domingo, 12 de noviembre de 2017

Rodrigo de la Serna & El Yotivenco / Estilos Criollos




Rodrigo de la Serna y El Yotivenco presentan Estilos Criollos

El grupo de música criolla El Yotivenco, que se formó en 2005 a partir de la inquietud de un grupo de músicos y amigos, ha realizado varias giras nacionales e internacionales y editó un disco. La formación cuenta con Rodrigo de la Serna, actor multipremiado de la escena argentina e internacional, y los guitarristas Juan Pablo Díaz Hermelo, Blas Alberti y Fabio Bramuglia.

Actualmente, el conjunto prepara su segundo disco de estudio, que apunta a un estilo totalmente criollo con una formación de cuarteto de guitarras y una voz.

Un espectáculo de música criolla argentina. Tangos, milongas, chamarritas, gatos cuyanos, rasguidos dobles y candombe, serán parte del repertorio de este grupo de música criolla argentina, formado en el 2005 entre un grupo de prestigiosos músicos y amigos. Cuentan con un disco de estudio y varias giras nacionales e internacionales.

Esta formación encabezada por Rodrigo de la Serna, prestigioso actor multipremiado de la escena argentina e internacional, nos deleita de una faceta no tan conocida por muchos como cantante y guitarrista, junto a la de excelentes músicos, Juan Pablo Diaz Hermelo, Blas Alberti y Fabio Bramuglia.

Entre las participaciones en festivales se destacan el Festival Internacional de Tango de la ciudad de Bs As compartiendo escenario junto a la orquesta típica de “Leopoldo Federico” sede Harrods (en el mismo festival se presentaron varias veces), el cierre del Campeonato Mundial de Tango, Festival de cine de Morelia (México) representando “Tetro” el film de Francis Ford Coppola, también festivales de tango en Uruguay y Brasil como también festivales de música y en teatros de las principales ciudades del país como Buenos Aires, Salta, Corrientes, Bariloche, Rosario, Santa Fe, Mendoza y Córdoba.

Hoy la banda se encuentra terminando su segundo disco de estudio el cual apunta a un estilo totalmente criollo Argentino con una formación de cuarteto de guitarras y una voz, el repertorio está apuntando a la música de las raíces argentinas.


 Rodrigo de la Serna y El Yotivenco - Teatro Astral - Estilos Criollos (2017)



El Yotivenco: Costado arrabalero de Rodrigo de la Serna



Desde hace una década, el proyecto musical capitaneado por el exitoso actor rescata las raíces de la cultura rioplatense a través del candombe, la milonga y los tangos de la escuela tradicional de Edmundo Rivero y Juan D’Arienzo.

Por Roberto Álvarez Mur - Nov 6, 2017

Cuando no dedica sus horas a la fructífera carrera actoral que, entre la pantalla grande y la chica, cosechó éxitos como la serie El Puntero o el film Inseparables, Rodrigo de la Serna pone la voz a El Yotivenco, el proyecto musical que desde hace una década encabeza junto a un grupo de músicos que reavivan la llama de la cultura rioplatense a través de géneros típicos como el candombe, la milonga y el tango tradicional y furtivo, heredado de la escuela de próceres como Edmundo Rivero o Juan D’Arienzo.

El Yotivenco, debe su nombre a la alteración que el lunfardo crea sobre la palabra “conventillo”, y que tanto se estilaba en la jerga callejera de principios de siglo, como en el glosario poético del tango.

Los orígenes de la banda se remontan al año 2005, cuando el actor decidió reunir, entre círculos de amigos y músicos experimentados, una banda que rescatara los orígenes de la música callejera argentina interpretada por sangre joven, en épocas donde el rock poseía la autoridad casi exclusiva entre las generaciones jóvenes. Tras idas y vueltas, la formación hoy se compone por los músicos Juan Pablo Díaz Hermelo, Blas Alberti y Fabio Bramuglia, completada por De la Serna en voz.

En sintonía con experiencias contemporáneas como la Orquesta Típica Fernández Fierro, Bajo Fondo y otros tantos, De la Serna y su grupo comenzaron a retomar la huella tanguera y aggiornarla a la actualidad. Mientras otras agrupaciones combinan estilos tradicionales con expresiones musicales modernas, el repertorio de El Yotivenco va directo al hueso de una estética tradicional, curtida por las guitarras criollas y los ritmos cortantes del dos por cuatro y el candombe. Lo que el propio Rodrigo de la Serna definió de su grupo como una “militancia cultural” retoma la impronta de cantores como Alfredo Zitarrosa, los ritmos típicos de Aníbal Troilo y la cadencia febril de la voz de Roberto “Polaco” Goyeneche, en quien el actor afirmó haber encontrado un referente indiscutible.

El grupo lanzó su primer trabajo discográfico este año, Estilos criollos, nombre que define sin vueltas la propuesta de la banda. El álbum incluye “Milonga Lunfarda”, canción que circula en la web, cuya presencia de guitarras al frente y la voz líder entre recitado y arenga recuerda a los mejores momentos de Rivero o de Ignacio Corsini.

Con varias giras nacionales e internacionales en su recorrido, El Yotivenco se presenta como una oportunidad ideal para explorar el costado desconocido y arrabalero de uno de los artistas más exitosos de Argentina, haciendo honor al sonido más longevo de la historia cultural rioplatense.


http://www.diariocontexto.com.ar/2017/11/06/el-yotivenco-un-costado-arrabalero-de-rodrigo-de-la-serna/


Rodrigo de la Serna y El Yotivenco - Teatro Astral - Estilos Criollos (2017)



Rodrigo de la Serna y El Yotivenco - CCK - Estilos Criollos (2017)



jueves, 9 de noviembre de 2017

Buenos Aires Jazz 17 / Festival BAJ 17



Festival Internacional Buenos Aires Jazz 2017

Desde el próximo miércoles 15 de noviembre se realizará la 10° edición del Festival Internacional Buenos Aires Jazz (BAJ) que reunirá durante 5 días a más de 400 artistas locales e internacionales en 18 sedes de la Ciudad.

Jueves 09 de noviembre del 2017 05:23 pm 

Desplegar un completo panorama de la escena local, y presentar a músicos internacionales que nunca antes vinieron a nuestro país son las dos premisas que guiaron la construcción del intenso programa del BAJ 2017, que  como siempre contará con numerosos conciertos, cruces inéditos y ensambles acústicos, para recorrer el género en todas sus variantes, desde el jazz más tradicional a lo experimental y lo moderno; además de clínicas, charlas, y exhibiciones.

El contrabajista estadounidense Gary Peacock, una auténtica leyenda viviente del género será el protagonista del  concierto inaugural, junto al notable pianista Marc Copland y al baterista Joey Baron, con quienes integra desde 2015 su Now This Trio.

Peacock, con 82 años de edad, es un  referente ineludible a la hora de analizar la historia del jazz, una escena en la que a lo largo de 6 décadas ha compartido proyectos con artistas como Keith Jarrett, Albert Ayler, Miles Davis, Bill Evans, Paul Bley, Ornette Coleman y Don Cherry.

Copland, por su parte, grabó más de veinticinco álbumes en diversos formatos y participó de proyectos liderados por John Abercrombie, Billy Hart, Tom Harrell y Dave Liebman; y Joey Baron,  reconocido como un faro por su estilo único e innovador, ha  trabajado con figuras como John Zorn, Bill Frisell, Dizzy Gillespie, Laurie Anderson y Tim Berne.

Para el cierre, en tanto, el BAJ presentará  al dúo Terramondo integrado por el trompetista y fliscornista Stephane Belmondo y el pianista Jacky Terrasson,  dos de los jazzman más importantes y sobresalientes de la escena francesa del género.

Junto a esas figuras, en  la sección Conciertos Internacionales del BAJ se presentarán el Trío de Matthew Shipp, el dúo español de Chicuelo y Marco Mezquida, el sexteto del pianista brasileño André Marques, y el trompetista norteamericano Ralph Alessi, junto al Trío de Sergio Verdinelli, entre otras interesantes propuestas.

