domingo, 30 de septiembre de 2012

Roberto Pettinato / "Luca no va a volver, ni Orsai, ni el peronismo."




Pettinato: fama, política y jazz

Entrevista con el músico y conductor todoterreno

Domingo 30 de septiembre de 2012
Por Jorge Luis Fernández - (Martín Felipe / AFV)


Pettinato concede entrevistas sólo por mail. Dice que no tiene tiempo ni para dormir, pero, acaramelado con su nuevo disco (grabado en Nueva York, junto a un supergrupo de free jazz), esta vez hace una excepción. Su agente de prensa marca las coordenadas: el encuentro es a las 10 en la puerta de Radio Mitre, donde RP conduce El show de la noticia . Puntual, el prensero recibe a LA NACION mientras Pettinato habla por celular en la vereda y arquea todo el tiempo la espalda, como si tocara un solo de saxo. Cinco minutos más tarde, está tocando el saxo media cuadra más lejos. Cinco minutos después, desaparece.


"Voy a buscarlo", dice el agente. "Debe de haberse metido en un negocio de comida orgánica." A los diez minutos, vuelven cargados de bolsas. Pasamos al estudio de radio. Roberto ofrece jugo de pera y alfajores de maicena. "Bueno, ¿de qué es la nota?", pregunta con la boca llena. "Porque podemos hablar de un montón de cosas."


Es cierto. De hecho, existen varios Pettinato: el ex saxofonista de Sumo, el columnista, la celebridad televisiva, el locutor radial y, ahora, el cómico stand-up.


Roberto Pettinato será una suma de todo eso. O no. Para quien escribe, el auténtico Pettinato está en Purity , su segunda grabación junto a Henry Grimes (contrabajo), Dave Burrell (piano) y Tyshawn Sorey (batería). Hay algo urgente en el disco, la misma sensación de ahora o nunca que había en sus viejas reseñas de Expreso imaginario , o en su segmento radial "La zona fantasma", donde musicalizaba temas oscuros de los Stones (los Stones no rolingas) y entrevistó a Virus antes de su primer disco.


Cuando la radio y las revistas eran los únicos vehículos de información rockera, ahí estaba Roberto Pettinato, ese ser que, como Alien, parecía tener ácido en las venas.


"Somos una gran cadena de pequeños maestros -reflexiona. Alguien me enseñó a mí, yo te enseñé unas cosas a vos y ahora vos estás contando que yo hago free jazz, para que otros digan, a ver ¿qué es eso? De la misma manera, Dylan te llevaba a leer a Kerouac y a los escritores de la beat generation . Uno quería tener amigos como esos, pero encontrarlos puede llevar años. Bueno, mujeres ni hablar. Debe haber una (risas). Por eso digo que todos estábamos enamorados de Joni Mitchell. Uno se imaginaba haciéndole el amor y caminando por Laurel Canyon."


A menudo cuestionado como saxofonista, Pettinato rechazaría cualquier aspiración a virtuoso. Sus fraseos en Purity son contenidos, transforman restricción en expresión y su conocimiento como aficionado de free jazz le permite dialogar con los músicos en distintos estilos: aullidos de marcha fúnebre a lo Albert Ayler, pasajes de free modal extremo, como el Coltrane de Ascension , y armonías de Burrell que recuerdan a los grupos de Keith Tippett.


"Fue una sesión de hora y media durante la cual no sé dónde estuve -admite el ex Sumo. Había una seriedad... porque no era que tocábamos un temita de Thelonious Monk. Y yo tenía un cagazo que me quería morir. El día anterior tocamos en un centro cultural de Harlem. Yo me imaginaba una audiencia de doscientos intelectuales como LeRoi Jones. No sabía qué hacer. Lo miré a Henry (Grimes) y me hizo un gesto. Entonces largué un Si con el saxo, interminable, y el baterista se levantó e hizo bluaaaaaaaaaa. Terrible. Eso duró una hora cuarenta."


Sin duda, haber tocado con leyendas como Burrell o Henry Grimes (que participó en grabaciones históricas de Cecil Taylor, Albert Ayler, Don Cherry y Archie Shepp) fue un sueño cumplido para Pettinato, que en breve regresará a Nueva York para grabar un tercer disco.


"Estoy muy nervioso; encima, como de vuelta vamos a tocar en vivo, vi el aviso de la Time Out y me definen como el ascendente saxofonista argentino", dice, entusiasmado como un chico. "Decidí cambiar. Ya le dije a mi esposa: El año que viene no va a ser igual, eh. «¿Qué? me dijo ¿Vas a dejar Un mundo perfecto ?» No, le dije, voy a dejar un montón de cosas. Entonces escribí (la novela) La isla flotante , me convertí en un tipo serio, volvió Que parezca un accidente , el programa que me gustaba hacer en TN. Y me siento de nuevo un tipo interesante. Como les digo a mis amigos, yo era un tipo muy copado. Por eso volví a la música. Volví a escuchar a Cecil Taylor y Ornette Coleman. Quiero volver a ser el que era. Siempre fui un tipo under y me gustaron las cosas raras, desde William Burroughs hasta Frank Zappa.


¿Cómo te convertiste en una celebrity ?

-Yo era un chico distinto en el colegio. Siempre fui un tipo raro. Cuando vi Lenny en el cine, y la fui a ver seis veces, pensé que lo mío era hacer humor, aunque nunca creí que llegaría a la televisión. Después, con Sumo nos moríamos de hambre, literalmente, y tuve la chance de reemplazar a Vicentico en Rebelde sin pausa. Fue mi primer intento por hacer un late night show.


Orsai fue una de las mejores cosas que hiciste en tevé.

Sí. Después intentamos una remake...pero esas cosas son del momento. Como Expreso imaginario, que empezó y murió con la dictadura. O como el rock nacional. Los argentinos siempre queremos que vuelvan los viejos tiempos. Luca no va a volver, ni Orsai ni el peronismo.


¿El gobierno actual no es un digno representante del peronismo?

Nada que ver. Esto puede ser un vago intento por hacer bien las cosas. No creo que sea mala gente. Creo que son gente ignorante, porque no saben comunicar. Y tienen ineptitud para hacer una sana demagogia, porque pueden incluir a todos los sectores y después no darles bola. Demuestran poca viveza en esto de querer parecerse al peronismo; esto de Perón, Evita y Cristina. Pero su principal problema es que no tienen humor. No soportan las críticas, porque creen que el pueblo va a creerles a los medios opositores y después van a odiarlos.


Hablás de peronismo con autoridad. Tu viejo fue director de la Penitenciaría Nacional; hace poco lo mencionó Cristina en un discurso.

Claro. En la época de mi viejo las cárceles eran increíbles, y eso lo tengo todo documentado. Si te muestro fotos de la cárcel de Las Heras vos creés que es un colegio industrial. Los presos usaban unas máquinas increíbles; hacían cualquier cosa. Mi viejo decía que la única manera de que haya un buen sistema carcelario era teniendo al preso ocupado, y trabajando para reinsertarlo. Se los capacitaba y en un año eran torneros o técnicos. Todo el pan dulce que repartía Perón se hacía en la Penitenciaría Nacional.


Volviendo a lo tuyo, ¿vas a dejar la televisión?

Sí, te doy la exclusiva. Sigo con la radio, obvio, porque de algo tengo que vivir y me permite estar relajado, sin el cuidado por la estética y el estrés al que te somete la televisión. Voy a dedicarme de lleno al free jazz y el stand up. Hace 35 años que quiero hacer stand up; desde que vi Lenny. Mi ilusión era vivir en Nueva York con un puestito de panchos. Claro, porque para ser pobre prefiero vivir allá. Allá, a la noche podés ir a escuchar jazz. Acá tenés que irte a dormir o mirar a Tinelli.



