el club de manera oficial) y símbolos antifascistas o de izquierdas, signos tan distintivos del club como su propio escudo.

Guarida de prostitutas, reducto de movimientos punk y okupa, hogar de los estibadores del puerto y morada de gente joven y de clase trabajadora, la singularidad del distrito de Sankt Pauli queda bien patente en su equipo de fútbol. Identificado con unos ideales más propios del amateurismo que del fútbol profesional, el FC St. Pauli se convirtió a partir de su primer y fugaz ingreso en la elite en 1977, en plena eclosión mundial del punk, en todo un símbolo cultural y social. No fue impedimento para que los problemas financieros asolaran al modesto equipo hamburgués en la década de los 80, obligándole a purgar sus carencias económicas en categorías inferiores. Viviendo al día, con lo puesto. Como un integrante más de la clase obrera a la que aglutina.

Pocos clubes en el mundo tienen la claridad de ideas suficiente como para declararse pública y abiertamente antifascistas, antiracistas, antisexistas y antihomófobos. El FC St. Pauli y sus fans pasean sus ideales con orgullo. Pocos estadios europeos acogen a un número tan elevado de mujeres en sus gradas como el Millerntor, y juraría que ningún presidente de un club de fútbol de primer nivel ha reconocido públicamente su homosexualidad. Corny Littman, cabeza visible del FC St. Pauli, defiende sin pudor, en un ambiente tan hostil en ocasiones como el del fútbol, su condición sexual.

Con este marco tan particular, casi antisistema, no es de extrañar que el pasado año se celebrara en Sankt Pauli, con el club local como anfitrión, la conocida como FIFI Wild Cup, una suerte de campeonato del mundo alternativo disputado al margen del Mundial de la FIFA de Alemania, que enfrentó a los equipos de Groenlandia, Zanzíbar, Gibraltar, Tíbet y la República Turca del Norte de Chipre, además del organizador, “vestido” para la ocasión de República de Sankt Pauli, aunque compitiendo bajo los colores y el escudo del popular club. Una muestra más de las inquietudes socio-culturales de un club que va más allá del mero deporte.

En la recientemente terminada temporada, el FC St. Pauli ha conseguido el ascenso de categoría, por lo que en la campaña 2007/08 podrá medirse a históricos rivales, como el Fc Köln, el Borussia Mönchengladbach o el Kaiserslautern. Poniéndome en la piel de estos, no sé qué me impresionaría más, si saltar al Allianz Arena o al Olímpico de Berlín, o hacerlo al pequeño Millerntor con las estruendosas campanadas iniciales del “Hell’s Bells” de AC/DC como particular bienvenida.

http://www.diariosdefutbol.com/2007/07/22/fc-st-pauli-rebeldes-del-norte/

FC Sankt Pauli - Hamburg Germany

Lionel Messi / Best UEFA Football Player 2011

Messi, elegido mejor jugador en Europa

Jueves, 25 de agosto del 2011 - 20:41h

Leo Messi ha sido elegido mejor jugador de la pasada edición de la Champions. Tras marcar 12 goles y lograr uno de ellos en la final de Wembley sobre el Manchester United, la estrella del Barcelona recoge otro galardón individual delante de Xavi y Cristiano Ronaldo, los otros dos aspirantes.

En la votación, la primera auspiciada por la UEFA, Messi ha sido el ganador, mientras Iniesta ha quedado en cuarta posición y Piqué el octavo, empatado a puntos con el octavo, el sueco Ibrahimovic, del Milan. La elección de Messi ha sido fruto de la decisión de 53 periodistas deportivos del continente

La motivación azulgrana

"Antes que nada quiero agradecer a mis compañeros y a los que me han votado", ha dicho el argentino, quien anotó 53 goles en la temporada pasada, tras recibir el nuevo galardón de manos de Michel Platini, el presidente de la UEFA

"Gracias a mis compañeros estamos aquí, estamos en representación del grupo. ¿Dónde los tengo guardados? Los tengo en casa, bien guardados. Tanto los individuales como los grupales", ha subrayado la estrella argentina con su timidez habitual mientras Ronaldo y Xavi le aplaudían. "Nuestra motivación es seguir haciendo historia", ha concluido el astro azulgrana.