Para la presentación de la escena local, el otro eje del BAJ 2017, el programa ofrecerá múltiples opciones en todos los estilos de la mano de artistas consagrados y emergentes entre los que se destacan las presentaciones de Juan “Pollo” Raffo Cuarteto, Federico Álvarez & The Jazz Meeting Crew;  Jorge López Ruiz Cuarteto, además del imperdible cruce entre figuras locales e internacionales que protagonizarán Mariano Loiácono, Gary Keller, Pablo Raposo, Belén López, Sir G. Earl Grice.


Bajo el nombre Club de Jazz bajo las estrellas, además, el festival propondrá un fin de semana con  tragos y música al aire libre en el patio de La Usina, protagonizado por los conciertos del  guitarrista Baltasar Comotto (sábado 18/11 ) y la cantante del grupo Miranda Juliana Gattas (domingo 19/11), como antesala de  las tradicionales Jam, en las que este año oficiarán como maestros de ceremonia los integrantes del reconocido trío Marengo-Falcón-Varela.

La Agenda Piazzolla 25 años, que propone un abordaje diferente de la música del bandoneonista, a cargo de artistas que no suelen incluir las composiciones de Piazzolla en sus repertorios, presentará dentro de la sección proyectos especiales a la vocalista Roxana Amed para interpretar el material cantado de Piazzolla junto a un noneto dirigido por el pianista brasileño André Mehmari.



Buenos Aires Jazz 17

 Festival BAJ 17


martes, 7 de noviembre de 2017

Bill Frisell / A Portrait By Emma Franz




Bill Frisell: A Portrait

El guitarrista ganador de un Grammy y nativo de Seattle sale de las sombras para una exploración en capas de su vida, trabajo y proceso de colaboración, incluyendo cómo desarrolló una voz sónica única que combina jazz con folk, rock, clásica y avant garde.

Bill Frisell no es simplemente un guitarrista y compositor universalmente admirado -y muy posiblemente la persona más amable del mundo, como sugiere Emma Franz-, sino una encarnación viva de la inadecuación de las etiquetas que atribuimos a los géneros musicales. 

Viene del mundo del jazz, pero, especialmente en los últimos años, aquellos que intentan describir su producción son tan aptos para mencionar el país o la cultura americana. La música que ha germinado sus abundantemente imaginativas improvisaciones incluye el trabajo de John Lennon, Aaron Copland y Madonna; entre sus colaboradores a través de los años han estado Renee Fleming, Lucinda Williams y la Sinfonía de la BBC, que se muestran aquí en una cantidad generosa de material de ensayo para una de las composiciones de Frisell. Franz también lo visita en su casa de Bainbridge Island, llena de sus grabaciones (cuando Frisell dice que ha hecho cientos de álbumes, no es broma) y sus guitarras (cada una tiene una historia). Las cabezas parlantes aquí se entusiasman no solo con la versatilidad de Frisell sino, a la inversa, con el estilo y el sonido personal e inconfundible que aporta a todo lo que toca; su compañero guitarrista John Abercrombie quizás lo resume mejor cuando dice "Escuchas la historia de la guitarra cuando toca".

Bill Frisell es uno de los mejores guitarristas vivos, con una visión tan personal como libérrima del jazz, el folk, la improvisación y lo que se tercie. Todo feeling e intuición, la antítesis de un “guitar hero”. Este entrañable y apacible paseo por su arte y su vida deviene una oda a la creatividad, la humildad y la sed de aprendizaje.

Bill Frisell es uno de los mejores y más influyentes guitarristas vivos, con una visión tan idiosincrática como apasionada del jazz, el folk, la improvisación y lo que haga falta. Todo sentimiento e intuición, la antítesis de un guitar hero. A pesar de su extrema timidez ante la cámara y los elogios, accede a que le acompañemos en un apacible paseo por su arte, sus amigos, su colección de guitarras, su quehacer diario. Le vemos actuando en el Village Vanguard de NY donde arrancó su carrera, trabajando con la BBC Symphony Orchestra, reinterpretando olvidadas partituras de principios de los 80 y charlando con el genial dibujante Jim Woodring. Contribuyen al retrato personas cercanas como su mentor el guitarrista Jim Hall, su viejo aliado el batería Joey Baron (Naked City) y un agradecido John Zorn, cuya rompedora aleación de free jazz y punk se vio “validada” por el inconfundible toque de Frisell. De la interminable lista de artistas con los que ha colaborado (Elvis Costello, Lou Reed, Brian Eno, Manianne Faithful…), Bonnie Raitt, Paul Simon y el productor Hal Willner coinciden en señalar que cuando Frisell entra en un estudio es como si se apareciera “un ángel capaz de mejorarlo todo, de hacer aflorar belleza en todas direcciones a partir de la melodía más simple”. Una oda a la creatividad, la humildad, la sed de aprendizaje y el placer de no saber qué va a pasar.

https://www.in-edit.org/webapp/pelicula?peli_id=1657&ed_id=37



Bill Frisell: A Portrait - Director Emma Franz / 2017 


domingo, 5 de noviembre de 2017

Muhal Richard Abrams / Philosophic Avant-Garde




Muere el innovador jazzista Muhal Richard Abrams.

El músico, impulsor de gran parte de la vanguardia del género desde los 60, fallece en Nueva York a los 87 años.

Por Yahvé M. de la Cavada
1 Nov. 2017 - 14:04

El legendario compositor y pianista afroamericano Muhal Richard Abrams, fundador de la AACM (Asociación para el Avance de Músicos Creativos) e impulsor de gran parte de la vanguardia jazzística desde mediados de los sesenta, falleció el 29 de octubre en Nueva York a los 87 años de edad, por causas aún por confirmar.

Además de un pianista brillante, lírico y poético, Abrams fue líder espiritual de la explosión vanguardista que vivió el jazz y la música creativa afroamericana en los años 60 y 70. Suya es una de las aproximaciones originales a la confluencia entre tradición y vanguardia que insufló nueva vida a la música negra, derribando fronteras estilísticas en pos de la denominada “Great Black Music”, y cultivando un jazz culto, intelectual y libre que aglutina toda la tradición negra, desde el blues y el ragtime hasta los albores del free jazz, sin renunciar a la influencia clásica europea.

Abrams, que también tocaba clarinete, chelo y percusión, fue un músico extremadamente polifacético, destacable tanto por su pianismo como por su amplísima visión compositora, que le convirtió en una de los grandes innovadores de la música improvisada durante décadas. Su obra abarca numerosos y variados formatos, desde el piano solo, dúos o tríos a grupos de mediana y gran escala, orquestas y big bands. Como pianista, se nutrió de su uso del silencio y la estructura, las influencias rítmicas de la tradición pianística del stride (desde James P. Johnson a Art Tatum) y otros referentes como Bud Powell para crear un estilo personal e intrincado, tan sugerente y relevante como el de coetáneos como Andrew Hill o Cecil Taylor.

Nacido en Chicago en septiembre de 1930, Richard Abrams no comenzó sus estudios musicales de piano hasta los 17 años, y en poco más de un año ya debutó profesionalmente en grupos locales de jazz y rhythm and blues. En 1950 comenzó a escribir arreglos para el saxofonista King Fleming y a mediados de la década se enroló en el grupo de hard-bop MJT+3 con el que grabó un álbum en 1957. Para entonces, Abrams ya era uno de los pianistas más solicitados de Chicago para tocar con grandes solistas de jazz de paso en la ciudad, como Dexter Gordon, Max Roach, Miles Davis, Sonny Rollins, Zoot Sims o su amigo Eddie Harris, con cuyo grupo gira y graba asiduamente durante los 70.

En 1961 funda la Experimental Band, formación pionera de free jazz en la que militan músicos como el propio Harris, Victor Sproles, Donald Garrett y unos jovencísimos Joseph Jarman, Roscoe Mitchell y Malachi Favors (años antes de la formación del Art Ensemble of Chicago), que sirve como caldo de cultivo para la creación de la AACM cuatro años después, de la que Abrams será el primer presidente. A partir de esa segunda mitad de los 60 se afianza la importancia de Abrams en la vanguardia afroamericana, tanto como pianista y compositor como ideólogo, organizador y líder (es entonces cuando sus colegas añadieron a su nombre la palabra arabe “Muhal”, que significa “el primero”).