 
Henry Grimes Now! Quartet

Thu Mar 15 2012
Time Out says

Miraculously resurgent bassist, violinist and poet Henry Grimes waxes ecstatic with an intensely promising foursome, featuring Dave Burrell at the piano, Tyshawn Sorey on drums and rising Argentine saxophonist Roberto Pettinato.


sábado, 29 de septiembre de 2012

Lee Fields & The Expressions / Kafe Antzokia-Bilbao & Luz de Gas-Barcelona



Lee Fields en noviembre en Bilbao y Barcelona

Por inzona • sep 21st, 2012


Nacido en Wilson, Carolina del Norte, en una familia de 4 hermanos, Lee Fields pasó su adolescencia escuchando artistas de Rythm & Blues como James Brown, The Temptations, Otis Redding y el sonido clásico de Memphis de los 60.

Comenzó tocando en unas cuantas bandas en circuitos universitarios y a finales de los 60 arrancó su carrera como vocalista colaborando con formaciones que aportarían mucho a la creación del funk como Kool and The Gang, Sammy Gordon and the Hip-Huggers o Little Royal.

Lee Fields ha dejado un legado interminable de hits de soul y funk desde comienzos de los 70, con temas como ‘She’s a Lovemaker’, ‘The Bullis Coming’ y discos como ‘Let’s Talk It Over’. Cuando en 2004 los responsables del sello Truth & Soul pusieron en marcha la grabación de un disco de soul de primer nivel reeditando la fórmula que anteriormente habían utilizado bandas como The Moments, The Delfonics o The Stylistics, juntaron a Lee Fields con una serie de músicos excelentes. Y allí surgió la magia. La magia y The Expressions, la formación que desde entonces ha acompañado a Fields.

Entre todos ellos han creado un sonido único y personal que mezcla la tradición del soul con las corrientes más innovadoras del estilo, llegando así a nuevas generaciones que no han crecido escuchando a Al Green o Sam Cooke. Su último trabajo se llama ‘Faithful Man’ y es un auténtico discazo. El pasado mes de junio, nos lo presentaron con gran éxito en el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gasteiz y en Barcelona. Ahora, retornan para actuar el 8 de noviembre en el Kafe Antzokia de Bilbao y el día 9 de noviembre en la sala Luz de Gas de Barcelona, dentro del 44 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona.

Lee Fields & The Expressions

Jueves, 8 de noviembre, Lee Fields & The Expressions: 21.30h
BILBAO Kafe Antzokia

Viernes, 9 de noviembre, Lee Fields & The Expressions: 21.30h
BARCELONA - Sala Luz de Gas - 44 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona


http://www.inzona.es/lee-fields-en-noviembre-en-bilbao-y-barcelona.html



Lee Fields & The Expressions - Faithful Man - Faithful Man (2012)

viernes, 28 de septiembre de 2012

Peter Hammill / European Live Concerts



Peter Hammill en Pamplona, Madrid y Bilbao

Peter Hammill uno de los referentes indiscutidos  del rock progresivo y experimental, ofrecerá tres conciertos en España el próximo mes de octubre. No se trata (cabe aclarar) de una gira de Van der Graaf Generator, quienes este año también han lanzado su propio trabajo discográfico "ALT". Recordemos que entre 1968 y 1978, Peter Hammill lideró Van der Graaf Generator.

Tambien como solista de renombre ha logrado desarrollar una carrera marcada por la experimentación y la continua renovación. Reconocido multiinstrumentista, Hammill suele no solo grabar en solitario sino producir sus propios trabajos. Incluso ha compuesto música para ballet, cine y televisión, además ha estrenado una ópera llamada “The Fall of The House of Usher” junto a Chris Judge Smith .

Su último trabajo discográfico “Consequences” fué lanzado en abril pasado, fué presentado en Japon en agosto y será presentado en octubre con una gira europea que incluye a España.

Los conciertos serán los días 5, 6 y 7, en Pamplona, Madrid y Bilbao, respectivamente.

- Las fechas son las siguientes:

05/10/12 Pamplona (ES) Chamber Music Hall of Baluarte
06/10/12 Madrid (ES) Sala Clamores
07/10/12 Bilbao (ES) Sala BBK
13/10/12 Amsterdam (NL) Bitterzoet
14/10/12 Zoetermeer (NL) Boerderij
15/10/12 Utrecht (NL) Tivoli de Helling
17/10/12 Verviers (B) Spirit of 66
18/10/12 Berlin (D) Quasimodo
19/10/12 Erfurt (D) Museumskeller
21/10/12 Hamburg (D) Fabrik
23/10/12 Frankfurt (D) Brotfabrik
25/10/12 Wien (AU) Porgy and Bess
27/10/12 Zurich (CH) El Lokal


Peter Hammill - Scissors - Consequences (2012)

jueves, 27 de septiembre de 2012

Patti Smith / Bilbao - Madrid - Cartagena - Valencia & Barcelona en Noviembre 2012




Patti Smith gira por España en Noviembre


26 Sept. 2012 · Por Paula Quintana

Con nuevo disco bajo el  brazo, Patti Smith vuelve a España en noviembre para tocar en directo en cinco ciudades. Smith publicó Banga en junio después de ocho años sin lanzar material original (desde aquel Trampin' de 2004).

El álbum ha sido grabado en los estudios Electric Lady de Nueva York y producido por la propia Patti. Incluye una canción en recuerdo a Amy Winehouse ("This is the girl") y una versión del "After the Gold Rush" de Neil Young.

La promotora Stage the Planet anuncia que las entradas para los conciertos ya están a la venta a través de los puntos y servidores habituales. Para la cita en Bilbao, esta leyenda viva de la música agotó las entradas disponibles en cuestión de horas. Estas son las fechas para ver en directo a Patti Smith con su banda presentando su 11º álbum:

13 noviembre - Bilbao (Museo Guggenheim. Ciclo Women's Nights) [Entradas agotadas]
14 noviembre - Madrid (Teatro Circo Price. Festival de Jazz)
16 noviembre - Cartagena (Auditorio El Batel. Festival de Jazz)
17 noviembre - Valencia (Polideportivo Cabanyal. Festival Urbano VLC 2012)
19 noviembre - Barcelona (Palau de la Música. Festival Mil.lenni)

http://radio3.rtve.es/noticias/2012/09/patti-smith-conciertos-espana.html


Patti Smith - After the Gold Rush (N.Young) - "Banga"  (2012)

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Neil Young & Crazy Horse / Psychedelic Pill



Neil Young & Crazy Horse presenta nuevo video


Bárbara Pavan 26 de septiembre, 2012, 00:34


Algunos artistas son simplemente tan prolíficos que es fácil perderles el rastro con tantos lanzamientos. Apenas la semana pasada, Neil Young entregó los detalles de su nuevo disco de estudio junto a Crazy Horse, Psychedelic Pill, y esta semana ya podemos escuchar el primer adelanto y hasta mirar el primer videoclip para “Walk Like a Giant”.

 
Psychedelic Pill será el segundo disco de Neil Young & Crazy Horse en lo que va del año. El primero se lanzó a principios de año y está titulado Americana. Será editado de forma oficial el próximo 30 de octubre en un CD doble, y el 23 de noviembre en un triple vinilo, acompañado por un disco Blu Ray con todos los videos de las canciones de este disco.

 
“Walk Like a Giant” es, sin hacer bromas, una verdadera canción gigantesca, de alrededor de 16 minutos de duración –habrá otras dos canciones con la misma duración en el disco-. Por motivos radiales, la canción se acortó a cuatro minutos, por lo que esperamos poder descubrir que es lo que se esconde en el track completo. El video, por su parte, es una combinación de material de archivo de Pie Grande, Albert Einstein, y la bomba atómica.

 
Psychedelic Pill contendrá 8 canciones, de las cuales “Walk Like a Giant” y “Ramada Inn” tienen una duración de 16 minutos, y “Driftin’ Black” tiene una duración de, sorprendentemente, 27 minutos. Es el tema encargado de abrir el disco.

http://cucharasonica.com/2012/09/neil-young-crazy-horse-presentan-nuevo-video

 
Neil Young & Crazy Horse: Walk Like A Giant from "Psychedelic Pill" (Official Video)


martes, 25 de septiembre de 2012

sábado, 22 de septiembre de 2012

Jarrett Garbarek Danielsson Christensen / Sleeper/Tokyo, April 16. 1979 ECM Records



Keith Jarret: 'Sleeper'´


"Todas las interpretaciones son extraordinarias por un motivo u otro"
"Un grandísimo disco. Imprescindible"


Chema García Martínez 16 SEP 2012 - 23:48 CET


Negro sobre negro. Los títulos de las interpretaciones y los datos mínimos imprescindibles acerca del dónde, el cuándo y los quién. Cuatro fotos de los artistas interpretando su música en la penumbra Dios sabe dónde. Y un título: Sleeper. Ninguna explicación.