Messi ha quedado primero al obtener 38 votos, Xavi, su compañero en el Barcelona, ha sido segundo, con 11, y Ronaldo ha sido el tercero porque solo ha recibido tres votos. Iniesta ha completado el triunfo azulgrana al quedar en cuarta posición y Piqué se han colado entre los 10 primeros. Tres de los cuatro primeros (Messi, Xavi e Iniesta) son del Barça. Tres de los cuatro primeros han sido creados en La Masia.

http://www.elperiodico.com/es/noticias/barca/messi-elegido-mejor-jugador-europa-1129482

Lionel Messi Best UEFA Fottball Player 2011

Daniel Barenboim / Impulsan postulación al Premio Nobel de la Paz 2011

Daniel Barenboim, candidato al Premio Nobel de la Paz 2011

De esta manera se valora su trabajo en favor de la paz en Oriente Medio y de fin del conflicto árabe-israelí

11/08/2011 08:46 h.

El pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim será propuesto para el Premio Nobel de la Paz por su trabajo en favor de la paz en Oriente Medio, de acuerdo con el anuncio realizado por los promotores de esta iniciativa.

La propuesta será formalizada en un acto que se celebrará el próximo día 17 en la sede de la Academia Argentina de Letras, en Buenos Aires.

"El acto será conducido por Isay Klasse (editor), promotor de la idea. Harán uso de la palabra representantes de diversas instituciones culturales del país", dijo la Academia de Letras en su sitio web.

Daniel Barenboim, nacido en Argentina hace 69 años, actuó hace un año en un multitudinario concierto gratuito y al aire libre en Buenos Aires junto a su orquesta West-Eastern Divan, integrada por jóvenes músicos árabes e israelíes y que es un ejemplo de convivencia pacífica.

El director, que en 1952 emigró con su familia a Israel, creó esta orquesta en 1999 junto con el fallecido intelectual palestino Edward Said, cuando ambos establecieron un taller para jóvenes músicos de Israel, Palestina y otros países árabes con el objetivo de difundir la convivencia y el diálogo intercultural.

"Esta orquesta lleva el mensaje de que tenemos que acostumbrarnos a vivir juntos. Este maldito conflicto no es ni militar, ni político. Es un conflicto humano de dos pueblos que están profundamente convencidos de tener el derecho de vivir en el mismo pequeño pedazo de tierra. Es muy difícil resolverlo", dijo el director cuando el año pasado visitó Argentina.

La orquesta recibió su nombre de una colección de poemas del escritor alemán Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) llamada "West-Eastern Divan" ('Diván de Oriente y Occidente', 1819), una obra de referencia sobre el concepto de cultura global.

http://www.estrelladigital.es/cultura/Barenboim-candidato-Premio-Nobel-Paz_0_1009699054.html

Baremboin on Beethoven (Live from Berlin) Sonata para piano n.º 8 en Do menor, Opus 13 - III. Rondo: Allegro

Anna Politkovskaya / La Última Heroína

Anna Politkovskaya

30 August 1958 (New York City) - 7 October 2006 (Moscow, Russia)

Anna Stepánovna Politkóvskaya (en ruso: Анна Степановна Политковская; Nueva York, 30 de agosto de 1958 - Moscú, 7 de octubre de 2006) fue una periodista rusa y activista por los derechos humanos reconocida por su oposición al conflicto checheno.

Politkovskaya se hizo conocida haciendo reportajes sobre Chechenia, donde muchos periodistas y trabajadores humanitarios habían sido secuestrados o asesinados. Fue arrestada y sujeta a una simulación de ejecución por parte de las fuerzas militares rusas. Además, fue envenenada en camino a Beslán, pero sobrevivió y continuó informando. Escribió varios libros tanto sobre las guerras de Chechenia como sobre la Rusia de Putin y recibió numerosos premios internacionales por su trabajo. Murió tiroteada en el ascensor del edificio de su apartamento en Moscú el 7 de octubre de 2006.


Anna Politkovskaya, la periodista que no quiso callar

Tenía 48 años cuando fue asesinada en el portal de su casa . Durante sus años de carrera, se ganó fama de ser crítica con las atrocidades del Kremlin. Estuvo exiliada en Austria tras escribir un artículo sobre los abusos de un policía ruso. Cuando se dirigía a Beslán a cubrir el secuestro del colegio, fue envenenada en el avión


MIRIAM HERNANZ 07.10.2008

El azote de la injusticia. La voz de los débiles. Esa era Anna Politkovskaya. La periodista recorrió las regiones más peligrosas de Rusia denunciando las violaciones de derechos humanos, las arbitrariedades y los crimenes de los que nadie quería hablar.