Sus primeros discos dan muestra de su amplísima visión musical, en clásicos como Levels and Degrees of Light, Young At Heart/Wise In Time o Things To Come From Those Now Gone (todos ellos publicados por Delmark), obras que alterna con su colaboración para otros colegas como Anthony Braxton, Marion Brown, Chico Freeman o el Art Ensemble of Chicago.

En 1977 se instala en Nueva York y es uno de los protagonistas más influyentes de la denominada “era de los lofts”, movimiento creativo para asentar de nuevo las bases del free jazz y la improvisación afroamericana. A partir de entonces desarrolla sus múltiples proyectos y graba con regularidad en los años 80 y 90, especialmente para el sello italiano Black Saint.

Durante las últimas décadas Abrams trabajó incansablemente, tanto en su propia obra, que nunca dejó de crecer (sus últimas grabaciones para el sello Pi o su participación en Made In Chicago de Jack DeJohnette así lo atestiguan), como en su perfil de catalizador de la vanguardia jazzística, ejerciendo una enorme influencia en importantes músicos contemporáneos como Tyshawn Sorey, Vijay Iyer o Craig Taborn, entre otros.

https://elpais.com/cultura/2017/11/01/actualidad/1509552539_569807.html


Muhal Richard Abrams - Young at Heart - Young at Heart/Wise in Time (1974)


viernes, 3 de noviembre de 2017

John Coltrane / Chasing Trane: The John Coltrane Documentary




Chasing Trane: Documental sobre John Coltrane

Por Ricardo Jacob

Estrenado comercialmente en abril de 2017, éste documental sobre uno de los músicos más importantes del siglo XX resulta por demás inspirador y una lección de vida.

Dirigido por John Scheinfeld (The U.S. versus John Lennon) cuenta con Denzel Washington dándole voz a los escritos del propio John Coltrane (23 de septiembre de 1936 – 17 de julio de 1967) y reúne a familiares, amigos y admiradores del saxofonista nacido en Carolina del Norte quienes dan cuenta de su vida y música.

Con animaciones basadas en las fantásticas ilustraciones realizadas por Rudy Gutierrez para el libro del 2012 “Spirit Seeker: John Coltrane’s Musical Journey” del escritor Gary Golio el documental es un cumulo de impresionantes anécdotas que sólo alguien como Coltrane pudo reunir a lo largo de su vida.

Un de éstas anécdotas es aquella sobre la semana que pasó encerrado en su estudio en el ático de su casa, incomunicado y absorto en su música. Nadie supo de él durante esos días, ni siquiera su esposa. Finalmente Coltrane bajó a su casa orgulloso y satisfecho, estaba todo ahí en papel, había completado cada nota de lo que se convertiría en su momento más alto a nivel musical: A Love Supreme.

También se cuenta sobre su adicción a la heroína, la importancia e influencia de Martin Luther King en manera de tocar y el viaje que realizó casi al final de su vida a Japón y en especial a Hiroshima además de que Wayne Shorter, Sonny Rollins e incluso Bill Clinton ofrecen palabras sobre Coltrane y su búsqueda espiritual y musical, de cómo logró transportar a todos aquellos que lo escucharon a lugares desconocidos con su saxofón.

Con Cashing Trane John Scheinfeld logró el documental definitivo sobre John Coltrane.




Chasing Trane: The John Coltrane Documentary 



John Coltrane, Como Símbolo 


El documental Chasing Trane quiere ofrecer el retrato definitivo del genio.

29.03.17
Frankie Pizá

Si la música era para Charlie Parker una forma de traspasar el tiempo, una forma de salir del presente, para John Coltrane supuso un retrato espiritual de su interior, de todo lo que era.

Es justo lo que la leyenda del Jazz narra (en voz de Denzel Washington) al comienzo del trailer oficial de Chasing Trane; Coltrane llevó la interpretación y el Jazz a un punto trascendental al que nadie había llegado antes.

Tanto el Jazz espiritual que comenzó a forjarse como una identidad cultural a finales de los 60 como el Free Jazz tienen al músico de Richmond (Carolina del Norte) como uno de sus principales exponentes.

En el grueso de su carrera discográfica, y musicalmente, su estilo nunca se alejó de las vanguardias y estuvo enmarcado entre el Hard Bop y el posterior Jazz modal, destacando títulos como “Giant Steps”, por elevar a un nivel inalcanzable su estilo y sus “capas de sonido”, “Ascension” o clásicos populares como “A Love Supreme” y “Blue Train”.

Coltrane supo trasladar al sonido todos los objetivos estéticos y musicales de una era, convirtiéndose en la cabeza de un movimiento que conjugaba además religión y política; Rashied Alí se refería a él como el “supremo sacerdote de la música libre”.

Miles Davis dijo una vez: “La música de Coltrane y lo que éste tocaba durante los dos o tres últimos años de su vida representaron para muchos negros el fuego, la pasión, el odio, la ira, la rebeldía y el amor que ellos mismos sentían, sobre todo los jóvenes intelectuales y revolucionarios negros de la época”. Y concluía: “Coltrane era su símbolo, su orgullo; su hermoso, negro y revolucionario orgullo”. 

Muchos creen que el jazz murió con Coltrane en 1967, cuando contaba con tan solo 40 años; no se podía alcanzar un punto más alto y profundo.




Chasing Trane: The John Coltrane Documentary 


 Chasing Trane: The John Coltrane Documentary


Chasing Trane The John Coltrane Documentary (Trailer)


jueves, 2 de noviembre de 2017

Pablo Cedrón / Se Marchó Un Verdadero Talento




Murió el destacado actor Pablo Cedrón.

Jueves 2 de noviembre de 2017

Actor, músico y guionista, Pablo Aquiles Cedrón Elichiridehety, hijo del artista plástico Alberto Cedrón;  nació en Mar del Plata el 7 de enero de 1958 y se crió en una familia de artistas. La dictadura militar los expulsó fuera del país y los forzó a experimentar el exilio, la soledad y el hambre. Una vez de regreso en la Argentina, la bohemia excesiva de su padre y la falta permanente de dinero en la casa llevaron a Pablo Cedrón a tener que trabajar desde los doce años en lo que fuera: de albañil, repartidor de volantes y cocinero en restaurants;  ya de adulto, trabajó en aserraderos, carpinterías y como guía de turismo en la montaña.Comenzó su carrera de actor a principios de la década del ´70, participando en publicidades y en películas con baja repercusión.

En el año 1992 formó parte del programa humorístico De la Cabeza junto a Alfredo Casero y en 1993 participó, como actor y guionista, del ciclo televisivo Cha Cha Cha, considerado de culto por los medios nacionales, el cual también estaba integrado por Mariana Briski, Mex Urtizberea, Diego Capusotto, Rodolfo Samsó, Fabio Alberti y Alfredo Casero. 

Muy talentoso y con una sólida carrera actoral, Cedrón se destacó en programas de televisión como Verdad Consecuencia, Mujeres Asesinas, Sos mi vida y Farsantes, en películas como Felicidades, El Aura y Aballay, y en piezas teatrales como El caso Piniataro Sánchez, obra que también escribió.

Capaz de interpretar con veracidad cualquier género, confesó que su principal virtud como actor es también su principal defecto: ser humilde, característica que lo ha llevado en varias oportunidades a no sentirse lo suficientemente respetado como artista.

"Mi vida estuvo llena de hechos inesperados, complejos. Mi familia se desperdigó con la llegada de la dictadura. Yo me fui a Francia y mi carrera actoral se cortó porque, si bien pude seguir estudiando teatro, tenía que laburar para vivir. Cuando volví tuve que empezar de cero. Hice publicidades, algún papel chico en una telenovela... Trabajé de carpintero y de herrero. Fabriqué gomina, fabriqué matracas, di clases de francés, me dediqué a la gastronomía... En Santa Cruz trabajé como guía de parques nacionales. Y en Chubut, en un aserradero. Siempre fui un obrero, vengo de una familia de obreros, pero mi vocación es la actuación".