“La música se explica por sí misma”, argumentan Keith Jarrett y su productor, Manfred Eicher. Y sí, pero… a uno le hubiera gustado saber qué ha sucedido para que, 33 años después de grabado (con ocasión, se supone, de un concierto del cuarteto en Tokio), éste material vea la luz, y porqué no se editó hasta ahora, y qué ha ocurrido con los masters durante todo este tiempo; y, ya que estamos, de dónde viene el nombre del disco, que no se corresponde con ninguna de las interpretaciones contenidas en el mismo, y remite a un memorable título en la temprana filmografía de Woody Allen, Sleeper (aquí, El dormilón). ¿Keith Jarrett y Woody Allen unidos por el Destino?. Improbable, pero cosas más raras se han visto.


A falta de información, nos queda la música, ¡y qué música!. Para los seguidores de Jarrett, y para los aficionados al jazz en general, esta edición nos permite escuchar al celebérrimo “cuarteto europeo” del pianista (con Jan Garbarek, a los vientos; Palle Danielsson, al contrabajo; y Jon Christensen, a la batería) exhibiendo una vitalidad y un empuje que no se encuentran en ninguno de sus discos en estudio (Belonging, My song, Personal mountains y Nude ants). Todas las interpretaciones son extraordinarias por un motivo u otro: la irresistible bacanal rítmica de Personal mountains; el romanticismo arrebatado de Innocence; el lirismo, siempre latente en piezas como So tender; Oasis (un verdadero trip alucinógeno, o así, de casi media hora de duración); o el happy end tan esperable como gozoso de New Dance.


Aún cuando todas las composiciones son obra del pianista, Sleeper es, antes que nada, una obra colectiva. De ahí que, haciendo una excepción en lo que en él es norma, el nombre de Keith Jarrett aparezca en portada al mismo tamaño de letra junto a los de sus compañeros de sesión.



http://cultura.elpais.com/cultura/2012/09/12/tentaciones/1347450867_942138.html



 Jarrett Garbarek Danielsson Christensen - Innocence - Sleeper/Tokyo, April 16. 1979, ECM Records (2012)

viernes, 21 de septiembre de 2012

Jaco Pastorius / The Greatest Bass Player Who Reinvented The Electric Bass Forever


 
Jaco Pastorius: 25 anni fa moriva il bassista diventato leggenda


Ci lasciava il 21 settembre del 1987 Jaco Pastorius, uno dei più grandi bassisti di tutti i tempi, noto ai più per aver suonato nei Weather Report.

Inviato da Leonardo Follieri il 21-09-2012 10:36

Le sue linee di basso hanno rivoluzionato la storia della musica. Stiamo parlando di Jaco Pastorius, uno dei più grandi bassisti di tutti i tempi, noto ai più soprattutto per la militanza nei Weather Report. Considerato un  vero e proprio punto di riferimento nel genere fusion, Pastorius ha ridefinito il ruolo del basso nel jazz, nel pop, nel rock e anche nel funky, riproducendo contemporaneamente con il suo strumento melodie, accordi ed effetti percussivi.

Il celebre bassista nel 1975 era reduce dalla pubblicazione di due dischi da solista e si presentò a Joe Zawinul dei Weather Report con un nastro di una sua versione di "Donna Lee" di Charlie Parker e con queste parole: "Mi chiamo Jaco e sono il più grande bassista al mondo". Zawinul ovviamente non gradì tale affermazione così arrogante, ma, dopo aver ascoltato il nastro, si dovette ricredere, almeno in parte, su quello che gli aveva detto Pastorius, il quale fu richiamato soltanto dopo che il bassista Alphonso Johnson abbandonò i Weather Report (1976).


Il triste epilogo della vita di Jaco Pastorius inizia il 12 settembre del 1987: durante un concerto di Carlos Santana presso Fort Lauderdale (Florida), il bassista, ubriaco fradicio, sale sul palco e viene poi cacciato in malo modo; mentre vaga per la città, entra nel Midnight Bottle Club, locale che rimane aperto tutta la notte, e lì viene picchiato da un buttafuori. Jaco Pastorius viene trovato in fin di vita e con il cranio fracassato sul marciapiede e viene trasportato in ospedale, dove morirà nove giorni dopo. Il buttafuori fu condannato a 22 mesi, ma ne scontò solo 4, poiché lo fecero uscire per buona condotta.


A 25 anni dalla sua morte, il sentimento musicale di Jaco Pastorius rimane più vivo che mai. Lunga vita a Jaco Pastorius e alla sua musica...


http://musica.net1news.org/jaco-pastorius-25-anni-fa-moriva-bassista-diventato-leggenda.html


Jaco Pastorius - Jaco Pastorius Anthology - Amerika [Live]

jueves, 20 de septiembre de 2012

Robert Crumb / The Sketchbooks 1982-2011 By The Art Book Publisher TASCHEN



Toda una vida sobre el papel


Por: Virginia Collera | 18 de septiembre de 2012


Antes Robert Crumb nunca se separaba de su cuaderno. Lo llevaba a todas partes. “En mi juventud era todo lo que tenía. Así me enfrentaba al mundo. Era pura supervivencia. No había nada más. No dibujaba por un placer estético, ¡lo hacía para mantenerme vivo!”. Pero la terapia ha llegado a su fin. Crumb tiene 68 años, vive felizmente aislado en una aldea francesa –aunque él prefiere que se escriba que vive en Albania, por eso de evitar cualquier conato de peregrinaje– con su mujer Aline, su hija Sophie y sus dos nietos, y ya no necesita llenar más hojas en blanco como hizo, obsesivamente, entre 1964 y 2011.


¿Por qué? Ni él mismo lo sabe. “La motivación ha ido menguando. Tú puedes pensar ‘Jo, ¡qué triste! Un artista con tanto talento. ¡Qué pena!’ Pero a mí no me da pena. Tengo 68 años. ¡He dibujado tanto en mi vida! ¡Tengo tantos libros!”. Por eso, quizás, ha accedido a seleccionar para Taschen –su fama de quisquilloso le precede– sus mejores trabajos en Robert Crumb. The Sketchbooks, 1982-2011, un estuche de seis volúmenes en edición limitada de 1.000 copias que acaba de publicarse y contiene 600 dibujos inéditos.


Y hay más. El próximo año Taschen editará otros seis volúmenes que abarcan el período 1964-1981. Pero ahí se termina todo. Lo explica Crumb, de su puño y letra, en la introducción del libro: “Claro, seguiré dibujando para ganarme la vida, es mi trabajo, pero ya no es la esencia de mi identidad. Ya no vivo mi vida sobre papel”.




The Little Guy That Lives Inside My Brain by R. Crumb

Tesoros underground

30 años, 1.344 páginas. El Crumb más clásico


Este estuche de seis tomos constituye la primera recopilación de bocetos de Robert Crumb impresos a partir de originales desde la serie de siete volúmenes en tapa dura publicada por la editorial alemana Zweitausendeins entre 1981 y 1997. A diferencia de la edición de Zweitausendeins, en la que se incluían todos los esbozos garabateados por el eminente artista underground, nuestra edición es una suerte de best of elaborada por el propio artista, siempre puntilloso, que recoge solo lo que este considera sus mejores creaciones e incluye cientos de dibujos de épocas más recientes, no contemplados en colecciones anteriores. En respuesta a la demanda de sus admiradores de material nuevo, Robert Crumb pidió que los tomos que cubren la segunda mitad de su carrera fuesen publicados primero. El volumen 1 abarca el periodo 1982-2011, mientras que el volumen 2 está consagrado al periodo comprendido entre 1964 y 1981.