Fue valiente hasta las últimas consecuencias y apuntó directamente al hombre más poderoso de Rusia como gran reponsable de muchos de los atropellos que se viven en el país. Y es que la situación se vuelve insostenible en Rusia para los periodistas críticos con el Kremlin. Desde la llegada de Vladimir Putin al poder en el año 2000, una veintena de periodistas han muerto en extrañas circunstancias o han sido asesinados. Pocos casos han sido esclarecidos, y muchos prefieren callar por miedo a ser los siguientes.

Se licenció en 1980 en la Universidad Estatal de Moscú. Entendía el periodismo como un acto de denuncia. Se colgó la mochila de los que sufren en Chechenia y les acompañó en su marcha hacia el destierro, huyendo de las torturas sistemáticas que ejercen en esa zona del país las milicas pro-rusas.

Denunció con nombres y apellidos a los hombres más poderosos de Rusia. Y eso le costó la vida. A principios de los años 90, adquirió la nacionalidad estadounidense, lo que le permitió viajar fuera de Rusia con mayor libertad. En sus viajes, acusó persistentemente a Vladimir Putin de ser uno de los grandes reposnables de los males de su país.

Un exilio obligado

Sus denuncias comenzaron a pasarle factura y en 2001 se vio obligada a refugiarse temporalmente en Austria, después de escribir un artículo sobre las atrocidades cometidas por un policía ruso.

Se involucró hasta el fondo en las tragedias que azotaron al pueblo ruso. En octubre de 2002, durante el secuestro de Teatro Dubrovka de Moscú, llevado a cabo por milicias chechenas, Politkovskaya fue una de las pocas personas que consiguió entrar al teatro pra negociar con los secuestradores. Sus intentos fueron infructuosos y más de un centenar de personas murió en la operación.

Sólo dos años después, la noticia saltó en una escuela de Beslán. Un grupo de terroristas tomó una escuela repleta de niños el mismo día que comenzaban las clases. Politkovskaya fue detrás de la noticia, pero en el avión que la llevaba a Beslán fue, presuntamente, envenenada, tras beber durante el vuelo un té intoxicado. Alguien no quería que contara.

Lejos de asustarse tras este aviso, la periodista siguió incansable su andadura. Publicó varios libros sobre las atrocidades cometidas en Rusia, que fueron traducidos a varios idiomas, entre ellos el español. Obras como 'Terror en Chechenia', 'Una guerra sucia' o 'La Rusia de Putin' retratan un país herido por un odio ancestral. Eso le costó la muerte a los 48 años, el 7 de octubre de 2006, cuando fue asesinada en el portal de su casa.

Durante años escribió para la revista opositora Novaya Gazeta, en donde se granjeo su fama de periodista aguerrida. Sus compañeros piden ahora justicia para esta periodista que tocó los corazones de muchos rusos, que no olvidan que fue asesinada por no querer callar.

http://www.rtve.es/noticias/20081007/politkovskaya-periodista-no-quiso-callar/173528.shtml

Anna Politkovskaya, la conciencia de Rusia

Metallica & Reed / Dispair Stories of Apocalyptic Charge

Metallica y Lou Reed se ponen expresionistas

Lanzarán un disco conjunto en noviembre inspirado en una obra del escritor alemán Frank Wededkind

EL PAÍS - Madrid - 22/08/2011

Habían dado algunos concierto juntos, pero ahora la cosa va un poco más allá: la banda de lo que en su día se llamó trashmetal Metallica y el cantautor neoyorquino Lou Reed están colaborando en un álbum conjunto, titulado Lulu, que verá la luz el primero de noviembre, según se anuncia en la página web de este proyecto común que ya se autodenomina como "Loutallica".

Un "choque entre dioses", lo ha definido la revista Mojo. "No podemos esperar para compartir con vosotros esta música y la experiencia completa", afirman en la web. Esa "experiencia completa" es la de todo un montaje operístico, porque Lulu está inspirado en dos obras del escritor expresionista alemán Frank Wededkind (Hanóver, 1864; Múnich, 1918).

En concreto se trata de los textos El espíritu de la tierra (1895) y La caja de Pandora (1929). Estos trabajos inspiraron a su vez una ópera de Alban Berg, Lulu, estrenada en 1937. Las piezas versan sobre la vida de una desinhibida bailarina (Lulú) que sufre una serie de abusos y que conoce el éxito, la riqueza y también la pobreza extrema.

La idea de llevar adelante este proyecto entre Lou Reed y Metallica surgió por la coincidencia de dos circunstancias: por un lado Reed había escrito letras y melodías para una producción teatral en Berlín; por otro, él y Metallica habían tocado juntos en 2009 en una serie de conciertos del Salón de la Fama y había habido química entre ellos. Así que Lou Reed ofreció esta aventura a Metallica. En mayo se metieron en los estudios HQ de California y han dado forma a 10 canciones.