Pablo Cedrón - Actor, Trompetista 


Entrevista a Pablo Cedrón: "En mi vida, elegí muy poco"


Sábado 11 de Julio de 2015 | 13:58
Por Mercedes Méndez

Un explorador. Si Pablo Cedrón no hubiese sido el actor sutil que es, podría haber ocupado sus días en recorrer la naturaleza. Tal vez sería un geólogo solitario, enamorado de los misterios de la tierra. Este hombre que se le parece a Roberto Arlt no sólo desde lo físico sino por su atracción hacia las causas perdidas y cierta cercanía con el mundo marginal, trabajó en aserraderos, fue carpintero y guía de turismo en cabalgata en la Patagonia. Le fascinan los pueblos perdidos de montaña, en los que se vive de la caza y la pesca y a los que hay que acceder con grupo electrógeno y víveres, porque no tienen nada de nada, publica Tiempo Argentino. 

–¿Qué te atrae de esos lugares tan alejados de todo?

–Vas caminando y te encontrás fósiles. Eso es maravilloso. Son lugares en los que, más allá de los grandes cataclismos, no ha pasado nada. Te dan la sensación, en forma medio inconsciente, de que todo puede empezar de nuevo. Es una boludez, pero me hacen sentir que algo se puede componer. Mientras que lo otro, ya no tiene arreglo.

Pablo Cedrón es, en sí mismo, una clase de historia, un libro de aventuras y un orador de tendencias filosóficas. Todo esto lo puede desarrollar cuando cuenta su historia de vida. Tal vez por eso pudo transitar con elegancia la sordidez de los personajes de Arlt en cine y tv (El juguete rabioso (1984), Los siete locos (2015), el tono melancólico de la película de Lucho Bender Felicidades (2000) y los personajes insólitos y desmesurados de Cha Cha Cha (1993), la creación de Alfredo Casero. 

–¿Con tanta carrera recorrida te sigue pasando no tener trabajo?

–Muchas veces. Me pasa todo el tiempo. He estado más de cuatro años sin trabajo de actor. No sé por qué. Esta es una vocación irregular. Cuando no me llaman para algún papel, enseguida vuelvo a mis oficios de carpintero o herrero. Esto es algo medio difícil de contarle a mis compañeros actores. No lo entienden mucho. Piensan que estoy loco. Pero bueno, yo no conozco a nadie del medio. No sé hacer lobby. Si alguien me dice algo que no me gusta, me enojo y me voy a la mierda. En esta tarea, a veces uno se traga ciertas humillaciones para poder acceder a otro laburo, o para que no te echen. Yo eso no lo sé hacer. Entonces voy y laburo de carpintero. Eso no quiere decir que me sienta realizado, porque a esta altura, después de tantos años de trabajo, yo sé que lo que más me gusta es actuar.

Además de vivir varios años en la Patagonia Argentina, Pablo Cedrón también se instaló en Francia. Su familia de artistas se exilió durante la dictadura allá: Padre Alberto (Artista Plástico), tío Juan Carlos “Tata” Cedrón (Músico), tío Jorge (Cineasta). Pablo se quedó tanto tiempo en Europa que llegó a estar indocumentado. En esa época, se volvió hábil en cruzar la frontera, aunque estaba flojo de papeles. Cuenta: “Yo trataba de cruzar en el verano a España para trabajar allá porque eran épocas en que las fronteras estaban saturadas de gente. Había menos control. Era fácil comparado con lo que es hoy, porque no estaba la computación y todos los controles que hay ahora. Pero estoy hablando de hace 40 años. No se ponían muy puntillosos. Además cruzaban muchos árabes y muchos negros. Como yo físicamente no soy tan negro, me dejaban pasar. Hoy sería imposible hacer eso.”

–Tenés un espíritu aventurero...

–Voy a ser sincero: mi impresión, porque es muy difícil verse a sí mismo con objetividad, es que fui arrojado a las circunstancias. Elegí muy poco. No tengo estudios secundarios, apenas tengo séptimo grado. Empecé primer año, pero con muy malas notas de entrada. Mi familia era una catástrofe. Mi vieja no estaba. Mi papá poca bola me ha dado, yo estaba mucho en casas ajenas. Tuve muchos padres sustitutos, que siempre hacían la figura de padres, gente muy vieja que me cuidó.

–¿Por qué tu papá no te cuidó?

–No lo sé. No lo puedo explicar. Sería él muy egoísta. Yo estaba mucho con mis tíos. Tenía un tío que se llamaba Jorge, que hacía cine y fue muy bueno conmigo. Mucho mejor que lo que fue mi padre. Después se suicidó en Francia. Hice lo que pude, no tenía quién me banque. A los 12 años ya era albañil, después estuve trabajando en la casa de mi tío, que me cobijó, me llevó a su campo... él trabajaba con chanchos y abejas.

–¿Sentías en aquel momento que si no trabajabas no comías?

–Recuerdo esa época con una sensación de ajeno, de extrañeza. Como que soy yo, pero al mismo tiempo no lo soy. En ese momento me sentía desamparado. Si bien todos son artistas en mi familia, veníamos de una clase social trabajadora, más allá del oficio. Mi papá era matricero, mi tío hacía carpinteria, el otro era peón de albañil, mi abuelo era mecánico. Yo veía gente que trabajaba. No era una clase social de las que pensaran “sólo me dedico al arte”. Eso pasa en la clase media alta. La burguesía. No éramos eso. No vivíamos en la villa, pero éramos desclasados. Los de la villa pensaban que éramos ricos y los ricos nos creían negros. No éramos nada.

–¿Y ahora que sos?

–No sé… quizás monárquico. Siento mucha confusión. Mis ideas son muy arcaicas. Me asaltan rápidamente estados de ánimo que no tienen que ver con las ideas políticas, que son más ordenadas. Me agarran arranques de tristeza o asombro, o de rebelión, que no las puedo relacionar con izquierda o derecha.

–¿Sos nostálgico del pasado?

–El pasado y el presente son todo un tema, porque involucran el paso del tiempo. Es ambiguo saber aquel que uno fue. Si yo hubiera sabido que ciertas cosas iban a desaparecer, las hubiese disfrutado mucho más. Cuando uno es chico es eterno, piensa que las cosas son para siempre, no concibe que se terminen. Me acuerdo del barrio de La Boca cuando era chico y lo que veo ahora es una porquería. Cartón pintado. La gente perdió el sesgo personal. Cuando yo era chico, cada persona tenía su paleta de color, era hijo de sí mismo. No lo habían visto en otro lado, influenciados por alguien. Eran verdaderos. Después nos fue erosionando la televisión. Nos masificamos.

Cedrón, que cuenta que no terminó el secundario, puede hablar con precisión de las distintas etapas del gaucho argentino, explicar cómo fue la exportación del tango a Europa, dar detalles de la guerra de Crimea y conocer las bases de la geología. Le da el último sorbo a su café y empieza a buscar el vestuario de su personaje. En minutos será otro. Un actor que sube a escena y un hombre que carga con los miles de personajes que tuvo que interpretar en su propia vida. 

http://todoshow.infonews.com/nota/233127/en-mi-vida-elegi-muy-poco



Joe McPhee Po Music - Pablo - Oleo (1982)
Pablo Cedrón (Enero 07 1958 - Noviembre 01 2017) 
(In Memoriam)


martes, 31 de octubre de 2017

Thelonious Monk / 100th Birthday 1917-2017




Thelonious Monk: Un Gigante Azul

El 10 de Octubre de 1917, nació en Estados Unidos Thelonious Monk, una de las mentes prodigiosas del jazz; padre del Jazz moderno y fundador del género Bebop. A 100 años de su nacimiento escribimos un homenaje.