Durante los últimos 20 años, Crumb ha reducido considerablemente su ritmo de producción, lo que hace que toda nueva creación tenga un considerable valor añadido. La presente colección, que recoge más de 600 dibujos inéditos creados entre 1996 y 2011, constituye una valiosa pieza de coleccionista, imprescindible para los admiradores de Crumb.


•El estuche ha sido creado con enorme atención al detalle en un tamaño y formato escogidos por el artista.
•Cada tomo consta de 224 páginas, lo que suma un total de 1.344 páginas del mejor Crumb.
•La obra incluye una introducción manuscrita por el artista.
•Cada ejemplar de esta edición limitada de 1.000 ejemplares que incluye una impresión en color de un original de Crumb firmada por el autor.


Sobre la editora:

Dian Hanson nació en Seattle en 1951. Durante 25 años produjo diversas revistas masculinas, incluidas Puritan, Juggs y Leg Show, antes de convertirse en 2001 en la editora de libros sexy de TASCHEN. Sus numerosos libros para TASCHEN incluyen Vanessa del Rio: Fifty Years of Slightly Slutty Behavior, Tom of Finland XXL y The Big Butt Book. Vive en Los Ángeles.


Sobre el artista:

Robert Crumb comenzó su trayectoria a fines de los años 1960 con Snatch, Zap y otros cómics contraculturales. Sus personajes el gato Fritz, Mr. Natural y Snoid se convirtieron en iconos instantáneos, pero fue la exploración compulsiva en su obra de sus fantasías sexuales con mujeres culonas y de piernas musculosas la que lo hizo más famoso. Objeto del premiado largometraje Crumb, hoy vive en el sur de Francia con su esposa, la artista Aline Kominsky-Crumb.


http://www.taschen.com/pages/es/catalogue/popculture/all/06341/facts.robert_crumb_sketchbooks_1982_2011.htm

miércoles, 19 de septiembre de 2012

Daniel Johnston / Exposición “Visiones simbólicas" en Caja Madrid de Barcelona




El Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona presenta “Visiones simbólicas. Una mirada al universo de Daniel Johnston”


21-07-2012
Autor: Redacción


Conocido sobre todo por su faceta como músico y su particular biografía, Daniel Johnston firma una obra gráfica marcada por sus obsesiones, pasiones, símbolos y angustias vitales.La muestra recoge muchos de sus dibujos, además de proyecciones y un documental de producción propia, para intentar ofrecer un perfil lo más completo posible del universo creativo del músico norteamericano   La exposición, la más completa del artista exhibida en España, llega al Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona el 13 de septiembre


Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona presenta, del 13 de septiembre al 11 de noviembre, la exposición "Visiones simbólicas. Una mirada al universo de Daniel Johnston".


La muestra está comisariada por Estela Aparisi e Iñigo Pastor, de Munster Records, en colaboración con  el ex-manager de Daniel Johnston, Jeff Tartakov, propietario de la colección que se muestra. A través de su música y sus dibujos e incluyendo diferentes puntos de opinión de su obra y su figura por parte de diferentes expertos en la proyección del documental, producido por La Casa Encendida, en la filmación se destaca que es un creador único, con una dura historia personal marcada por "el amor, la religión, los conflictos familiares, el sufrimiento y sus problemas psicológicos".


La exposición dibuja un retrato lo más completo y complejo posible de un personaje tan genial como vulnerable.


Una muestra que pretende acercar a todos los públicos la realidad de Daniel Johnston a través de su simbología. Su álter ego, La Rana Jeremiah, servirá de punto de partida e introducción para descifrar el resto de mensajes que esconden sus creaciones.



COLECCIONISTA Y EX MANAGER

Jeff Tartakov
 
Jeff Tartakov (Houston, Texas, EE. UU., 1957) se trasladó a Austin para estudiar en la University of Texas en 1975. Tres años después dejó los estudios para fundar su propio sello discográfico, Stress Records. En 1986 empezó a trabajar con Daniel Johnston, convirtiéndose en su mánager al año siguiente. Entre los años 1986 y 2000 su sello discográfico publicó catorce grabaciones caseras del artista en cintas de casete. Ávido coleccionista del arte gráfico de Daniel Johnston, mostró los dibujos de su colección en diversas galerías y museos de Europa y Estados Unidos. En 1999, a petición de Daniel, comenzó informalmente a gestionar su carrera como dibujante y continuó haciéndolo hasta 2005. Jeff trabajó también como horticultor de 1982 a 2001. Posee obras de arte originales de Jad Fair y Jon Langford, y prefiere escuchar discos de vinilo y casetes a archivos MP3.
 
 
ARTISTA

Daniel Johnston


Desde finales de los ‘80, Daniel Johnston (Sacramento, 1961) es una figura de culto. Un creador único con una historia personal dura y enternecedora, marcada por el amor, la religión, los conflictos familiares, el sufrimieny sus problemas psicológicos, temas que están indivisiblemente ligados a sus dibujos a lápiz y rotulador. Una faceta que lleva desarrollando desde finales de los ‘70, cuando grababa maquetas con una rudimentaria grabadora de casete en el garaje de su casa, antes de convertirse en una leyenda de la música indie. A pesar de todo el fenómeno que se ha creado a su alrededor y de su deseo de dar a conocer su trabajo, él habla de sí mismo como una persona normal, “un niño que olvidó crecer y que pasa todo el día escribiendo canciones y dibujando”.


 Exposición “Visiones simbólicas. Una mirada al universo de Daniel Johnston”

martes, 18 de septiembre de 2012

Soundgarden / King Animal



Soundgarden muestra el arte de tapa y tráiler de su nuevo disco "King Animal"


17 de septiembre, 2012, 21:10
Por Axel Marazzi


Soundgarden es una de las bandas ícono en el mundo del grunge y algunos de sus temas se convirtieron en verdaderos himnos. Aquel que se diga amante del rock y no se emocione con “Black Hole Sun” es un verdadero hereje y ahora la banda anunció el lanzamiento de su nuevo disco. No solo anunció cuál será el single sino también reveló el arte de tapa que llegó con tráiler y todo.


El vídeo, que tiene casi un minuto y medio de duración muestra una montaña cubierta de nieve y se puede escuchar de fondo un riff de guitarra. A medida que avanza el clip la nieve empieza a derretirse y las caras de los miembros de la agrupación aparecen en la montaña. Las imágenes terminan mostrando el arte de tapa de King Animal.


King Animal se trata de la primera producción de Soundgarden desde el año 1996, cuando presentaron Down On The Upside. Ese mismo año se separaron dejando un gran hueco en el mundo del rock y volvieron a reunirse en el 2010.

El lanzamiento está confirmado para noviembre del 2012 y algunas de las canciones que formarán parte del tracklist serán “Blood On The Valley”, “Been Away Too Long”, “A Thousand Days Before” y “Worse Dreams”.

Estas fueron las palabras de Cornell:

 
"Es complicado de describir. Es como que empezamos donde lo dejamos. Hay muchos sentimientos encontrados. Somos una agrupación donde cada uno de los miembros contribuyen musicalmente y eso nos convierte en muy diversos. Es un disco muy rico con muchos diferentes estados de ánimo."


http://cucharasonica.com/2012/09/soundgarden-muestra-el-arte-de-tapa-y-trailer-de-su-nuevo-disco


Soundgarden - King Animal (Trailer)


Soundgarden - Worse Dreams - King Animal (Trailer)

lunes, 17 de septiembre de 2012

Bob Dylan / Tempest



La tormenta perfecta

A los 71 años, Bob Dylan no se baja de la cumbre. Desde que a comienzos del 2000 volvió a grabar discos de temas propios con un sonido que parecía venir del futuro y del pasado al mismo tiempo, que hundía sus raíces en el blues y su larga descendencia americana, cada uno de sus discos son asombrosos: por su sonido, por su lírica, por su manera de reinterpretar la tradición para hacer algo nuevo y único. Ahora, en Tempest parece haber conjurado los mejores dones de esta etapa: con un sonido suelto, poderoso y sutil, unas letras cargadas de sentido y tragedia y una capacidad de captar la oscuridad del presente con metáforas, historias y versos de sorprendente naturalidad –incluida una alegoría de 14 minutos sobre el hundimiento de EE.UU. y del Titanic, un reflejo ácido de la codicia y un homenaje impresionante a John Lennon–.