El trabajo parece finiquitado a la espera de los retoques finales. Para difundirlo se han creado, además de la página web, cuentas en redes sociales. También se ha contratado al reputado fotógrafo y cineasta holandés Anton Corbijn para la elaboración de las fotografías promocionales, lo que da una idea la envergadura que la discográfica de Lou Reed y Metallica (Warner Music, en ambos casos) quiere dar al proyecto.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Metallica/Lou/Reed/ponen/expresionistas/elpten/20110822elpepucul_2/Tes

Primus / Green Naugahyde - Prawn Song/ATO Records

Primus desatan la locura en septiembre con Green Naugahyde

Conceptos tan desequilibrados como la soda de cerdo, los marineros de los mares de queso o los alucino-genéticos solo pueden tener un punto en común: Primus. Una formación cuya mejor definición es lo indefinibles que son, y que encabezados por uno de los mayores genios del bajo como Les Claypool, se han ganado a pulso el título de banda de culto.

El trío californiano volverá doce años después de Antipop con el que será su octavo disco de estudio. Tras un par de retrasos, la banda ha confirmado que Green Naugahyde saldrá a la venta el próximo 13 de septiembre a través de ATO Records y Prawn Song.

Será el primer disco de Primus con Jay Lane en la batería, quien recientemente se unió al equipo tras haber formado parte de él antes del lanzamiento de su primer disco. Según Claypool, este regreso ha influido bastante en el proceso de creación de álbum, haciendo de Green Naugahyde una vuelta a sus inicios. Realmente no lo necesitaban para seguir sonando frescos, pero a ver qué tal les sale.

http://www.hipersonica.com/rock/primus-desatan-la-locura-en-septiembre-con-green-naugahyde

Primus - Last Salmon Man (From Their New Álbum - Green Naugahyde (2011))

Primus lanza nuevo disco

La agrupación californiana se encuentra "acumulando material diariamente" para un álbum, de acuerdo a una entrevista con el bajista y frontman Les Claypool en Billboard.com.

El lanzamiento será el primero del grupo desde "Antipop" de 1999,y Animals Should Not Try to Act Like People(2003) estaría en las bateas a comienzos de 2011.

"En este minuto, es tirar pasta a la pared y ver qué fideos se pegan, grabar ideas musicales de las pruebas de sonido e incluso shows en vivo -señaló Claypool- hemos estado por varias tangentes, y tengo cuadernos llenos de notas. Y ahora con lo del IPhone tengo mi pequeña grabadora y puedo grabar cosas mientras manejo, cuando se me antoja"

Para este registro, Claypool está trabajando con "vieja sangre nueva". Jay Lane fue el primer baterista de Primus en 1988, pero se fue del grupo antes que lanzaran su placa debut, "Frizzle Fry" y ahora se reunió con Claypool y el guitarrista Larry LaLonde cuando decidieron terminar con un receso de cuatro años. Claypool comentó que Lane definitivamente tendrá un efecto en este álbum.

"Jay es un músico mucho más orientado al groove -mencionó- me imagino que los ritmos van a ser muy fuertes e intensos".

http://www.bainsomnio.com/primus-nuevo-disco-2011-tem18069.html

Primus - Extinction Burst (From Their New Álbum - Green Naugahyde (2011))

Boris Vian / Boris Vian Chante Boris Vian

Boris Vian : “Boris Vian Chante Boris Vian”

POLYGRAM, 1991

Por Luis Lapuente

Nunca se escribirá lo suficiente sobre Boris Vian (1920-1959), aquel bendito visionario destajista y socarrón que marcó con su vida y su obra los años más brillantes del París bohemio de postguerra. Novelista excepcional, ingeniero, crítico de jazz, inventor, miembro destacado de la Sociedad Patafísica, animador de la vida nocturna, trompetista, poeta, autor teatral, ensayista, director artístico en la discográfica Phillips, compositor y cantante, Vian fue sobre todo un fabuloso vividor, malogrado prematuramente por una maldita cardiopatía reumática que pocos años después habría podido resolverse con ayuda de la cirugía y una medicación adecuada.