Por Ángela Martín Laiton
Cultura 16 Oct 2017 - 9:00 PM

“Me pregunto si durará”, le comentó a su esposa Nellie una noche mientras veía su fotografía en la portada de la revista Time. Una ilustración de su rostro con uno de sus sombreros famosos y la mirada desconfiada en un fondo rojo que resaltaba su tez. Había recorrido un camino muy largo para llegar hasta ahí; la música había sido una promesa tortuosa y solitaria con la que se había obsesionado desde la niñez. Creció en el vecindario de San Juan Hill, en Manhattan, un barrio popular que recibía migrantes de distintos países. Diferentes culturas se encontraban y reñían el territorio de uno de los lugares más peligrosos de Nueva York. Empezó a tocar piano de forma autodidacta en medio de juegos con su hermana. No poseían un instrumento muy sofisticado, dada la economía precaria de su familia. Todos habían venido de Carolina del Norte en busca de una vida mejor, pero su padre enfermó en medio del caos de la vida neoyorquina y terminó abandonándolos para regresar al sur.

Cuando Thelonious cumplió 11 años, su madre, que hizo frente a la familia y trabajaba limpiando casas de gente rica en la ciudad, movió el presupuesto familiar con esfuerzo y compró un piano Steinway para que su hijo practicara. El muchacho tenía talento; ella lo había visto desde los cinco años cuando se robaba las partituras de su hermana y en soledad las leía y las ensayaba. Hubo que limpiar más casas, pero Thelonious no solo tendría un gran piano, además tomaría clases personalizadas porque, aunque vivía en un barrio obrero, su mamá se había tomado en serio el talento del chico respaldándolo con esa esperanza maternal de sentir que había parido un genio.

Los años pasaron entre las clases de piano y el barrio diverso en el que Monk se movía con agilidad. Supo desde siempre lo que significaba la realidad multiétnica del mundo, pues allí, en ese pequeño rincón violento de los suburbios neoyorquinos, Thelonious convivía entre el góspel que tocaba para su iglesia, las clases de piano con su maestro judío de quien aprendió a interpretar a Rachmaninoff y el sonido de las calles bañadas de comunidades negras del mundo que estallaban al tiempo ritmos como el calipso y la salsa. Pero hubo una persona en este tiempo que marcó para siempre la vida de Monk; Alberta Simmons era su otra maestra de piano, una intérprete prodigiosa que no solo se encargó de entrenar las manos del niño para el instrumento. Ella creía que Thelonious realmente había nacido con un don y compartió con él todo cuanto sabía de música y lo que significa ser un artista. Ella dio la primera lección: el propósito es la música, el fin es la música.

A los trece, el chico ya era un prodigio en su barrio y tocaba con un trío en un bar local. Participaba también en todas las convocatorias musicales que conociera; una de ellas era la del Teatro Apollo, que llamaba a talentos amateurs de la música para concursar semanalmente. Allí Thelonious ganó tantas veces que terminaron prohibiendo su participación en los eventos. En 1935 dijo que se iría a recorrer el mundo, empacó su piano y se fue a acompañar a una predicadora evangelista. Se conocen pocos datos de ese viaje que duró dos años. Después regresó a Nueva York. Hacia 1939, Monk, con 22 años, hizo su primer grupo. Dio su primer concierto importante a principios de 1940 en un tradicional club que reunió a grandes prodigios del jazz, el Minton's Playhouse. En esta época se encontró con John Coltrane, Charlie Parker, Miles Davis, Sonny Rollins y Dizzy Gillespie, con quienes revolucionaría la historia del jazz para fundar el Bebop, allí en los antros neoyorquinos. Con una velocidad increíble, las jam sessions del Minton's se dieron a conocer entre el público aficionado al jazz que se sentía obligado a ir a ver a los chicos que estaban renunciando a la época dorada del swing mediante la creación rebelde de otros sonidos jazzísticos.

1947 fue un año determinante para la vida de Monk, en el que dos sucesos iluminarían su existencia: grabó un LP de debut como líder de su propia banda, el Genius of Modern Music, Vol. 1 y se casó con Nellie Smith, a quien conocía desde los 12 años y se convertiría en el principal soporte del músico en los años venideros. Esta fue su época dorada, tocaba en los principales clubes de Nueva York y se codeaba con grandes músicos conocidos en la escena. Todo se fue a pique cuando fue arrestado en 1951 por porte de estupefacientes. Sus amigos cercanos coincidían en que la droga que llevaban ese día pertenecía solo a Bud Powell, pero Thelonious era incapaz de culpar a su amigo. Por ello pasó dos meses en la cárcel y le fue retirado su permiso de trabajo en los bares de Nueva York durante varios años. Vino la crisis.

El retiro de su permiso fue una sentencia dura que lo condenó a años de pobreza. Durante mucho tiempo, Nellie se hizo el pilar de su familia, se sacrificaba en tres empleos abrumadores para sostener su casa; llena de amor y fe por el talento de Monk no le permitió venderse a ningún trabajo que interrumpiera su carrera. Aguantó con dureza la economía de la casa y sostuvo a su esposo y sus hijos, incluso cuando un incendio acabó con todo lo que tenían. Creía en el trabajo de su marido, sabía que su obra sobreviviría a los devenires del tiempo. Durante estos años difíciles, Thelonious conoció a la baronesa Pannonica de Koenigswarter, una aristócrata famosa por apoyar con su capital a los marginados negros del jazz. Ella junto con Nellie inyectarían sus esfuerzos para que el piano de Monk no se detuviera nunca.

En 1957, Monk volvió al ruedo y expuso tres de sus piezas fundamentales: Round About Midnight, Straigh No Chaser y Blue Monk, todas creadas en la debacle. Thelonious retornó triunfalmente presentándose en el recién inaugurado Five Spot Club, acompañado por John Coltrane. Se hizo evidente que quien volvía no era el mismo músico de antes de la censura; el artista que se sentó en ese piano había regresado con una madurez estilística evidente, un jazz absolutamente expresivo, personal y atrevido. Y él, Thelonious Monk, que ya daba muestras de un trastorno bipolar que lo acompañaría hasta la muerte, se tornaba cada vez más silencioso, más introspectivo. La euforia y la tristeza iban y venían con la rapidez y la fuerza de un huracán. Se estaba rasgando desde dentro y su único refugio, como en la niñez, era el piano y la creación musical.

Durante los años sesenta, Monk volvió a vivir una época de gloria, múltiples contratos, conciertos y giras. Fue portada de la revista Time en 1962. Su excentricidad en la escena retumbó por el mundo; estaba loco, sí, y quería decirlo de todas las formas posibles: sus sombreros insignes, sus bailes repentinos en el escenario. Su fama crecía a la par de su enfermedad y aunque era un músico celebre, nunca recibió buenos pagos por lo que hacía. En 1972 se recluye para siempre en una de las propiedades de la baronesa Nica. No conversaba con casi nadie, se levantaba en la mañana, vestía un traje pomposo y elegante para después tirarse en la cama a ver televisión todo el día. Quienes lo rodeaban estaban aturdidos ante su renuncia al mundo y a la fama. Un amigo fue a verlo por esos días de reclusión previos a su muerte, le preguntó: “¿Qué te pasa?” A lo que Monk respondió: “Everything, all the time”. Todo, todo el tiempo.

https://www.elespectador.com/noticias/noticias-de-cultura/thelonious-monk-un-gigante-azul-articulo-718372


Thelonious Monk - Lulu's Back In Town - It's Monk Time (1964)

Thelonious, You Are... Everything, All The Time. MAN


lunes, 30 de octubre de 2017

Les Visitants / En el CCK de Buenos Aires



Les Visitants: Guillermo Kuitca y una Colección de la Fondation Cartier

Un encuentro inédito con obras de veintitrés artistas internacionales

Esta gran exhibición, que une al Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos y a la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain de París, plasma la mirada personal de Guillermo Kuitca sobre la colección de la prestigiosa institución. El proyecto Les Visitants permitirá ver en todos los espacios del sexto y el séptimo piso del CCK, así como en las dos salas de la espectacular Gran Lámpara, obras de veintitrés prestigiosos artistas internacionales, como David Lynch, Agnès Varda, Patti Smith, Wolfgang Tillmans y Nobuyoshi Araki. Al trabar nexos entre diferentes estéticas, Kuitca concibe la muestra como artista y no como curador. De sala en sala, los universos entran en diálogo y correspondencia, en una sucesión de espacios monográficos que brindan a cada visitante un encuentro inédito con los artistas, la mayoría de los cuales se exponen por primera vez en la Argentina.