TEMPEST, EL NUEVO DISCO DE BOB DYLAN
Domingo, 16 de septiembre de 2012
Por Pipo Lernoud


La madurez de un artista llega cuando está en pleno control de sus capacidades técnicas, pero no se nota. Cuando sus experimentaciones y sus exploraciones han dado paso a un flujo natural de creatividad, casi sin esfuerzo, como querían los maestros chinos de la dinastía Tang.

Bob Dylan es un artista maduro. Pero tiene una historia.

Fue uno de los grandes artistas del siglo XX. Lo comparan con Shakespeare, por la amplitud y diversidad de su obra, los personajes que la habitan, los muchos estilos de los que se adueña y transforma, las transformaciones que produjo en el lenguaje y en los giros cotidianos del habla popular, empapados de sus metáforas. Pero muchos prefieren equipararlo a Picasso: durante su reinado, lideró todos los cambios que se produjeron en el arte, siempre fue más lejos y más hondo que sus coetáneos.

La revista Newsweek fue aún más lejos: “Dylan es el Einstein de la cultura moderna”. Prácticamente transformó la música popular a partir de comienzos de los sesenta, y el mundo ya no volvería a ser el mismo. Cambió la manera en que vemos el universo que nos rodea y nos vemos a no-sotros mismos. Un día enchufó su guitarra Fender y, con un aullido, dijo: “Algo está pasando aquí y no sabemos qué es, ¡¿no es cierto, amigo?!”.

A partir de Dylan, el mundo dejó de tener interpretaciones rigurosas, verdades indiscutibles, etiquetas y títulos. Todo está en flujo, todo cambia, y vivir es navegar esos cambios.

No sólo en la música. No sólo Silvio Rodríguez, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso, Charly García, John Lennon o Kurt Cobain son hijos reconocidos de Dylan, también mucho del cine que vemos, la televisión que nos invade, las novelas que leemos, la ropa que nos ponemos. La cultura popular de la segunda mitad del siglo XX está empapada de Dylan.

Todo esto es mucho para llevar sobre las espaldas de una sola persona, y hubo épocas en que no pudo soportarlo. Cuando lo llamaron “el portavoz de una generación”, a los veintipico, alucinado, chocó con la moto y pareció que había muerto, que todo había terminado, desapareció del ojo público. Pero se fue para volver, descansado y sano, y batir otro record de vanguardismo: retomó sus raíces y disparó unos discos de folklore actualizado que hicieron que todos los rockeros cambiaran su sonido y en el proceso inventó un nuevo genero, el country rock.

Acaba de cumplir cincuenta años de carrera (en el verdadero sentido de la palabra carrera, de “¿quién me alcanza?”) y muchas veces, entre Oscar y Grammy, entre universidades que lo estudian y celebridades que lo cortejan, tuvo que volver a esconderse, como le gusta decir, “en algún patio trasero de la casa de un amigo, donde crecen los yuyos y tienen su madriguera las ardillas”.

Dylan se construyó una alarma interna, una válvula de seguridad que se dispara cuando el show business o la fama lo están afectando. Parece decir: “Cuando perdés la dirección de tu búsqueda, no mires hacia atrás tratando de recordar cuál era tu camino; mirá para adentro. Andá más hondo, aceptá con más crudeza lo que te pasa, porque ésa es la materia de tu arte”.

Ir más hondo para Dylan es ir a las raíces, a la música que lo prendía fuego en su adolescencia, los viejos negros bluseros y las interminables historias del folklore. Es un chico del interior, criado en Hibbing, un pueblo del helado norte destruido por la minería, casi borrado del mapa. Y siempre se sintió incómodo con las luces del centro, la sofisticación de Nueva York, el glamour de Los Angeles. Aunque fue el más moderno de los modernos y se peinó con los pelos parados antes que nadie, aunque todos imitaran sus saquitos de diseño y sus botitas altas, el mundo del espectáculo no es lo suyo. Un hombre parco y hosco, que no dice una palabra sobre el escenario mientras las multitudes lo adoran, un flaco desgarbado y con cara de pocos amigos, que llega a Buenos Aires y pregunta dónde puede ir a practicar box, antes de escupir sobre el escenario decenas de obras maestras con un rictus que es lo más alejado de la habitual sonrisa de dentífrico de los famosos de turno.

Doblando el codo del milenio, ya un hombre mayor de voz gastada y movimientos lentos, Dylan ha vuelto a brillar con una claridad cegadora. ¿Cúal es la temática de un rockero de setenta años? No va a repetir la consabida “Nena, qué linda sos, vamos a bailar” que ya demolió con sus canciones inspiradas en Rimbaud y los surrealistas, allá por el ’65. No va a hablar del circo beat en el que están metidos los rockeros famosos, porque ya escapó del reality fabricado por los medios. Va a hablar de lo que significa volverse viejo: ser más sabio, tal vez, más experimentado, seguro. Pero también lleno de miedos y torpezas, encerrado en este cuerpo que se escapa, viendo esta película interna del carnaval del mundo, que ha visto pasar, durante tanto tiempo... “No está oscuro todavía”, dijo hace unos años en una canción conmovedora. “Sólo estoy tratando de llegar al cielo antes de que cierren la puerta.”

En la última década, Dylan puso en práctica la máxima de hierro que forjó en el Di Tella nuestro maravilloso Federico Peralta Ramos: “Lo que no está dentro tuyo, no te pertenece”. Y Dylan, uno de los hombres más ricos del show business, dueño de mansiones y ranchos en diversas partes de Estados Unidos, se embarcó en una Gira Interminable. Viviendo en ómnibus y hoteles de pueblo, pasando ciudades como cuentas de un collar, durmiendo, comiendo y cantando, durante años. Porque lo que está adentro suyo son las canciones, no las mansiones y los ranchos. Lo que le pertenece son las palabras, los sonidos, los sentimientos que muestra, sobre el escenario, siempre nuevos, un día tras otro. “Eso es lo que sé hacer”, se justifica Dylan. “I am just a song and dance man.”

Y aquí es donde entra a jugar lo del artista maduro, casi a pesar suyo, que no se considera ni artista ni maduro. Dylan acaba de sacar un disco sólido como una roca, y furioso como un relámpago. Por algo se llama Tempest, tempestad, en disimulado homenaje a la última obra de Shakespeare, en la que las olas van acumulando en la playa de un nuevo mundo los restos del naufragio del viejo. Para contar ese naufragio, Dylan ha vuelto a las raíces otra vez. Regresó a lo que fue, hace cuarenta y cinco años, la palanca con la que movió el mundo: largas canciones exquisitamente tocadas sobre las que se explaya una interminable historia de fracasos, mentiras, esperanzas. Lo de siempre, dicho así, pero con varias vueltas de tuerca. Su voz ya no es el gangoso y monocorde lamento de su juventud, es la ronca confesión de un tipo que las vivió todas, y casi no le queda voz para contarlas. Las canciones son redondas, de melodía perfecta, sostenidas por un tejido sonoro asombroso, llevado adelante por los piratas que lo acompañaron aquí, expertos en sus instrumentos, puestos en función de la palabra, acolchonando las elaboradas creaciones de un maestro que, parece cosa e mandinga, todavía tiene muchísimo para decir.


http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-8232-2012-09-17.html


Bob Dylan - Tempest (2012)

domingo, 16 de septiembre de 2012

Festival Internacional In-Edit Beefeater de Barcelona / 2012 Edición 10º Aniversario



In-Edit rinde tributo a Julien Temple

Ya conocemos el grueso de la programación para la décima edición del Festival Beefeater In-Edit de Barcelona, que se celebrará del 25 de Octubre al 4 de Noviembre. Será pues una edición especial -llegar a los diez años de vida con el documental musical como leit motiv ya es un motivo de satisfacción que contará con varias novedades, algunas anunciadas hace ya varios días y otras pendientes de confirmación.