Pero lo que nos importa ahora es el Vian músico e intérprete, capaz de pasar de la humorada con aires de tango al rock’n’roll y al jazz ligero, de la canción protesta al blues, la java, el calypso y otros géneros menores. Compinche de aventuras humanas y artísticas de Alain Goraguer, Serge Gainsbourg y, sobre todo, Henri Salvador (“su mejor medicamento se llama Henri Salvador; él es su mejor refugio contra la depresión y la tristeza”, decían sus amigos), Boris Vian publicó en 1956 un álbum excepcional en la compañía Phillips, “Chansons possibles et impossibles”. Luego, aún tuvo tiempo de registrar un puñado de singles de jazz y rock’n’roll y de producir decenas de canciones para otros artistas, luego compiladas en unos cuantos discos maravillosos (“Rock’n’Roll”, “Chansons et textes”, “Volume I”, “En avanat la zizique”…).

El más recomendable de todos es este “Boris Vian chante Boris Vian”, relativamente fácil de encontrar al norte de los Pirineos o en tiendas de importación. Un CD que rescata la práctica totalidad de los clásicos del autor de La espuma de los días, y que empieza a lo grande, con ese tango memorable titulado ‘Les joyeux bouchers’, que habría querido firmar, imagino, el mismísimo Ray Davies de “Muswell Hillbillies”. A continuación, la estremecedora y subversiva ‘Le deserteur’, escrita en 1954, en plena guerra de Francia con Argelia (“Señor presidente / Voy a escribirle una carta / Que quizá usted lea / Si dispone de tiempo / Acabo de recibir / Mis papeles militares / Para irme a la guerra / Antes del miércoles por la tarde / Señor presidente / Me gustaría no tener que hacerlo / Pues no estoy en esta tierra / Para matar a pobres gentes / No es por molestarle / Pero he de comunicarle / La decisión que he tomado / Voy a desertar”). Y más y más títulos inmortales: ‘La java des bombes atomiques’, ‘J’suis snob’, ‘Le petit commerce’, ‘Bourreede complexes’, ‘Ah!, si j’avais un franc cinquante’, ‘Je bois’ (“Yo bebo sistemáticamente para olvidar a los amigos de mi mujer / Yo bebo sistemáticamente para olvidar todas las mierdas de mi vida…”), además de media docena de piezas inéditas (entre ellas, la deliciosa ‘Barcelone’ y la polka/cha cha cha ‘Mozart avec nous’, basada en la melodía de ‘La marcha turca’).

Desgraciadamente, su vida se truncó en plena madurez artística y personal y hoy solo podemos escuchar estas canciones mágicas cerrando los ojos e imaginándole sobre el escenario de algún club nocturno, tal y como lo describió en cierta ocasión un entregado Serge Gainsbourg: “Tenía una presencia alucinante, terriblemente excitante, perniciosa, cáustica. La gente estaba anonadada. Utilizaba trucos fantásticos para interpretar, cosas que han marcado mi vida para siempre”.

http://www.efeeme.com/86264/operacion-rescate-boris-vian/

Boris Vian - Barcelone

Tom Waits / First New Material in Seven Years

El misterioso regreso de Tom Waits

Todo apunta a que el próximo 23 de agosto el legendario «bluesman» publicará nuevo material cinco años después de su último trabajo, el triple disco «Orphans»

ABC / MADRID
Día 17/08/2011 - 14.08h

Cinco años sin nada nuevo que llevarse a la oreja de Tom Waits son muchos. Pero la espera toca a su fin y, teniendo en cuenta la prolífica personalidad del músico estadounidense, habrá merecido la pena. Y es que todo apunta a que, siete años después de que Tom Waits publicara su último y triple disco, «Orphans», el «bluesman» regresa a escena con nuevo single -y probablemente disco- bajo el brazo.

Los rumores del regreso del autor de «Beautiful Maladies» parten de su propia página web, donde a última hora del lunes apareció un escueto post que dejó con la miel en los labios a todos sus fans: «Hemos escuchado multitud de rumores. ¿Nuevo material de Tom Waits? Visita TomWaits.com el martes 23 de agosto y el propio Tom Waits aclarará las cosas».

Pero, según publica hoy la web de música NME, Amazon habría acabado con el misterio al publicar en su web una información sobre la posibilidad de reservar un supuesto nuevo single de Tom Waits llamado «Bad As Me» y que saldría a la venta el citado martes 23 de agosto.

Amazon incluye también la portada del nuevo tema, que dura 3 minutos y diez segundos, pero no dice nada sobre un posible nuevo disco de Tom Waits, pese a que los rumores ya apuntan a su salida con el mismo nombre que el single

http://www.abc.es/20110817/cultura-musica/abci-waits-nuevo-disco-201108171206.html

Akira Otsuka / Kamikaze

El diario de un piloto kamikaze japonés revela su deseo de seguir viviendo

Akira Otsuka, del distrito Asakusa de Tokio, murió tras la colisión de su avión en Okinawa en 1945, con 22 años

Internacional 16/08/2011 - 09:11h
Raquel Andrés

Un joven piloto kamikaze de Japón confesó su deseo de vivir antes de que perdiera la vida en una misión suicida de la Segunda Guerra Mundial, según un diario donado recientemente a un museo de Tokio, donde expone sus pensamientos antes del vuelo final.