Les Visitants presenta series de fotografías de William Eggleston, Patti Smith, Juergen Teller, Wolfgang Tillmans, Nobuyoshi Araki, Hiroshi Sugimoto, Seydou Keïta, J.D. ‘Okhai Ojeikere, Alair Gomes y Francesca Woodman. También proyecciones y videoinstalaciones de Tony Oursler, Agnès Varda, Artavazd Pelechian, Raymond Depardon y Claudine Nougaret, Jean-Michel Alberola, Rinko Kawauchi, Daido Moriyama, Nan Goldin y Douglas Gordon. Se podrá ver una monumental escultura de Adriana Varejão, varios cientos de dibujos de David Lynch, y también una serie de fotografías de este cineasta, presentadas por primera vez en público.



Corazón y articulación del proyecto en su conjunto, el Living Room de Guillermo Kuitca ocupa un piso de La Gran Lámpara. Esta instalación, creada en 2014 para la Fondation Cartier, se inspira en un espacio imaginado por David Lynch, a partir de uno de sus propios dibujos, para su muestra The Air is on Fire, presentada en París en 2007. Actuando sobre las sensaciones y los efectos de perspectiva y resonancia entre las obras, ese Living Room, teatral e intimista, constituye un espacio pictórico rojo y negro cuyas paredes están enteramente recubiertas de formas angulares, prismáticas, desglosadas cual variaciones sobre una partitura –siguiendo un principio característico de las obras recientes de Kuitca.

Habitado por muebles-esculturas de David Lynch, el espacio también está impregnado por la voz de Patti Smith, quien revisita un texto escrito por el cineasta en 2011: una extensa y perturbadora fábula poética que narra la historia de un antílope que cruza una ciudad y observa a sus habitantes. Kuitca traza una cartografía imaginaria y subjetiva, diseña un juego de ecos, cruces o atajos, territorios mentales o redes de intuiciones.



En el otro piso de La Gran Lámpara, en un vaivén entre abstracción y presencia física, Kuitca propone el encuentro entre un film de Artavazd Pelechian –auténtico himno a la naturaleza salvaje, que muestra animales huyendo de manera despavorida de una amenaza invisible–, una serie de grandes fotos, Formas Matemáticas, de Hiroshi Sugimoto, y un conjunto de obras de Francesca Woodman, en las cuales la artista pone en escena su propio cuerpo en una aparición cambiante y fantasmal.

La exposición irá acompañada de encuentros con los artistas, conciertos, performances y noches de debate e intercambio de ideas, con el objetivo de crear espacios de diálogo que propongan nuevas miradas sobre los temas que abordan las obras.




Les Visitants: Obras de los Artistas:

Jean-Michel Alberola (Francia), Nobuyoshi Araki (Japón), Raymond Depardon (Francia), Claudine Nougaret (Francia), William Eggleston (Estados Unidos), Nan Goldin (Estados Unidos), Alair Gomes (Brasil), Douglas Gordon (Reino Unido), Rinko Kawauchi (Japón), Seydou Keïta (Mali), Guillermo Kuitca (Argentina), David Lynch (Estados Unidos), Daido Moriyama (Japón), J.D. Okhai Ojeikere (Nigeria), Tony Oursler (Estados Unidos), Artavazd Pelechian (Armenia), Patti Smith (Estados Unidos), Hiroshi Sugimoto (Japón), Juergen Teller (Alemania), Wolfgang Tillmans (Alemania), Agnès Varda (Bélgica), Adriana Varejão (Brasil), Francesca Woodman (Estados Unidos).

http://www.cck.gob.ar/eventos/les-visitants-guillermo-kuitca-y-la-coleccion-de-la-fondation-cartier_2310









miércoles, 25 de octubre de 2017

Prophets Of Rage / Prophets Of Rage




Prophets Of Rage: “Prophets Of Rage”

Por Emilio Toledo 
04-Oct-2017 

Hace aproximadamente un año, millones de fanáticos se llenaban de ilusiones ante la aparición de misteriosos carteles en EE.UU. que hacían suponer el regreso de Rage Against The Machine. Si bien el sueño no se cumplió, lo que se anunciaba no se alejaba de una respuesta satisfactoria. Los instrumentistas de la icónica banda, Morello, Wilk y Commerford, efectivamente se reunirían, pero sin Zack De La Rocha en voz. Su lugar lo ocuparían emblemas del hip hop: Chuck D y DJ Lord, ambos de Public Enemy, y B-Real de Cypress Hill. Así, tras un EP de covers lanzado el año pasado, Prophets Of Rage hoy vuelve con material propio en formato larga duración, ondeando las banderas de la revolución.

Como es costumbre para sus miembros, el discurso político se hace presente de forma inmediata con el track que tiene los honores de comenzar el salmo de los profetas. “Radical Eye”, uno de los primeros adelantos del LP, va contra supremacistas blancos. “Unfuck The World”, tema que los fanáticos nacionales tuvieron la suerte de escuchar su debut en vivo durante la visita de mayo de este año, continúa bajo la misma línea radical propuesta por el supergrupo. Por su parte, con mucho más groove, “Legalize Me” aboga por la legalización de la marihuana, dando paso al cuestionamiento de la democracia y una crítica a la desigualdad en el país del norte que se realiza en “Living On The 110”, canción que logra recoger con gracia la herencia de RATM, por su correcto balance entre hip hop y el potente solo de guitarra.

Una pequeña pausa llega con el trabajo de tornamesas de DJ Lord en “The Counteroffensive”, labor que se proyecta al duelo de scratch que realiza contra la guitarra de Morello en “Hail To The Chief”, track cuyo video promocional apunta directamente en contra de Donald Trump, a quien caricaturizan de títere del republicano Mike Pence. Por su parte, “Take Me Higher”, en una onda funk, pero no por eso menos combativo, es un tema dedicado a los drones y su utilización como herramienta de vigilancia. La potencia regresa con “Strength In Numbers” y su mensaje de unidad en la lucha frente a la explotación y opresión del sistema que hoy impera en el mundo.

En la misma senda que su predecesora, “Fired A Shot” y “Who Owns Who” se elevan como canciones valientes, llamando al empoderamiento, convirtiéndose en banda sonora ideal para un mundo que se alza en protestas en busca de dignidad. Llegando al final de esta entrega, “Hands Up” nos presenta una estética más hip hop, introduciendo a todo el escudaron de profetas de la ira, mientras que “Smashit” –cuya introducción podría recordar un clásico del primer disco de RATM– entrega un cierre certero y nos hace tomar conciencia sentenciando que, lo que nos prometen algunos, no es más que “la misma vieja mentira una y otra vez”.

Queda claro que, como supergrupo, Prophets Of Rage no logra diferenciarse de sus bandas madre, probablemente de forma intencionada. Por momentos, la propuesta se concentra en el sonido funk y rock de Audioslave, mientras que, por otros, se carga más hacia el rap mezclado con metal de Rage Against The Machine, estableciendo un balance nostálgico entre ambas ex agrupaciones. De todas formas, el aporte de los nuevos miembros provenientes del mundo hip hop entrega una pequeña variable a la sonoridad clásica, lo que es digno de rescatar. Considerando lo anterior, Morello y compañía cumplen lo que la fanaticada esperaba: alimentar la ira con canciones sobre las verdades verdaderas, las que sirven para encaminar aquella profecía que miles esperan se cumpla.


https://www.humonegro.com/discos/prophets-of-rage-prophets-of-rage/


Prophets of Rage - Radical Eyes - Prophets of Rage (2017)




Prophets of Rage - Unfuck The World - Prophets of Rage (2017)






Fats Domino / Symbol Of New Orleans




El Rock & Roll pierde al pionero Fats Domino.

El pianista y cantante de Nueva Orleans, cuyo desinhibido estilo modeló en los 50 el nuevo género musical, fallece a los 89 años.