Shook Down 14/09/2012
Por Rubén Izquierdo


El Beefeater In-Edit llega a su décima edición con su propuesta más que consolidada, pasando de los 1.200 espectadores de la primera edición a los 32.000 de la última. La muestra alcanza en esta edición los 60 documentales musicales repartidos entre su Sección Oficial y las demás. La décima edición del In-Edit rinde tributo a Julien Temple, dentro de su sección Made In London.

Celebrar una cifra redonda como esta, sobre todo en un año tan complicado para el sector cultural como el que estamos atravesando, supone un evidente motivo de celebración, máxime cuando el Festival ha venido mostrando una evolución continuada a lo largo de los últimos años, pasando de los 1.200 espectadores de la primera edición a los 32.000 que se dejaron caer el curso pasado, evolución que se aspira a mantener equilibrada con una programación sólida en la que las secciones habituales se alternarán con las novedades previstas para la presente edición.

Buena parte del Festival se seguirá llevando a cabo en el Aribau Club y la Sala 5 del Multicines Aribau, quedando el Área Pro fijada en el Pulitzer y el Regina, y las actividades paralelas en el Auditori Blanquerna. La Filmoteca de Catalunya, por último, acogerá del mismo modo alguna proyección puntual

Si en las diferentes secciones del In-Edit encontraremos variedad de estilos y temáticas, la Sección Oficial no podía ser una excepción. El grueso de films que competirán en la misma, como Grandma Lo-fi, de la que dejamos trailer, marcan la hoja de ruta de la presente edición, Dejamos las respectivas sinopsis, extraídas del Programa Oficial.




Art Will Save The World. A Film About Luke Haines

Niall McCann / Irlanda / 2011 / 70’

Suspenso de popstar. El alma de The Auteurs y Black Box Recorder reconstruye el purgatorio de su carrera en un hilarante documento que defeca sobre cada aspecto del negocio pop. Ironía, ideas, misantropía, autosabotaje… Oh, y un montón de denuestos.

Art Will Save the World: A Film about Luke Haines (2011) - Trailer





Grandma Lo-Fi: The Basement Tapes Of Sigrídur Níelsdóttir

K.Björk,O.Jónsson,I.Birgisdóttir / Islandia, Dinamarca / 2011 / 62’

Una abuela do-it-yourself. Doña Níelsdóttir lleva desde sus 70 grabando discos caseros de extraño naíf-pop. Múm, Mugison y otros músicos finlandeses loan su inspiración y narran su vida en un documental hogareño y detallista como un retal de punto de cruz.


Grandma Lo-fi: The Basement Tapes of Sigrídur Níelsdóttir (Official Trailer) (2011)






Searching For Sugar Man

Malik Bendjelloul / Suecia, Reino Unido / 2011 / 85’

Rodríguez, el Dylan hispano, graba dos discazos de 60’s folk-rock protesta y se esfuma mientras sus canciones son #1 en Sudáfrica. ¿Vive aún? Detectives y fans se unen para resolver el misterio en un trabajo más trepidante que un filme de aventuras.

Searching for Sugar Man - Official Trailer (2011)





Shut Up And Play The Hits

Dylan Southern, Will Lovelace / Reino Unido / 2011 / 108’

Una muerte controlada. Aquí James Murphy, el rockstar más improbable de la historia, una semana antes de su concierto de despedida. Cascada de hits en directo se entrelazan con la cotidianidad del autor y su humilde percepción del grupo (y cómo finiquitarlo).


Shut Up and Play the Hits - Official Trailer (2011)




Sunset Strip

Hans Fjellestad / EE.UU. / 2012 / 100’

No era una calle cualquiera. La saga de una arteria central del entertainment que ha visto brillar al viejo y nuevo Hollywood, el punk, el metal y los agitados 60’s. Sharon Stone, Slash, Johnny Depp y muchos más celebran su influjo desde 1906 a hoy.


Sunset Strip - By Hans Fjellestad - Official Trailer (2012)





The Punk Syndrome

J.Kärkkäinen, J.P. Passi / Finlandia / 2012 / 85’

Cuatro finlandeses con capacidades diferentes forman un grupo punk. Se llaman Pertti Kurikan Nimipäivät: ellos pelean, beben café y protestan sobre ir al pedicuro. Un duro pero afectuoso homenaje a la “anormalidad” que es también una reflexión sobre respeto y justicia.


The Punk Syndrome - Jukka Kärkkäinen & J-P Passi - Official Trailer (2012)




Cure for Pain: The Mark Sandman Story

Robert Bralver / United States / 2010 / 84 min.

Un documental sobre la pérdida. El bajista de Morphine buscó domar la pena del fallecimiento prematuro de dos de sus hermanos hasta que la muerte le sorprendió a él en directo. Su vida y tragedia se explican aquí de forma tan dolorosa como su música.

Cure for Pain: The Mark Sandman Story (Official Trailer) (2010)






London : The Modern Babylon

Julien Temple / United Kingdom / 2012 / 125 min.

Armado de humanismo, Temple consigue condensar la esencia del vórtice del mundo, Londres, remezclando su poti-poti: cockneys y lords, sufragettes y punks, judíos anarquistas y bailes, de la era victoriana hasta los disturbios del 2011. Insuperable.

London - The Modern Babylon - Official Trailer (2012)






Marglytta. A music documentary based on Litoral

Sergi A. Minguell / Spain / 2012 / 73 min.


“Lo que cantamos es verdad”. Un grupo de folk-feliz catalán se pasea por el mundo (Islandia, Inglaterra, Francia) celebrando su charanga. Un grupo de amigos, de paella y barbacoa, que llega lejos. Hay conflicto, pero poco; el resto: alegría y belleza visual.

Marglytta: The Icelandic Teaser -   A music documentary based on Litoral - Trailer (2012)





The White Stripes: Under Great White Northern Lights

 Emmett Malloy / United States / 2009 / 93 min.

Placer visual y banda visual, este filme se pega al dúo en el transcurso de una inusual gira por el Canadá profundo. Tocando por sorpresa, compartiendo escenario con niños, teorizando sobre banda y vida... Un ambicioso trabajo realizado con placer obvio

The White Stripes: Under Great White Northern Lights - Trailer (2009)



http://www.shookdown.es/2012/09/14/julien-temple-homenajeado-en-la-decima-edicion-del-in-edit/

viernes, 14 de septiembre de 2012

Led Zeppelin / Celebration Day Concert at London's O2 Arena 2007



Led Zeppelin editará "Celebration Day"

El album contendrá el vídeo del famoso concierto que ofreció la banda de rock británico en el estadio O2 de Londres en diciembre de 2007, ante sólo 18.000 seguidores

10:11 am 13-Sep de 2012|EFE

Led Zeppelin publicará el próximo 20 de noviembre "Celebration Day", un álbum que contendrá el audio y el vídeo del famoso concierto que ofrecieron en el estadio O2 de Londres en diciembre de 2007 tras más de 27 años sin tocar ante el público.

Warner Music se hizo eco este jueves de esta noticia, develando al fin el contenido del misterioso anuncio que durante los últimos días había rodeado a esta banda señera de rock británico, compuesta por John Paul Jones, Jimmy Page, Robert Plant y Jason Bonham (hijo del fallecido batería John Bonham) y responsable de éxitos como "Rock And Roll" y "Stairway To Heaven".

Según recuerda la discográfica, unos 20 millones de personas intentaron conseguir entradas para aquel evento único, organizado como homenaje a su amigo y fundador del sello Atlantic Records Ahmet Ertegun.

Finalmente solo 18.000 seguidores pudieron disfrutar "in situ" de aquel concierto de más de 2 horas y 16 canciones de su amplio repertorio, que a partir de ahora estará disponible también en varios formatos para todo el público.

Los temas incluidos son: "Good Times Bad Times", "Ramble On", "Black Dog", "In My Time Of Dying", "For Your Life", "Trampled Under Foot", "Nobody's Fault But Mine", "No Quarter", "Since I've Been Loving You", "Dazed And Confused", "Stairway To Heaven", "The Song Remains The Same", "Misty Mountain Hop", "Kashmir" y "Whole Lotta Love".