La palabra 'kamikaze' se refiere a los japoneses que se inmolaban con un avión por la causa imperialista. Kami (dios, en japonés) y Kaze (viento), es decir, "Viento divino", respondía a la percepción de que el emperador Hirohito era un descendiente directo de los dioses, y por lo tanto, Japón era una patria "elegida" y superior. Perdieron la vida más de 2.000 kamikazes japoneses durante la guerra.

Según explica el diario nipón Asahi Shimbun, Akira Otsuka, del distrito Asakusa de Tokio, murió tras la colisión de su avión en Okinawa el 29 de abril de 1945. Tenía 22 años. El joven estaba programando entrar en la Universidad de Tohoku y se alistó como voluntario en la Marina Imperial Japonesa.

El diario, escrito en un cuaderno envejecido y amarillento con el paso de los años, se exhibe actualmente en el museo "Voces desde el océano", que cuenta con material de estudiantes que murieron en la guerra.

"¿Es egoísta querer seguir viviendo?"

En el escrito, Otsuka subraya con frecuencia que estaba dispuesto a morir por la nación. "Me dedico todos los días al entrenamiento para hundir portaaviones y aviones enemigos", escribió.

En una entrada del 1 de abril, sin embargo, el joven confesaba que a veces se sentía desesperado, a pesar de que en un principio había aspirado a convertirse en un piloto kamikaze. Al día siguiente escribía: "Japón, una nación divina, definitivamente tiene que ganar. Creo que debería ser un buen hijo de la patria y morir por la causa imperial. Pero, ¿es egoísta querer seguir viviendo y cumplir con mis deberes hacia mis padres?".

Makoto Kumagai, actualmente de 88 años, fue compañero de clase de Otsuka en la escuela de secundaria en Yamagata. Recibió el diario del joven kamikaze hace unos diez años, cuando visitó a la familia de Otsuka.

Kumagai, residente en Hiratsuka (prefectura de Kanagawa), donó el diario para el museo este mes de junio para que las generaciones más jóvenes pudiesen aprender acerca de los horrores de la guerra.

"En aquellos días, no podíamos decir que queríamos vivir", dijo Kumagai. "Otsuka probablemente escribió en el diario lo que había en su corazón, exponiendo sus sentimientos reprimidos".

En una entrada del 4 de abril, Otsuka describió en su diario la escena donde le explicaba a su familia que había sido seleccionado para ser un piloto kamikaze.

"Mi padre se entristeció al saber que moriré", escribió. "Su rostro se ensombreció por un momento, pero me animó a llevar a cabo mi misión, pensando en la situación del país y mi responsabilidad". Y añadía: "Dejé a mi familia tras grabar en lo más profundo de mi corazón el rostro de mi padre, madre, hermano y hermana".

El diario concluyó con una entrada el 19 de abril, diez días antes de perder la vida. Narra cuando abandonó la estación de Ueno, en Tokio, para regresar a su unidad en la prefectura de Ibaraki. "Voy a despegar hacia el cielo de Okinawa para pagar mis obligaciones con mis padres", escribió.

¿Qué tipo de país defendieron los jóvenes?

Su antiguo compañero de clase, Kumagai, ha estado un año recopilando en un libro notas personales y registros de los estudiantes que fueron a la guerra bajo el título La Guerra del Pacífico de los estudiantes (no publicado en España).

"¿Qué clase de país trataron de defender los estudiantes?", se pregunta Kumagai. "Quiero que los jóvenes piensen en ello".

Todavía 66 años después de la guerra, el museo "Voces desde el océano" sigue recibiendo materiales dejados por jóvenes muertos en la guerra. Muchos de ellos kamikazes, un cuerpo que nunca ha estado exento de polémica. En sus inicios, contó con detractores por lo costoso que resultaba entrenar a un piloto para un único ataque. Hoy, por lo inhumano de la misión.

http://www.lavanguardia.com/internacional/20110816/54200875382/el-diario-de-un-piloto-kamikaze-japones-revela-su-deseo-de-seguir-viviendo.html