Rafael Tapounet
Barcelona - Miércoles, 25/10/2017 (Fragmento)

A Elvis Presley siempre le resultó embarazoso que le llamaran 'Rey del Rock & Roll'. Y no dejaba que nadie lo hiciera si estaba en presencia de Fats Domino. "Mucha gente parece pensar que yo empecé esta historia, pero el rock & roll estaba ahí desde mucho tiempo antes de que yo apareciera. Nadie puede cantar este tipo de música como la gente de color. Asumámoslo: yo no puedo cantar como Fats Domino". Palabra de Elvis Presley. Y no se engañaba. Pocos músicos tuvieron una influencia tan determinante en el nacimiento del género que iba a revolucionar la música popular como Antoine Dominique Domino, un precoz pianista nacido en Nueva Orleans en 1928 que supo ganarse a la audiencia blanca con una audaz mezcla de Rhythm & Blues y Boogie-Woogie que ya exhibía los principales ingredientes de eso que se llamó Rock & Roll. Fats Domino, pionero por derecho, ha fallecido en su ciudad natal a los 89 años por "causas naturales", según ha confirmado su representante.

Nacido y criado en el seno de una familia criolla y numerosa (tenía ocho hermanos), Domino abandonó la escuela a los 14 años para entrar a trabajar en una fábrica de muelles para camas al tiempo que aprendía a tocar el piano por su cuenta. Pronto empezó a actuar en clubes y a llamar la atención gracias a su físico rotundo (una oronda figura que le valió el sobrenombres de 'Fats', coronado por un pelo siempre engominado y plano por arriba, como césped recién cortado) y a su desinhibido estilo de aporrear el piano. Su primera grabación 'The Fat Man', de 1949, está considerada por muchos como el primer número de rock & roll y ya en su época se convirtió en un superventas.

Racha de Éxitos

Consolidó su estatus de figura popular en 1955 con la irresistible 'Ain't That A Shame', que años después versionarían Pat Boone, Cheap Trick y John Lennon, entre otros muchos (fue una de las primeras canciones que el joven Lennon aprendió a tocar a la guitarra y formó parte del repertorio de los Quarry Men, el embrión de los Beatles). La racha continuaría con éxitos como 'Blueberry Hill' (la versión que Domino grabó en 1956 fue elegida para ser incluida en el registro de grabaciones históricas de la Biblioteca del Congreso de EEUU), 'Whole Lotta Loving', 'I'm Ready', 'Be My Guest', 'Jambalaya', 'I'm Walking'... Durante los años 50 y 60, Domino fue el segundo músico de rock que vendió más discos en su país, solo superado por Elvis Presley. Fue también uno de los primeros artistas negros que apareció regularmente en los programas televisivos de música pop. 

Cuando las hornadas del pop británico capitaneadas por los Beatles barrieron a la primera generación del Rock & Roll, la estrella de Fats Domino empezó a declinar. No ayudó a su carrera la decisión de abandonar Imperial, el sello discográfico que lo había conducido al éxito. La última de sus grabaciones que logró hacerse un puesto en las listas fue precisamente una versión de los Beatles, 'Lady Madonna'; una canción que Paul McCartney había compuesto a modo de entusiasta homenaje a... Fats Domino. Pese al descenso de su popularidad, el pianista de Nueva Orleans nunca intentó subirse a trenes que no consideraba suyos. "Preferí no cambiar -explicó años después-. Tenía que mantenerme fiel a mi propio estilo porque, de lo contrario, no habría sido yo".

http://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20171025/muere-fats-domino-89-anos-6378950


Fats Domino - Walking To New Orleans (Historic Films Stock Footage Archive)


"The Big Beat, Fats Domino and the Birth of Rock & Roll" Directed by Joe Lauro
Courtesy of Historic Films Archive 



jueves, 19 de octubre de 2017

Laurie Anderson / This Evening With Laurie




“Ya no podemos entender la realidad”

Laurie Anderson se presenta esta noche en Buenos Aires. “El mundo está lleno de cosas que son muy difíciles de poner en palabras y que sólo una imagen puede describirlas en su profundidad”, señala la artista estadounidense, que hoy mostrará una retrospectiva de su vida y de su obra.

Por María Zentner
19 de octubre de 2017

Como un péndulo que va hacia un lado pero no vuelve: así describe Laurie Anderson al mundo hoy. La imagen del péndulo que nunca vuelve recoge en sí misma varias interpretaciones, desolados retratos de algo que va contra su naturaleza, que se suspendió, se cristalizó en un punto, que frenó su curso. Para cada persona, puede tomar significados diferentes. Pero lo cierto es que un péndulo que va pero no vuelve es la perfecta imagen de algo que no está bien. La de las palabras y las imágenes es una antigua dialéctica a la que Laurie Anderson agrega música desde hace décadas. Sobre estos ejes se erige la obra de esta inclasificable artista que vuelve a Buenos Aires para presentarse, hoy a las 21 en el Teatro Opera (Corrientes 860), con el espectáculo An Evening With Laurie Anderson: una retrospectiva de su vida y su arte.

Una de sus últimas producciones, el documental Heart of a Dog, estrenado en 2015, es un profundo ensayo audiovisual con el que Anderson exorcizó la tristeza de la pérdida de su madre y de su esposo y compañero por más de veinte años –el músico norteamericano Lou Reed, fallecido en 2013–. La dulce y firme voz de Anderson es la que conduce a través de ese camino que, en poco menos de una hora, atraviesa los miedos, el dolor, la infancia, las enseñanzas, el presente, los interrogantes, la muerte, el amor. La película habla también de esta relación íntima entre las imágenes y las palabras aunque, de alguna manera, subvierte el orden. Porque las imágenes parecerían estar allí para apoyar la poesía de las palabras y de la música, y no al revés. 

“Si no podés hablar de eso, es porque no existe”, cita brevemente Anderson al filósofo Ludwig Wittgenstein, en un momento del film en el que indaga acerca de la capacidad del lenguaje para crear mundos. Pero, ¿son las palabras suficientes para contar el mundo? Su último show en Buenos Aires hace dos años, en el marco de la Bienal de Performance BP15, fue casi una declaración en ese aspecto: en un momento en el que las imágenes parecen invadirlo todo, brindó un espectáculo en el que las palabras tuvieron el mayor de los protagonismos. Sin embargo, no cree que exista en ella un afán por reemplazar una cosa por otra. En todo caso, se trata de hacerse eco de las necesidades expresivas de cada momento: “No creo que las palabras sean suficientes. El mundo está lleno de cosas que son muy difíciles de poner en palabras y que sólo una imagen puede describirlas en su profundidad. Hay imágenes tan simples en las que se puede caer de un modo completamente sensual y cargado de sentidos. Un cielo celeste, por ejemplo. No es necesario pensar imágenes muy complicadas”, aclara. Su voz, a través del teléfono, es el sonido de una serie de fotografías mentales, involuntarias instantáneas que se van formando, transformando y deformando durante los breves minutos que dura la entrevista. 

–En Heart of a Dog, dedica un apartado a desarrollar una teoría según la cual, cuando decimos, olvidamos. Es una extraña relación que establece con el lenguaje.

–Creo que cuando decimos algo, y lo repetimos, puede ocurrir que terminemos olvidando su significado. La repetición hace eso: como cuando contás una historia tantas veces, o la sentís tan intensamente, que al final cuesta conservar el sentido de lo que decís, mantener la verdad de esa historia. Creo que la repetición, muchas veces, hace que se vuelva más difícil encontrar las verdaderas emociones en lo que estás diciendo. Como cuando cantás una canción demasiadas veces: terminás olvidando lo que quiere decir.


–Hay una entrevista de hace casi diez años, durante la presentación del disco Homeland, en la que usted dice que el arte no es una buena manera de hacer política. Sin embargo, en su obra están muy de manifiesto sus preocupaciones en ese aspecto. ¿Sigue pensando igual?