Está previsto que la película de "Celebration Day" se estrene a nivel mundial con 1.500 proyecciones en mas de 40 países el próximo 17 de octubre. Las entradas se pondrán a la venta el 13 de septiembre en ledzeppelin.com.


http://www.el-nacional.com/noticia/52154/21/led-zeppelin-editara-celebration-day.html


Led Zeppelin - "Celebration Day" - Official Trailer

jueves, 13 de septiembre de 2012

Ry Cooder / Election Special: The Anger, Scathing Humour And Brave Protest



El blues electoral de Ry Cooder

El músico californiano lanza su disco más político a tres meses de los comicios estadounidenses

Fernando DÍAZ DE QUIJANO | Publicado el 21/08/2012

Entre los méritos de Ry Cooder (Los Ángeles, 1947) destacan haber rescatado del olvido a unos magníficos músicos cubanos, reunidos para disfrute del mundo entero en el proyecto Buena Vista Social Club, y ser un auténtico maestro del slide guitar, como demostró en la aclamada banda sonora de Paris, Texas. Ese llanto metálico, epítome del desierto y la América profunda, es la huella inconfundible que Cooder ha dejado también, como músico de estudio, en los discos de artistas como Captain Beefheart, Little Feat, Randy Newman, Ali Farka Touré, Taj Mahal o los Rolling Stones.

Como solista, Cooder ha combinado sus dotes de autor con las de folclorista, recopilando canciones de la tradición norteamericana y tocando todos sus palos: blues, country, folk, rock and roll, jazz, soul, gospel... y fue incluido por la revista Rolling Stone en el octavo puesto de la lista de los cien mejores guitarristas de la historia.

Gran conocedor de las músicas del mundo, Cooder ha cultivado muy a menudo los géneros y temas de la música latina. Así, muchos de sus discos incluyen canciones en español, que a menudo tratan sobre el estilo de vida y las dificultades de la comunidad chicana de Estados Unidos. Tal es el caso de su disco de 2005 Chávez Ravine, que toma el nombre de un barrio latino de Los Ángeles que fue demolido en los años 50. Más de la mitad de las canciones del disco son cantadas en español por músicos hispanos del este de la ciudad, como Lalo Guerrero, transitando géneros como la ranchera, el corrido y la rumba cubana. Entre los colaboradores de este LP figuraban también músicos de la talla del pianista Chucho Valdés. Aunque, sin duda, su mayor contribución a la música latinoamericana fue la producción del disco Buena Vista Social Club, del colectivo homónimo, un grupo de excelentes músicos cubanos de edades comprendidas entre los 60 y los 80 años, que vivían retirados y olvidados en distintos puntos de la isla. El disco fue aclamado unánimemente por la crítica internacional y el proyecto continuó su andadura con nuevos discos y colaboraciones con otros músicos de todo el mundo, aunque aquello le trajo serios problemas a Cooder en EEUU por “hacer negocios con el enemigo”.

Aunque la música de Cooder siempre ha tenido un fuerte componente social, con su último disco de estudio, Pull Up Some Dust And Sit Down (2011), el músico se zambulló en la crítica política a ritmo de folk y country. Los banqueros y los tiburones de Wall Street se llevaron la peor parte: en “No Banker Left Behind”, el trovador imaginaba su huida del país con el dinero de todos a bordo de un tren repleto de champán y cócteles de gambas; en “El corrido de Jesse James”, el mítico forajido se indigna desde el cielo y les espeta: “I was branded as a bandit and bank robber, but I never turned a family from their home” (“Fui tachado de bandido y atracador de bancos, pero nunca privé a una familia de su hogar”). En “Dirty Chateau” volvía a tratar el tema de la inmigración mexicana, esta vez con la historia de una empleada del hogar.

Ahora, cercanas las próximas elecciones a la presidencia de Estados Unidos, vuelve el Cooder más político para tomar partido por los demócratas. En Election Special, lanzado internacionalmente este martes por Warner/Perro Verde, el trovador californiano nos trae otro puñado de sátiras sobre la política estadounidense, inspiradas por las noticias del día a día. Cooder ha escrito todas las canciones y ha producido el disco, en el que toca la guitarra, el bajo y la mandolina, acompañado por su hijo Joachim a la batería.

El primer corte del álbum cuenta la historia del perro del candidato republicano Mitt Romney, que fue atado por su amo al techo del coche durante un viaje. El hecho se convirtió en un escándalo cuando trascendió a los medios. Hay otra canción dedicada al movimiento Occupy Wall Street, la versión estadounidense del 15-M, y otra sobre la cárcel de Guantánamo. Pero en el blues Cold Cold Feeling, le da un respiro a los políticos: Cooder imagina a un presidente deambulando por la Casa Blanca, abrumado por la pesada carga que supone dirigir un país. Porque "si nunca has sido presidente, no sabes cómo se siente".

http://www.elcultural.es/noticias/ESCENARIOS/3620/El_blues_electoral_de_Ry_Cooder



Mutt Romney Blues - Ry Cooder - Election Special -  Nonesuch/Warner (2012)

lunes, 10 de septiembre de 2012

Atoms for Peace / Default


Atoms for Peace presenta “Default” su nueva canción

Publicado por Javier Nuñez | Sábado 8 de septiembre de 2012 - 7:40 horas

El supergrupo Atoms for Peace acaba de publicar un nuevo single titulado “Default”, un anticipo de su primer álbum que sería editado en 2013.

La banda conformada por el vocalista Thom Yorke (Radiohead), el bajista Flea (Red Hot Chili Peppers), el guitarrista Nigel Godrich (productor de Radiohead desde OK Computer), el percusionista Mauro Refosco y el baterista Joey Waronker presenta esta canción luego de casi tres años de haberse presentado juntos por primera vez en vivo, cuando Yorke mostró su álbum solista The Eraser (2006).

“Ya habrás escuchado que tengo un nuevo proyecto llamado Atoms for Peace… descubrimos un montón de energía al transformar la música de electrónica a viva. Mucho después lo hicimos por algunos días, en el estudio, y decidimos hacer un proyecto alterno”, expresó el músico en el sitio oficial de Radiohead, además de confirmar que el próximo año se publicará el primer disco del conjunto a través de XL Recordings.

En tanto, Radiohead entre septiembre y octubre estarán en terreno europeo, mientras que en noviembre concretarán seis shows confirmados en Australia y Nueva Zelanda.



Atoms for Peace -  Default

sábado, 8 de septiembre de 2012

Byard Lancaster / Philadelphia Avant-garde Jazz Legend



Byard Lancaster: Philadelphia Avant-garde Jazz Legend, Passes Away

Philadelphia, PA
08/26/12 2:21 am

Philadelphia jazz legend Byard Lancaster passed away on Thursday after suffering from pancreatic cancer. Lancaster was a master saxophonist and flautist who performed with many other of his better known jazz contemporaries such as Archie Shepp, Elvin Jones, Sunny Murrary, McCoy Tyner, Khan Jamal and Sun Ra. He traveled the world as an ambassador of free form avant-garde jazz spreading the word of Philadelphia music, but always returned home to perform in the streets, clubs, and subways.

Lancaster was born on August 2, 1942. He attended Germantown High School and played in the school orchestra. He attended Shaw University in NC and Berklee College of Music in Boston. In addition to saxophone and flute, Lancaster played the clarinet and piano. He brought that versatility with him to his performances, sliding effortlessly between genres like funk to avant-garde to straight jazz, just as easily as he could switch instruments.

In the past 10 years, Lancaster took up the cause against SEPTA for street musicians winning the right to play on the concourses. Lancaster enjoyed playing in the subway for the acoustics, the people, and the extra cash, but he was arrested twice for playing in the public space. He sued both times, in 2001 and 2003, and won each time on First Amendment claims. SEPTA changed their policy so that no musician would be arrested just because they are singing or playing an instrument. City Council even backed his cause calling him a “cultural treasure.”

Lancaster was a big proponent of teaching music in schools. Musical education, he believed, was a key to reducing violence in school.