Jazz:The Smithsonian Anthology / Smithsonian Folkways Recordings

Sesgado canon del Jazz

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ 06/08/2011

Reunir las mejores interpretaciones en la historia del jazz constituye una legítima aspiración que el aficionado viene procurando satisfacer de acuerdo con sus posibilidades y conocimiento de la materia. En realidad, cualquiera puede hacerlo en su propia casa. Por la red de redes circulan numerosas listas de "los cien mejores temas de jazz", algunas altamente pintorescas. Comparadas con la mayoría de éstas, la antología en seis cedés del Instituto Smithsoniano de Washington resulta un punto más fiable por venir de donde viene y estar avalada por un comité de expertos seleccionado para la ocasión. Se nos dice que las 111 interpretaciones seleccionadas entre 1917 y 2003 son el fruto de un intenso debate de cuyo detalle se da cuenta en el libro que acompaña la edición, por si alguien lo dudaba. Un debate, se nos aclara, que ha sido ajeno a los intereses de las marcas, algo que resulta de una obviedad insultante desde el punto de vista europeo, pero no tanto teniendo en cuenta el país de origen de la edición. Si acaso, la presente antología aparece como un auto de afirmación de la "americanidad" del jazz, la "gran invención musical americana", según se insiste machaconamente en el texto, en unos tiempos en que los jazzistas de Europa, Asia y Latinoamérica se disputan la primacía con sus colegas norteamericanos por los puestos de vanguardia.

Si Europa es una potencia de primer orden en cuanto tiene que ver con la música de jazz, su contribución en la presente antología se ve limitada a un único desconcertante corte final, protagonizado por el trompetista polaco Tomasz Stanko. Antes que él, únicamente, los inevitables Django Reindhart y Stephane Grappelli con el Quinteto del Hot-Club de Francia, y el también francés Martial Solal, al que puede escucharse en un excelente pero escasamente representativo corte, junto al saxofonista Johnny Griffin. Un balance tan magro como políticamente correcto, tanto más sospechoso cuanto que detrás del asunto se esconde el no disimulado deseo por parte de los padres de la criatura de actualizar el canon de referencia que estableciera Martin Williams en 1973, con la primera y muy polémica edición de la antología. Un canon que han seguido muchos de quienes escriben sobre jazz a costa de hacer oídos sordos a la opinión de los propios músicos.

Al fin y al cabo, todos los aficionados tenemos nuestra propia selección en la cabeza y ni la de Williams ni ninguna otra podrán colmar nunca nuestras expectativas. Contando con ello, hay momentos en que resulta arduo adentrarse en las razones que han movido a los responsables del asunto. Así, a las clamorosas ausencias de Benny Carter, Carmen McRae, Eric Dolphy o Don Cherry se unen otras presencias difícilmente justificables. Por extensión, limitar la aportación de un gigante del jazz como Lee Konitz a su participación en la orquesta Birth of the Cool resulta, sencillamente, ofensivo. Si a uno se le hace difícil concebir una selección de las mejores grabaciones de la historia en la que no estén incluidas Diminuendo and crescendo in blue, de Duke Ellington, o Round Midnight, de Thelonious Monk, no es menos cierto que, con lo que hay, el oyente tiene suficientes obras maestras para satisfacer su apetito de jazz durante una temporada larga. El balance, en su conjunto, resulta positivo: estamos sin duda ante la mejor puerta de embarque para todo aquel que pretenda adentrarse en las procelosas aguas del jazz, su historia y sus grabaciones de referencia.

Jazz: the Smithsonian Anthology. Editado por Smithsonian Folkways Recordings (Karonte).

http://www.elpais.com/articulo/portada/Sesgado/canon/jazz/elpepuculbab/20110806elpbabpor_51/Tes

Eric Dolphy – Geewee- Live in Berlin (1961)

Victoria Morán / Cantar el Tango, Como Ninguna

Victoria Morán : Tras la senda de Nelly Omar

Entrevista a Victoria Morán

20.01.2011 Por Sandra De La Fuente

Nelly Omar fue la senda. Apenas la escuché me dije que quería hacer eso que ella hacía y con esas guitarras”, afirma Victoria Morán, tal vez la más delicada cantante que ha dado el resurgimiento del cancionero criollo. Morán acompañada por el guitarrista Pablo Budini y el pianista Pablo Fraguela.

¿Cómo te llegó con esa música? Siempre se escuchó música en casa, a toda hora y a todo volumen. Mi viejo es cantor y guitarrero. La casa fue una peña permanente, desde los cimientos: los que venían a colaborar en su construcción traían vino para acompañar el asado y se quedaban a guitarrear hasta el agotamiento. A Nelly Omar la conocí a través de El ombligo del mundo , un programa que tenía Dolina. Recuerdo cuando pasó el vals Parece mentira y yo sentí una nostalgia de algo que jamás había vivido, pero que me tocaba como algo propio.