–Suelo cambiar de opinión acerca del modo en que lidiamos con la política. Creo que, en los últimos años, la política se convirtió en un tema mucho más grande y más complejo de abarcar. Es muy difícil referirnos a la realidad, porque estamos en un permanente estado de emergencia. Y eso tiene que ver con que ya no se sabe qué es real. Ya no podemos saber si las historias que escuchamos son verdad o no. Somos incapaces de hacer esa diferencia. No se trata de una crisis política: es existencial, porque ya no somos capaces de entender la realidad. Entonces, cuando me decís que mi arte tiene un sentido político, yo debo responderte que mi arte es sobre la realidad y la manera que yo tengo de tratar de comprenderla. Y debo decir que se ha vuelto algo muy muy arduo últimamente.


–¿Cómo se lleva con la presidencia de Donald Trump?

–La verdad es que ya no puedo ni hablar de él. ¡Es semejante desastre! De todos modos, siento que es una situación mucho más compleja que simplemente culpar a Donald Trump. Creo que vivimos en un mundo tan complicado y que se mueve tan rápidamente que es difícil de entender del todo. Como artista es una época muy perturbadora. 


–¿El arte no es para usted una herramienta para atravesar estos momentos?

–Los artistas hacemos arte siempre, pase lo que pase, es nuestra manera de vivir. Entonces, situaciones como las que se viven en el presente pueden ser extremadamente frustrantes. Pero para todo el mundo, se dedique a lo que se dedique. Yo no veo respuestas posibles a la pregunta sobre si somos capaces de ayudar a cambiar algo, y es una pregunta muy presente. Y Nuestros partidos políticos tampoco son capaces de hacer nada, hay como una parálisis generalizada, de acciones y de emociones. Venimos de una serie de emergencias, una atrás de la otra. Parecería que las catástrofes vienen encadenadas: las malas noticias son como los huracanes, que no paran de llegar. Es abrumador. Te recuperás de una y ya llega la siguiente y la siguiente y la siguiente. Vivimos en estado de shock permanente, porque cada día hay una noticia terrible que supera a la anterior: hoy es la carrera armamentista, mañana los neonazis, el día después es Puerto Rico destruido, es infinito. Es como un péndulo que se columpia hacia un lado, pero no vuelve para el otro. Entonces, ¿cómo reacciona la gente ante estas catástrofes? Algunas veces, hacen como que no pasa nada: niegan todo. O hablan de eso todo el tiempo. O tratan hacer algo para representárselo. O marchan. Bueno: yo soy como la gente, quizás un día marcho, quizás un día pinto o hago una canción. Pero, ¿ser capaces de realmente cambiar algo? No lo sé. Tratamos de entender lo que está pasando para contarlo y no estamos pudiendo. Jamás pensé que diría una cosa como esta, pero el mundo resulta incomprensible para mí. No es mi intención ser tan negativa, pero sinceramente, no sé muy bien cómo decir las cosas de otra manera.


–Usted menciona a menudo una enseñanza budista que consiste en intentar sentirse triste sin estar realmente triste. ¿Es el arte un camino para lograr ese estado?

–Sí, por supuesto. Absolutamente. Pero, como todas las cosas: algunas veces funciona y muchas otras, no.


https://www.pagina12.com.ar/70049-ya-no-podemos-entender-la-realidad


Laurie Anderson's film Heart of a Dog (2015) (Official Trailer) 



Laurie Anderson feat. Lou Reed - Turning Time Around - Heart of a Dog (2015) 



miércoles, 18 de octubre de 2017

William Eggleston / "Musik" Álbum Debut Produced By Tom Lunt On Secretly Canadian



William Eggleston - Iconic 20th Century American Photographer


El célebre fotógrafo William Eggleston anunció el lanzamiento de su Álbum Debut "Musik". 


William Eggleston , de 77 años, quien es ampliamente considerado como el fotógrafo más importante de finales del Siglo XX, ha anunciado su disco debut, Musik , que se estrenará el 20 de octubre a través de Secretly Canadian.

Octubre, 2017

Fue durante su infancia en Sumner, Mississippi , que Eggleston descubrió el piano en el salón y encendió en él una pasión por la música para toda la vida . Y fue una pasión que llevó a cabo siempre, tocando con bastante habilidad cuando tuvo a mano un piano; improvisado Bach, Handel, gospel, country y selecciones populares del Great American Songbook para amigos y familiares. Aunque sus viajes lo encontraron codeandose con súper estrellas de la talla de Andy Warhol en Nueva York, donde vivió durante varios años con Viva at the Chelsea Hotel, y observando una escena musical en Memphis que incluía a Alex Chilton de Big Star, y su viejo amigo y propietario de Ardent Studios, el Ingeniero, Jon Fry, su propia música fue en gran parte desconocida por el público en general.

En la década de 1980, Eggleston, que despreciaba las cámaras digitales y la modernidad en general, quedó sorprendentemente fascinado con un sintetizador, el Korg OW / 1 FD Pro, que tenía 88 teclas tipo piano y además de poder emular el sonido de cualquier instrumento, también contenía un secuenciador de cuatro pistas que le permitió ampliar su paleta músical, lo que le permitió crear piezas sinfónicas improvisadas, almacenadas en 49 discos flexibles, que abarcan unas 60 horas de música de las que se ensambló esta grabación de 13 pistas.

Eggleston vive hoy en un pequeño apartamento frente al Memphis’ Overton Park, el que comparte con un piano de cola Bosendorfer de 9 pies y un arsenal de equipos de audio de ultra Alta Fidelidad, algunos de los cuales fueron diseñados por su hijo, William Eggleston III. El sintetizador, por desgracia, está roto y tercamente se niega a que sea reparado, por lo que para este proyecto se compró otro que reproduce los disquetes, que junto con un puñado de DAT y otros medios fueron digitalizados y masterizados para este y futuros lanzamientos.

El Sr. Eggleston a menudo dice que siente que la música es su primer llamado, como parte de él, al menos, como su fotografía. Nos enorgullece especialmente permitir que el mundo escuche este lado de un gran artista que ahora puede llamarse con razón un gran músico.

http://www.secretlycanadian.com/


William Eggleston - Untitled Improvisation FD 1.10 - 'Musik' (2017)



lunes, 16 de octubre de 2017

Ricardo Iorio / El Enemigo Público Nº 1




Comunicado de Ricardo Iorio.

"Gracias y aguante el metal pesado argentino", finalizó el texto el músico. La aclaración desde su Facebook oficial. Ricardo Iorio fue bajado del cartel del festival BA Rock luego de su polémica foto con Alejandro Biondini.

Jueves, 12 de Octubre de 2017.

COMUNICADO IMPORTANTE. (Día martes 10 de Octubre)

De parte de esta producción y a pedido de RICARDO queremos agradecer profundamente todo el apoyo de los fans, periodistas, músicos, publico en general, ya que los mensajes han llegado de diversos lugares del país, como así también desde el extranjero. En esta página seguiremos subiendo las fotos que solidariamente nos envían en su totalidad.

Lamentablemente hemos visto publicaciones que convocan al escrache público hacia las personas organizadoras del festival, al respecto queremos aclarar: "La producción de BAROCK y la totalidad de sus integrantes, hasta último momento intentaron que IORIO y su banda realice el show pactado para el día domingo 15. Tristemente y como lo manifestaran en su comunicado, fueron presionados por organismos no gubernamentales desde hace más de un mes, bajo amenazas de escraches y manifestaciones. Por temor a ello creyeron conveniente en resguardo del artista y fans en general la decisión hoy públicamente conocida.

Por tal motivo pedimos a todos los metaleros de corazón, que se abstengan de realizar las acciones que tanto repudiamos, la intolerancia, la discriminación, y la soberbia no es parte de nuestra acción, son las acciones de esas organizaciones, una vez más puestas en evidencia. Seamos solidarios con todas las personas que nada tienen que ver y trabajan en la música, stage, técnicos, bandas.

No convocamos a ninguna manifestación, ni escrache, LA MEJOR MANERA DE COMBATIR LA CENSURA ES DIFUNDIENDO LA OBRA DEL ARTISTA. Gracias y AGUANTE EL METAL PESADO ARGENTINO !

http://www.primiciasya.com/primicias/comunicado-ricardo-iorio-luego-su-polemica-foto-alejandro-biondini-n1486741.html


Hermética - Otro Día Para Ser - Víctimas Del Vaciamiento (1994)