Byard Lancaster's music is part of the fabric of the city of Philadelphia. He will be sorely missed but his legacy and spirit has made an indelible mark on our culture. Lancaster was 70 years old.

Byard Lancaster (August 6, 1942 – August 23, 2012)

http://iradiophilly.com/conversation.php?idConversation=1412


Byard Lancaster - John's Children -  It's Not Up To Us (1968)

Byard Lancaster - Just Test  - Funny Funky Rib Crib (1974)

viernes, 7 de septiembre de 2012

Ornette Coleman / Ornette: Made in America A Film by Shirley Clarke



Ornette Coleman’s Big Adventure

August 29, 2012

By Richard Brody

The restoration and reissue of “Ornette: Made in America,” Shirley Clarke’s 1985 portrait of Ornette Coleman, the saxophonist whose recordings and performances in the late fifties and early sixties were among the most liberating avant-garde breakthroughs in the history of jazz (and who, happily, is still performing, at the age of eighty-two), is cause for celebration—both for its value as a movie and for its exploration of Coleman’s art. I’ve got a capsule review in the magazine this week about the movie (above is a clip). There’s a lot more to say about it, particularly regarding the way that Clarke uses video technology and dramatic reconstructions to evoke Coleman’s way of thinking, but here I’d like to focus on Coleman’s music—which I’ve been passionate about since I was in high school, in the seventies, and still listen to enthusiastically—while noting the ways in which the movie contributes to a better understanding of the music.

One way into Coleman’s music is to think of it as avant-gutbucket. Hailing from Fort Worth (which figures prominently in the film, as in the clip ), he got his start in rhythm and blues and the blues are, conspicuously, at the forefront of his achievement. (In the movie, he speaks warmly of another son of the city, King Curtis, who, having made a fortune from a more popular strain of bluesy jazz, picked Coleman up in New York with his Rolls-Royce.) The forbidding harmonic intricacy of bebop sparked several responses in the fifties, but Coleman’s was the most radical. He threw out the chord changes, famously excluding pianists from his primordial groups, thus eliminating “comping,” or chord-prompting that kept soloists in line, and played music that often had the furious speed of bop but lacked its tonal anchors. His melodies and solos were filled with catchy bluesy riffs and soul-chilling cries, but he shifted notes (or, rather, from pitches) without regard for traditionally recognizable relations of consonance.

That’s why, when he came to New York, in 1959, Coleman was instantly considered an enfant terrible who brazenly imported something like atonality into jazz. But what really made his style catch on was that his phrases were, in fact, fluently, melodically, catchily, deep-in-the-bone singable—close in feel to the primal wails of blues singers. Coleman wasn’t so much against harmony as he was questioning it; wasn’t opposed to chords (he employed marvellous bass players, including Charlie Haden, who’s seen in this clip) but to constraints; and, as his solos took flight, they were received as signal acts of modernism, exposing the conventions of jazz while defying them, turning jazz performance into an act of spontaneous thought, constant musical invention, and self-questioning. What made his 1959 performances seminal moments of free jazz was the very idea of freedom that they embodied.

The boxed set of recordings that Coleman made for Atlantic between 1959 and 1961 is a cornerstone of jazz history. If I was constrained to pick one album, it would be the first “The Shape of Jazz to Come,” which opens with the frenetic quadruple-time dirge “Lonely Woman,” one of the most covered jazz compositions, and includes the fragmented “Focus on Sanity,” the lyrical “Peace,” and two loping rockers that highlight Coleman’s emotionally straightforward sense of swing. My second choice would be “This Is Our Music,” featuring the rollicking jitter of Ed Blackwell’s drumming. (Sample “Blues Connotation” for the tuneful pole of Coleman’s playing, sample “Folk Tale” for the unmoored and impulsive one.)

At the end of the clip, Coleman, tells his son, Denardo, “What really makes me want to play music is when I really hear an individual thought pattern placed in an environment to make something actually come about that is not an obvious thing that everyone is doing.” It’s a serious remark that gets to the heart of Coleman’s project—context is essential to his music. His style of playing hasn’t changed drastically since he got started, but his music has nonetheless evolved greatly by means of his changing groups and settings. He emerged with a quartet featuring the trumpeter Don Cherry, plus the bassist Charlie Haden and the drummer Billy Higgins, then Blackwell and the short-lived bassist Scott LaFaro; he then jettisoned the quartet for a trio (David Izenzon and Charles Moffett). A live 1962 performance points far ahead, with a twenty-three minute excursion through a labyrinth of tones, themes, tempi suggests the search for an even more fluid musical framework as well as a string quartet, composed by Coleman, that suggests the growing desire to shift contexts drastically and bypass the traditions of jazz altogether.

Two wonderful volumes of that trio, live from Sweden in 1965, are available, and the sound is much better than the 1962 issue. The second volume (which has the exquisitely tender “Morning Song” and “Antiques”) features a cut with Coleman playing violin and trumpet, neither of which is really his instrument. But, of course, he does indeed play them, and the very notion of performing on instruments on which he’s less than a complete master is a conceptual act of a high order. He was creating sounds that owe less to virtuosity than to gesture, less to skill than to will. Though the lack of variety and nuance makes his brevity on them welcome, those instruments and the sound he conjures with them have became a small but crucial part in his music.

The following year, he took an even stranger leap into the conceptual: he replaced his drummer with his son, Denardo, who was ten years old, for the album “The Empty Foxhole”—six tracks, three on alto, two on trumpet, one on violin. Coleman made himself, in effect, into as much of a beginner as his son was. The video clip above shows them performing together two years later, in 1968. The results were remarkable, precisely because, as Denardo was finding his way into his instrument, the role of the drums became more ornamental and coloristic. (This compilation includes two tracks from it, “Zig Zag” and “Good Old Days.”) Within a few years, the rumble and bash of Denardo’s drumming became one of Coleman’s constants (they play together to this day), and one of Coleman’s best albums, “Crisis” (sadly unavailable), live from N.Y.U. in 1969, displays the emotional range of his newly protean group concept.

The orchestral composition “Skies of America,” recorded in 1972, is also performed by Coleman and his band in Clarke’s film. That group went through a drastic change in the mid-seventies: Coleman added electric guitars (including that of James “Blood” Ulmer), electric basses, and sometimes a second drummer, but, despite the rockish tones, the music is as adventuresome and free as ever. He called this group Prime Time; they’re in the film, but most of their finest albums (including “Of Human Feelings” and “In All Languages”) are unavailable. There are some wonderful video clips floating around (here’s one from Germany in 1978 and one from Montreal in 1988). The first recording he made with this group, “Dancing in Your Head,” is still a shock (it includes performances he gave in Morocco with Joujouka musicians, a story that Clarke tells). For all the recording’s electrical energy and off-kilter harmonies, it’s centered on an almost childlike ditty that has remained something of an obsession of Coleman’s for more than forty years.

One of the crucial revelations of Clarke’s film is the utopian aspect of Coleman’s music. The progression from a quartet to a string quartet to a symphony orchestra to a rock band is only a small part of his striving to take the music out of its original context in clubs and studios. The movie documents a satellite-video project, an attempt to turn an abandoned school on Rivington Street into an art space, and a performance in a geodesic dome (Coleman cites Buckminster Fuller as a lifelong hero). Music is a subset of sound, which is a subset of life, and Coleman’s implicitly philosophical ambition has always been to make explicit the unified field of creation and of life. Interviewed in this magazine in 1960, he said, “It’s the hidden things, the subconscious that lies in the body and lets you know: you feel this, you play this.”

Childhood recollections and sophisticated theories, electronics and primal cries, silent reflections and collective revelries, symphonic grandeur and down-home mother—for Coleman, music has never been quite enough to contain and to reflect the unfathomable depths of his experience. He has been performing furiously all his life even while clawing at the scrim that music has placed between him and others. It’s exactly this tension, the striving toward immediate and terrifyingly risky connections, that has made Coleman’s music more than music, and has made him one of the great creative adventurers of the century.

http://www.newyorker.com/online/blogs/movies/2012/08/ornette-coleman-on-disk-and-screen.html

Ornette: Made in America : A Film by Shirley Clarke (Official Trailer)