Cuando empezaste a hacer este repertorio, algo más de una década atrás, estabas un poco fuera del tono de época. Hoy estás a la moda y hay muchas cantantes que emulan la figura de Nelly Omar.

Emular la figura de Nelly Omar es muy difícil. No sólo es una puesta escénica sino, sobre todo, una apuesta artística. Porque cuando alguien se decide a mantener una conducta durante 60 o 70 años, está haciendo una apuesta. Eso le valió 17 años de exilio y cuando volvió, siguió por el mismo camino. Pero es cierto que hace unos años hubo un vuelco hacia un repertorio menos difundido y también, en muchos casos, más marginal. Creo que se redobló la apuesta tanguera para el turismo.

Ese público turista, ¿no modificó tu repertorio? No tengo relación con el turismo. Hay discos míos en Alemania, en Suiza. Pero me parece que el turista que viene al lugar donde canto no viene a verme a mí sino que, en todo caso, se encuentra conmigo.

Cantás también poemas tuyos. ¿Sentís alguna necesidad de actualizar el repertorio? No. Los temas que toco son universales. La nostalgia, la muerte, el amor, el olvido como yo lo conocí, el paisaje de mi barrio.

http://www.clarin.com/musica/senda-Nelly-Omar_0_412158932.html

Victoria Morán - Danza Maligna

Victoria Y El Tango

-Dice Victoria-

Hace unos años comencé a entender al tango ya no sólo como un género en sí, palabra tan mentada que en definitiva nada dice, sino como una evocación perpetua del tiempo ido, concepto quizás un tanto apresurado y pretencioso, pero que parte de una pregunta que alguna vez debo haberme hecho, tal vez en el medio de un estribillo: ¿qué es lo que finalmente me atrae de esta fórmula de música y poesía tan extraña?.

Las imágenes que vienen a mi encuentro cuando evoco mis primeros acercamientos al tango tienen que ver ineludiblemente con mis abuelos maternos. Casi todo lo que sé acerca de valses y pasodobles lo aprendí de mi abuela Victoria. El tango vino por añadidura matizado en los discos que giraban una y otra vez en esa especie de mueble musical que era el imponente combinado Ken Brown.

Con el tiempo y la edad, ávida de lectura como he sido desde niña, me adentré en el mundo de los poetas que el tango ha dado, siendo Discépolo mi primer y fabuloso hallazgo. Le siguieron Le Pera, Manzi, Sanders, García Jiménez, Charlo, Cadícamo y tantos desconocidos y poco frecuentados autores de igual valía, como aquellos del tango “Vamos, vamos zaino viejo”, Tell y Vazquez, ó los de “Zaraza”, Tagle y Lara, ó aquellos de “Saludó y se fue”, Supparo y Ceglie, por citar algunos.

Musicalmente mi destino fue otro. El gran maestro de música y canto que siempre tuve es mi padre, Alberto. “Cantor y guitarrero” no sería una desacertada definición de su oficio. Con él aprendí a armonizar, a hacer dúos, tercera y quinta voz pero por sobre todo lo aprendido compartí desde muy chica la inmensa alegría de cantar. Mi viejo nunca es tan feliz como cuando amanece cantando. Uno puede estar, como dice el tango, “cubierto de malas, bandeado de apremios”, pero basta una sencilla estrofa arrancada del pecho para tener la certeza de que la vida es linda después de todo. Por eso, el día que pasa sin una música en mis labios es un día sin comida, o lo que es peor, sin hambre y ayuno de novedades.

Entre mis músicos más queridos están Lucio De Mare, Charlo, Gardel, Joaquín Mora, Agustín Bardi, autores junto a grandes poetas de rarezas como “La musa campera” de Graciani, Elías, Irusta, Fugazzó y De Mare, “Nunca tuvo novio” de Cadícamo y Bardi, ó “Yo soy aquel muchacho” de Orsi, Russo y Mora, todas melodías bellísimas en su extensión.

Es por eso, digo al fin, que me cuesta acercarle al tango una definición más prolija, porque me arriesgo a intelectualizar a porfía un sentimiento que no he elegido, que estaba en mí desde hace tiempo y que el recuerdo de aquellas tardes en el campo con mis abuelos trae a mi voz un renovado placer cuando me pongo a cantarlo.

Victoria

http://victoriamoran.blogspot.com/2008/03/victoria-y-el-tango.html